だから（アルバム）

それで
オリジナルUKビニールカバー
スタジオアルバム​ ピーター・ガブリエル
リリース	1986年5月19日 ( 1986-05-19 )
記録済み	1985年2月～12月
スタジオ	アッシュコム ハウス、スウェインズウィック、サマセット、イギリス 発電所、ニューヨーク市、ニューヨーク州、米国
ジャンル	ポップ[1] アートポップ[2] アートロック[3] プログレッシブポップ[4] ワールドビート
長さ	41 : 56 (ビニール) 46 : 21 (CD)
ラベル	カリスマ 処女 ゲッフェン
プロデューサー	ピーター・ガブリエル ダニエル・ラノワ
ピーター・ガブリエルの年表
バーディー （1985） だから （1986） パッション （1989）
ピーター・ガブリエルのスタジオアルバム年表
ピーター・ガブリエル （1982） だから （1986） アス （1992）
Soからのシングル
「スレッジハンマー」 公開: 1986年4月[nb 1] [7] 「イン・ユア・アイズ」 公開：1986年8月（米国）[8] 「ドント・ギブ・アップ」 リリース: 1986年10月[9] 「ビッグ・タイム」 リリース：1987年3月[10] 「レッド・レイン」 公開：1987年6月[11]

『ソウ』は、イギリスのシンガーソングライター、ピーター・ガブリエルの5枚目のスタジオアルバムで、1986年5月19日にカリスマ・レコードとヴァージン・レコードから発売された。映画『バーディー』（1984年）のサウンドトラックを手掛けた後、プロデューサーのダニエル・ラノワは、1985年にガブリエルのサマセットの自宅に滞在し、次のソロプロジェクトの制作に携わるよう招かれた。『ソウ』の初期のセッションは、ガブリエル、ラノワ、ギタリストのデイヴィッド・ローズで構成されていたが、徐々にパーカッショニストも加わっていった。

ガブリエルは、先駆的なフェアライト CMIデジタルサンプリングシンセサイザーを使い続けたが、これらのセッションからの曲は、以前の作品ほど実験的ではなかった。それでも、ガブリエルは、ポップ、ソウル、アート ロックを、特にアフリカやブラジルの伝統的なワールド ミュージックの要素と融合させ、さまざまな音楽的影響を取り入れた。これは、ガブリエルにとって初の非自称アルバムであり、So は、レーベルから彼の音楽を「適切に」売り出すよう圧力がかかった結果生まれた「アンチ タイトル」を表している。ガブリエルは、Soで This Way Up ツアー (1986 - 1987) に参加し、この期間中に人権や慈善コンサートでいくつかの曲を演奏した。

最高傑作かつ最も聴きやすいアルバムとされる『So』は、瞬く間に商業的に成功し、ガブリエルをカルト的なアーティストから主流のスターへと変貌させ、彼のソロ作品の中で最も売れたアルバムとなった。アメリカレコード協会から5倍のプラチナ、英国レコード産業協会から3倍のプラチナに認定された。アルバムのリードシングル「Sledgehammer 」は、革新的なアニメーションミュージックビデオで宣伝され、特に成功を収め、ビルボードホット100で1位を獲得し、その後、 MTVビデオミュージックアワードで記録的な9つの賞を受賞しました。その後、「 Don't Give Up 」（ケイトブッシュとのデュエット）、「Big Time」、「In Your Eyes」、「Red Rain 」の4つのシングルが続いた。

このアルバムはほとんどの批評家から好意的なレビューを受け、作詞作曲、メロディー、ジャンルの融合を賞賛されたが、一部の回顧的なレビューでは露骨な商業主義と1980年代の制作サウンドを批判した。 『So 』は1987年にグラミー賞のアルバム・オブ・ザ・イヤーにノミネートされたが、ポール・サイモンの『グレイスランド』に敗れた。 1980年代のベストアルバムのリストに登場し、ローリングストーン誌は2003年版と2020年版の「オールタイム・グレイテスト・アルバム500」にこのアルバムを含めた。2000年にはコリン・ラーキンの「オールタイム・トップ1000アルバム」で82位に選ばれた。^[12] 『So』は2002年にリマスターされ、ガブリエルの2011年のオーケストラ・プロジェクト『ニュー・ブラッド』のために部分的に再録音され、2012年にボックスセットとして発売された。

1978年以来、ガブリエルはアルバム『Security』（1982年）や『バーディ』のサウンドトラック（1984年）など、アシュコム・ハウスで作曲を行っていた。彼は隣接する納屋に2部屋からなる安価なスタジオを持っており、1つはガブリエルがボーカルをプロデュースし歌詞を書く場所、もう1つは曲を組み立てる場所だった。 ^{[13] 『} So』の準備中、ガブリエルはビル・ラズウェルやシックのナイル・ロジャースをプロデューサー候補として検討していた。彼は最終的に『バーディ』のコラボレーターであるダニエル・ラノワにアシュコムに残って一緒に仕事をするよう依頼した。^{[14] [15]}

