星間空間

星間空間
スタジオアルバム​ ジョン・コルトレーン
リリース	1974年9月 ( 1974-09 )
記録済み	1967年2月22日
スタジオ	ヴァン・ゲルダー(イングルウッド・クリフス)
ジャンル	フリージャズ
長さ	36 : 27
ラベル	インパルス！
プロデューサー	ジョン・コルトレーン
ジョン・コルトレーンの年表
日本公演 （1973年） 星間空間 （1974） アフリカ/ブラスセッション、第2巻 （1974）

『インターステラー・スペース』は、アメリカのジャズサックス奏者ジョン・コルトレーンがドラマーのラシッド・アリをフィーチャーしたスタジオアルバムである。1967年^[1]に録音され、1974年9月にインパルス・レコードからリリースされた^。[2]

『Interstellar Space』はドラマーのラシッド・アリとの4部構成のデュエット 組曲で、^[2]ヴァン・ゲルダー・スタジオで1967年2月22日に録音された。 ^[2]これは『Stellar Regions』 （アルバム『Expression 』にも収録されている曲「Offering」^[4]を含む）を制作したセッションの1週間後であり、また『Expression』にも収録されている曲「Ogunde」と「Number One」 ^[5]を制作したセッションの約2週間前である。『Stellar Regions』と『Interstellar Space』の素材には重複する部分がある。例えば、「Venus」は『Stellar Regions』のタイトル曲と同じメロディーであり、^[4]「Mars」は後に「Iris」として知られる曲のメロディーを引用しているほか、多くの音符の選択や連続音が似ている。

オリジナルアルバムには、「Mars」（ABC/パラマウントのセッションシートでは「C Major」と題されていた^[6]）、「Venus」（セッションシートでは「Dream Chant」と題されていた^[7]）、「Jupiter」、および「Saturn」の4曲が収録されていた。 ^[8]このセッションからのさらに2曲、「Leo」と「Jupiter Variation」は、後に1978年のコンピレーションアルバム「Jupiter Variation」^{に収録された。 [8] 2000年のCD再発盤には、CDの}プレギャップにある「Jupiter Variation」の誤った開始部分を含め、セッションのすべてのトラックが収録されている。

ベン・ラトリフによると、『インターステラー・スペース』は「最小限の計画」で、^[9]「アリにとってはルディ・ヴァン・ゲルダーのスタジオへの定期的な訪問のように見えた時に起こった。アリは友人のジミー・ヴァスと一緒に到着し、他のバンドメンバーがいることを期待したが、そこには誰もいなかった。」^[10]ラトリフは次のようなやり取りを語った。

「誰も来ないのか？」[アリ]はヴァスに言った。すぐにコルトレーンが到着した。/  「誰も来ないのか？」彼はコルトレーンに言った。/  「いや、君と僕だけだ。」  /「何を演奏するんだ？速いのか？遅いのか？」  /「君の好きなように。さあ。ベルを鳴らすよ。8小節のイントロをやってもいいよ。」^[11]

ラトリフは「彼らはレコードを一発で録音した。アリは完全に落ち着くことができず、すべてが彼を動揺させたと言っている。彼はまだ、もっと準備していればもっとうまくできただろうと感じている」と書いている。 ^[11]後にアリはこう振り返っている。「あの音楽がどこに向かっていたかはほぼわかる。彼はそれをうまくコントロールしていた。彼が向かう方向を本当に物語っていた。あのレコード[ Interstellar Space ]は彼が最後に手がけた作品の1つだ。それは本当に聴くべきものであり、感じるべきものだ。ミュージシャンたちは今、この種のものの演奏に目を向け始めたところだ。」^[12]

インターステラー・スペースは1974年9月にインパルス・レコードから発売された。^[20]ローリング・ストーン誌の当時の批評で、音楽ジャーナリストのスティーブン・デイビスはアルバムを「明らかに驚異的」と呼び、アリがコルトレーンの神秘的なアイデアを完璧に引き立てていると評価した。「彼はトレーンから噴出する容赦ないエネルギーのほとばしりを突飛に返しており、その結果、アリが地下の響きを提供し、テナーが音のシャワーのように爆発するという2人の男の火山活動が生まれた。」^[21] ロバート・クリストガウはヴィレッジ・ヴォイス誌のコラムで、デュエットに驚嘆したと書いている。「集中するまではうるさいように聞こえるが、集中するとやり取りがペースと形を取り、探求されている音楽的アイデアとはほとんど関係のない比喩的な含意を持つようになる。」^[19]

