古典的なハリウッド映画

数千年にわたり、物語を伝える芸術の唯一の視覚的基準は演劇であった。1890年代半ばから後半にかけて最初の物語映画が登場して以来、映画製作者たちは生演劇の力を映画スクリーンに捉えようと努めてきた。これらの映画製作者のほとんどは19世紀後半の舞台で演出家としてキャリアをスタートさせ、同様に、ほとんどの映画俳優はボードビル（例えばマルクス兄弟^{[ 7 ]}）や演劇のメロドラマにルーツを持っていた。視覚的に見ると、初期の物語映画は舞台からほとんど影響を受けておらず、物語もボードビルやメロドラマからほとんど影響を受けていなかった。「古典的な連続性」として知られるようになる視覚スタイルが登場する以前は、シーンはフルショットで撮影され、綿密に振り付けられた演出によって筋書きや登場人物の関係性が表現されていた。編集技術は極めて限られており、主に文字が読みやすいように物体のクローズアップで撮影されていた。

舞台に内在するリアリティは欠けているものの、映画は（舞台とは異なり）見かけ上の時間と空間を操作する自由度があり、それによってリアリズムの錯覚、つまり時間的な直線性と空間的な連続性を生み出すことができる。1910年代初頭までに、映画製作はその芸術的可能性を発揮し始めた。スウェーデンとデンマークでは、この時期は後に映画の「黄金時代」として知られるようになる。アメリカ合衆国では、この芸術的変化は、DWグリフィスのような映画製作者がついにエジソン・トラストの支配を打ち破り、製造独占から独立した映画を製作したことに起因するとされている。世界中の映画は、古典的なハリウッド映画に見られる視覚的および物語的要素を顕著に採用し始めた。1913年は、映画という媒体にとって特に実り多い年であり、いくつかの国の先駆的な監督が、 『母の心』（DWグリフィス）、『インゲボルグ・ホルム』（ヴィクトル・シェストレム）、『パリの子供』（レオンセ・ペレ）などの映画を製作し、物語の形式としての映画の新たな基準を打ち立てた。また、この年は、エフゲニー・バウアー（ジョルジュ・サドゥール^{[ 8 ]}によれば、最初の真の映画芸術家）が、短いながらも多作なキャリアをスタートさせた年でもあった。^{[ 9 ]}

世界全体、特にアメリカ合衆国において、グリフィスの映画製作への影響は比類のないものであった。彼の俳優たちもまた、新しいメディアに演技を適応させる上で同様に大きな影響力を持っていた。短編映画『マザリング・ハート』のスター、リリアン・ギッシュは、スクリーン上の演技技術に与えた影響で特に注目されている。グリフィスの1915年の叙事詩『国民の創生』もギッシュが主演を務め、物語を伝える手段としての映画に画期的な影響を与えた。文学的な物語の傑作であり、数々の革新的な視覚的技法が用いられている。^{[ 10 ]}この映画はアメリカ映画に多くの進歩をもたらしたが、数年で時代遅れになってしまった。^{[ 11 ]} 1913年は映画製作の世界的ランドマークであったが、1917年は主にアメリカ合衆国のランドマークであった。「古典的ハリウッド映画」の時代は、1917年までにアメリカの映画メディアを支配し始めた物語と視覚的スタイルによって特徴づけられる。^{[ 12 ]}

古典的なハリウッドの物語と映像スタイルは、トーキー映画製作への移行後さらに発展した。アメリカ映画製作における主な変化は、映画産業自体から生じ、スタジオシステムが最盛期を迎えた。この製作方式は、いくつかの主要スタジオによって推進されたスターシステムを特徴としており、^{[ 13 ]}トーキー映画より数年先行していた。ビッグ5スタジオは、MGM、ワーナー・ブラザース、20世紀フォックス、RKO、パラマウントで構成されていた。1920年半ばまでに、1910年代初頭から独立して活動していた著名なアメリカ人監督や俳優のほとんどは、仕事を続けるために新しいスタジオシステムの一部にならざるを得なかった。

音声時代の始まり自体が曖昧に定義されている。ある人々にとっては、1927年の『ジャズ・シンガー』と『サンライズ：二人の人間の歌』で同期音声が長編映画に導入され、興行収入が増加したことから始まった。^{[ 14 ]}一方、別の人々にとっては、サイレント映画時代が完全に終わった1929年に始まった。^{[ 15 ]}

