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ラップスティールギターは、ハワイアンギターやラップスライドギターとも呼ばれ、ペダルのないスティールギターの一種で、通常は演奏者の膝の上に楽器を水平に置いて演奏します。演奏者の指先が弦をフレットに押し当てる伝統的なアコースティックギターの通常の演奏方法とは異なり、スティールギターのピッチは、反対側の手で弦をはじきながら、磨かれたスチールバーを弦に押し当てることで変化します。スティールギターという名前はこのスチールバーに由来しています。この楽器にはフレットはありませんが、フレットに似たマーカーが付いています。ラップスティールは、アコースティックかエレクトリックかによって外観が大きく異なる場合がありますが、どちらの場合もペダルがなく、ペダルスティールギターとは区別されます。
スティールギターはハワイから伝わり、アメリカ本土のポピュラー音楽に定着しました。1885年頃ハワイ王国で生まれ、オアフ島のジョセフ・ケククという若者によって広められました。彼は、ギターを膝の上に置いて、金属片を弦にこすりつけて音程を変えるという伝統的な演奏方法で知られるようになりました。音符の間を滑らかに滑らせるという特徴を持つこの楽器の独特なポルタメントサウンドは、島々で人気を博しました。20世紀前半、アメリカのポピュラー文化はハワイアンミュージックに魅了され、音楽の流行となりました。アメリカ人は、演奏で使われるラップスティール楽器に興味を持ち、それを「ハワイアンギター」[ a ]、水平に構える演奏姿勢を「ハワイアンスタイル」と呼ぶようになりました。ハワイアンミュージックは1910年代にアメリカのポピュラー音楽に取り入れられ始めましたが、英語の歌詞が付けられており、ハワイ人はこれをハパ・ハオレ（白人との混血）と呼んでいました。 1930年代、ラップスティールギターの電気増幅装置の発明は、その進化における画期的な出来事だった。これにより、ラップスティールギターは他の楽器と同等の音量で演奏できるようになり、音を出すために共鳴室を必要とせず、また、従来のギターとはほとんど、あるいは全く似ていない、あらゆる形状（長方形のブロックでさえも）で製造できるようになった。
20世紀初頭、ハワイアンミュージックとスティールギターは、ブルース、ジャズ、ゴスペル、カントリーミュージック、そして特にカントリーミュージックのサブジャンルであるウェスタンスウィング、ホンキートンク、ブルーグラスなど、他の音楽スタイルと融合し始めた。ラップスティールのパイオニアには、ソル・フーピー、ボブ・ダン、ジェリー・バード、ドン・ヘルムズ、バド・アイザックス、レオン・マコーリフ、ジョシュ・グレイブス、ピート・カービー、ダリック・キャンベルなどがいる。
概念的には、ラップスティールギターは、1本の指（バー）でギターを演奏することに例えることができます。この抽象化は、この楽器の大きな制約の1つを示しています。つまり、ストローク演奏では、チューニングの単純な移調しかできないということです。そのため、スライドギターは通常オープンチューニングに調律され、例えばメジャーからマイナーへのより複雑な変更には、楽器の再チューニングが必要になります。初期の解決策は、1つの楽器に2つ以上のネックを備え、それぞれに異なるチューニングの弦のセットを提供するラップスティールギターを作ることでした。演奏者は自由に手を別のネックに移動させることができました。1940年代初頭には、エリートプレイヤーがこれらのマルチネックギターで録音や演奏を行いましたが、ほとんどのミュージシャンはそれらを購入する余裕がありませんでした。この問題は、1940年にラップスティールにペダルを追加して特定の弦のピッチを簡単に変更できるようにすることで解決され、同じネックでより複雑なコードを使用できるようになりました。 1952年までに、この発明は楽器の演奏方法に革命をもたらし、多くの点で事実上新しい楽器、すなわち「ペダル・スティール」へと変貌させた。ラップ・スティール奏者の圧倒的多数がペダル式を採用した結果、1950年代後半にはラップ・スティールはほぼ廃れ、カントリーやハワイアン・ミュージックのごく一部の愛好家だけが残るのみとなった。