オールミュージックのジャズ評論家スコット・ヤノウは、インターステラー・スペースの拡張CD再発盤のレビューで、伝統的なジャズの伴奏なしで即興演奏するコルトレーンの才能を示す、変幻自在で感情的なデュエットを備えた「やや難解ではあるが刺激的な音楽」と評した。^[13]タイニー・ミックス・テープスは、「激しいフリージャズの反芻」は他のアルバムであるジャイアント・ステップス（1960年）や至上の愛（1965年）ほど重要ではないが、多重音技法、倍音、アルティッシモ音の理解と把握など、コルトレーンの精神的および様式的な成長をよりよく要約していると書いている。^[22]ダウンビート誌によると、インターステラー・スペースはコルトレーンがよりスピリチュアルな音楽に適用した形式的原則を最もよく例示している。 ^{[14]一方、}オール・アバウト・ジャズのデレク・テイラーは、エルヴィン・ジョーンズなどとの以前のデュエットとは一線を画す、最も重要なレコーディングの1つと呼んだ。

アリは、地上のリズムの境界を捨てて未知の領域へと進路を定めることにさらに意欲的なドラマーだと考えた。これらのデュエットでは、サックス奏者のアリは最も本能的な演奏を披露し、圧倒的な自信と、時には神聖で優しい響きを醸し出している。アリの絡み合う汎リズムパターンは、音楽を熱烈に前進させながら、包み込み、抱擁する。^[23]

ベン・ラトリフはアルバムについて次のように述べている。「コルトレーンは音楽を指揮し、音楽が途中で狂乱状態に陥っても、静かなところで始まり、終わる。これはショービジネスではなく、ヒッピーショービジネスでさえない。ほとんど修道院のレコードだ。各曲はコルトレーンが振る鐘で始まり、終わる。曲は、硬く断片的なフレーズから流れるような下向きの12音階まで、表現の幅が広く、非常に速く、非常に明瞭に演奏されるため、足元から床が抜け落ちるような物理的な感覚を与える。これは、彼がハープに興味を持ち始め、速いアルペジオで表現し始めた1958年に彼を連れ戻す。これは、さらに優れた音のシートである。」^[11]

エリック・ニセンソンは、この曲のタイトル「星間空間」は「コルトレーンがベースやピアノの重力に左右されずに自由に即興演奏できる点で、まさにぴったりだ」と書いている。「火星」、「木星」、「金星」、「土星」という曲名は、コルトレーンの占星術への関心を反映している。コルトレーンは占星術を、宇宙の流れを人間の行動に関連付ける複雑なシステムとして高く評価していた。この曲は、アインシュタインと現代物理学の研究から得た、宇宙は常に膨張しているという考えを体現している。ハーモニーや拍子の制約から解放されたメロディーとリズムは、心に光のショーを創り出す。爆発する星、広大な宇宙を駆け抜ける彗星、すべての星と惑星の絶え間なく続く膨張運動が見えるのだ...。これらのサックスとドラムのデュエットは、「カウントダウン」や「ヴィジル」といったコルトレーンの作品の伝統を受け継いでいる。違いは、ラシード・アリのリズムの大きな自由さであり、コルトレーンが無理に前に進むことなく、このリズムの世界を自由に探求できるという点である...コルトレーンの濃密で熱狂的な演奏は、時として「シーツ・オブ・サウンド」時代を彷彿とさせ、リスナーに純粋な音に包まれるような効果をもたらす。しかし、以前の音楽との違いの方がはるかに重要である。コルトレーンは純粋な音楽の自由という領域に深く踏み込み、確立したスタイルの重要な要素を維持しながらも、標準的な西洋音楽理論から解放されているように思える。さらに、この録音で、彼は探求を続けるために叫び続ける必要はないことを発見したのだ。」^[24]

