音楽教育

音楽教育は、教育者が小学校や中学校の音楽教師、学校や音楽学校のアンサンブルの指揮者などの職業に就くための訓練を受ける実践分野です。音楽教育は、学者が音楽の指導法や学習法 について独自の研究を行う研究分野でもあります。音楽教育の学者は、査読のあるジャーナルに研究結果を発表し、音楽教師になるための訓練を受けている大学教育や音楽学校で学部生や大学院生を指導します。

音楽教育は、音楽鑑賞や感受性など、学習領域（スキルの開発）、認知領域（知識の獲得）、そして特に情緒領域（学習者が学んだことを受け取り、内面化し、共有する意欲）を含むすべての学習領域に関係しています。多くの音楽教育カリキュラムには、数学的スキルの使用、および第二言語または文化の流動的な使用と理解が組み込まれています。これらのスキルを一貫して練習することは、 ACTやSATなどの標準テストのパフォーマンスを向上させるだけでなく、他の多くの学術分野で学生に利益をもたらすことが示されています。音楽への関与は人間の文化と行動の基本的な要素であると考えられているため、幼稚園から高等教育までの音楽トレーニングは一般的です。世界中の文化には、主に歴史と政治の違いにより、音楽教育に対するさまざまなアプローチがあります。研究によると、他の文化の音楽を教えることで、生徒がなじみのない音をより快適に知覚できるようになることが示されており、音楽の好みは、聞き手が話す言語と、自分の文化内でさらされる他の音に関連していることも示されています。

20 世紀には、音楽の指導のために多くの独特なアプローチが開発され、あるいはさらに改良され、そのいくつかは広範囲に影響を与えました。ダルクローズ メソッド (リトミック) は、20 世紀初頭にスイスの音楽家で教育者のエミール ジャック ダルクローズによって開発されました。コダーイ メソッドは、身体的な指導と音楽への反応の利点を重視しています。オルフ シュルヴェルクの音楽教育アプローチは、西洋音楽の発展と並行して、生徒の音楽能​​力を伸ばすように導きます。

スズキメソッドは、人が母国語を学ぶのと同じ環境を音楽学習にも作り出します。ゴードン音楽学習理論は、音楽教師に、聴覚（ゴードンの用語で、音楽を心で理解しながら聞く）を通じて音楽性を教える方法を提供します。会話ソルフェージュは、生徒を自分の文化（この場合はアメリカ）の音楽文学に浸らせます。カラボコーンメソッドでは、小道具、衣装、おもちゃを使って、子供たちが五線譜、音符の長さ、ピアノの鍵盤などの基本的な音楽概念を学びます。特別に計画された教室の具体的な環境では、子供は触覚を通して探求することで音楽の基礎を学ぶことができます。^[1] MMCP （マンハッタンビル音楽カリキュラムプロジェクト）は、態度を形成し、生徒が音楽を個人的、現在的、進化的なものとして見ることができるようにすることを目指しています。ポピュラー音楽教育学は、正式な教室の内外でロック音楽やその他のポピュラー音楽を体系的に教え、学ぶことです。特定の音楽活動は、子供の呼吸、体、声のコントロールを改善するのに役立つと示唆する人もいます。^[2]

ヨーロッパ諸国の小学校では、子供たちはキーボードやリコーダーなどの楽器の演奏、小合唱団での歌唱、音楽の要素や音楽の歴史について学ぶことが多い。インドなどの国では、学校でハーモニウムが使用されているが、キーボードやバイオリンなどの楽器も一般的である。生徒は通常、インドのラガ音楽の基礎を教えられる。小学校や中学校では、生徒は合唱団、オーケストラ、またはスクールバンド（コンサートバンド、マーチングバンド、ジャズバンド）など、何らかのタイプの音楽アンサンブルで演奏する機会がしばしばある。一部の中学校では、追加の音楽クラスも利用できる。中学校またはそれに相当する学校では、音楽は通常、引き続きカリキュラムの必須部分である。^[3]

大学レベルでは、ほとんどの芸術・人文科学プログラムの学生は、音楽史（典型的には西洋芸術音楽）や音楽鑑賞（さまざまな音楽様式を聴いて学ぶことに重点を置く）などの音楽コースで単位を取得できます。さらに、北米やヨーロッパのほとんどの大学では、さまざまな研究分野の学生が参加できる音楽アンサンブル（合唱団、コンサートバンド、マーチングバンド、オーケストラなど）を提供しています。ほとんどの大学では音楽教育の学位プログラムも提供しており、学生を初等・中等教育の音楽教師として認定します。DMAやPh.Dなどの上級学位を取得すると、大学に就職できます。これらの学位は、音楽理論、音楽史、テクニッククラス、特定の楽器の個人指導、アンサンブルへの参加、経験豊富な教育者による詳細な観察を修了すると授与されます。北米やヨーロッパの大学の音楽教育学部では、音楽心理学、音楽教育史学、教育民族音楽学、社会音楽学、教育哲学などの分野での学際的研究もサポートしています。

西洋芸術音楽の研究は、韓国、日本、中国などのアジア諸国を含む北米やヨーロッパ以外の音楽教育でますます一般的になっています。同時に、西洋の大学ではカリキュラムを拡大し、西アフリカ、インドネシア（ガムラン音楽など）、メキシコ（マリアッチ音楽など）、ジンバブエ（マリンバ音楽）などの音楽やポピュラー音楽など、西洋芸術音楽の範疇外の音楽も取り入れています。

音楽教育は、個人、生涯学習、コミュニティの文脈でも行われます。アマチュアとプロのミュージシャンはどちらも、通常、個別の教師との短い個人セッションである 音楽レッスンを受けます。

指導戦略は音楽教師とその地域の音楽カリキュラムによって決定されますが、多くの教師は、最近の世代に登場し、20 世紀後半に急速に発展した 多くの指導方法論の 1 つに大きく依存しています。