スペイン製のギターは、早くも1830年代にハワイ諸島に伝わりました。 [ 2 ] : 11ハワイの人々は、何世紀にもわたって使われてきた標準的なギターのチューニングを採用しませんでした。[ 3 ]彼らは、すべての弦を同時に鳴らしたときにコードが鳴るようにギターを再チューニングしました。これは「オープンチューニング」として知られています。[ 4 ]これは「スラックキー」と呼ばれ、ハワイ語では「 kī hōʻalu」として知られています。 [ 5 ]なぜなら、それを実現するために特定の弦が「緩められた」からです。[ 2 ] : 11ハワイの人々はこのようにしてフィンガースタイルで演奏することを学び、開放弦の豊かな共鳴音の上にメロディーを作り出し、このジャンルはスラックキーギターとして知られるようになりました。[ 5 ] 1885 年頃、スチール製のギター弦[ 6 ]が入手可能になった後、オアフ島のジョセフ・ケククは、ギターを膝の上に置いて座り、スチール製の棒を弦に押し当ててオープンチューニングで演奏する方法を開発し、普及させた。[ 7 ]ケククに倣って、他のハワイ人も、楽器を体に当てて持つ伝統的な方法ではなく、ギターを膝の上に置いて演奏するこの新しい方法で演奏し始めた。[ 7 ]水平スタイルが島々で人気になると、このテクニックは国際的に広まり、（ハワイ以外では一般的に）「ハワイアンスタイル」と呼ばれるようになった。[ 7 ]
スティールギターの音色が特徴的なハワイアンミュージックは、20世紀前半にアメリカ合衆国で人気の音楽的関心事または流行となりました。 [ 8 ] : 8 1916年には、ハワイ先住民の音楽のレコードが他のすべてのアメリカの音楽ジャンルを上回りました。[ 9 ]この人気により、水平に演奏するために特別に設計されたギターの製造が始まりました。[ 8 ] : 13ラップスティールギターの典型は、アコースティックハワイアンギターです。[ 10 ] : 11本体に共鳴室を組み込んでいるにもかかわらず、これらの初期のアコースティックバージョンの楽器は、他の楽器に比べて音量が十分ではありませんでした。しかし、1930年代初頭に、ジョージ・ボーチャンプというスティールギター奏者がエレキギターピックアップを発明しました。[ 11 ]電化により、ラップスティールギターの音がよりよく聞こえるようになっただけでなく、共鳴室がもはや必須ではなくなったことも意味しました。[ 12 ]その結果、スチールギターはどんな形でも製造できるようになり、伝統的なギターの形とはほとんど、あるいは全く似ていない長方形のブロックの形でも製造できるようになった。[ 7 ]これにより、脚付きの金属フレームのテーブルのような楽器、いわゆる「コンソールスチール」が生まれた。[ 11 ]
ラップスティールギターには3つのカテゴリーがあります。
西洋諸国では数世紀にわたり、伝統的なスペインギターは、E–A–D–G–B–Eという上昇4度（および1つの長3度）からなるほぼ普遍的なチューニングを発展させてきました。 [ 3 ]しかし、ハワイの「オープンチューニング」（コードにチューニングされたギター）にはそのような標準は存在しませんでした。ハワイの人々は、歌手の声に合ったコードにチューニングするだけでした。[ 5 ] 1850年代のスラックキーギターの時代から、ハワイのチューニングはあらゆる企業秘密と同じくらい厳重に守られ、家族間で受け継がれるようになりました。[ 5 ]多くの演奏者は、他の人にチューニングを知られないように、演奏していないときは楽器のチューニングを下げていました。[ 18 ] : 159
これらの楽器に選ばれたチューニングは、スティールギターのスタイルが構築される上で重要な基礎となります。[ 19 ] : 131使用されるチューニングは、演奏者がコードで使用できる音を決定し、音を順番に演奏する方法に影響を与えます。[ 19 ] : 131さまざまなチューニングを試すことは、1930 年代のハワイアンミュージックで広く行われていた慣習であり[ 19 ] : 41後のミュージシャンの演奏スタイルの基礎となるテンプレートを提供しました。[ 19 ] : 131ラップスティール奏者には、多数のチューニングが利用可能です。[ 20 ]チューニングに6 度音程を追加すると、単純なメジャーコードではアクセスできない多数のポジションと演奏ポケットが作成されたため、スティールギターに劇的な影響がありました。[ 21 ] C 6は、 1920 年代と 1930 年代の 6 弦ラップスティールの一般的なチューニングでした。[ 19 ] : 120 6度音程を含むチューニングはウェスタンスウィングやジャズで人気があり、7度音程を含むチューニングはブルースやロック音楽でよく選ばれます。[ 22 ]