1920年代後半から1960年代にかけてのハリウッド映画のほとんどは、西部劇、ドタバタ喜劇、ミュージカル、アニメーション、伝記映画といったジャンルに厳密に従っており、同じ制作チームが同じスタジオの映画に携わることが多かった。例えば、セドリック・ギボンズとハーバート・ストサートは常にMGMの映画に携わっていた。アルフレッド・ニューマンは20世紀フォックスで20年間働き、セシル・B・デミルの映画はほぼすべてパラマウント・ピクチャーズで制作され[ ^{16 ] 、}ヘンリー・キング監督の映画は主に20世紀フォックスで制作された。同様に、俳優もほとんどが契約俳優だった。映画史家は、映画が音声に対応し、サイレント映画の芸術的水準に戻るまでには約10年かかり、それは1930年代後半に実現したと指摘している^{[ 17 ] 。}

この時期に生まれた多くの偉大な映画作品は、非常に厳格な映画製作体制のもとで制作された。これが可能になった理由の一つは、映画が非常に多く制作されたため、すべての作品が大ヒットする必要がなかったことである。スタジオは、優れた脚本と比較的無名の俳優を起用した中規模予算の長編映画に賭けることができた。これは、オーソン・ウェルズ監督の『市民ケーン』 （1941年）の場合であり、史上最高の映画の一つとされている。ハワード・ホークス、アルフレッド・ヒッチコック、フランク・キャプラなどの意志の強い監督たちは、芸術的ビジョンを実現するためにスタジオと戦った。スタジオシステムの絶頂期は1939年だったかもしれない。この年には、『オズの魔法使い』、 『風と共に去りぬ』、 『ノートルダムのせむし男』、 『駅馬車』、『スミス都へ行く』、『デストリー再び馬に乗る』、『若き日のリンカーン』、『嵐が丘』、『天使だけが翼を持っている』などの名作が公開された。ニノチカ、ボー・ジェスト、ベイブス・イン・アームズ、ガンガ・ディン、ザ・ウィメン、グッドバイ、ミスター・チップス、そして狂騒の20年代。^{[ 18 ]}

1960年代から1980年代にかけてのニューハリウッド時代は、古典時代のロマン主義の影響を受けており、映画製作者たちは権威に対する一般的な不信感の中で、自分たちの特定の関心を追求するためにますます大きなリスクを取ろうとしていた。^{[ 2 ]}フランスのヌーヴェルヴァーグもこれに影響を受けており、特にアンドレ・バザンなどの芸術家が抱いていた、映画は道徳的に監督による個人的なプロジェクトであるべきであり、それぞれの映画が監督の個人的なビジョンを反映しているべきだという信念において影響を受けている。^{[ 19 ]}古典ハリウッドは、今日の映画のアイデンティティとキュレーションにおいて基礎的な位置を占めており、映画製作者がどのようなスタイルを選択するかに今なお影響を与えている。^{[ 20 ]}

ハリウッドのムーブメントは、1970年代の多くの新進監督に影響を与え、彼らは古典的な慣習を土台に、より個人的で実験的なアプローチを映画製作に加えた。マーティン・スコセッシは、新しい編集やキャラクタータイプを用いた著名な監督である。^{[ 21 ]}

古典的なハリウッド映画に最も特徴的な手法は、連続性編集である。これには、連続性編集の主要な視覚空間要素の1つである180度ルールが含まれる。180度ルールは、視聴者とショットの間に仮想の180度軸を作成することで、「撮影された劇」スタイルを維持し、視聴者がシーン内のアクションの位置と方向を明確に把握できるようにする。30度ルールによれば、シーンを見る角度のカットは、視聴者が視点の変化の目的を理解できるほど十分に大きくなければならない。30度ルールに従わないカットはジャンプカットとして知られ、ショット間の時間的連続性の錯覚を阻害する。180度ルールと30度ルールは、古典的な時代の正式な開始より10年以上前に映画製作の基本的なガイドラインであり、1902年の先駆的なフランス映画『月世界旅行』にも見られる。古典的な連続性編集におけるカット技法は、クロスカットのように、異なる場所でのアクションの同時性を確立したり維持したりするのに役立ちます。ジャンプカットは、撮影角度を全く変えない軸カットの形で許可されており、被写体から近い、または遠い視点を示すという明確な目的があり、したがって時間的な連続性を妨げません。^{[ 23 ]}