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ロココ、あまり一般的ではありませんがロココ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ /ⓘ rə- KOH -koh、米国でも/ ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ;フランス語: [ ʁɔkɔko ]ⓘ、または[ ʁokoko ] ）は、1730 年代にフランスでルイ 14 様式への反動として出現した装飾様式です。広範な装飾、流れるような曲線、非対称性、親密さを育むように設計された小規模なスケールが特徴です。ロカイユ(貝殻や小石のようなモチーフ)、しばしば白やパステルカラーを金箔や彫刻されたモールディング、トロンプルイユのフレスコ画を使用して空間的な錯覚を作り出します。視覚芸術では、貴族の余暇や牧歌が主要なテーマですバロック運動の最終的な表現と見なされ[ 1 ] 、後期バロックと呼ばれることもあります。
元々は「岩細工様式」を意味するロカイユ様式として知られていたロココ様式は、フランスの家庭のインテリアからヨーロッパの他の地域、特に北イタリア、オーストリア、南ドイツ、中央ヨーロッパ、ロシアへと広まった。[ 4 ]また、絵画、彫刻、家具、銀器、ガラス製品、音楽、演劇[ 5 ] 、文学[ 6 ]にも影響を与えた。後に教会建築にも応用され、特に中央ヨーロッパ、ポルトガル、南アメリカでこの様式が広く普及した。[ 7 ] 18世紀後半には、ロココ様式は新古典主義にほぼ取って代わられた。
ロココ という言葉は、新古典主義の画家ピエール＝モーリス・ケ（1777～1803）が作ったフランス語のrocailleを風刺的に派生させたものです。 [ 8 ] [ 9 ]歴史的には、rocailleはルネサンス以来使用されてきた、洞窟や人工噴水を小石、貝殻、セメントで装飾する方法を指していました。[ 10 ] [ 11 ] 17世紀後半から18世紀初頭にかけて、この用語はルイ14世様式後期に現れた、絡み合った貝殻とアカンサスの葉の装飾モチーフを指すようになりました。1736年、デザイナー兼宝石商のジャン・モンドンは、家具やインテリアのデザイン集であるPremier Livre de forme rocquaille et cartel （ロココ様式とカルテル様式の第一の書）を出版しました。この出版物は、ロココ様式を説明するために印刷物に登場した最初の例です。 [ 12 ]職人たちは、彫刻や成形した貝殻のモチーフをヤシの葉や曲がりくねった蔓と組み合わせて、出入り口、壁パネル、家具、その他の建築要素を装飾した。[ 13 ]
ロココという言葉が初めて印刷物に登場したのは1825年で、批評家たちは「時代遅れで古臭い」とみなされる装飾に対する蔑称として用いた。1828年までには、「ねじれた装飾で過剰に装飾された18世紀の様式」を指す言葉となった。1829年、作家スタンダールはロココを「18世紀のロカイユ様式」と定義し、より客観的な歴史的記述への転換を示した。[ 14 ]
19世紀を通じて、それはしばしば、重厚な装飾を特徴とする建築や音楽に対して軽蔑的に用いられた。[ 15 ] [ 16 ] 19世紀半ばまでに、美術史家はこの用語を広く受け入れた。[ 17 ]今日、美術史家はロココをヨーロッパ美術の明確な時代として認識している。[ 17 ] [ 18 ]
ロココ様式の装飾は、曲線、逆曲線、波打つような形、そして自然からのモチーフに依拠しています。建物は、見る者を驚かせるように設計された豪華な装飾が施された内部と対照的に、シンプルな外観を特徴としていることがよくあります。 [ 19 ]教会の平面図は、絡み合う楕円形を使用して複雑な内部空間を作り出しています。宮殿では、大きな階段が中心的な焦点として機能し、装飾の複数の視点を提供します。[ 1 ]部屋には、自然光を反射するために、暖炉の上または窓の向かい側にボワズリー（彫刻された木製パネル）と鏡が置かれていることがよくあります。 [ 20 ]一般的なモチーフには、ロカイユ、アカンサスと葉のスクロール、鳥、花、果物、楽器、プッティなどがあります。ロココには、様式化されたパゴダ、龍、エキゾチックな花、理想化された東アジアの人物、シンゲリー（猿の描写）などのシノワズリーも含まれます。[ 21 ]
バロック時代とは対照的に、ロココは左右対称と重厚なフォルムを、より軽やかで非対称なデザインに置き換えています。大胆でコントラストの高い明暗対比の代わりに、ロココは柔らかな黄色、クリーム色、真珠のような灰色、淡い青などのパステルカラーを使用しています。[ 22 ] [ 23 ]空間構成においては、壮大な公共空間から私的な部屋へと焦点が移っています。大きな国立ギャラリーはしばしばより小さなアパートメントに分割されます。家具はこれらの空間に合わせて縮小され、彫刻された壁パネルに合わせてデザインされ、エンスイートと呼ばれる統一されたインテリアを作り出しています。[ 24 ]
