日本のポップカルチャー

日本の大衆文化には、日本映画、日本料理、テレビ番組、アニメ、漫画、ビデオゲーム、音楽、同人誌などがあり、それらはすべて古い芸術的および文学的伝統を保持しており、そのテーマや表現スタイルの多くは伝統的な芸術形式に由来しています。現代の大衆文化は、伝統的な形式と同様に、娯楽の形式であるだけでなく、現代日本を他の現代世界と区別する要素でもあります。他の娯楽形式の中でも、音楽、映画、巨大な漫画本の製品の大きな産業があります。ゲームセンター、ボーリング場、カラオケ店は10代の若者のたまり場としてよく知られており、年配の人は将棋をしたり、専門店に行ったりします。1952年に米国による日本占領が終了して以来、日本の大衆文化はアメリカのメディアの影響を受けてきました。しかし、アメリカの製品に支配されるのではなく、日本は外国の影響を地元のメディア産業に流用して吸収することで、これらの影響をローカライズしました。^[1]今日、日本の大衆文化は世界で最も顕著で影響力のある大衆文化の一つとなっています。^{[2] [3] [4] [5] [6]}

1920 年代には、文化やメディア コミュニケーションの利用をめぐる議論が、日本の視点に対する国際的な理解を高める戦略としてすでに行われていました。この議論は、日本が欧米諸国と同等の帝国主義的植民地国家になることを志向していたときに始まりました。この考えは、第二次世界大戦で日本が敗戦すると中断されました。戦後、日本が直面した経済的苦境により、文化やメディア コミュニケーションの利用に関する問題が再び持ち上がりました。日本が自らを改革し、外国人の印象を改善するために、日本は、アニメ、テレビ番組、ポピュラー音楽、映画、ファッションなどの魅力的な文化製品を輸出することで、特定の国家イメージを投影することに重点を置きました。パブリック ディプロマシーは、外国の人々に直接働きかけることで、さまざまな問題に対する日本の立場を他国に理解してもらいたいと考えていました。アジア諸国でテレビの人気が高まると、彼らは日本人の実際の生活を紹介する番組を制作しました。^[7]

アジア諸国で人気テレビ番組「おしん」が放映される前は、日本人は「文化的に無臭」とみなされていた。この新しいテレビドラマによって、日本と他のアジア諸国の間に共通意識が形成され始めた。この番組は、日本の植民地主義の負の歴史的記憶と、日本によるこの地域の経済的搾取に対する敵意に対する国際的な理解を高める上で、メディア文化が持つ力の証しであった。^[8]

娯楽産業は日本の戦後復興に不可欠でした。ファンタジーを創りたいという欲求はありましたが、経済が娯楽産業を牽引しました。技術は日本の復興の中心でした。なぜなら、彼らはそれが戦争に負けた唯一の理由だと信じていたからです。ポップカルチャーが娯楽産業を支配し始めました。たとえば、日本は持っていた資源を使っておもちゃの車を作り、それが最終的に経済の復興に役立ちました。日本は金属を使ったおもちゃの製造を禁止された後、代わりに古い缶を使用しました。そうすることで、学校の子供たちに食べ物を与える代わりにおもちゃを作ることができました。おもちゃ産業は、この時代にポップカルチャーに影響を与えた産業の1つにすぎません。^[9]

第二次世界大戦前の日本映画は、戦争への取り組みを支援し、日本国民に国のために戦うよう奨励する映画を製作していた。映画業界は、日本軍を勝利者、英雄、そして大義のために自らを犠牲にした人々として描いた感動的な愛国物語を製作した。しかし、戦後最初の大ヒット映画となったのはゴジラだったが、これは他の映画ほどの支持は得られなかった。日本にとって、この映画はテクノロジーへの移行に対応した大衆娯楽への回帰を意味していた。ゴジラは戦争への反対を訴えるために、東京の破壊と戦争中に日本を襲った原爆を描いた。日本映画は軍国主義的な物語が主流で、日本の全体主義国家の政策と議題に支配されていた。戦後の映画は、日本人が自分自身を再考し始めるために、新しい偶像やアイコンを育てるために使われた。日本映画は、なぜ戦争に反対すべきか、そして戦争に伴うすべての破壊と犠牲者を示す映画を製作した。時が経つにつれ、映画産業は成人向けから子供向けへと進化していった。^{[10]日本経済が}長期にわたる不況に見舞われた1990年代以降、心理社会的不安を描いた物語が日本の大衆文化に広く現れてきた。^[11]