ルイス・ポーターの著書『ジョン・コルトレーン：その生涯と音楽』には、インターステラー・スペース、特に「ヴィーナス」についての詳細な議論が含まれている。 ^[25]彼は次のように書いている。「コルトレーンの最後の作品が放つ音の集中砲火は、残念ながら、多くのリスナーからコルトレーンの演奏の素晴らしい力を隠してしまうかもしれない。混沌としているように見えるものは、まさにその逆である。コルトレーンは、テーマから即興へとシームレスに流れる長いソロを作り出すことに成功した。それはまさに彼が望んでいたことだ。そして即興は、抽象的なモチーフのアイデアの探求に執拗に捧げられた。」^[26]ポーターは、インターステラー・スペースは「コルトレーンの最期の音楽を理解したいリスナーにとって理想的な出発点である。彼が何をしているのか非常に簡単に聞き取れる... 各[曲]はテーマで始まり、それから離れ、最後にそれに戻る... すべての曲は、クライマックスに向けて盛り上がり、その後に落ち着き、再現へとつながるというある種の流れを含んでいる。」^[27]彼はさらに、この録音でコルトレーンが採用した3つのテクニックを挙げている。1) 「非常に速い下降音階を何度も繰り返し」、オーケストラ効果を生み出そうとしている... 彼はリスナーに、最高音がメロディーで、音階が伴奏であるという印象を与えようとしている」^[28] 2) 「急速で極端な音域の変化」、 「2つの活動ラインを同時に示唆しようとする」^[28] 3) 「『表裏逆』 - モチーフの形を変え、下降ではなく上昇し、同じリズムや同じ数の音をさまざまな方法で使用することで、モチーフのバリエーションを作り出す」^[29]ポーターは、「コルトレーンがより長く速い音の流れ、より難解で明瞭でない音へと移行する」につれて、「パターンが出現し」、「最初に聞いたときには無秩序な音の増殖に思えたものが、実際にはさまざまなパターンの精緻化であることに気づき始める」と述べている。^[30]ポーターは「ヴィーナス」についての議論を次のように締めくくっている。「晩年は騒々しい音楽を演奏していたと非難されていたが、最も印象的なのは、ささやき声から叫び声まで、彼の驚くべきダイナミクスのコントロールである。そしてコルトレーンは、コード進行や一定のビートの制約を放棄したからこそ、コーラスに分割できないシームレスな音楽構造を生み出すことに成功したのだ」 ^[31]

作家のトニー・ホイトンは、インターステラー・スペースの収録曲は「コルトレーン後期のスタイルの素晴らしさをはっきりと示している」と書き、 ^[32]「識別可能な構造、安定した脈動、明確な拍子感覚の排除により、音楽は開放的になり、リスナーにとって馴染みのある方向感覚の助けが排除される。この点で、コルトレーンのサウンドとアプローチは同じ連続体の一部として理解できるが、文脈は劇的に変化し、音楽は明らかにより直接的な感覚として体験されるようになった。このため、インターステラー・スペースなどの録音は、製品としてではなく音楽のプロセスとして受け止められ、過去に起こったことを吸収したり次に何が起こるかを予測したりするのではなく、今ここで聴くよう促される」と指摘している。^[33]ワイトンは「録音を音楽の一種として体験することは、音楽を具象化するという規範的な命令に反する。コルトレーンの音楽は単一の意味や価値観を伝えるのではなく、音楽が何であるかという議論を問い、開拓する媒介として機能する。この時期のコルトレーンの世界では、スタジオは調査と発見の場となり、アリとのデュエットは2人の創造的なアーティストの実験と相互作用の明確な感覚を伝えている」と示唆している。^[34]また、「録音を直接聞いたときに遭遇する強度、エネルギー、サウンドを記譜だけでは捉えられないという明確な感覚がある...。音響体験として、インターステラースペースは豊かで官能的な品質を持ち、コルトレーンの音への魅了をはっきりと説明している。コルトレーン後期の他のどの録音よりも、インターステラースペースは感覚的なサウンドでリスナーを引き込み、録音が私たちの耳をさまざまなリスニング体験に開く方法を示している」と述べている。^[34]

パンソニックのミカ・ヴァイニオは、ザ・クワイエタスのインタビューで、インターステラー・スペースをお気に入りのアルバムの一つとして挙げた。^[35] GQ誌のザック・グラハムは、このアルバムを「コルトレーンの最も粘り強く、とらえどころのないアルバム」と呼び、サンダーキャットとケンドリック・ラマーをインターステラー・スペースに影響を受けたミュージシャンとして挙げ、コルトレーンの最も影響力のあるレコードだと主張した。^[8]

1999年、ギタリストのネルス・クラインとドラマーのグレッグ・ベンディアンは、アルバム『Interstellar Space Revisited: The Music of John Coltrane 』で「Mars」、「Leo」、「Venus」、「Jupiter」、「Saturn」の自分たちのバージョンをリリースした。^[36] ラシード・アリとサックス奏者のルイ・ベロジェニスのデュエットによるアルバム「Rings of Saturn 」も『Interstellar Space』に敬意を表しており、コルトレーン作曲の「Saturn」が収録されている。^[37]

• CD 再発版では、サイド 1 とサイド 2 がトラック 1 ～ 4 としてまとめられました。

• ジョン・コルトレーン –テナーサックス、ベル
• ラシッド・アリ –ドラム

• DiscogsのInterstellar Space (リリースリスト)