ダルクローズ・メソッドは、20世紀初頭にスイスの音楽家で教育者のエミール・ジャック＝ダルクローズによって考案されました。このメソッドは、ソルフェージュ、即興、リトミックの3つの基本概念に分かれています。「新体操」とも呼ばれるリトミックは、リズム、構造、動きを使った音楽表現の概念を教えるもので、ダルクローズの最も有名な概念です。このメソッドは、すべての感覚、特に運動感覚を刺激するトレーニングを通じて、生徒が身体的な認識と音楽の経験を積めるようにすることに重点を置いています。ダルクローズ・メソッドによると、音楽は人間の脳の基本的な言語であり、したがって私たちの本質と深く結びついています。ダルクローズ・メソッドのアメリカ人提唱者には、ルース・アルパーソン、アン・ファーバー、ハーブ・ヘンケ、バージニア・ミード、リサ・パーカー、マーサ・サンチェス、ジュリア・シュネブリー・ブラックなどがいます。ダルクローズメソッドの現役の教師の多くは、ダルクローズの生徒の一人であったヒルダ・シュスター博士によって訓練を受けました。

ゾルターン・コダーイ（1882年 - 1967年）は、感覚知覚、身体指導、音楽への反応の利点を強調したハンガリーの著名な音楽教育者、哲学者、作曲家でした。実際には、これは教育方法ではなく、読み書きと音楽トレーニングの革新的なシステムであり、母国語の発達など、音楽は幼い頃から始まることを提案し、音楽は社会変革のための教育ツールであること、さらに、すべての人間が感覚、声、身体表現の使用を通じて音楽にアクセスできることを提案しています。彼の教えは、聴覚、直観、身体、聴覚、視覚の感覚知覚の確固たる理解に基づいた創造的で楽しい教育フレームワーク内にあり、それによって、聴くこと、音楽表現、読むこと、書くこと、音楽理論の基礎を築きます。これは、リズム、メロディ、ハーモニーのパターン、および聴覚、口頭、言語、聴覚と視覚の認識、読み、書き、創造性、理論的理解におけるすべての音楽要素を伝える歌を通じて、いくつかの段階で発生します。コダーイの主な目標は、生徒たちに生涯にわたる音楽への愛を植え付けることであり、彼は、この教育の重要な要素を提供することが子供の学校の義務であると感じていました。コダーイの特徴的な教育ツールには、手話やソルファ、リズム音節（棒記譜法）、および移動C（言語化）の使用があります。最も重要なことは、方法論がすべての人に属しているため、音楽をすべての人が利用できることです。ほとんどの国では、独自の民族音楽またはコミュニティ音楽の伝統を使用して独自の指導シーケンスを構築していますが、米国ではハンガリーのシーケンスが主に使用されています。デニス・ベーコン、カティンカ・S・ダニエル、ジョン・ファイヤアーベント、ジャン・シノール、ジル・トリンカなどの研究により、コダーイのアイデアがアメリカの音楽教育の最前線に持ち込まれました。

カール・オルフはドイツの著名な作曲家でした。オルフのシュールヴェルクは音楽教育への「アプローチ」と考えられています。基本的なリズムとメロディーを使用して、基本的な形式の音楽に取り組む生徒の生来の能力から始まります。オルフは体全体を打楽器とみなし、生徒は西洋音楽の発展と並行した方法で音楽能力を伸ばすように導かれます。このアプローチは生徒の自己発見を促し、即興を奨励し、大人のプレッシャーや機械的な訓練を抑制します。カール・オルフは、シュールヴェルク コースの要件に対応するために、グロッケンシュピール、木琴、鉄琴、太鼓、その他の打楽器の改造を含む特別な楽器群を開発しました。楽器の各バーは取り外し可能で、さまざまな音階を形成できます。オルフの楽器は、他の楽器ではまだ能力が身についていない可能性のある年少の子供たちの視覚と運動感覚の両方の運動能力を養います。^[4]アメリカ式のオルフアプローチを形作る専門家としては、ジェーン・フレイジー、アルヴィダ・スティーン、ジュディス・トーマスなどがいます。^[5]

スズキメソードは、第二次世界大戦直後に日本で鈴木鎮一氏によって開発されたもので、音楽教育を通じて生徒の生活と道徳心を豊かにします。この運動は、「すべての子どもは音楽で十分な教育を受けることができる」という二重の前提と、高いレベルで音楽を演奏することを学ぶことは、人の魂をより美しくする特定の性格特性や美徳を学ぶことにもつながるという前提に基づいています。これを達成するための主な方法は、母国語を学ぶのと同じ環境を音楽学習のために作ることです。この「理想的な」環境には、愛情、質の高い手本、賞賛、暗記訓練と反復、特定のテクニックを学ぶ生徒の発達的準備度によって設定される時間割が含まれます。スズキメソードは国際的に非常に人気がありますが、日本国内では、ヤマハ音楽財団と共同で川上源一氏が創設したヤマハメソードほど影響力はありません。

上記の 4 つの主要な国際的方法に加えて、他のアプローチも影響力を持っています。あまり知られていない方法を次に説明します。

エドウィン・ゴードンの音楽学習理論は、エイデン・グリフィンらによる音楽学習理論の広範な研究と実地試験に基づいています。この理論は、聴覚を通じて音楽の才能を教える包括的な枠組みを音楽教師に提供します。聴覚とは、物理的に音が存在しないときに、心の中で音楽を聞き、理解することを指すゴードンの用語です。^[6]指示の順序は、弁別学習と推論学習です。弁別学習は、聴覚/口頭、言語的連想、部分的統合、象徴的連想、複合的統合を使用して、2つの要素が同じかどうかを判断する能力です。推論学習では、生徒は自分の教育に積極的に関わり、なじみのないパターンを識別、作成、即興することを学びます。^[7]聴覚理論内のスキルとコンテンツの順序は、音楽教師が自分の指導スタイルと信念に合わせて、連続したカリキュラム目標を確立するのに役立ちます。^[8]新生児や幼児のための学習理論もあり、その中で準備聴覚の種類と段階が概説されています。

学齢期の人口における文化的多様性の増大により、1960 年代以降、音楽教育者は音楽カリキュラムを多様化し、民族音楽学者やアーティスト ミュージシャンと協力して音楽の伝統に根ざした教育方法を確立するようになりました。「ワールド ミュージック教育法」は、パトリシア シーハン キャンベルによって、小中学校の音楽プログラムにおけるワールド ミュージックの内容と実践を説明するために考案されました。この運動の先駆者、特にバーバラ リーダー ランドクイスト、ウィリアム M. アンダーソン、ウィル シュミットは、第 2 世代の音楽教育者 (J. ブライアン バートン、メアリー ゲッツェ、エレン マカロー ブラブソン、メアリー シャムロックなど) に影響を与え、さまざまなレベルと専門分野の音楽教師向けにカリキュラム モデルを設計して提供しました。この教育法では、人的資源、つまり「文化の担い手」の活用と、スミソニアン フォークウェイズ レコーディングなどのアーカイブ リソースの徹底した継続的な聴取を推奨しています。^[9]