クールジャパン（クールジャパン）とは、日本のソフトパワーの台頭と、文化的影響力としての国際的な普及を指す。^[12]これらの文化的要素は、日本を軍事中心の国ではなく、商業と「ポップカルチャー外交」の国として売り込み、パッケージ化するメッセージを投影している。^[13]第二次世界大戦中の日本の行動により、日本は国家イメージを再構築する必要が生じ、軍事優位の国家イメージから文化外交のイメージへと移行した。日本政府が主導して「ソフトパワー」イメージの創造が生まれ、日本は自国の文化を促進し、他国との健全で平和な外交を再構築するために、新しい非軍事イメージとしてポップカルチャーを売り込み始めた。^[14]

オタク（日本語：おたくまたはオタク）は、アニメ、漫画、ビデオゲーム、コンピューターなど、特に消費的な興味を持つ人々を表す日本語です。^[15]インターネットとメディアの拡大とともにオタクのサブカルチャーは継続的に成長し、より多くのアニメ、ビデオゲーム、ショー、漫画が制作され、日本でも世界でも自分自身をオタクと認識する人が増えています。^[16]

日本語の形容詞「カワイイ」は「かわいい」や「愛らしい」と翻訳でき、日本で最も人気のある美的文化の1つを支える原動力です。カワイイ文化は、少女と呼ばれる別の文化とつながりがあります。少女は、ポップカルチャーや彼女たちが興味を持ちそうな商品と一緒に、若い女の子のイメージを売るために商品化されたガールパワー型の運動です。少女は、カワイイのかわいくて無邪気な側面を備えた日本版「隣の女の子」と見ることができます。それは、ファンシーグッズ（若い女性向けに販売されるフリルやフェミニンなタイプの商品）、キャラクター商品（サンリオ、サンエックス、スタジオジブリ、男性と女性の両方に販売されるアニメ/マンガ商品など）、ファッションムーブメント全体、アイドルと関連付けられています。製品や人が「かわいい」要素を持っている限り、それはカワイイと見なすことができます。^[17] 2008年、日本の外務省は、自国の宣伝に伝統的な文化的側面だけを使うのではなく、アニメやカワイイ大使なども使い始めました。カワイイ大使の目的は、主にファッションや音楽を使って、かわいいペルソナを通じて日本のポップカルチャーを広めることです。^[18]これは地方レベルでも起こり得、日本のファッション、衣料品店、若者文化の中心地として有名な原宿で、 渋谷市長がきゃりーぱみゅぱみゅを「原宿のカワイイ大使」に任命したことからもそれがわかります。

日本では「カワイイ」が多くの日本市場でトレンドとなりつつあり、学校から大企業まで幅広い場所で使用されています。特定のグループを代表するかわいくて子供っぽいキャラクターを使用することで、そのグループに恐れをなす可能性のある人々も、そのグループを代表する遊び心のあるマスコットと触れ合うことで、人間味を感じることができます。一例として、警視庁のマスコット「ピーポくん」が挙げられます。ピーポく​​んはオレンジ色の肌をした妖精のような生き物で、ウサギの耳は人々の声を聞くために作られており、アンテナは状況を把握するために付いています。広報活動における「カワイイ」の使用は多くの人にとって大きな要因となっており、今後も前向きな見方をしたい人々によって利用され続けるでしょう。^[19]

日本で「かわいい」ことで知られるマスコットの一種に、「ゆるキャラ」と呼ばれる広告キャラクター（各都道府県を代表するマスコット）がある。日本では毎年新たな優勝者が誕生する。例えば、2011年の優勝者は熊本県のくまモンで、その年の全国での商品売り上げは25億円を超えた。^[20]

プリクラは、日本のデジタル写真シール売り場のことで、「プリントクラブ」の日本語の略称^{である。 [21] [22]}プリクラは、特に女性の間で、写真の形で自己表現を美しくすることに執着する日本のかわいい文化に根ざしている^{。 [21]} 1990年代までに、セルフフォトグラフィーは日本の女子学生の間で大きな関心事となり、友達と写真を撮り、かわいいアルバムに貼り付けられるコピーを交換した。 ^[23]

プリクラは日本のビデオゲーム センター産業から生まれました。1994年に佐々木美穂によって考案されました。 1990年代の日本での女の子の写真文化と写真シールの人気に触発されました。彼女は日本のゲーム会社アトラスで働いており、そこでこのアイデアを提案しましたが、最初は男性の上司に却下されました。^[24]アトラスは最終的に美穂のアイデアを採用することを決定し、^{[24]日本の大手ビデオゲーム会社}セガの協力を得て開発しました。セガは後にアトラスの所有者になりました。^[23]セガとアトラスは1995年2月に最初のプリクラであるプリント倶楽部（プリント倶楽部）を導入しました。^{[23]最初は}ゲームセンターで、その後ファーストフード店、電車の駅、カラオケ店、ボウリング場などの他の大衆文化の場所に拡大しました。^[25]セガ・アトラスの初代機の成功により、日本の他のアーケードゲーム会社も独自のプリクラ機を生産するようになり、 1996年にはSNKのネオプリント、 1997年にはコナミのプリプリキャンパス（プリントプリントキャンパス）が発売された。^[23]