アルバムの制作は1985年2月に本格的に始まり、最初の曲は「 We Do What We're Told (Milgram's 37) 」だった。 ^[16]最初のセッションのいくつかは、ガブリエル、ラノワ、ギタリストのデイヴィッド・ローズが一緒に演奏したものだった。ガブリエルはいくつかの曲に取り組み始めており、ラノワとローズにコード構造を提供し、彼らはそれを基に即興で作曲した。ラノワは「いいスタートを切った。こういうシナリオでは、周りに大勢の人がいるのは得策ではない。他の人の時間を無駄にしているのではないかと不安になるからだ」と回想している。その結果、これらのセッションにはリラックスした雰囲気が漂い、3人は冗談で自分たちを「スリー・ストゥージズ」と呼んでいた。また、彼らは「仕事に出るユーモア」を持っていたため、建設現場のヘルメットをかぶることも含まれていた。 ^[17]セッションが長くなるにつれて、エンジニア/ミキサーの ケビン・キレン、ベーシストの トニー・レヴィン、ドラマーのジェリー・マロッタが重要な貢献者となり、パーカッショニストのマヌ・カチェとスチュワート・コープランド、ヴァイオリニストのL・シャンカールの助けも加わった。^[18]

スタジオの基本的な機材は「2台のアナログ24トラックマシン、Studer A80、そして地元の電子工学の魔術師が改造した独自のオーディオカードとトランスポートコントロールを備えたStuder A80シェル」で構成されていた。^{[注 2]}ボーカルを録音するために、ノイマンU47真空管マイクとデッカコンプレッサーがイコライゼーションなしで使用された。^[19] Soの曲はすべて同様のフォーマットで作られた。ガブリエルは、主にヤマハのピアノとプロフェット5にリン9000のドラムビートを乗せて改造した「Bマシン」でデモパートを録音し、バンドに演奏した。リハーサル中、バンドはヘッドフォンでBマシンを聞き、その出力を「Aマシン」に録音した。ガブリエルのデモの一部もこの段階でAマシンに転送された。その後の曲のテイクはBマシンに送られ、バンドはデモで演奏したものや曲の新旧のテイクを聴くことができた。^{[19] [20]}

その他の機材には「画期的な」フェアライトCMIシンセサイザーがあり、ビルボードのインタビューでガブリエルは「人間の想像力がより多く関わっている」と述べている。さらに「創造的な意思決定のプロセスが技術よりも重要になっている。より幅広いツール、より幅広い決定がある」と付け加えた。^{[21] [22]}新しい音楽を生み出すためのインスピレーションは絶えずあったが、歌詞を書くのに苦労し、先延ばしにすることが多かった。^[23]歌詞に満足できないという性癖のため、キレンは特定のボーカルパフォーマンスをマスタートラックとして分離し、他のトラックを残しておき、新しい歌詞を編集できるようにする必要があった。^[19]ラノワは、彼の作曲を奨励するために、近くの森でよく使っていた電話を破壊したり、ある時はスタジオのドアを釘で打ち付けて閉じ込めたりするなど、逆の手段を講じた。^[23]

レコーディングの終盤に近づくと、ガブリエルはトラックリストに「取り憑かれ」、曲の始まりと終わりをすべて収録したオーディオカセットを作成し、音がどのように混ざり合うかを確認した。^[24]彼は「In Your Eyes」を最後のトラックにしたかったが、ベースラインが目立つため、レコード盤では針が振動する余地が大きくなるため、このトラックを前のほうに配置する必要があった。後のCDリリースではこの制限がなくなり、このトラックはアルバムの最後に配置された。^[25] こうして、 1986年2月に完成し、制作費は20万ポンドだった。ニューヨークのパワーステーションスタジオでオーバーダビングされたが（ホーンセクションのパートもすべてそこで録音された）、ガブリエルはコンピューター電話のセットアップで送ることも検討した。「電話で送るには情報が多すぎる。でも、すごいことじゃないか。曲のアイデアを世界中のミュージシャンに送り、衛星でパートを送り返すことができる」と考えた。^[22] 1986年2月中旬にロンドンのタウンハウススタジオでイアン・クーパーによってマスタリングされた。^{[24] [20] [26]}