コダーイメソッドとゴードンの音楽学習理論の両方の影響を受けた会話型ソルフェージュは、ハートフォード大学ハートスクールの元音楽教育学部長であるジョン・M・ファイヤアーベント博士によって開発されました。このプログラムは、生徒を彼ら自身の文化、この場合はアメリカの音楽文学に浸すことから始まります。音楽は記譜法とは別のものであり、記譜法よりも基本的なものと考えられています。12の学習段階で、生徒は音楽を聴いて歌うことから、解読して、話し言葉の音節と標準的な記譜法を使用して音楽を作成する段階に移行します。このメソッドは、コダーイメソッドを直接実装するのではなく、コダーイの元の指示に従い、ハンガリーの民謡ではなくアメリカ独自の民謡に基づいています。

この幼児期のアプローチは、音楽に対する感覚運動アプローチとも呼ばれ、バイオリニストのマドレーヌ・カラボ・コーンによって開発されました。このアプローチでは、小道具、衣装、おもちゃを使って、五線譜、音符の長さ、ピアノの鍵盤といった基本的な音楽の概念を子供たちに教えます。特別に計画された教室の具体的な環境により、子供たちは触覚を通して探求しながら音楽の基礎を学ぶことができます。^[1]

「ポピュラー音楽教育学」は、ロック音楽教育学、モダンバンド、ポピュラー音楽教育、ロック音楽教育とも呼ばれ、1960年代に音楽教育で発展したもので、正式な教室の内外でロック音楽やその他のポピュラー音楽を体系的に教え、学ぶものです。ポピュラー音楽教育学は、グループ即興を重視する傾向があり、 ^[10]完全に制度化された学校の音楽アンサンブルよりも、コミュニティの音楽活動と関連付けられることが多いです。^[11]

マンハッタンビル音楽カリキュラムプロジェクトは、学校音楽に対する生徒の関心の低下に対応するため、1965年に開発されました。この創造的なアプローチは、態度を形成し、生徒が音楽を習得すべき静的な内容ではなく、個人的、現在進行形、進化するものとして見ることができるようにすることを目指しています。この方法は、事実に基づく知識を伝えるのではなく、調査、実験、発見を通じて学ぶ生徒を中心に据えています。教師は、生徒のグループに一緒に解決する特定の問題を与え、スパイラルカリキュラムで音楽のさまざまな側面を自由に作成、演奏、即興、指揮、調査、調査できるようにします。MMCPは、学校での創造的な音楽作曲および即興活動のプロジェクトの先駆けと見なされています。 ^{[12] [13]}

達成基準は、教育者が指導目標を決定する際に指針として使用されるカリキュラムの記述です。基準の使用は、20 世紀に多くの国で一般的な慣行となりました。米国では、音楽教育のカリキュラムは長い間、地域または個々の教師によって決定されていました。ここ数十年で、地域および/または国の基準の採用に向けて大きな動きがありました。MENC : 全米音楽教育協会は、全国音楽教育基準と呼ばれる 9 つの自主的なコンテンツ基準を作成しました。^[1]これらの基準では、次のことが求められています。

1. 一人で、または他の人と一緒に、さまざまな音楽のレパートリーを歌います。
2. 楽器を演奏し、一人で、または他の人と一緒に、さまざまな音楽のレパートリーを演奏します。
3. メロディー、バリエーション、伴奏を即興で演奏します。
4. 指定されたガイドラインに従って音楽を作曲および編曲します。
5. 音楽の読み取りと記譜。
6. 音楽を聴き、分析し、説明する。
7. 音楽と音楽演奏を評価する。
8. 音楽と他の芸術、芸術以外の分野との関係を理解する。
9. 歴史と文化との関連で音楽を理解する。

一部の学校や組織では、音楽などの芸術クラスと数学、科学、英語などの他の科目の統合を推進しています。これは、異なるカリキュラムを統合することで各科目が相互に補完し合い、教育の全体的な質が向上すると考えているためです。

一例として、ケネディ センターの「芸術を通して教育を変える」プログラムが挙げられます。CETA では、芸術の統合を、1 つ以上の芸術形式 (ダンス、演劇、音楽、視覚芸術、物語、人形劇、創作) と 1 つ以上の他のカリキュラム領域 (科学、社会、英語、数学など) の間に自然なつながりを見つけ、芸術形式と他の科目の両方の目標を教え、評価することと定義しています。これにより、他の科目の内容に対処しながら、芸術の創造、パフォーマンス、および/または芸術への反応に同時に焦点を当てることができます。^[14]

教育における音楽とは、音楽を教科の指導に取り入れる方法です。音楽は、演奏することで批判的思考力や問題解決能力を活用できるため、教育に役立ちます。^{[15] [16]}教科によっては、情報を学ぶ新しい方法を提供します。たとえば、読み書きでは、比喩、登場人物、設定などのさまざまな要素を説明することができます。^[16]音楽は繰り返しを教え、それが数学のスキルに役立ちます。数学の学習では、音楽の要素が非常に役立ち、分数や比率などの概念を簡素化します。^[15]これは、音楽の仕組みによるものです。音楽には周波数と音波も含まれており、科学の概念を理解するのに役立ちます。^[16]言葉のさまざまなピッチや構造のパターンを理解することは、音楽の構造を理解して読む方法と一致します。^[16]

欧州連合生涯学習プログラム2007-2013は、音楽を使って言語学習をサポートする3つのプロジェクトに資金を提供してきました。Lullabies of Europe（就学前児童および幼児向け）^[17]、FolkDC（小学校向け）^[18] 、そして最近ではPopuLLar（中学校向け）^[19]です。さらに、ARTinEDプロジェクトでもすべての教科で音楽を使用しています。^[20]