プリクラは、後にセルフィーと呼ばれるようになるものを生み出した。^{[21] [23]}プリクラは、本質的には、従来の免許証/パスポート写真ブースとアーケードビデオゲームを合わせたものであり、カラービデオカメラとカラープリンターに接続されたコンピューターを備えており、 ^[25]デジタル画像の操作を可能にする。^[22]ユーザーは、コンパクトなブース内でカメラの前でポーズを取り、写真を撮影し、カワイイようにデザインされたさまざまなエフェクトを使用して写真を印刷する。^{[21]希望する背景、枠線、挿入可能な装飾、アイコン、テキスト書き込みオプション、ヘアエクステンション、きらめくダイヤモンドのティアラ、 [23]}柔らかい照明効果、事前にデザインされた装飾マージンなど、一連の選択肢が提示される。 ^[21]これらの写真フィルターは、 2010年代に後に登場したSnapchatフィルターに似ていた。 ^{[26]プリクラは、1990年代に日本、そして}東アジア全体で若者の間で人気のある娯楽となった。^[21]

日本のポップカルチャーは、さまざまなマスメディアに登場する理想化された有名人に囲まれています。人気有名人の1つはアイドルです。これらのアイドルは、ほとんどが「かわいらしさ」と「純粋さ」で描かれた女の子であり、誰もが崇拝するロールモデルであり、幻想的な幸福の望ましいイメージを促進することを目的としています。 ^[29]アイドルは完璧な公共イメージを維持し、常に若者に良い手本を示すよう努めなければなりません。

アイドルは、ポップやJポップの歌手、バラエティ番組のパネリスト、端役の俳優、雑誌や広告のモデルなど、メディアパーソナリティ（タレント）として幅広い役割を果たすことを目指しています。代替メディアアイドルには、インターネット上での人気を高めることが基礎となるアイドルの一種であるネットアイドルが含まれます。多くのネットアイドルグループは、プロの音楽業界へのキャリアを移行する前に、オンラインで大きな地位を築いています。^{[30] [31] [32] [33] [34] [35] [36]}

ももいろクローバーZは、 2013年から2017年の調査で女性アイドルグループ第1位にランクされました。^{[28 ] [27]} 2016年には、約63万6千人がライブコンサートに参加し、これは日本の女性ミュージシャンの最高記録でした。^[37]このグループは、2013年から2017年まで最も人気のある女性アイドルグループとしてランク付けされています。^[38]

アイドルとファンの交流は、ライブ動画配信、コンサート、握手会など多岐にわたる。^[39]アイドルとしての宣伝により、これらの有名人は日本全国のさまざまな年齢層の人々にアピールしている。^[40]アイドルの持つ可愛さを含め、可愛らしさへの感情的な魅力は世界中で見られる。^[41] しかし、かわいい文化は、漫画、ファッション、ぬいぐるみなどの視覚的なものだけでなく、アイドルとファンの関係性などの内部的な状況でも、日本社会全体に公然と見られる。^[41]

日本は19 世紀中ごろから西洋のファッションを真似し始めました。21 世紀初頭までに、この真似からストリート ファッションが形成されました。ストリート ファッションとは、現在の流行と伝統的な流行をミックスして服をカスタマイズするファッション スタイルです。このような服は、一般的に店で購入した素材を使って手作りされます。

現在、日本には国内外のブランドが融合したさまざまなスタイルの服が存在します。これらのスタイルの中には、ヨーロッパのファッションショーで見られるオートクチュールに似た、極端で前衛的なものもあります。

スタイルは長年にわたって変化してきましたが、ストリートファッションは今でも日本では目立っています。原宿、銀座、お台場、新宿、渋谷などの大都市のファッション地区では、サブカルチャーの服を着ている若者をよく見かけます。