So は、ガブリエルのアルバムの中で最も商業的に受け入れられやすく、実験的要素が最も少ないと評されている^{[3] [27] 。}ポップソング^[1]をフィーチャーし、アートポップ^{[2] [28]}とプログレッシブポップ^[4 ] を随所に取り入れたアルバムである。以前のアルバムと同様に、アートロックがベースとなっているが、Soでは、ガブリエルはメロディーに重点を置き、これにソウルやアフリカ音楽の要素を組み合わせている^[3]。「(以前のアルバムの)「The Rhythm of the Heat」や「The Family and the Fishing Net」のような曲をギターやピアノでかき鳴らすと、曲がうまくいかないかもしれない...一方、このアルバムでは、歌詞、メロディー、コードがより伝統的な意味で機能している。」^[29]ガブリエルは、約30の作曲アイデアと20の録音トラックから始め、後に「完成間近」の12曲に絞り込んだ。^[30]

曲は伝統的なワールドミュージック、特にアフリカ音楽とブラジル音楽から大きな影響を受けており、ガブリエルはこれらの地域のリズムとドラムビートを取り入れている。 ^{[31] [32] 2011年の}Uncutのインタビューで、ガブリエルは「しばらくの間、楽器の実験に飽き飽きしていたので、自分のやり方ではあるが、ちゃんとしたポップソングを書きたいと思った」と語っている。^[33] ニューヨークタイムズのジョン・パレレスは、ガブリエルは「普通の曲にアフリカのドラムやインドのバイオリンを単に付け加えるのではなく、それらは曲の基礎の一部になっている」と指摘している。 ^[31]クラシックロックのクリス・ロバーツも、このアルバムは「フェアライトシンセサイザーを採用し、アートポップにワールドミュージックの心地よい一滴を加えている」と述べている。^[34]ダニエル・ラノワのプロデュースは、質感があり、アンビエントのディテールに満ち、「各音に息づく余地を与える完璧な温かさ、その質感は（当時好まれたスタイルで）無味乾燥にならないほど豪華」であると評価された。^{[32] [35]}

「スレッジハンマー」

尺八で幕を開けるこの曲では、^{[32]アメリカのソウル歌手}オーティス・レディングの音楽にインスピレーションを受けたホーンセクションが目立つ。 1960年代にレディングとツアーをしたウェイン・ジャクソンが、この曲でホーンを演奏している。^[36]

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ガブリエルはアルバムを「最初から衝撃的に」したかった。「メタル」打楽器を嫌っていたにもかかわらず、ラノワの説得でポリスのスチュワート・コープランドにオープニング曲「Red Rain」でシンバルとハイハットを演奏させた。^{[18] [37]}ガブリエルは、高音域で、喉の奥から出るしわがれた声で、拷問や誘拐などの社会問題を抱えた破壊的な世界を歌っている。^{[31] [32]}このコンセプトは、広大な赤い海が分かれ、人間のようなガラス瓶が血で満たされる夢から生まれた。また、ガブリエルの1枚目と2枚目のアルバムに繰り返し登場するモゾの物語を続けることも意図されていた。^{[38] [18]}

「スレッジハンマー」は最後に考え出された曲だった。ガブリエルのバンドメンバーのほとんどは機材を片付けてスタジオを出ようとしていたが、彼は思いついた曲をすぐに練習するためにメンバーを再集結するよう頼んだ。^{[39] 「スレッジハンマー」は}オーティス・レディングの音楽に部分的に影響を受けており、ガブリエルは1960年代にレディングのツアーで見かけたウェイン・ジャクソンにこの曲のホーンを録音するよう依頼した。 ^[36]尺八で幕開けとなるこの曲のビートには金管楽器、特にジャクソンのホーンが支配的で、歌詞には性的な婉曲表現がふんだんに盛り込まれている。^{[32] [40] [注 3]} マヌ・カチェのドラムはワンテイクで録音された。これは、その後のバージョンは彼のオリジナルの解釈よりも劣ると判断したためである。^[42]

ラノワの最も政治的な声明である「あきらめないで」は、マーガレット・サッチャー首相の時代に失業率が上昇したことに対するガブリエルの不満と、ドロシア・ラングの写真「移民の母」に触発されて作られた。^{[43] [32]}この曲は、ガブリエルが作ったリンの ドラムマシンのゆっくりとした低音のタムタムのパターンから始まり、ラノワはそれが曲の中心になると考えていた。^{[44]トニー・レヴィンはより}調和のとれたサウンドを作るためにベースを加え、^[45]曲の後半では、ベース弦の後ろにナッピーを置いてサウンドを弱めた。 ^[46]失業者とその恋人の物語に沿ったこの曲が会話形式で書かれたことをガブリエルは確信した。彼は当初、ドリー・パートンに女性役を依頼したが、パートンには断られたものの、友人のケイト・ブッシュが出演することに同意した。^[43]ブッシュは歌の応答者としての役割を果たし、慰める役割を担い、繊細な歌声で「頭を休めて/あなたは心配しすぎです」などの歌詞を歌っています。^{[27] [35]}