多くの研究者や音楽教育の支持者は、音楽を学ぶことは学業成績を向上させると主張している。^[21]例えば、全米音楽教育者会議の元会長であるウィリアム・イアハートは、「音楽は数学、科学、地理、歴史、外国語、体育、職業訓練の分野での知識を高める」と主張した。^[22]ウィスコンシン大学の研究者は、ピアノやキーボードの経験がある生徒は、数学、科学、工学を行うときに使用される脳の部分である空間時間葉の活動を測定するテストで34％高い成績を収めたと示唆した。^[23]グラーツ大学で12年間にわたって行われた長期研究でも、音楽のレッスンを受けた子供の脳の灰白質に変化が見られた。^[24]

ワンダ・T・ウォレスによる、メロディーにテキストを合わせる実験では、音楽によってはテキストの想起を助ける可能性があることが示唆された。^[25]彼女は、反復のないメロディーの3節からなる歌を作り、各節に異なる音楽を付けた。2番目の実験では、反復的なメロディーの3節からなる歌を作り、各節にまったく同じ音楽を付けた。3番目の実験では、音楽なしでテキストの想起を研究した。彼女は、反復的な音楽が最も多くのテキスト想起を生み出すことを発見し、音楽が記憶術として役立つことを示唆した。^[25]

スミス（1985）は、単語リストとBGMを研究した。ある実験では、BGMをつけて単語リストを暗記し、参加者は48時間後に単語を思い出した。別の実験では、BGMなしで単語リストを暗記し、参加者は48時間後に単語を思い出した。BGMをつけたまま単語リストを暗記した参加者は、より多くの単語を思い出し、音楽が文脈の手がかりを提供することを示した。^[26]

音楽教育が知的発達と学業成績に関係していることを裏付ける研究を引用し、米国議会は次のように宣言する決議を可決した。「音楽教育はあらゆる年齢の子供たちの知的発達を促進し、学習環境を豊かにする。音楽教育者はアメリカの子供たちの芸術的、知的、社会的発達に大きく貢献し、子供たちが学校で成功するのを助ける上で重要な役割を果たしている。」^[27]

ボベット (1990) は、ほとんどの公立学校の音楽プログラムは、前世紀の変わり目に開始されて以来、変わっていないと示唆している。「…教育環境は、歴史的に考えられていたように、音楽プログラムの継続には適しておらず、人々の社会的ニーズと習慣は、まったく異なる種類のバンド プログラムを必要としている。」^[28] 2011 年にキャスリーン M. ケルステッターがバンド研究ジャーナルのために行った調査では、音楽以外の卒業要件の増加、ブロック スケジュール、マグネット スクールなどの非伝統的なプログラムの増加、落ちこぼれ防止法によって作成されたテストの強調は、音楽教育者が直面している懸念のほんの一部にすぎないことがわかった。教師と生徒の両方が、時間的制約の増加にさらされている。」^[29]

パトリシア・パワーズは、「経済問題が表面化すると、音楽や芸術の分野でプログラムが削減されるのは珍しいことではありません。音楽や芸術のプログラムは多くの点で社会に貢献しているので、この分野での支援を失うのは本当に残念です」と述べています。^[22] NAMM財団が資金提供した2011年の調査によると、総合的な音楽教育プログラムは生徒1人あたり平均187ドルです。 ^[30]テキサス州薬物・アルコール乱用委員会の報告書によると、バンドやオーケストラに参加した生徒は、アルコール、タバコ、違法薬物を含むすべての物質の生涯および現在の使用量が最も少ないと報告しています。^[31]

研究によると、音楽教育は生徒の認知能力を高めるために使用できることがわかっています。米国では、推定30％の生徒が読書に苦労しており、17％が読書に関連する特定の学習障害があると報告されています。^[32] 通常の授業活動と組み合わせた介入として集中的な音楽カリキュラムを使用した研究では、音楽カリキュラムに参加した生徒は読解力、語彙知識、語彙想起、単語解読力が向上することが示されています。^[33]全米音楽教育協会によると、2012年に行われた調査では、音楽活動に参加した生徒はSATのスコアが高かった。これらの生徒は、平均で読み書きで31ポイント、数学で23ポイント高いスコアを獲得しました。^[34]生徒が歌詞付きのメロディーを歌っているとき、彼らはマルチタスクを行うために脳の複数の領域を使用しています。音楽は言語発達に影響を与え、IQ、時空間スキルを高め、テストのスコアを向上させます。音楽教育は、視覚、聴覚、細かい運動能力に焦点を当てた戦略で、前述のようにディスレクシアの子供たちの同様の領域のスキルを向上させることも示されています。^[35]この分野の研究は乏しいため、これらの調査結果が真実であると説得力のある結論を下すことはできませんが、行われた研究の結果は、学習障害のある生徒と診断されていない生徒の両方に良い影響を与えていることを示しています。さらに研究を行う必要がありますが、音楽を教室に取り入れる前向きで魅力的な方法は忘れられず、生徒は一般的にこの形式の指導に肯定的な反応を示します。^[36]

音楽教育は、特に発達のピークにある子供たちの全体的なIQを高める力があることも知られています。^[37]空間能力、言語記憶、読解力、数学的能力は、音楽教育（主に楽器の習得を通じて）と並行して向上することが分かっています。^[37]研究者らはまた、一般的な出席率とIQの上昇の間には相関関係が明らかであり、学生が音楽教育に参加することで、一般的な出席率がIQとともに上昇すると指摘しています。

音楽と音楽教育を通じて、細かい運動能力、社会的行動、感情的な幸福感も向上させることができます。楽器の習得は、身体障害を持つ生徒の細かい運動能力を高めます。生徒が歌の意味を見出し、それを日常生活と結び付けると、感情的な幸福感も高まります。 ^[38]ジャズやコンサートバンドなどのグループで演奏する社会的交流を通じて、生徒は社交性を学び、これが感情的および精神的な幸福感につながります。

チリでは、青少年オーケストラへの参加が学業成績や回復力に良い影響を与えているという証拠がある。^[39]国際教育達成評価協会（IAEEA）によると、^[40]「世界トップクラスの学術国は音楽教育を高く評価している。ハンガリー、オランダ、日本では、数十年にわたって小学校と中学校レベルで楽器演奏と声楽の両方の音楽教育が義務付けられている。」