芸能界（日本語：芸能界）は、「エンターテインメントの世界」または「ショービジネスの世界」を意味し、映画やテレビ（トークショー、音楽番組、バラエティ番組などを含む）からラジオ、そして現在ではインターネットまで、日本のさまざまなエンターテインメントを網羅しています。芸能人は、芸能界のメンバーを指すタレント（タレント）と互換的に使用されることが多い用語です。タレントは、夜な夜なテレビに出演するかなり大規模なグループの人々のことを指しますが、俳優、歌手、モデル、またはコメディアンとして正確に分類することはできません（そのため、代わりにより漠然とした「タレント」という呼称が与えられます）。 タレントは通常、バラエティ番組やトークショーに出演し、成功すれば後に俳優や歌手に移行することがあります。

1980年代半ばまでにテレビの需要は変化し、家族向け、歴史、ミステリーなど、一般的に視聴されているドラマの人気は低下した。^[42]これらの需要の変化は、世界中の国営テレビで見られました。^{[42]日本は、この需要の減少に対抗するために、「}タレント」と呼ばれる新しい有名人を登場させました。これらのタレント有名人は、ゲームショー、コマーシャル、テレビドラマの出場者や司会者など、さまざまな形式のエンターテイメントに影響力を持つ個人です。^[42]

日本の特撮スーパーヒーロー番組（戦隊番組としても知られる）は、世界の大衆文化に大きな影響を与えてきました。例としては、ウルトラマンシリーズ、西洋でパワーレンジャーとしてローカライズされたスーパー戦隊シリーズ、一部の番組が西洋で VRトルーパーズやビッグバッドビートルボーグ としてローカライズされたメタルヒーローシリーズなどがあります。

西洋では、ドラマは衝撃的な展開や矛盾した結末をもたらす対立のある文学作品や演劇として知られています。^[43] しかし、日本では、テレビドラマまたは「テレビドラマ」は、ドラマ、ロマンス、コメディーを含む「テレビ番組」として一般的に考えられています。

ゴジラ、ガメラ、ウルトラマンなどの巨大怪獣を登場させる怪獣映画のジャンルは、1950年代以降、日本で最も一般的な映画ジャンルの一つとなった。同時期、アメリカでは『ボディ・スナッチャー』（1956年）や『ブロブ』 （1958年）などのSF映画がブームとなった。 ^[44]怪獣は特撮のサブジャンルであり、コンピュータ生成画像（CGI）のみを使用した映画を除く、実用的な特殊効果を使用したすべての日本映画が含まれる。^[45]特撮は円谷英二の功績によるもので、^[46]ゴジラシリーズやウルトラマンの共同制作者であり、史上最も影響力のある特殊効果監督の一人とされている。^[47]

1950年、日本映画は『羅生門』の公開により国際的に認知されるようになり、同作品は今でも最もよく知られている日本映画の1つである。同映画の監督である黒澤明は、世界で最も高く評価され、影響力のある映画監督の1人である。その後の作品『七人の侍』（1954年）や『乱』（1985年）など、彼の作品のいくつかは、史上最高の映画の一つとみなされている。この時代の日本映画のその他の注目すべき監督には、小津安二郎、小林正樹、溝口健二、市川崑、木下惠介、本多猪四郎がいる。

以下の日本の映画のジャンルは、世界の大衆文化に大きな影響を与えてきました。

• 特撮（特殊効果を使った日本の映画）
  • 怪獣映画（ゴジラ、ガメラ、ウルトラマンなど）
• 時代劇
  • 侍映画（チャンバラ） - 例としては、黒澤明監督の『七人の侍』、『隠し砦の三悪人』、『用心棒』などがある。
  • 忍者フィクション –大衆文化における忍者を見る
• アニメ映画 –下記のアニメセクションを参照
• 日本のホラー– 例としては『リング』や『呪怨』シリーズなど

アニメ（日本語：アニメ）は、日本を象徴する芸術スタイルとしてアニメーションを利用して物語を伝える映画やテレビ番組の一種です。西洋の漫画とは異なり、アニメはキャラクターデザインの細かさ、表情の多さ、キャラクターの奥深さ、幅広い視聴者層、そして動物がしゃべる場面がまれに登場することで区別されます。^[48]これらの特徴は、視聴者とキャラクターのつながりを強めるために使われています。ほとんどの場合、アニメは漫画と呼ばれるアニメコミックに基づいています。漫画は12世紀にまで遡る古代の漫画形式です。^[49]

日本の大衆文化におけるアニメ映画の世界は、1920年代から成長傾向にあります。ウォルト・ディズニーとそのアニメキャラクターの影響を受けた「マンガの神様」としても知られる手塚治虫（1925-1989）は、日本の漫画の内容を変えることになる40年にわたるアニメーション、つまりアニメの進化を開始しました。他のどのアニメキャラクターとも異なる最初のアニメキャラクターである鉄腕アトムを創造し^、彼はとがった髪、拳ほどの大きな目、足にロケットをつけたロボットの少年で日本の人々の心をつかみました。ドラえもんは、1979年にテレビ朝日で放送され、日本で大きな人気を博しました。2008年には、外務省からアニメ大使に任命されました。^[50]