アルバムの1面目は「That Voice Again 」で最高潮に達し、ガブリエルは良心の概念を探求し、「私たちを助けたり、打ち負かしたりする頭の中の親の声」を検証している。^{[32] [47]}カチェとレヴィンの意見を取り入れギターを弾くデヴィッド・ローズとの共作であるこの曲は、ガブリエルがマーティン・スコセッシと『最後の誘惑』（1988年）の音楽について最初に話し合った後に書かれた。^{[48] [注 4]}

「In Your Eyes」はガブリエルの最高のラブソングと言われている。^[3]サグラダ・ファミリアとその建築家アントニ・ガウディにインスピレーションを受け、ガブリエルは恋人の目の中にのみ完全な感情をドラムビートに乗せて歌っている。^{[31] [51]このトラックの力強い雰囲気は、セネガルのミュージシャン、}ユッスー・ンドゥールの歌唱によって生み出されており、彼は母国語であるウォロフ語で歌っている。^{[47] [51]}

ガブリエルは、詩集『To Bedlam and Part Way Back』を読んで、故アメリカ人詩人アン・セクストンに興味を持つようになった。彼は、ソの6曲目を彼女に捧げ、別の死後に発表された詩集に収録されている「45 Mercy Street」にちなんで「Mercy Street」と名付けた。^{[48] 「Mercy Street」は、ガブリエルが}リオデジャネイロで録音した、フォロに触発されたいくつかのパーカッション作品の1つに設定されている。これらの作品がスタジオで発掘されたとき、誤って元の録音より10パーセント遅く再生され、ガブリエルとラノワはシンバルとギターが際立つように粗い音質になったと考えた。^[52]この曲には、メインボーカルの1オクターブ下のシャドウボーカルを含む、2つの調和のとれたガブリエルのボーカルが収録されている。官能的で忘れられない効果を与えることを意図したこの効果は、ガブリエルが最初に目覚めたときを除いて、再現するのが困難だった。^[53]

ダンス曲「ビッグ・タイム」はファンクの影響を受けており、「パーカッシブなベースサウンド」をベースにしている。^{[3] [32]}歌詞は1980年代のヤッピー文化、物質主義、消費主義を風刺しており、ガブリエルが結局は名声を望んでいたのではないかと考えた後の自己分析の結果である。^{[31] [32] [54]}

「We Do What We're Told (Milgram's 37)」はピーター・ガブリエルまたは「Melt」 ^[55]のために録音され、間奏曲として説明されている。アメリカの社会心理学者スタンレー・ミルグラムが行った服従の実験に言及しており、戦争中に独裁者に対して国民が示す服従を示すことを意図している。^{[56]この曲のマロッタのドラムは「子宮から聞こえる心臓の鼓動」 [27]}に似ていると言われており、シャンカールのバイオリンと「ローズによる2つのオーバーダビングされたギタートラック」 ^[56]と組み合わされている。

「We Do What We're Told」はアルバムの最初のLP版の最後の曲だったが、カセットとCDのリリースは「This Is the Picture (Excellent Birds)」で終わる。ガブリエルはアルバム提出のわずか48時間前にこれを収録することを決めた。^{[57] 「Excellent Birds」はアメリカのミュージシャン、}ローリー・アンダーソンと作曲した。彼らはこの曲とミュージックビデオを3日間かけて録音した。これはガブリエルの基準からすると比較的短い期間だった。1984年の世界衛星テレビ放送Good Morning, Mr. Orwellに収録するためだった。^[16]これは「This Is the Picture」という録音に挿入され、ナイル・ロジャースがリズムギターを演奏している。^[56]アンダーソンによると、彼女とガブリエルは「ベースラインが何なのかについて意見が合わなかった。（たぶん私は下のほうではあまりよく聞こえないと思う。）彼から学びたかったが、対立してしまい、私たちはそれぞれ自分のバージョンを出した。」^[58]しかし、ガブリエルは少し違った記憶を持っていた。二人ともこの曲をとても気に入り、自分たちのアルバムでリリースすることに同意したのだ。^[16]ガブリエルがボーカルとして参加したアンダーソンのバージョンは、彼女の1984年のアルバム『ミスター・ハートブレイク』に収録されており、これは『グッド・モーニング・ミスター・オーウェル』で初公開されたバージョンに近い。^[16]ガブリエル自身のバージョンはグルーヴに基づいていたが、アンダーソンのバージョンは「より断片的」だった。^[16]