これまでの実験研究とは対照的に、2020年に発表されたメタ分析では、音楽トレーニングが子供の認知能力と学業成績にプラスの影響を与えるという主張を裏付ける証拠が不足していることが判明し、著者らは「音楽トレーニングの利点に関する研究者の楽観主義は経験的に根拠がなく、経験的データの誤った解釈と、おそらく確証バイアスに起因している」と結論付けています。^{[41] [42]}

一部のコミュニティ、さらには国の教育システム全体では、音楽は学問分野としてほとんどサポートされておらず、音楽教師は音楽教育を正当な研究科目として積極的に世論の支持を得なければならないと感じています。世論を変える必要があると認識された結果、一般に「音楽擁護」と呼ばれるさまざまなアプローチが開発されました。音楽擁護にはさまざまな形があり、その中には正当な学術的議論や科学的発見に基づくものもあれば、感情、逸話、説得力のないデータに頼る物議を醸すものもあります。

最近の注目を集めた音楽擁護プロジェクトには、「モーツァルト効果」、国歌プロジェクト、人種、民族、社会経済的状況に関係なく生徒全員に公平な教育方法を模索するワールドミュージック教育学（音楽教育における文化的多様性としても知られる）の運動などがある。モーツァルト効果は特に物議を醸しており、最初の研究ではモーツァルトを聴くと時空間推論に良い影響を与えると示唆されたものの、その後の研究では結果を再現できなかったか、^{[43] [44]} IQや空間能力には影響がないと示唆されたか、^[45]モーツァルトの音楽は「楽しみの覚醒」という用語で子供が楽しむどんな音楽でも代用できると示唆された。^[46]別の研究では、モーツァルトを聴くと生徒の時空間能力が一時的に向上する可能性があるとしても、楽器の演奏を学ぶ方が生徒のパフォーマンスと達成度を向上させる可能性が高いことが示唆された。^[47]教育者たちも同様に、国歌プロジェクトが音楽を非音楽的な目的のためのツールとして教育的に利用することを推進しているだけでなく、国家主義や軍国主義と関連しているとして批判した。^[48]

現代の音楽学者は、効果的な音楽擁護は政治的動機や個人的な課題を超えた実証的に健全な議論を用いると主張している。ベネット・ライマー、エステル・ジョーゲンセン、デイビッド・J・エリオット、ジョン・ペインター、キース・スワンウィックなどの音楽教育哲学者はこの見解を支持しているが、多くの音楽教師や音楽団体、学校は、この論理的思考を音楽擁護の議論に取り入れていない。エレン・ウィナーなどの研究者は、芸術擁護者が音楽研究の擁護を損なうような偽りの主張をしていると結論付けており、^[49]彼女の研究は、例えば音楽教育が数学を向上させるという主張を覆している。^[50]研究者のグレン・シェレンバーグとユージニア・コスタ・ジョミも、擁護者が相関関係と因果関係を誤って関連付けていると批判し、ジョミは「音楽への参加と学業成績の間には強い関係があるが、その関係の因果関係は疑わしい」と指摘している。^{[50] [51]}哲学者のデイビッド・エリオットとマリッサ・シルバーマンは、より効果的な擁護活動には、スローガンや誤解を招くデータによる価値観や目的の「低俗化」を避け、潜在的な支持者を積極的な音楽制作や音楽的感情体験に引き込むことにエネルギーを集中させることが含まれると示唆している。 ^[52]これらの行動は、音楽と音楽制作が人間の文化と行動に固有のものであり、人間を他の種と区別することを認識している。^[53]収入や社会的地位の格差にもかかわらず、音楽教育の重要性を擁護することにも焦点が当てられている。ウッドロウ・ウィルソンは「我々は、ある階級の人々にリベラル教育を受けさせ、そして、あらゆる社会で必要とされる非常に大きな階級の人々に、リベラル教育の特権を放棄し、特定の困難な手作業を行うように適応させてほしい」と述べた。^[54]

私たちが自分の文化の中で接する音楽、言語、音は、音楽の好みを決定し、他の文化の音楽の受け止め方に影響を与える。多くの研究は、世界中の音楽家の好みや能力に明確な違いがあることを示している。ある研究では、英語話者と日本語話者の音楽の好みの違いを調べようとし、両グループの人々に同じ音調とリズムの連続を与えた。同じタイプの研究が英語話者とフランス語話者に対しても行われた。両方の研究は、聞き手の言語が、その言語の抑揚と自然なリズムのグループに基づいて、どの音調とリズムのグループがより魅力的であるかを決定することを示唆した。^[55]

別の研究では、ヨーロッパ人とアフリカ人に特定のリズムに合わせてタップを試みてもらいました。ヨーロッパのリズムは規則的で単純な比率に基づいていますが、アフリカのリズムは不規則な比率に基づいています。どちらのグループもヨーロッパの特質を持つリズムを演奏できましたが、ヨーロッパのグループはアフリカのリズムに苦労しました。これは、アフリカ文化における複雑なポリリズムの普遍性と、このタイプの音に対する彼らの親しみやすさに関係しています。^[55]

それぞれの文化には独自の音楽的特質と魅力がありますが、音楽の授業に異文化カリキュラムを取り入れることで、生徒たちに他の文化の音楽をよりよく理解する方法を教えることができます。研究によると、他の文化の民謡やポピュラー音楽を歌うことを学ぶことは、単にその文化について学ぶことよりも、文化を理解するための効果的な方法であることがわかっています。音楽の授業で音楽的特質について話し合い、ボサノバのブラジルのルーツ、アフロキューバンのクラーベ、アフリカのドラミングなど、他の文化のスタイルを取り入れれば、生徒たちは新しい音に触れ、自分の文化の音楽を他の音楽と比較する方法を学び、音を探求することにもっと慣れることができます。^[56]

1880年代の音楽評論家は「生物学的素因」により「女性[作曲家]は良い音楽を作曲する生来の創造性に欠けている」と主張したが^[57]、後に女性が音楽教育に関与することが認められ、「19世紀後半から20世紀に入っても女性が音楽教育を支配した」ほど女性たちがこの分野に関わるようになった。^[57]「[米国の]音楽教育の歴史に関する従来の記述では、バンドや階層的な音楽組織のトップリーダーに重点が置かれているため、女性の貢献が軽視されることが多かった。」^[58]これらのバンドリーダーやトップリーダー以外にも、女性は「家庭、地域社会、教会、公立学校、教員養成機関」や「作家、パトロン、組織でのボランティア活動」など、音楽教育において多くの役割を果たしていた。^[58]