日本のアニメーション映画スタジオであるスタジオジブリも、 『となりのトトロ』、『崖の上のポニョ』、『千と千尋の神隠し』（2002年に金熊賞、2003年にアカデミー賞長編アニメ映画賞を受賞）などの映画を通じて、アニメの世界的成功に貢献した。これらの作品により、スタジオの現社長である宮崎駿はアニメーションの先見の明のある人物として評価されることが多い。^{[51] [52]}

ポケモンシリーズの成功は、ニシム・オトマジンや社会学者のアン・アリソンなどの人々によって、米国におけるアニメの普及の功績とされている。^[53]アニメ市場は、文化的なエージェントとしてのファンの重要な役割、グローバリゼーションの脱領土化効果、地元の嗜好に合わせたアニメの国内化と大幅な編集、そして日本のポップカルチャーと「ソフトパワー」のより広範な世界的流れの一部であることに大きく依存していると説明されている。 ^[53]オトマジンは、米国におけるアニメの台頭は、洗練されたグラフィックの質、幅広いテーマの多様性、そしてハッピーエンドというディズニーの慣習を拒否する傾向の結果であると主張している。^[53]彼はさらに、アニメは日本がポップカルチャーで人気を獲得し、アメリカ人にメディアのユニークで興味深いものを味わわせることができるツールであったと述べている。

アニメの国際的な人気の高まりにより、他国のさまざまなアニメスタジオが独自のアニメの影響を受けた作品を制作するようになりました。

アニメは視聴者、ジャンル、テーマの多様性が増すにつれ、社会に浸透してきました。現代の日本では、アニメの人気が高まり、印象的なキャラクターがフィギュアやビデオゲームなどの副産物として頻繁に作られるようになりました。

マンガという言葉は、直訳すると「気まぐれな絵」を意味する。マンガは西洋で理解されているような「漫画」ではなく、むしろ日本の文化や歴史の一部を表すものである。マンガというスタイルは10世紀頃に始まり、長い歴史を持つ。その時代の巻物には動物が「上流階級」の一員として描かれ、同じような状況で典型的な人間と同じように振る舞っている。このような巻物は鳥獣戯画または「動物の巻物」として知られるようになる。^[54]

12世紀後半に発見された巻物には、餓鬼草紙や地獄草紙などの宗教的なイメージが描かれている。どちらも宗教のさまざまな側面を扱っているが、「畜生草紙」とは異なり、喜劇的なスタイルではなく、より教訓的な視点を提供している。^[54]

マンガは文化的に、西洋のコミックブックよりも重要な意味を持っています（ただし、同じ役割を果たしているものはたくさんあります）。もともとマンガは日刊紙に印刷されていましたが、第二次世界大戦中に新聞用紙の配給制がマンガの人気を低下させました。戦後の1950年代に、マンガは「紙芝居」という形で復活しました。これは、イラストを使用して物語を補完するスタイルであり、読者が一定期間これらのイラスト付き本を借りることができる非常に人気のある「レンタルマンガ」でした。^[55]

マンガは誕生以来、世界中でかなりの消費者基盤を獲得してきました。^{[56] [57] [58]}

同人誌は、アマチュアのマンガやファンフィクションを指す日本語です。マンガと同じ創作手順をたどり、マンガファンであるアマチュア作家によって作成されることが多いです。同人誌は、ファンが自分の好きなマンガキャラクターが登場するアマチュアマンガを作成するためのものです。ファンフィクションは日本で非常に人気があり、東京では年に2回、コミケと呼ばれる同人誌専用のフェアが開催されます。

ビデオゲームは世界中で主要な産業であり、2012年には、コンソールおよびポータブルのハードウェアとソフトウェア、モバイルデバイス（タブレットやスマートフォンなど）向けのゲームで、世界の収益は推定670億ドルでした。^[59] 特に日本では、日常生活におけるゲームの存在と人気はかなり前から存在しており、その最も古い例は、パックマンなどの有名なゲームタイトルが最初にアーケードに登場したことです。^[60]日本のゲーム開発の成長の始まりは、ビデオゲームの黄金時代と同一視されることが多く、この時代は、業界を没落の可能性から救ったとよく評価されています。^[60] この時代は、日本に多くの著名な開発スタジオをもたらしました。最初のものには、宮本茂と山内溥率いる任天堂、同時期のセガ、その他、タイトー、カプコン、スクウェア・エニックスなどがあります。