『So』はガブリエルにとって初の非エポネームアルバムである。ガブリエルはアルバムにタイトルをつけるのが嫌いだと述べているが、それは主にジャケットデザインから注意が逸れてしまうからである。^[59]ローリングストーン誌のインタビューで、彼はアメリカのレーベルであるゲフィンレコードが『Peter Gabriel IV』を『 Security』に改名するまでリリースすることを拒否したと説明した。彼はさらに、『So』では「アンチタイトルにすることにした...意味や意図のあるものではなく、グラフィックの一部であると言えるかもしれない。そして、それ以来ずっとそうしてきた」と説明した。^{[60]このアルバムがドキュメンタリーシリーズの}クラシックアルバムで紹介されたとき、ガブリエルは短いタイトルは拡大してマーケティングに役立てることができると冗談を言った。^[59]アルバムが最終的に『So』と名付けられる前は、 『Good』というタイトルになる予定だった。^[61]アルバムのジャケットは、マイク・オールドフィールドの『チューブラー・ベルズ』（1973年）のベルのアートワークを撮影したことで最も有名だったトレヴァー・キーが撮影したガブリエルのポートレートである。ジャケットはピーター・サヴィルとブレット・ウィッケンズがデザインした。サヴィルはファクトリー・レコードのアーティストのジャケットを数多くデザインしたことで最もよく知られており、 『So』の仕事で2万ポンドを支払われた。^{[62] [63]サヴィルによると、このジャケットは前年に}ニュー・オーダーのアルバム『ロウ・ライフ』のためにデザインしたものに基づいており、ポラロイド写真を撮影してアーティストの「グルーヴィーな」ポートレートを作成するという同様の手法を採用した。サヴィルはその結果を「現代的で、若いが大人で、成熟した」と表現した。^[61]ガブリエルは次のように回想している。「私がした唯一の妥協は、ピーター・サヴィルのレトロなスタイルの肖像画のアイデアを採用することだった。私のいつもの目立たないLPジャケットは女性を遠ざけると言われた」^[33]一方、サヴィルは、夜間のドライブ中に車の事故を目撃し、しぶしぶアルバムのテストカセットを再生し始めたところ、ガブリエルのパフォーマンスに感動して涙を流したことから、このカバーは音楽の情熱的なトーンと異常に聴きやすい性質に影響を受けたと述べている。^{[61]このカバーは、写真家の}デイヴィッド・ベイリーの作品に一部影響を受けている。 ^[64]

『So』は1986年5月19日に発売された。イギリスを含む世界7カ国でチャートのトップに立ち、ガブリエルの2枚目のナンバーワンアルバムとなった。アメリカでは『So』はゲフィンレコードの最も商業的に成功したリリースの1つとなり、最高2位を記録し、93週間チャートに留まった。^[65] 1986年4月、アルバムのリードシングルとして「Sledgehammer」が発売され、ビルボードホット100でガブリエルの最初で唯一のナンバーワンとなり、ジェネシスの最初で唯一のアメリカでのナンバーワン「Invisible Touch」を抜いた。 ^{[66] [40]この曲はイギリスでは「} Games Without Frontiers 」と並んで彼の最高位のシングルとして4位に達し、カナダでも最高1位となった。^{[67] [68]}「スレッジハンマー」の成功は、アードマン・アニメーションズがデザインした、非常に人気があり革新的なストップモーションミュージックビデオによるところが大きい。ガブリエルはローリングストーン誌のインタビューで、このビデオがソ・ジミの曲をより幅広い聴衆に知ってもらい、アルバムの成功を後押ししたと考えていると語っている。^[69]続いて2枚のシングルがヒットし、「ドント・ギブ・アップ」はイギリスシングルチャートで9位、アメリカではそれほど成功しなかったものの79位に上昇し、「ビッグ・タイム」はイギリスで13位、アメリカで8位に上昇した。「イン・ユア・アイズ」はアメリカでそこそこの成功を収め、ホット100で26位に達し、「レッド・レイン」はイギリスで46位に上昇した。^{[67] [70]}

ボノはガブリエルに連絡を取り、アムネスティ・インターナショナルの25周年を記念して人権問題への意識を広めることを目的としたライブ・エイドに触発されたコンサート・シリーズ「 A Conspiracy of Hope」に出演するよう依頼した。ガブリエルは依頼を受け入れ、1986年6月にスティング、ポリス、ルー・リード、ジョーン・バエズらと共演し、「Red Rain」で幕開け、「Sledgehammer」をフィーチャーしたセットリストを披露した。ガブリエルは「これまでで最高のツアー」と評した。^[71]同月、ガブリエルはボーイ・ジョージ、エルヴィス・コステロらと共にロンドンのクラパム・コモンでアーティスト・アゲインスト・アパルトヘイトのために演奏した。^{[72]ガブリエルは最終的に、1986年11月7日に}ニューヨーク州ロチェスターでスタートしたSoをサポートするために、93公演のThis Way Upツアーに乗り出した。そのツアーのうちの1公演は、国連プロジェクトである平和大学のためのグローバルコンピュータシステムの資金調達のため、東京の明治神宮球場で2夜（12月20日〜21日）の特別公演だった。^{[73] [74]}ツアーは1987年初めに中断され、6月にヨーロッパに到着し、その後アメリカに渡り、 10月にアテネのリカヴィトス劇場でツアーを終了した。^[74]ガブリエルは、 1988年にプリンス・トラスト・コンサートとヒューマン・ライツ・ナウ！ツアーでSoを部分的に演奏した。 ^[75]