これらの内装は、成形されたスタッコ、彫刻された木材、クアドラトゥーラ（錯視的な天井フレスコ画）を組み合わせているのが一般的です。これらのフレスコ画は、プットーや寓意的な人物が住む開けた空を模しています。一般的な材料には、塗装されたまたは白いスタッコ、木象嵌（主にオーク、ブナ、またはクルミ）、漆塗り、オルモル（金メッキされたブロンズ）、大理石などがあります。[ 25 ]美術史家のステファン・チュディ＝マドセンとデボラ・L・シルバーマンは、ロココ様式の非対称、曲線、植物的要素の使用が、19世紀後半のアール・ヌーヴォー運動の源泉であると指摘しています。[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]
ロカイユ様式、またはフランス・ロココ様式は、ルイ15世の治世中にパリで出現し、1723年から1759年頃まで隆盛を極めた。[ 29 ]フランス・ロココ様式の特徴は、卓越した芸術性と、複雑なデザインに絡み合った植物の形（蔓、葉、花）の使用である。[ 30 ]この様式は特にサロンで用いられた。サロンは、客を感銘させ楽しませるために設計された新しいタイプの部屋であり、最も有名な例は、 1735年から1740年にかけてジェルマン・ボフランとシャルル＝ジョゼフ・ナトワールによって設計された、パリのオテル・ド・スービーズにある王女のサロンである。
この時代の家具には、特に鏡や絵画用の複雑な額縁に見られるように、この様式の特徴である曲線や植物模様が用いられており、それらは石膏で彫刻され、しばしば金箔が施されていた。この様式を代表する家具デザイナーや職人には、ジュスト＝オーレル・メッソニエ、シャルル・クレセント、ニコラ・ピノーなどがいる。[ 31 ] [ 32 ]
フランスのロココ様式は、バイエルン、オーストリア、イタリアに見られるような華美さを実現することはなかった。18世紀半ばまで続いたこの様式は、1738年のヘルクラネウム、1748年のポンペイにおけるローマ時代の遺跡の発見によって、より左右対称で華美さを抑えた新古典主義へと方向転換した。
イタリア、特にヴェネツィアの芸術家たちは、独自のロココ様式を生み出した。ヴェネツィアの箪笥は、フランスのロカイユ様式の曲線的なラインと彫刻された装飾を模倣したが、ヴェネツィア特有のバリエーションがあった。これらの箪笥は、ヴェネツィア派の画家たちがサロンを飾った作品の色彩に合わせて、青や緑の背景に、風景、花、グアルディなどの画家の作品、あるいはシノワズリーなどの絵柄で彩られていた。
著名な装飾画家には、カ・レッツォーニコの舞踏室の天井をクアドラトゥーロ様式で描いたジョヴァンニ・バッティスタ・クロサトや、教会や宮殿の天井や壁画を描いたジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロなどがいる。ティエポロは1750年から1753年にかけて息子とともにドイツへ旅行し、バイエルン・ロココの主要なランドマークの一つであるヴュルツブルク宮殿の天井を装飾した。もう一人有名なヴェネツィアの画家は、いくつかの有名な教会の天井を描いたジョヴァンニ・バッティスタ・ピアツェッタである。[ 33 ]
ヴェネツィア・ロココ様式では、特にムラーノガラスをはじめとする優れたガラス製品も特徴としており、彫刻や着色が施されたものが多く、ヨーロッパ各地に輸出された。作品には、多色のシャンデリアや、非常に装飾的なフレームの鏡などが含まれる。[ 33 ]
ロココ様式は、1730年代から1770年代にかけて南ドイツとオーストリアで最盛期を迎えました。現在でも教会建築の景観を支配し、民衆文化に深く根付いています。この様式は、彫刻家のクロード3世・オードラン、インテリアデザイナーのジル＝マリー・オッペンオルト、建築家のジェルマン・ボフラン、彫刻家のジャン・モンドン、製図家兼版画家のピエール・ルポートルなど、フランスの建築家や装飾家の出版物や作品を通してフランスから初めて紹介されました。彼らの作品はドイツのロココ様式に重要な影響を与えましたが、南ドイツの建築物の豪華さには及びませんでした。[ 34 ]
ドイツの建築家は、ロココ様式をフランス本来のものよりもはるかに非対称で装飾的なものにすることで、それを独自にアレンジした。ドイツ様式は、壁面を流れ落ちるような形態の爆発が特徴であった。曲線と反曲線に成形されたモールディング、ねじれたり曲がったりする模様、壁面や天井を這い上がっていくように見える漆喰の葉飾りなどが特徴であった。装飾は、白や淡いパステルカラーの壁とのコントラストを出すために、しばしば金箔や銀箔で装飾された。[ 35 ]
ドイツで最初のロココ建築の一つであるミュンヘンのアマリエンブルク館（1734～1739年）は、ベルギー生まれの建築家兼デザイナー、フランソワ・ド・キュヴィリエによって設計されました。彼はフランスのグラン・トリアノン宮殿とマルリー城のパビリオンに触発されました。この建物は狩猟小屋として建てられ、屋上にはキジを撃つための台がありました。内部の鏡の間は、画家兼漆喰彫刻家のヨハン・バプティスト・ツィンマーマンによって作られ、フランスのロココ建築よりもはるかに精巧です。[ 36 ]