ラップスティールギターの設計における根本的な課題は、特定のチューニングで使用できるコードと転回形の数に内在する制約である。[ 19]:34 利用できるコードと転回形の数が限られているため、初期の演奏者の中には、必要に応じて別のチューニングのラップスティールギターをもう1台用意する者もいた。[ 23 ]もう一つの戦略は、楽器の弦の数を増やすことだった。 [ 19 ] : 36（弦の数が多いほど、弦間の音程が小さくなり、バーを弦にまっすぐ置いたときに使える音が増える）。[ 19 ] : 36 3つ目の戦略は、同じ楽器にネックを追加し、それぞれ異なるチューニングが可能な独立した弦のセットを用意することだった。[ 19 ] : 36
20世紀初頭、1898年のハワイ併合後、アメリカ本土ではハワイアン「ブーム」[ 24 ]が全盛期を迎え、ラジオ放送[26]、舞台ショー[18]:31、ハワイアン音楽をフィーチャーした映画[8]:8[27]などからもそれがうかがえる。ハリウッド映画は、理想化された島暮らしの音楽的イメージを永続させた[ 2 ] : 11 。ハワイアンギターと若者向けのレッスンは広く普及していた。例えば、オアフ・ミュージック・カンパニーは、オアフブランドのギターとレッスンを戸別訪問販売で若者に販売し、アメリカのほぼすべての都市を回っていた[ 28 ] : 13
スティールギターは、アメリカのポップミュージックに足がかりを得た最初の「外国の」楽器でした。[ 29 ] : 29 1915年から1930年の間に活躍したラップスティールギターのパイオニアには、ソル・K・ブライト・シニア、タウ・モー、ディック・マッキンタイア、サム・ク・ウェスト、フランク・フェレラなどがいました。フェレラは、その期間にラップスタイルのギタリストの中で最も多くの録音を残しました。[ 2 ] : 11ハワイアンミュージックは1910年代にアメリカのポピュラーミュージックに融合し始めました。ハワイアンはこの融合をハパ・ハオレ（半分白人）[ 30 ]と呼び、本質的には英語で歌われたハワイアンミュージックで、白人の聴衆を対象としていました。[ 31 ] [ 32 ]例えば、ホノルル生まれのディック・マッキンタイアと彼のハーモニー・ハワイアンズは、 1936年にアメリカのポップ歌手ビング・クロスビーが歌うハワイアンソングを録音した。[ 2 ] : 19ティン・パン・アレーは、ハパ・ハオレ音楽を大量に出版することで、ハワイアンソングへの需要に応えた。[ 2 ] : 11 1930年代と1940年代には、アメリカ中の多くのアマチュアおよびプロのミュージシャンがハワイアン・コンボを結成した。[ 2 ] : 11 1930年代のエレクトリックギターの導入は、商業的なハワイアン音楽を促進する上で大きな影響を与えた。[ 2 ] : 11
20世紀初頭のラップスティールギターの発展には多くの革新者が貢献したが、中でも特に著名な人物は以下の通りである。
ソル・ホオピイ（発音はホーオピーイー）は、おそらく最も有名なハワイのミュージシャンで、彼の作品はインストゥルメンタル・ラップスティールの演奏を世界中に広めた。[ 7 ]彼はハワイ音楽とアメリカン・ジャズを融合させた最初のスティール・ギタリストだった。[ 2 ] : 12 1902年にホノルルで生まれたホオピイは、幼い頃からラップスティールの才能に恵まれていた。10代の頃、ハワイからサンフランシスコへ向かうマツソン・ライナーに密航した。カリフォルニアに到着後、トリオを結成し、1925年から1950年にかけてクラブ、劇場、映画出演、録音で有名になった。[ 2 ] : 12彼はハワイ音楽とクラリネットやホーン奏者から聞いたジャズを融合させた。彼は金属ボディのナショナル・トライコーン・ギター、そして後にリッケンバッカー・ベークライト（上の写真参照）やディッカーソン・エレクトリック・スティール・ギターの使用において、時代の先駆者であった。[ 2 ]： 13