19 世紀には音楽教育における女性の役割に制限が課されていたにもかかわらず、幼稚園の教師として女性が認められていた。これは「私的な領域」とみなされていたためである。女性はまた、女子校や日曜学校で個人的に音楽を教え、学校の音楽プログラムで音楽家を養成した。20 世紀に入ると、女性は小学校の音楽監督、師範学校の教師、大学の音楽教授として雇用されるようになった。女性は音楽教育の専門組織でもより積極的になり、会議で論文を発表するようになった。フランシス クラーク (1860-1958) という女性が1907 年にMusic Supervisors National Conferenceを設立した。20 世紀初頭には少数の女性が Music Supervisors National Conference (および次の世紀に組織の名前が変更されたバージョン) の会長を務めたが、1952 年から 1992 年の間に女性の会長は 2 人しかおらず、「おそらく差別を反映している」。

しかし、1990年以降、この組織では女性に指導的役割が開かれた。1990年から2010年まで、この組織には5人の女性会長がいた。^[59]音楽教育者の女性は、一般音楽、合唱、個人レッスン、キーボード指導において「男性の2倍」である。^[59]バンド教育、管理、ジャズの仕事では男性の雇用が多く、大学で働く男性も多い。^{[59]サンドラ・ウィーランド・ハウ博士によると、音楽教育のキャリアにおいて女性には「}ガラスの天井」がまだ存在し、指導的立場にある女性には「汚名」がつきまとい、「管理職では男性の数が女性を上回っている」という。^[59]

アステカ人の間では、多種多様な楽器が2つの主な目的で使用されていました。1つは、宗教音楽（専門の司祭の管轄）のキュレーションと演奏、もう1つは宮廷音楽の演奏（アステカの支配階級が毎日演奏）です。^[60]アステカ人のあらゆる社会的階級の教育は、カルメカック、テルポチカリ、クイカカリと呼ばれる学校で行われ、^[61]すべての人々の要件でした。これは、音楽とダンスがアステカ人の生活で果たした大きな重要性を強調しています。^[60]マヤ文化では、音楽家はエリートと一般の人々の間に位置していました。音楽は重要な役割を果たし、プロの音楽家はさまざまな管楽器、太鼓、ラトルを使用して軍事的勝利を祝いました。音楽はエリートの葬儀でも重要な役割を果たしました。^[62]

スペインとポルトガルの植民地化により、音楽はヨーロッパの思想や原理の影響を受けるようになった。カトリック教会は音楽教育を地元の先住民にキリスト教を広める手段として利用した。^[63]初期の教育者の一例として、エステバン・サラスが挙げられる。彼はキューバ生まれで最初の芸術音楽作曲家と考えられており、サンティアゴ・デ・クーバを国内の音楽の中心地に育て上げた。^[64]サリナスがキューバ音楽の発展に与えた影響には、100曲を超える音楽作品のコレクションが含まれ、これにより彼はキューバの芸術音楽の伝統の創始者としての地位を確立した。^[64]彼の遺産は現代のキューバでも受け継がれており、毎年ハバナでエステバン・サラス初期音楽祭が開催されている。この祭典には世界中からクラシック音楽アーティストが集まり、エステバン・サリナスの伝統に従って音楽を演奏したり教えたりしている。^[65]

19世紀から20世紀までは、音楽は暗記で一般大衆に教えられていたため、楽器を演奏する人以外に楽譜の読み方を知っている人はほとんどいませんでした。^[63]ラテンアメリカの音楽の発展は、主にヨーロッパの発展に倣ったものでした。^[63]ミサ曲や聖歌、賛美歌を歌うために合唱団が結成され、17世紀から18世紀以降には世俗音楽も普及しました。^[66]

^今日、ラテンアメリカの音楽教育では、民俗音楽、ミサ、管弦楽に重点が置かれています。多くの学校では、合唱団に英語だけでなく母国語でも歌うことを教えています。プエルトリコとハイチのラテンアメリカの学校の多くは^、音楽を重要な科目と考えており、プログラムの拡大に取り組んでいます。プエルトリコでは、幼児期の音楽指導を規定する公式の音楽教育方針はありません。^[67]学校以外では、多くのコミュニティが独自の音楽グループや組織を結成しており、そのパフォーマンスは地元の聴衆に非常に人気があります。メキシコの「エル・コロ・デ・マドリガリスタス」など、よく知られているラテンアメリカの合唱団がいくつかあります。この有名な合唱団はメキシコ中をツアーし、全国の学生にプロの合唱団の音色を披露しています。^[68]チリでは、青少年オーケストラへの参加と学業成績および回復力に良い影響があるという証拠もあります。^[69]

音楽教育は子供たちの学業成績を向上させることができます。^[70]コロンビアでは、メデジン音楽学校ネットワークが20年以上運営されています。この音楽プログラムに参加している生徒は学業成績が向上し、暴力に参加する傾向が低いことが実証されています。音楽プログラムは参加者の卒業の可能性を高めます。^[71]

伝統的な合唱音楽を超えて、若いラテンアメリカのアーティストたちは今やヒップホップを、先住民の言語の復興を促進し、スペイン征服以前に始まった伝統を祝うための手段として利用している。^[72]ラテンアメリカのヒップホップは今や抑圧された人々の声として機能し、この形式の音楽は社会革命の表現として確立されている。^[73]ラテンアメリカ全土で、若い先住民アーティストたちは今やヒップホップを貧困と不正義に対する闘いを表現するための手段として利用している。^[73]ラテンアメリカから生まれる新しい音楽はすべて、古代の先住民の伝統にまで遡る影響を示している。^[72] Uchpa と Alborada は、先住民のルーツを祝う 2 つの成功したペルーのバンドである。^[74]チリからは、Jaas Newen の歌「Inche Kay Che」が伝統的な先住民文化の防衛を呼び掛けている。ブラジルのグループ、Brô MC'sの曲「Koangagu」は、先住民と現代のブラジルの文化が音楽の中でどのように融合できるかを探求している。Parce MC、Mugre Sur、Sapínの「Presente y Combativo」は、2009年に殺害されたボリビアのラッパーの生涯を称賛している。^[72]