ビデオゲームが日本で初めて登場したのは、1970年代から1980年代のアーケード時代でした。最も人気があり有名なアーケードゲームには、ディフェンダーやギャラガ、パックマン、フロッガー、 キューバート、ストリートファイター、ドンキーコング、マリオなどがありますが、これらに限定されるわけではありません。これら の多くは人気が高まり、多くの劇場がロビーにさまざまなアーケード筐体を設置し始めたことで映画業界など他の業界にも影響を与えました。これらは米国などの他の国にも輸出され、それらの地域でも同様の文化的中心となり、この新しい市場の一部を獲得しようとゲームを作ることに専念する新しい会社や開発者の創設を促しました。

1980年代後半、具体的には1985年に、任天堂は家庭用ゲーム機NES（Nintendo Entertainment System）を発売した。任天堂が最初ではなく、アタリも1977年初頭にゲーム機を発売していたが、1983年から85年にかけてのビデオゲームの不況により、任天堂は優位を失い、その間に任天堂は他の企業に取って代わり、業界に大きな影響力を持つようになった。^[61] これは日本のゲームの歴史と文化において注目すべき発展であった。なぜなら、今やハードウェアシステムが手頃な価格で手に入るようになったため、人々はゲームをプレイするために個別の非常に高価なゲームシステムを購入するために企業の資金を必要としなくなったからである。任天堂によるビデオゲーム市場のこの初期の優位性は、主に彼らが市場を最初に掌握したことで継続した。任天堂はビデオゲームを販売する数少ないブランドの1つであり、また数少ない開発者の1つであったため、日本のメディアとゲームのグローバル化により、日本の産業、ひいては文化が産業の発展を形作り、コントロールすることができた。^[61] それ以来、任天堂は業界で最後から2番目の支配力を持っていたわけではなく、プレイステーションシステムの発売後にソニーなどの競合企業が先行し、特にプレイステーション2が世界で最も人気があり広く販売されているシステムになったが、これらの日本企業はさまざまな理由から業界での優位性と人気を維持し、「西洋」支配から日本支配へとパラダイムをシフトさせた。^[62] この市場の支配と技術と文化に対する日本人の姿勢により、日本はビデオゲーム界の文化輸出国となり、主要な参加者であり続けた。^[62] 企業間の国際競争がある今日でも、日本企業は常に業界で少なくとも中心的な役割を担い、ゲーム開発の進歩とトレンドセッティングを行ってきた。^[61]

現在の日本のビデオゲームシリーズ、例えば、大乱闘スマッシュブラザーズ、ポケモン、スーパーマリオ、ソニック・ザ・ヘッジホッグ、カービィ、スターフォックス、メトロイド、ゼルダの伝説、悪魔城ドラキュラ、どうぶつの森、キングダムハーツ、ペルソナ、バイオハザード、ダークソウル、ファイナルファンタジー、モンスターハンターなどは批評家から高い評価を得ており、その人気と反響の結果として、業界の各セクターや、消費者が特定のジャンルのゲームに何を期待するか、そして新しいゲームがプレイヤーや批評家からどのように受け止められるかを支配している。日本のゲーム開発エンジンであるRPGツクールも人気を集めており、 2010年代後半までに何百ものゲームがこのエンジンで作成され、Steamでリリースされた。 ^[63]

日本のビデオゲームは、PCやコンソールゲームが主流だった時代から、さまざまな形で拡大してきました。日本でこれが起こった最も爆発的な方法の1つは、モバイルゲームの導入と普及です。経済的関連性の面では、スマートフォン向けゲームは2012年以降大幅に拡大しました。その結果、モバイルゲームの市場規模は日本のゲーム業界の70％のシェアを占めています。^[64] この経済的存在は、モバイルゲームの持つ社会的存在と並行しており、ビデオゲームをプレイするほとんどの人はモバイルゲームもプレイしています。モバイルゲームが日本で非常に人気がある理由の1つの理論は、それが日本特有の社会的ニーズにどのように応えるかということです。日本人は公共交通機関での移動に多くの時間を費やし、モバイルゲームは携帯電話やその他のデバイスでプレイできるため非常に携帯性が高く、参加コストが非常に低い（通常は無料でダウンロードできる）ため、電車の中で何かするためにダウンロードするのは当然の結論です。^[64] さらに、ゲームは対人交流を促進し、友人と一緒に行うアクティビティとして、または自己紹介をして新しい友人を獲得する役割も果たします。これもまた、低コストのおかげで、社会的交流の障壁と不安を下げ、日本の文化やメディアの多くに影響を与えている大きな社会問題である孤独を部分的に軽減することができます。^[64] このため、社会参加がよりオンライン化しているため、モバイルゲームなどのゲームのように、これらの交流や関係を促進できるゲームは、時間の経過とともに重要性と人気が高まっていると主張する人もいます。^[65]