ボブ・ダンは、ウェスタン・スウィングを演奏する最初の著名なスティール・ギタリストでした。[ 19 ] : 54 1908年にオクラホマ州フォート・ギブソンで生まれた彼は、8年生で学校を辞め、旅回りの音楽一座に加わりました。[ 2 ] : 89音楽の革命家と見なされているボブ・ダンは、音楽ライターのマイケル・ロスによれば、商業録音で初めてエレクトリック楽器を演奏しました。[ 7 ] [ 34 ] 1935年にリリースされたウェスタン・スウィングの曲で、ダンは「ミルトン・ブラウン・アンド・ヒズ・ミュージカル・ブラウニーズ」と共演しました。 [ 35 ]彼が演奏したギターは、ニックネームが「フライパン」のリッケンバッカーA22でした。[ 36 ]： 837かつてトロンボーン奏者だったダンは、ジャズ奏者のようなスタッカートのフレーズを用いたホーンのようなソロをギターで演奏し、歴史家アンディ・ヴォルクによれば、後世のスティールギター奏者に消えることのない影響を与えた。[ 2 ]： 90
ジェリー・バードは1920年にオハイオ州リマで生まれた。 [ 2 ] : 27若い頃、町にやってきた巡業テントショーに行った。ハワイアンのグループがハワイアン音楽を演奏し、磨き上げられたナショナル・スティールギターをフィーチャーしていた。バードはその音色と楽器の外観に魅了され、「あれが私の人生を変えた日だった」と語った。[ 2 ] : 28ハワイアン音楽とカントリー音楽に分かれた音楽キャリアの中で、バードはナッシュビル・スティールギター・サウンドの基礎を築くのに貢献した。[ 2 ] : 28彼はC6ペダルスティールの標準となったC6チューニングを 開発したことで知られている。[ 2 ] : 33ハンク・ウィリアムズ と共に、「 I'm So Lonesome I Could Cry」、「Lovesick Blues」、「A Mansion on the Hill 」などの曲を録音した。[ 37 ]バードはマーティ・ロビンス、ハンク・スノウ、アーネスト・タブらともレコーディングを行った。[ 2 ] : 28ナッシュビルでのキャリアの後、バードはハワイを永住の地とした。[ 2 ] : 29
1930年代初頭、新たにエレクトリック化されたラップスティールギターは、「ウェスタンスウィング」[ 7 ]として知られるダンスミュージックの一種で重要な地位を占めるようになった。ウェスタンスウィングは、カントリーミュージックとハワイアンミュージックの要素を組み合わせたジャズスウィングの一形態である。 [ 2 ]： 88 [ 19 ]このジャンルの先駆者には、バンドリーダーのミルトン・ブラウン[ 35 ]とボブ・ウィルズ[ 23 ]がいる。ウィルズは、レオン・マコーリフ、ノエル・ボッグス、ハーブ・レミントンなど、後にこのジャンルに影響を与えた革新的なプレイヤーを雇い、育成した。[ 23 ]
1936 年 10 月、ボブ・ウィルズと彼のテキサス・プレイボーイズ、そしてリッケンバッカー B-6 ラップスティールで演奏したマコーリフは、驚くほど売れたレコード「スティール・ギター・ラグ」を録音した。[ 23 ]さまざまなコードやボイシングを使えるようにする必要があったため、ラップスティールのデザインと演奏方法は、スタイルの進化とともに絶えず変化した。[ 19 ]マコーリフは 2 台のリッケンバッカーを持っており、それぞれ異なるチューニングが施されていた。[ 23 ] 楽器の制約により、一流のスティールギタリストは同じ楽器に異なるチューニングのネックを追加した。 [ 38 ]ラップスティールは最初のマルチネックのエレクトリック楽器だった。[ 39 ]サイズと重量が増えたため、楽器はもはや演奏者の膝の上に適切に支えることができなくなり、「コンソール」スティールギターとして知られる脚付きのフレームに置く必要があったが、これは依然として表面的にはラップスティールである。[ 7 ]ハーブ・レミントン[ 38 ]やノエル・ボッグス[ 40 ]など、その時代の著名なプレイヤーたちは、楽器メーカーのレオ・フェンダーの協力を得て、最終的に4種類の異なるネックを持つ楽器を演奏するようになった。[ 38 ]
1940年代後半までに、スティールギターは、テキサスとオクラホマのバーやダンスホール（ホンキートンクと呼ばれる）で発展した、新興の「ホンキートンク」スタイルのカントリーミュージックで重要な役割を果たすようになった。 [ 41 ]このスタイルは、バックビートが際立つシンプルな2拍子のサウンドが特徴である。[ 41 ]ラップスティールギターを楽曲に使用したホンキートンク歌手には、ハンク・ウィリアムズ、レフティ・フリッツェル、ウェッブ・ピアースなどがいる。[ 41 ]