トーマス・シムズ牧師の説教の後、 教会での歌唱と楽譜の読み方を向上させる目的で、 1717年にボストンで最初の歌唱学校が設立されました。これらの歌唱学校は徐々に植民地全体に広まりました。音楽教育はボストン音楽アカデミーの設立とともにさらに盛んになりました。ジョン・タフツ牧師は、植民地で最初の音楽教科書とされる「非伝統的な記譜法による詩篇歌唱入門」を出版しました。1700年から1820年の間に、サミュエル・ホリヨーク、フランシス・ホプキンソン、ウィリアム・ビリングス、オリバー・ホールデンなどの著者によって375冊以上の曲集が出版されました。^[75]

音楽はカリキュラム科目として他の学区にも広まり始めました。その後すぐに音楽はすべての学年で教えられるようになり、楽譜の読み方の指導も改善され、音楽のカリキュラムは楽譜の読み方に加えていくつかの活動を含むようになりました。1864 年末までに公立学校の音楽は国中に広まりました。

1832年、ローウェル・メイソンとジョージ・ウェッブは、歌唱と理論、音楽の教授法を教える目的でボストン音楽アカデミーを設立しました。メイソンは1834年に、スイスの教育者ヨハン・ハインリヒ・ペスタロッチが創設したペスタロッチ教育システムの音楽教育作品に基づいた指導マニュアルを出版しました。このハンドブックは、徐々に多くの歌唱学校の教師によって使用されるようになりました。1837年から1838年にかけて、ボストン教育委員会は、ローウェル・メイソンがデモンストレーションとしてホーズ学校で音楽を教えることを許可しました。これは、米国の公立学校に音楽教育が導入された最初の例と見なされています。1838年、ボストン教育委員会はカリキュラムに音楽を含めることを承認し、ローウェル・メイソンは初等音楽の公認監督者になりました。後年、ルーサー・ホワイティング・メイソンがボストンの音楽監督者になり、音楽教育をすべてのレベルの公立教育（文法、小学校、高校）に広めました。

19世紀半ば、ボストンはアメリカ全土の他の都市のモデルとなり、公立学校の音楽教育プログラムに取り入れられ、形作られていった。^[76]教師のための音楽方法論がコースとして初めて導入されたのは、ポツダムの師範学校であった。音楽監督の指導の下で音楽を教える学校の教室教師という概念は、この世紀の公立学校の音楽教育の標準モデルであった。(参照:アメリカの音楽教育) 19世紀には女性が作曲をすることを奨励されなかったが、「後に、女性が音楽教育に役割を果たすことが認められ、女性がこの分野に関わるようになった...19世紀後半から20世紀に入っても、女性が音楽教育を支配したほどであった。」^[57]

米国では、師範学校から発展した 4 年間の学位プログラムを持つ教員養成大学に音楽が取り入れられました。 オーバリン音楽院が初めて音楽教育学士の学位を提供しました。アメリカの音楽教育者オズボーン・G・マッカーシーは、チェルシー高校で単位取得のために音楽を学ぶための詳細な方法を導入しました。20 世紀初頭の音楽教育の歴史における注目すべき出来事には、次のものがあります。

• 1907 年にアイオワ州キオカックでMusic Supervisor's National Conference (1934 年に Music Educators National Conference に変更、その後1998 年にMENC: The National Association for Music Education、現在は The National Association for Music Education – NAfME)が設立されました。
• 学校のバンドやオーケストラの台頭により、パフォーマンス重視の学校音楽プログラムが生まれました。
• 音楽メソッドの出版物の増加。
• フランシス・エリオット・クラークは、学校での使用を目的とした蓄音機レコードライブラリを開発し、推進しています。
• カール・シーショアと彼の音楽才能測定テスト「音楽適性テスト」が、音楽分野の人々のテストを開始しました。

次の表は、この期間の注目すべき進展をいくつか示しています。

21 世紀の最初の 10 年間で、さまざまな教育機関でオンライン音楽教育の音楽コースや学位プログラムが開発され、ワー​​ルド ミュージック教育やポピュラー音楽教育の分野も著しく拡大しました。

20世紀後半から21世紀初頭にかけて、音楽の指導と学習の社会的側面が前面に出てきた。これは実践的音楽教育、^[80]批判理論、^[81]およびフェミニスト理論として現れた。^[82]重要なのは、メイデイ・グループのコロキウムとジャーナルである。メイデイ・グループは「音楽教育者の国際シンクタンクであり、当然視されている専門的活動のパターン、方法と哲学への論争的なアプローチ、音楽教育における効果的な実践と批判的コミュニケーションを脅かす教育政策と世論の圧力を特定、批判、変更することを目指している」。^{[83]音楽教育の社会的側面に新たな焦点を当て、学者たちは音楽と人種、 [84]}ジェンダー、^[85]階級、^[86]組織への帰属、^[87]持続可能性などの重要な側面を分析してきた。^[88]

音楽は、何世紀にもわたってヨーロッパの学校やその他の教育機関で重要な科目となってきた。システィーナ礼拝堂合唱団やウィーン少年合唱団などの初期の機関は、合唱学習の重要な初期モデルを提供し、パリ音楽院は後に吹奏楽楽器の訓練で影響力を持つようになった。ヨーロッパでは、ゾルタン・コダーイ、カール・オルフ、エミール・ジャック＝ダルクローズ、ABRSMなどに関連するものなど、後に世界の他の地域に影響を与えることになるいくつかの指導方法が開発された。現在、ヨーロッパ大陸の著名な専門組織には、国際音楽教育協会のヨーロッパ地域支部やヨーロッパ音楽院協会などがある。ここ数十年、中央、南、東ヨーロッパではクラシック音楽の伝統をうまく強調する傾向があり、北欧諸国では特に学校でポピュラー音楽を推進している。^[89]