Jポップ

J-Pop（日本のポップ）は、日本発祥の音楽ジャンルです。1950年代に日本の伝統音楽と西洋のポップの要素を融合して誕生しました。J-Popは誕生以来、さまざまな文化的、技術的な変化に適応しながら大きく進化してきました。

発達

J-POPの発展は、世界的なメディアのデジタル化に大きく影響され、その範囲が拡大し、新しい形の音楽革新がもたらされました。^[66] このジャンルは、世界的な音楽のより広範な変化を反映して、DIY（Do-It-Yourself）音楽文化への移行を遂げてきました。^[67]

K-POPとの比較

Jポップは、音楽や文化的表現に対するアプローチにおいてKポップとは一線を画しています。Kポップは高度に振り付けられたパフォーマンスと統一された美学と関連付けられることが多いのに対し、Jポップは多様性と実験性が特徴です。この違いは、Jポップの幅広い音楽スタイルに表れており、より芸術的なバリエーションと表現を可能にしています^[68]

ジェンダーの力学

ジェンダーとアイデンティティの分野では、J-POPは特に女性アーティストに関して広範な研究の対象となっている。日本の音楽とファッションに影響を与えたことで知られるJ-POPの著名人、浜崎あゆみは、伝統的なジェンダー規範に挑戦するアーティストの一例である。このようなアーティストは、ジェンダーとアイデンティティに関する多様な視点を探求し表現するためのプラットフォームとしてJ-POPを使用し、それによって社会の見解や期待を形成してきた。^[69]

J-POPの豊かな歴史と現代文化への影響は、ジャンルとしての重要性を物語っています。日本の芸術的進化を反映するだけでなく、日本の社会規範や価値観の変化についての洞察も提供します。^[70]

ヴィジュアル系（ヴィジュアルスタイル）は、日本の音楽界で大きな潮流となっている。中性的な外見のバンドがヘビーメタルからエレクトロニックまで様々なスタイルの音楽を演奏する。コスプレと同様に、ヴィジュアル系のアーティストは女装をしたり、非常に装飾された衣装、メイク、ヘアスタイルを披露したりすることが多い。女性メンバーを含むバンドは多くないが、観客の大半は若い女性である。^[71]

1980年代に始まり、1990年代に人気が高まった第一世代のヴィジュアル系は、キッスなどの西洋のロックやメタルミュージシャンの影響を強く受けていました。その先駆者の1つが、今も活動を続けるX JAPANというバンドです。しかし、ヴィジュアル系の第一波は、1999年にX JAPANのリードギタリストが亡くなったことで終焉を迎えました。数年後、ネオヴィジュアル系と呼ばれる第二波が起こり、このジャンルは以前とは少し異なる方向へと進みました。

日本のインターネットは、1993年に政府が最初の商用インターネットサービスプロバイダーを承認し設置するまで普及しなかった。日本は世界で14番目にインターネットを使い始めた国だった。その動きが遅い理由としては、タイミングが悪かったこと、政府がインターネットアクセスを学術的な用途とみなしていたこと、変化とリスクを恐れたこと、電気通信分野における当初の競争の欠如、2,000以上の漢字ベースの言語でキーボードを使用する難しさ、インターネットを数時間使用しただけで高額な料金が発生する高額料金など、多くの理由が挙げられている。1990年代半ばまで、日本社会ではインターネットにアクセスすることが難しく、接続してもできることはあまりなかった。インターネットが普及すると、PCやノートパソコンよりも携帯電話が好まれ、これが日本のインターネット文化のインターフェースを形成し、より小さな画面に適応し、よりのんびりとした態度をとるようになった。^[72]