ドン・ヘルムズ（1927年 - 2008年）はアラバマ州ニューブロックトン生まれで、ダブルネックのギブソン・ラップスティールをE 6とB 11チューニング[ 2 ] : 59で演奏し、これら3人のアーティストのレコーディングに加え、「Your Cheating Heart」、「I Can't Help It (If I'm Still in Love with You)」、「Cold, Cold Heart」など100曲以上のハンク・ウィリアムズの曲でも演奏した[ 42 ] 。ヘルムズの演奏スタイルは、カントリーミュージックを1930年代に流行したヒルビリー・ストリングバンド・サウンドから、1940年代に主流となったよりモダンなエレクトリック・スタイルへと移行させるのに貢献した[ 42 ] 。彼のギターのイントロ、リード、フィルは50年間広く模倣されてきた。[ 2 ] : 57ヘルムズの作品をフィーチャーした他のクラシック カントリー レコーディングには、「Walkin' After Midnight」（パッツィ クライン）と「Blue Kentucky Girl」（ロレッタ リン）がある。その時代（1950 年代）の多くのレコーディングは、スティール ギターを6 度、多くの場合C 6にチューニングして作られており、これは「テキサス チューニング」と呼ばれることもある。[ 43 ]
ドブロギター、またはリゾネーターギターは、ギターの音量を大きくするために設計されたリゾネーターコーンを備えた、アメリカ特有のラップスティールギターです。[ 15 ] : 109 1927年にドピエラ兄弟によって特許が取得されましたが、[ 15 ] : 109ドピエラとブラザーズを組み合わせた「ドブロ」という名前が、このタイプのギターの総称となりました。[ 44 ]ドブロはブルースプレイヤーの間では人気が出ませんでした。ブルースプレイヤーは一般的に、同様のリゾネーター設計でありながら金属製のボディを使用するナショナルギターを好みます。 [ 44 ]音楽ライターのリチャード・カーリンの意見では、ピート・カービーとアンクル・ジョシュ・グレイブス（バック・グレイブス）という2人の影響力のあるプレイヤーがいなければ、ドブロは音楽シーンから消えていただろうとのことです。[ 15 ] : 109
ビーチャー・“ピート”・カービー（1911年 - 1992年）、通称バッシュフル・ブラザー・オズワルドは、テネシー州セビアビルで生まれた。ロイ・アキュフの「スモーキー・マウンテン・ボーイズ」のメンバーとして、1939年にグランド・オール・オプリでドブロを演奏し、カントリーミュージックの形成期を決定づけるのに貢献した。[ 45 ]カービーは、この楽器を全国のラジオの聴衆に紹介した。[ 15 ] : 109彼はドブロ・モデル27を演奏し、[ 45 ]時にはスチールボディのナショナル・ギターも演奏した。彼は田舎者風の格好をして、つばの広いスローチハットとオーバーオールを着てコメディを披露することで知られていた。 [ 46 ]彼のドブロは人々の関心と魅了を集めた。彼は「人々は私がどうやって演奏しているのか、それが何なのか理解できず、いつも私の周りに来て見たいと思った」と語った。[ 46 ]彼はアキュフと53年間一緒に暮らした。[ 46 ]
1927年生まれのバック・“ジョシュ”・グレイブス（別名“アンクル・ジョシュ・グレイブス”）は、 1955年にブルーグラスのパイオニアバンド「フラット・アンド・スクラッグス」でドブロを演奏した。 [ 19 ] : 49グレイブスは、ドブロをブルーグラスバンドの定番楽器として確立する上で重要な役割を果たした。[ 15 ]彼は、バンドメイトの腕前に匹敵するほどドブロの腕前を高めるスタイルを磨いた。[ 19 ] : 49そのため、彼はハワイアンスタイルを捨て、ハンマリング・オンとプリング・オフの音符を使って開放弦とフレット音符を素早く組み合わせた。さらに、アール・スクラッグスから教わった3フィンガー・ピッキング・スタイルも採用した。[ 19 ] : 49グレイブスのブルーグラスの楽器スタイルに合う電光石火のソロを聴いた他の数十のブルーグラスグループがドブロを取り入れた。[ 15 ] : 159彼はラップスティールギターを新たなレベルに引き上げ、バンジョー、フィドル、マンドリンと調和させることができた。[ 19 ] : 49