制度的な音楽教育は、植民地インドでラビンドラナート・タゴールがヴィシュヴァ・バーラティ大学を設立した後に始まりました。現在、ほとんどの大学に音楽学部があり、インディラ・カラ・サンギート大学、スワティ・ティルナル音楽大学、プラヤグ・サンギート・サミティ、ラビンドラ・バーラティ大学など、特に美術に特化した大学もあります。インドの古典音楽は、グル・シシュヤ・パランパラシステムに基づいています。グルと呼ばれる教師が、音楽の知識を学生、つまりシシュヤに伝えます。これは、インドで音楽の知識を伝えるために現在も使用されている主なシステムです。20世紀にはヨーロッパの芸術音楽が世界中の多くの場所（東アジア、ラテンアメリカ、オセアニア、アフリカ）の学校で普及しましたが、インドは、非ヨーロッパの土着の音楽の伝統が一貫して比較的重視されてきた数少ない人口の多い国の一つです。そうは言っても、ボリウッドの映画音楽に関連するポピュラー音楽には、確かに西洋の影響が多く見られます。

インドネシアのジャワ島は、ガムラン音楽を中心とした豊かな音楽文化で知られています。12世紀に遡る2つの最も古いガムラン楽器セットは、ジョグジャカルタとスラカルタの都市のクラトン（宮殿）に収蔵されています。ガムラン音楽はジャワ文化の不可欠な部分であり、宗教儀式、結婚式、葬儀、宮殿での行事、国民の祝日、地域コミュニティの集まりの一部となっています。近年、ガムラン関連の観光市場が拡大しており、いくつかの企業がガムランに参加して学びたい観光客のためにツアーを手配しています。^[90]

ガムラン音楽には独特の教育的アプローチがある。マグル・パングル（マレットで教える）という言葉は、音楽を教える際に最も頻繁に使われる師弟関係のアプローチを表している。西洋音楽の教育法のように、教師は生徒にその節の理解度を示させるために立ち止まるのではなく、一度に長い楽節を実演する。教師と生徒は、両者が演奏できるように、ドラムやマレット楽器の反対側に座ることが多い。こうすることで、教師は簡単に実演することができ、生徒は教師の演奏を研究して真似することができる。教師は、アンサンブルのリーダーであるケンダン奏者を訓練する。教師は彼らと一対一で取り組み、曲がリズム的にもスタイル的にも正確になるまで、必要な回数だけパートを繰り返し演奏する。ケンダン奏者は、ガムランの仲間に音楽を伝えるために頼られることもある。^[91]

南アフリカ教育省とILAM音楽遺産プロジェクトSAは、西洋音楽の枠組みを使ってアフリカ音楽を教えている。11～14歳の生徒を対象としたILAMの「Listen and Learn」は、伝統的なアフリカ音楽の録音を使って西洋音楽のカリキュラム要件を教える点で「ユニーク」である。^[92]

アフリカが植民地化されてから 1994 年まで、学校で土着の音楽や芸術を教えることはまれでした。アフリカ民族会議 (ANC) は、学校で土着の知識が軽視され、音楽の読み書き能力が圧倒的に重視される現状を是正しようと試みました。土着の音楽の学習には、西洋の「正式な」訓練とは異なる哲学と教授法が実際にあることはあまり知られていません。土着の歌は人々の歴史に関するものであるため、コミュニティ全体が関与します。アフリカの植民地化後、音楽はより即興的で流動的な土着の音楽ではなく、キリスト教の信仰とヨーロッパの民謡に重点が置かれるようになりました。1994 年から 2004 年にかけて教育が大きく変化する前、つまり民主政権の最初の 10 年間、教師は教室の教師として訓練され、音楽を他の教科に取り入れなければならないと告げられました。楽器プログラムを含む教育プログラムを持つ数少ない大学では、音楽理論、西洋音楽の歴史、西洋音楽の記譜法に重点が置かれ、音楽の制作はそれほど重視されていませんでした。 1999年まで、ほとんどの大学のカリキュラムには南アフリカの先住民族音楽の訓練は含まれていませんでした。^[93]

アフリカの文化では、音楽はコミュニティの経験とみなされ、社交や宗教行事で使用されます。子どもたちが音楽や楽器を扱える兆候を見せるとすぐに、コミュニティの大人と一緒に音楽イベントに参加することができます。伝統的な歌は先住民の歴史に関する物語であるため、多くの人々にとってより重要です。^[94]

学校の国家カリキュラムでは音楽は芸術科目に含まれているが、 ^[95] 2005年と2020年に発表された調査によると、州や学校によって大きく異なり、全く音楽の授業を受けていない生徒もいる。州・準州別に見ると、クイーンズランド州の公立小学校は1980年代から優れた音楽プログラムを提供しており、南オーストラリア州の音楽教育戦略と基金は2019年に設立された。ビクトリア州にはベストプラクティスの枠組みがあり、タスマニア州、西オーストラリア州、オーストラリア首都特別地域（ACT）では一部の小学校で専門の教師を雇用している。ニューサウスウェールズ州では、一般教師が公立学校で小学校のカリキュラム全体を教える責任を負っている。^[96]

2018年11月、ABCテレビは、西オーストラリア州パースの恵まれない地域の小学校での音楽プログラムの立ち上げと進捗を記録した3部構成のシリーズ「Don't Stop The Music」を放映しました。プログラムが生徒とその家族、そして教師に与えた良い影響を紹介しました。より広範なプロジェクトとして、一般の人々が恵まれない学校に楽器を寄付することを奨励し、その結果、Musica Viva Australiaは4,500を超える楽器を受け取り、処理することができました。^[97]このシリーズには、人気ミュージシャンのガイ・セバスチャンと研究者で音楽教育者のアニタ・コリンズが出演し、救世軍の支援も受けました。^[98]

• アメリカ合唱指揮者協会
• アメリカオルフシュルヴェルク協会
• アメリカ弦楽器教師協会
• 国際ジャズ教育協会^[99]
• 国際音楽教育協会
• 国際音楽教育哲学協会^[100]
• 全米音楽教育協会（米国拠点：NafME とも呼ばれ、以前は MENC）
• 全米音楽教師協会
• 北欧音楽教育ネットワーク(NNME)

• 音楽教育の基本概念
• 色付きの楽譜
• ミュージカルの未来
• 幼児向け音楽教育
• 音楽学校
• 音楽学
• 音楽教育の研究
• ジャズ教育のタイムライン
• 視覚芸術教育
• ボーカルコーチ
• ボイストレーナー

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