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和音は、その音が狭い音域内に配置されている場合、通常は最高音と最低音の間隔が 1 オクターブ以内である場合、密和音（密位置または密構造とも呼ばれる[ 1 ] ）である。対照的に、和音は、最高音と最低音の間隔が 1オクターブを超える場合、開放和音（開放位置または開放構造とも呼ばれる[ 1 ] ）である。より一般的な用語である間隔は、和音内の音がどれだけ離れて配置されているかを表す。密和音の三和音は間隔がコンパクトであり、開放和音の三和音は間隔が広い。
緊密な和声、あるいは声部構成は、器楽編曲と声楽編曲の両方を指す。弦楽四重奏曲やバッハのコラールのように、古典派和声の標準的な声部連結規則に従う場合もあれば、旋律と3度または6度の音程で平行進行する場合もある。
この歌唱スタイルの起源は、1800年代のアメリカのハーモニーに見出すことができる。
初期のラジオカルテットはこの伝統を受け継いだ。ボズウェル・シスターズ（「ムード・インディゴ」、1933年）やハミルトン・シスターズ・アンド・フォーダイス（「フー？ユー・ザッツ・フー！」、1927年、後にスリー・エックス・シスターズとなる）のような女性ハーモニストは、1920年代にこのスタイルを演奏・録音し、1930年代の商業ラジオでもそれを続けた。緊密なハーモニー歌唱は1940年代に特に人気があり、ポップやR&Bグループがこのテクニックを頻繁に使用した。アンドリュース・シスターズもスウィング音楽で同様のスタイルを活用した。
1950年代と60年代の多くのゴスペルやソウルグループもこのテクニックを使用しており、通常は3声または4声のSSAAまたはTTBBハーモニーで、1人（ベースまたはリード）がコールアンドレスポンスタイプのリードを担当します。その例として、現在もレコーディングを行っているブラインド・ボーイズ・オブ・アラバマが挙げられます。ビートルズやサイモン＆ガーファンクルなどのアーティストは、彼らが選んだロールモデルであるエヴァリー・ブラザーズに倣って、緊密なハーモニーを使用しました。[4] ルーヴィン・ブラザーズは、カントリーミュージックのジャンルで緊密なハーモニーを使用したデュオでした。[ 5 ]
バーバーショップ・ハーモニーは独特のハーモニー構造を持ち、メロディーは第2テナー、つまり「リード」ボイスが担当し、第1テナーが次のパートを（通常3度ずつ）歌い、バリトンとバスがそれを支える。ベースラインはよりリズミカルで、ハーモニー進行のルート音をカバーする傾向があり、バーバーショップは通常アカペラで歌われるため、クラシック声楽よりも「支え」と独立性が高い。著作権切れの楽曲（「Sweet Adeline」など）や新しい楽曲も豊富にある。全国的な団体が各地の支部を通じてこの音楽を普及させている。
第二次世界大戦後、アメリカではソウルやゴスペルのグループが隆盛を極め、ブルース、1930年代のゴスペルソング、ビッグバンド音楽を基盤として発展した。当初は白人主流ラジオ局とそのターゲット層によって「レースミュージック」と呼ばれていたが、 1950年代、1960年代、1970年代のロックンロールやリズム・アンド・ブルースの先駆けとなり、当時の多くのイギリスやアメリカのアーティストに影響を与えた。彼らはより伝統的なTTBBまたはSSAAの4声部構成を用いることが多かったが、アフリカ系アメリカ人の教会に根ざしたソロやコール・アンド・レスポンスを多用した。これらのグループはアカペラで歌うこともあったが、特に大手レーベルで録音する際には楽器伴奏を用いることもあった。ポップミュージックやドゥーワップは、このジャンルの商業化と見なすことができる。
クロード・ドビュッシーやモーリス・ラヴェルといった印象派の作曲家は、作品の中で密接な和音をよく用いており、和音は4つ以上の音で構成され、和音はより複雑であるため、7度、9度、11度などの他の音程も使用されることがある。ジャズにおいては、この影響はジョージ・ガーシュウィンやデューク・エリントンの作品で花開いた。[ 6 ]
一貫した楽器間の緊密なハーモニーのよく知られた例として、グレン・ミラーの「ムーンライト・セレナーデ」がある。この曲では、シングルリード管楽器（ソプラノクラリネット、アルト、テナー、バリトンサックス）の全音域を使用し、異なるセクションをすべて1オクターブ内でハーモニー付けすることで独特のサウンドを作り出している。ミラーはジョセフ・シリンガー[ 7 ]からシリンガーのテクニックを学び、シリンガーはミラーが「ミラー・サウンド」を作り出すのを助けたとされており、ミラー自身も彼の指導の下で、後に彼の代表曲となる「ムーンライト・セレナーデ」を作曲した[ 8 ] 。
オルガン演奏において、ブロックハーモニーとは、右手でメロディーの下に近接した位置のコードを追加し、左手でメロディーを1オクターブ低く重ねることを意味します。一方、オープンハーモニーでは、コードの中央の音が1オクターブ低く演奏され、コードの中に「開いた」空間が作られます。[ 9 ]