ドブロは主流のカントリーミュージックでは人気がなくなっていたが、1970年代のブルーグラスのリバイバルでジェリー・ダグラスのような若い名手たちによって復活し、彼のドブロの腕前は広く知られ、模倣されるようになった。[ 15 ] [ 47 ]
このゴスペル音楽の伝統は、現在「セイクリッド・スティール」と呼ばれ、1930年代に「ハウス・オブ・ゴッド」という小さなアフリカ系アメリカ人の宗派の教会礼拝で始まり、そこでスティールギターが教会オルガンの代替として登場しました。[ 48 ]ダリック・キャンベル（1966年～2020年）は、ゴスペルバンド「キャンベル・ブラザーズ」のラップスティール奏者で、ペンテコステ派教会から国際的な名声へと音楽の伝統を広めました。 [ 48 ]キャンベルは伝統的なハワイアン・ラップスティール、フェンダー・ストリングマスター8弦（フェンダー・デラックス8）を使用しました。[ 2 ]彼は演奏中にギター上部のボリュームを手で調整し、ワウペダルを使用しました。[ 2 ]ニューヨーク州ロチェスター生まれのキャンベルは、ギターで人間の歌声を模倣する達人でした。彼は「私のやり方は、常にギターを声として考えることです」と言いました。[ 2 ]キャンベルは多くの音楽フェスティバルに出演したが、ロックやジャズ界での彼の名声は教会の指導者たちには歓迎されなかった。[ 48 ]キャンベル・ブラザーズは、ペンテコステ派の教会がバンドの音楽を教会の壁の中に留めておきたかったため、ナッシュビルを拠点とするハウス・オブ・ゴッド教会、キース・ドミニオンと険悪な形で決別した。[ 49 ]キャンベルはオールマン・ブラザーズやメデスキ・マーティン・アンド・ウッドとレコーディングを行った。[ 50 ]
ラップスライドギターは特定の楽器ではなく、ブルースやロック音楽でよく聞かれるラップスティールの演奏スタイルです。 [ 51 ] : 36これらのジャンルの演奏者は通常「スティール」の代わりに「スライド」という用語を使用します。[ 1 ]時にはフィンガーピックの代わりにフラットピックや指でこのスタイルを演奏します。[ 2 ] : 8ラップスライドの先駆者には、バディ・ウッズ、「ブラック・エース」ターナー（小さな薬瓶をスライドとして使用）[ 52 ] 、フレディ・ルーレット[ 51 ] : 326 などがいます。ターナーはナショナルスタイル2のスクエアネックトライコーンギターを膝の上で演奏しました。[ 52 ]
ブルースギターの演奏スタイルには、「スライドギター」と呼ばれるものがあり、これはスティールギターと通常のギターのハイブリッドです。通常のギターをボディに平らに当て、通常通り低音弦を押さえて（リズム伴奏のため）、同じ手の指にチューブ状のスライド（またはボトルの首）を当てて高音弦をスライドさせます。[ 53 ] 1923年、シルベスター・ウィーバーがこのスタイルを初めて録音しました。[ 54 ] : 106 1940年代には、ロバート・ナイトホークやアール・フッカーといったブルースプレイヤーが、標準チューニングの伝統的なギターを使って、この方法でエレクトリック・スライドギターを普及させました。[55] : 3 歴史的には、このタイプの演奏を説明するために「ボトルネック」という用語が使われていました。[ 51 ]初期のブルースプレイヤーはオープンチューニングを使用していましたが、現代のスライドプレイヤーのほとんどは標準チューニングとオープンチューニングの両方を使用しています。[ 55 ] : 3