音楽評論家からは概ね好意的な評価を受けた。ニューヨーク・タイムズのジョン・パレレスは「西洋のロックミュージシャンで、これほど独創性と確信を持ってエキゾチックなリズムや楽器を扱えるのはほんの一握りだ」と書いた。パレレスはまた、彼のボーカルを「ざらざらしているがブルージーではなく、時代を感じさせず、喜びも感じさせず、災難を語る老いた船乗りの声」と評した。^[31]ローリング・ストーンのティム・ホームズは、このアルバムを「感情の複雑さと音楽の洗練さがかなり詰まったレコード」と評し、ガブリエルを主流のポップミュージックに紹介するのに役立つことを喜んだ。^[27]

ロサンゼルス・タイムズのテリー・アトキンソンは、このアルバムを「驚くほど多様なトーン、ムード、トピック、そして一貫して力強い表現」を提供していると評価した。「ビッグ・タイム」は気に入らなかったものの、アトキンソンは『So』を「素晴らしいアルバム、おそらくガブリエルの最高傑作」と結論付けた。^[47]ロサンゼルス・タイムズのスティーブ・ホックマンもガブリエルの再発明を称賛し、ジェネシス、GTR、マリリオンなどの同時代のプログレッシブ・ロック・バンドの作品と比較して「真の進歩」と表現した。^[85] シカゴ・トリビューンのリン・ヴァン・マトレはアルバムの「ファンキーなリズムの波」を称賛し、ガブリエルの才能をもっと評価すべきだと訴えたが、「奇抜さ」に欠けると指摘し、1980年のシングル「ビコ」ほどインパクトのある曲はないと述べた。^[86] ロバート・クリストガウもヴィレッジ・ヴォイス紙で「ガブリエルはとても賢いので、リズムが音楽を動かすものだと知っている。それは彼を退屈なメロディーの責任から解放するが、それで彼が一流になるわけではない。賢い男は、いざというときにはテクスチャーを追求するものだ」と書いている。^[84]

So は、ほとんどの回顧的レビューで好成績を収め続けている。オールミュージックのスティーブン・トーマス・アーレウィンは、So を「彼が作った中で最もキャッチーで楽しいレコード」と賞賛した。アーレウィンは特に、ガブリエルのアートロックとアフリカ音楽、ソウルの融合を称賛した。^[3] BBCのジュード・ロジャースは「『スレッジハンマー』の大げさな部分を一度通り過ぎてみれば、...その芸術的なアイデアがいかに簡単に 80 年代の主流の中に紛れ込んだかに気づくだろう」と書いた。^{[40]ザ・クワイエタス}のウィンダム・ウォレスはSoの誠実さを称賛し、「強烈な感情の領域を巡る心のこもった旅であり、複雑で献身的な作業で組み立てられ、非常に注意深く作業されたため、楽々と聞こえる」と呼んだ。^[32]

コンシークエンス・オブ・サウンドのライター、ライアン・ブレイは、Soは「芸術的な面を少しも犠牲にすることなく、批評家や商業的な尊敬を十分得るという、両方の面をうまく兼ね備えた、非常に珍しいレコード」と結論付けた。彼は「80年代のベストレコードの1つとして、今でも独自の地位を築いている」と付け加えた。^[35] Qのマーク・ブレイクは、このアルバムを「あの鳴り響くサックスとフェアライトCMIデジタルサンプリングシンセのおかげで、1986年製とわかる」と評した。彼は「ガブリエルは、ユーザーフレンドリーでありながら、安心できるほど奇妙なポップアルバムを作り上げました」と付け加えた。^[80]クラシックロックのテリー・スタントンは「レッド・レインはおなじみの物思いにふけり、政治的な意味合いが込められているが、ラジオの電波はレコードの力強いダンスロックとスローテンポの雄弁さに完全に屈服した」と書いた。スタントンは、ガブリエルが「見事な自信を示し、満足のいく統一された全体を届けた」と結論付けた。^[87]