バーチャルアイドルとは、デジタル世界にのみ存在するアイドルのことを指す。^[73]最初のバーチャルアイドルである伊達京子は、タレント事務所ホリプロからリリースされた。バーチャルアイドルには、初音ミクのようなボーカロイドやキズナアイのようなバーチャルYouTuberなど多種多様に存在する。^[74]バーチャルYouTuberは、通称VTuberと呼ばれ、モーションキャプチャーの顔追跡技術を使用してアバターモデルを動かし、感情の変化を表現する日本発のストリーマーである。^[75]キズナアイは最初のVTuberとみなされている。2016年にデビューした後、彼女はAIチャンネルとAIゲームの2つのYouTubeチャンネルで430万人以上の登録者を獲得した。^[76] VTuberは、モデルの背後に実在の人物がいるという点で初音ミクのようなバーチャルアイドルとは異なり、初音ミクや他のボーカロイドは、俳優や歌手が提供するボーカルサンプルのデータベースで構成されたボイスバンクである。^[77] VTuberは一般的に個人で運営されているか、にじさんじやホロライブなどのVTuber事務所に所属しています。事務所に所属するVTuberは自分の仕事をコントロールすることは少ないですが、プロに依頼したアバターやモーションリギングなど、よりプロフェッショナルなレベルのサポートが提供されます。^[78]現在、世界で最も視聴されている日本のVTuberの中には、ホロライブの兎田ぺこらがいます。彼女の視聴時間は2023年第1四半期で719万時間に達しています。にじさんじの葛葉は694万時間でわずかに遅れをとっており、世界で最も視聴され、登録されている男性VTuberでもあります。^[79]製品会社とのコラボレーションも一般的であり、例えばNeox Graphite x Nijisanjiのコラボレーションでは、日本と英語の両方の支社から6人の才能がそれぞれテーマのシャープペンシルと芯を持っています。^[80]

日本のネットカフェは、たむろする場所としてだけでなく、住む場所としても人気が高まっている。これらのカフェでは、キュービクルほどの大きさの小さな個室でインターネットにアクセスでき、飲み放題、漫画喫茶としても利用でき、シャワー、毛布、住所の使用などのサービスを提供しているところもある。^[81]ネットカフェは現在、そうでなければホームレスになってしまうあらゆる年齢のネットカフェ難民の避難所となっている。多くの人が、敷金、手数料、住居の家具、光熱費など、アパートに付随するその他の費用を支払う必要がないことを考慮すると、ネットカフェで部屋を借りる余裕がある。^[82] 2018年に東京都は、東京エリアのインターネットカフェと漫画喫茶502軒を対象に調査を実施し、提供された情報から、平日に推定15,000人がこれらのカフェに滞在し、このうち約4,000人がホームレスで、残りがホテルの代わりにカフェを利用していることがわかった。宿泊者の3分の1は不安定な仕事に就いていると主張している。年齢別では、宿泊者の大半は30代で、少数ではあるものの50代もかなりの割合を占めている。^[83] 2008年、厚生労働省は、職業訓練や職業訓練の受講を条件に生活費の貸付制度を提供することで、ネットカフェ難民が常勤職に就けるよう支援するプログラムの予算要求を行った。^[84]

ケータイ小説はもともと日本特有の現象だったが、中国、インド、イタリア、スイス、フィンランド、南アフリカ、米国、ブラジルなどの他の国々にも急速に広まった。日本ではコンピュータよりも携帯電話が好まれていたため、アマチュア作家がテキストメッセージや電子メールで作品を世に出す安価な方法であり、最終的にはウェブサイトを介した購読へと進化した。^[85] Deep Loveは2002年にYoshiによって書かれたこの種の最初のもので、漫画シリーズ、テレビ番組、映画に採用された。携帯電話の文字数制限により、作品は短い分割払いで発表されたため、通勤電車の合間に読むのに最適だった。これらの作品は印刷されることが多く、2007年には、その年のベストセラー小説のうち10冊が携帯電話小説から派生したものだった。それらは主にティーンエイジャーや若者によって書かれており、関係、薬物使用、妊娠、レイプ、売春などのテーマを中心にしている。これは、一見暴力的なテーマ、感情を伝えてスペースを節約するための絵文字の使用、多様で長い語彙の欠如などの理由で、高齢者が楽しむのが難しいトレンドです。^[86]

現代の自撮りは、日本のかわいい文化、特に1990年代の日本のプリクラ現象に由来しています。 ^[21]プリクラ現象を活用するために、日本の携帯電話は1990年代後半から2000年代初頭にかけて、自撮りを容易にする前面カメラを搭載し始めました。 ^{[21] [87]} iPhone 4 （2010年）は、以前の日本と韓国のカメラ付き携帯電話から前面カメラ機能を採用し、東アジア以外の地域で自撮りを国際的に普及させるのに貢献しました。^{[21]プリクラの写真撮影機能は、後に}InstagramやSnapchatなどのスマートフォンアプリに採用され、自撮りに落書きやテキストを入力したり、画像を美しくする機能を追加したり、猫のひげやウサギの耳などの写真編集オプションを追加したりできるようになりました。^[88]

• マーク・シリング（1997年）『日本ポップカルチャー百科事典』シャンバラ、ISBN 978-0-8348-0380-0

• ウィキメディア・コモンズにおける日本の大衆文化に関連するメディア