ギター1本につき複数のネックを作る費用がかさむため、ラップスティールはほとんどのプレイヤーにとって手の届かないものとなり、より洗練された解決策が必要とされた。[ 7 ]多くの発明家がスティールギターの弦のピッチを変えるための機械的なリンク機構を模索した。[ 56 ]ギブソンは1940年にはすでにペダルスティールギターを発表していたが、普及することはなかった。[ 19 ] : 244 1946年頃、ポール・ビッグスビーはペダルアクションの新しいデザインを考案し、大幅に改良した。[ 57 ]ビッグスビーは工房で一人で作業し、ホアキン・マーフィーやスピーディ・ウェストなど、当時のトッププレイヤーのためにギターを製作した。[ 58 ] : 22ナッシュビルのギタリスト、バド・アイザックスは1952年にビッグスビーの2ペダルギターを受け取った。 [ 59 ] : 190それは木製のダブル8弦モデルだった。[ 58 ] : 32アイザックスはE9チューニングで新しいペダルを試し、2つのフィドルが調和して演奏する音を模倣しようとした。その過程で、彼は新しい発見をした。弦がまだ鳴っている間にペダルを踏むという革新的な奏法を考案したのだ。[ 59 ] : 190この奏法は、当時の他の奏者からは、下手なテクニックであり「ハワイアンらしくない」と考えられていたため、厳しく避けられていた。[ 7 ]アイザックスの意図は、ペダル機構そのものを音楽の特徴として用いることだった。このテクニックによって、2つの低い音が下からグリッサンドで対位法的に上昇し、変化しない3つ目の高い音と調和する三和音が形成される。 [ 59 ] : 190ペダルは、完璧な同期とピッチでの動きを容易にし、一貫性と信頼性を確保した。[ 19 ] : 47
アイザックスは1953年のレコーディングセッションで、ウェブ・ピアースの「スローリー」という曲でそれを試した。[ 60 ]この曲は1954年に最もよく演奏されたカントリーソングの1つとなり、ビルボードのカントリーチャートで17週間1位になった。 [ 60 ]アイザックスのギターは、ヒットレコードで初めてペダルスチールギターとなった。[ 61 ]さらに重要なことに、そのサウンドは、ペダルなしのラップスチールギターでは再現できない、ユニークで不可能なものとして、ラップスチール（ペダルなし）ギタリストにすぐに認識された。[ b ] : 190 [ 8 ] [ 59 ] : 190数十人の楽器奏者が、アイザックスの演奏で聴いた独特のベンド音を真似るために、スチールギターにペダルを取り付けようと急いだ。[ 60 ]このレコーディングから数ヶ月、数年の間、楽器メーカーやミュージシャンはビッグスビーとアイザックスの革新を再現しようと努力した。[ 59 ] : 191この録音より10年以上前からペダル・スティール・ギターは存在していたにもかかわらず、この曲の成功後、カントリー・ミュージックにおいて重要な要素として台頭した。[ 8 ]ペダルによって、ラップ・スティールでは不可能だった、より複雑で多彩な音楽を演奏することが可能になった。[ 59 ] : 192
ペダルスチールのデザインは、1950年代初頭にラップスチール奏者の圧倒的多数に採用されました。その結果生まれた斬新で独特な演奏スタイルは、その後数十年にわたりナッシュビル発のカントリーミュージックの特徴となりました。[ 19 ] : 2それに伴い、ペダルなしのラップスチールはほぼ廃れ、カントリーミュージックやハワイアンミュージックにわずかな愛好家だけが残るのみとなりました。[ 19 ] : 2
ジミー・デイは、キャリア半ばでペダルへの移行に成功した、確立されたラップスティール奏者の一例である。[ 62 ]： 138ノエル・ボッグス、ジェリー・バード、ホアキン・マーフィーなど、他の著名なラップスティール奏者は移行を拒否した。音楽史家のリッチ・キーンズルによれば、この決断がボッグスのその後のキャリアを妨げたという。[ 23 ] 1972年のインタビューでペダルスチールについて語ったジェリー・バードは、「機械的に多くの不具合があり、チューニングを維持することができず、それが私を狂わせた」[ 63 ] : 46「だから私は自分の持っているものを使い続け、自分のアイデンティティを守り、乗り切ることにした…私は決して切り替えなかった」[ 63 ] : 46ホアキン・マーフィーは、同時代のミュージシャンが切り替えた後も長い間、ペダルなしのラップスチールを使い続け、[ 2 ] : 103 C 6チューニングを維持した。彼は、ナッシュビル標準のE 9チューニングを、彼の言葉を借りれば「ギミック」だと感じていた。[ 2 ] : 105彼は1995年のインタビューで、「私はナッシュビルの派手なことは何もできないし、とにかく嫌いだ」と述べた。[ 2 ] : 105
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