Mojo誌のデヴィッド・バックリーは、あまり肯定的ではない回顧的なレビューで、このアルバムをガブリエルの初期の、より実験的な作品と対比し、「1986年の『So 』では、彼はポップで大胆な曲を書くように方向転換した。結果はまちまちだ。スティーヴィー・ワンダーの『Superstition』とデヴィッド・ボウイの『Fame』の両方を彷彿とさせる『Sledgehammer』はパンチを保っている。他の曲では、ガブリエルは『Mercy Street』、『Red Rain』、『In Your Eyes』で修正されたように聞こえ、唯一『We Do What We're Told』だけが大胆な過去を思い出させる」と述べた。^[88] Uncut誌のジョン・ルイスも、概ね肯定的な8/10のレビューで、アルバムを批判した。彼は部分的に最先端の制作を賞賛し、「Big Time」と「Sledgehammer」を傑出したトラックとして強調したが、 「That Voice Again」のフェアライトCMIシンセサイザーや「Mercy Street」の口笛のアンビエント伴奏など、他の部分では邪魔になっていると述べた。^[83]

第29回グラミー賞では、アルバム・オブ・ザ・イヤーにノミネートされたが、ポール・サイモンの『グレイスランド』（1986年）に敗れ、「スレッジハマー」はレコード・オブ・ザ・イヤー、ソング・オブ・ザ・イヤー、最優秀男性ロック・ボーカル・パフォーマンスにノミネートされた。^{[90] [91]}ロンドンのグロブナー・ハウス・ホテルでジョナサン・キングが司会を務めた第6回ブリット・アワードでは、ガブリエルが最優秀ブリティッシュ男性アーティスト賞を受賞し、「スレッジハマー」が最優秀ブリティッシュ・ミュージック・ビデオ賞を受賞した。 ^[92]ガブリエルが最も成功したのは1987年のMTVビデオ・ミュージック・アワードで、ビデオ・ヴァンガード賞を受賞し、「スレッジハマー」はビデオ・オブ・ザ・イヤーを含む9つの賞を獲得したが、この記録は今も破られていない。このビデオはMTV史上最も再生されたミュージック・ビデオとなっている。^[93]

『So』は、ガブリエルの最高傑作であると同時に、1980年代の最高傑作の1つとみなされることが多い。このアルバムにより、ガブリエルは、知性あふれる実験的なソロ作品で高く評価されていたカルト的なアーティストから、主流で国際的に知られるスターへと変貌を遂げた。 ^[94] ローリング・ストーン誌は、『So』を「史上最高のアルバム500選」で187位（2003年版）と297位（2020年版）に、また「1980年代のベストアルバム100」で14位にランク付けし、「大衆に受け入れられたにもかかわらず、『So』は説得力のある課題も提示した」と評した。^{[95] [96] [97]} ステレオガムは、このアルバムをガブリエルのベストアルバムのリストの1位に挙げ、「ピーター・ガブリエルの5枚目のスタジオアルバムは魅惑的な二面性を持っている。同時にフックがあり実験的であり、時代を超越しているが、歴史の瞬間を完全に結晶化している...これは傑作だ。」と書いている。^[98]

Soはクラシックアルバムシリーズで紹介され、死ぬ前に聴くべき1001枚のアルバムにも取り上げられている。^{[99] [89]} Slant Magazineは、このアルバムを1980年代のベストアルバム100のリストの41位に挙げ、「ガブリエルの最も親しみやすく、かつ野心的な作品。政治的、感情的、芸術的な探求の記録であるこのアルバムは、標準的なポップスの正統性と、彼のまだうずくまっている音の実験への欲求とのバランスを取ろうとしている」と評している。^[100] Jim AllenはUltimate Classic Rockに次のように書いている。「Soを重要なものにしているのは、彼が比類のないポップスの才覚と因習打破者の冒険的な芸術的本能をシームレスに融合させた方法だ。彼の少しひねりを効かせたポップソングには、感情的なインパクト、音のサプライズ、キャッチーなメロディーが詰まっており、この時代で最も一貫してやりがいのあるレコードの1つとなっている。」^[1]逆に、2002年にガーディアン紙の主任評論家アレクシス・ペトリディスは、ガブリエルが「音楽的な中年の危機に陥った」と述べ、このアルバムを「超商業的な男根の戯れでいっぱいのアルバム」と揶揄し、「主流での成功を狙った冷酷な試みだが、前衛的な資質に汚点を付けることなく登場した」と評した。^[101]

『So』はガブリエルのベストセラーアルバムであり、^[102]アメリカレコード協会（RIAA）から5倍のプラチナ、英国レコード産業協会（BPI）からトリプルプラチナに認定されている。^[1] 2002年、Soは再発行され、リマスターされた。^{[103] 2011年、} Soのいくつかのトラックは、ガブリエルのディスコグラフィーからのオーケストラ再録音プロジェクトである9番目のスタジオリリースNew Bloodに収録された。 ^[104] 2012年、アルバム25周年を記念して、限定版ボックスセットがリリースされた。これには、リマスターされたSoアルバム、Live at Athens（1987）アルバム、その制作を検証するSo DNAアルバム、新しいライナーノーツ、写真、ビニールコレクターアイテム、およびSo：クラシックアルバムドキュメンタリーが含まれている。^[105]同年、ガブリエルはバック・トゥ・フロント・ツアーに乗り出し、レコーディングに参加したセッションミュージシャン数名と共にアルバム『So 』の全曲を演奏した。 ^[25]

アメリカのバンド、ラステッド・ルートのマイケル・グラビッキは、このアルバムがワールドビート・ミュージックを探求する自身のキャリアに重要な影響を与えたことを認め、「僕はあのサウンドにすっかりはまってしまいました。ピーター・ガブリエルの『So』は、これがポピュラーな形でうまくいくとみんなにゴーサインを出したようなものです。僕のような、あのサウンドを探求していた人間にとって、うまくいくかどうかという疑問は、その時点で消え去りました」と述べている。 ^[106]イギリスのミュージシャン、スティーブン・ウィルソンは、「80年代は浅薄で表面的な時代だったとみんなが思っている」と述べたが、彼は『So』を「本当に賢い」アルバムとして挙げている。^[4]

デイヴィッド・ローズと共作した「That Voice Again」とローリー・アンダーソンと共作した「This Is the Picture (Excellent Birds)」を除き、すべての曲はピーター・ガブリエルが作詞した。

注:

• 「This Is the Picture (Excellent Birds)」は2002年までレコード盤として発売されませんでした。
• 「In Your Eyes」は、2002 年以降のすべてのプレスで、サイド 2、トラック 5 (CD ではトラック 9) に収録されています。

クレジットはSoのライナーノーツより引用。トラック番号はオリジナルリリースのもの。^[107]

• ピーター・ガブリエル– リードボーカルおよびバックボーカル、CMI (全トラック)、Prophet シンセサイザー(トラック 5 と 9 を除く全トラック)、ピアノ (トラック 7 と 9 を除く全トラック)、Linn 9000 (トラック 3 と 7)、シンセサイザー (トラック 5 と 7)、パーカッション (トラック 4)、Yamaha CS-80 (トラック 6)、LinnDrum (トラック 9)、Synclavier (トラック 9)
• トニー・レヴィン– ベースギター（トラック 1～5）、ドラムスティックベース（フレッティングのみ）（トラック 7）
• デビッド・ローズ– ギター（トラック6と9を除く）、バックボーカル（トラック1と5）
• ジェリー・マロッタ– ドラム (トラック 1 と 8)、追加ドラム (トラック 5)、ベースギター (ドラムのみ) (トラック 7)
• マヌ・カチェ– ドラム (トラック 2 ～ 5)、パーカッション (トラック 3 ～ 5)、トーキングドラム(トラック 5 と 9)
• クリス・ヒューズ–エレクトロニックドラム、プログラミング（トラック 1）
• スチュワート・コープランド–ハイハット（トラック 1）、ドラム（トラック 7）
• ダニエル・ラノワ– ギター (トラック 1、2、4)、タンバリン (トラック 2)、サーフギター (トラック 7)、12 弦ギター(トラック 9)
• ウェイン・ジャクソン– トランペット（トラック 2 および 7）、コルネット（トラック 7）
• マーク・リベラ–テナーサックス（トラック 2 と 7）、加工サックス（トラック 6）、アルトサックス、バリトンサックス（トラック 7）
• ドン・ミケルセン – トロンボーン (トラック 2 および 7)
• PP アーノルド– バックボーカル (トラック 2 と 7)
• コーラル・ゴードン – バックボーカル（トラック 2 および 7）
• ディー・ルイス – バックボーカル（トラック 2 と 7）
• リチャード・ティー– ピアノ（トラック3、5、6）
• サイモン・クラーク–キーボード、バックボーカル（トラック3）、ハモンドオルガン、プログラミング、ベースギター（トラック7）
• ケイト・ブッシュ– ボーカル（トラック3）
• L. シャンカール– ヴァイオリン (トラック 4 と 8)
• ラリー・クライン– ベースギター (トラック 5 と 6)
• ユッスー・ンドゥール– バックボーカル (トラック 5)
• マイケル・ビーン– バックボーカル（トラック5）
• ジム・カー– バックボーカル（トラック5）
• ロニー・ブライト–ベースボーカル（トラック5）
• ジャルマ・コレア–スルド、コンガ、トライアングル (トラック 6)
• ジミー・ブラロウワー –プログラミング・ キック(トラック 7)
• ビル・ラズウェル– ベースギター (トラック 9)
• ナイル・ロジャース– ギター (トラック 9)
• ローリー・アンダーソン– シンセサイザーとボーカル（トラック9）
• グレッグ・フルジニティ– マスタリング

注記

引用