初期ドイツ・ロココ様式のもう一つの注目すべき例は、ヨハン・フィリップ・フランツ・フォン・シェーンボルン司教の依頼で建てられたヴュルツブルク宮殿（1720～1744年）である。宮殿の建設初期に、宮廷建築家バルタザール・ノイマンはパリへ赴き、フランスのロココ様式装飾芸術家ジェルマン・ボフランとロベール・ド・コットに相談した。宮殿の外観はより簡素なバロック様式だが、内部、特に階段と天井ははるかに豪華絢爛である。ノイマンは宮殿の内部を「光の劇場」と表現した。1750年から1753年にかけて、イタリアのロココ画家ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロが招かれ、3階建ての儀式用階段の上部に壁画を描いた。[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]ノイマンはまた、ブリュールのアウグストゥスブルク城にある象徴的なロココ様式の階段（1725～1768年）も設計した。この階段は、絵画、彫刻、鉄細工の幻想的な世界を通り抜け、曲がり角ごとに驚くべき景色が広がる。[ 37 ]
1740年代から1750年代にかけて、バイエルン地方にはロココ様式の独特な様式で装飾された巡礼教会が数多く建設されました。その中でも特に有名なのが、ドミニクス・ツィンマーマンが設計したヴィース教会（1745～1754年）です。バイエルンの巡礼教会の多くと同様に、外観はパステルカラーの壁と装飾の少ない非常にシンプルな造りです。しかし、教会に入ると、芸術と形態の驚くべき調和に出会うことになります。半円形の前室が西側に続く楕円形の聖域は、四方八方から光が差し込み、教会全体を明るく照らします。白い壁は聖歌隊席の青とピンクの漆喰の柱と対照をなし、ドーム型の天井には天使が飛び交う広々とした空が描かれています。バイエルンのその他の注目すべき巡礼教会には、バルタザール・ノイマンによる14聖人聖堂（1743～1772年）[ 40 ] [ 41 ]や、ヨハン・ミヒャエル・フィッシャーによるオットボイレン修道院（1748～1766年）があり、後者はドイツのロココ建築の多くと同様に、正面の規則性と内部の装飾の過剰さとの間に顕著な対比が見られる。[ 37 ]
イギリスでは、ロココ様式はヨーロッパ大陸ほどデザインや装飾芸術に影響を与えなかったが、銀細工、磁器、家具などの分野ではその影響が依然として感じられた。
18世紀初頭を通して、イギリスの家具は、バーリントン卿やその他の重要な芸術後援者のためにデザインしたデザイナー、ウィリアム・ケントによる新古典主義のパラディオ様式を踏襲していた。 [ 31 ]その結果、ロココ様式はイギリスに伝わるのが遅く、銀細工師のポール・ド・ラメリーを含むフランスからの移民芸術家やユグノー難民の作品を通して、1730年代に初めて登場した。 1735年にウィリアム・ホガースによって設立されたセント・マーティンズ・レーン・アカデミーも、イギリスのデザイナーや芸術家にロココ様式を紹介する上で重要な役割を果たした。[ 42 ]
ロココ様式は1740年から1770年の間にイギリスで隆盛を極めた。輸入されたフランス製品に対抗するため、家具デザイナーたちは木彫りを主な技法として、独特のイギリス風ロココ様式を開発した。こうしたデザイナーの中で最も影響力があったのはトーマス・チッペンデールで、1754年に出版された彼の著書『紳士と家具職人のための手引書』は、ロココ、シノワズリー、ゴシック様式の家具のデザイン集であり、広く人気を博した。[ 43 ]フランスのデザイナーとは異なり、チッペンデールは家具に象嵌細工やインレイを用いなかった。インレイ家具の主力デザイナーは、ジョージ3世の家具職人であったヴァイルとコブであった。イギリスの家具界で重要な人物はトーマス・ジョンソンで、1761年にロココ様式の家具デザインのカタログを出版した。このカタログには、中国やインドのかなり奇抜なモチーフに基づいた家具が含まれており、中国のパゴダを冠した天蓋付きベッド（現在はヴィクトリア・アンド・アルバート博物館所蔵）も含まれていた。[ 33 ]
イギリスのロココ様式におけるもう一人の著名な人物は、銀細工師のチャールズ・フリードリヒ・カンドラーである。
ロシアのロココ様式は、18世紀にエリザベート女帝とエカチェリーナ2世によって、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリなどの宮廷建築家によって主に導入された。[ 45 ]
サンクトペテルブルクの冬宮殿やツァールスコエ・セローのエカテリーナ宮殿などの宮殿におけるラストレッリの仕事は、西ヨーロッパのロココ建築の多くの特徴を取り入れており、内部には金箔、鏡、自然光を取り込むための大きな窓で装飾された壮大な部屋があり、外部には非対称の貝殻や岩などのロカイユ模様を特徴とする大きなフード付き窓とコーニスで縁取られた柔らかなパステルカラーが用いられている。 [ 46 ]天井には、古代ギリシャやローマの神々の寓意画を囲むロココの渦巻き模様がよく見られた。[ 47 ]床には、木工細工に精巧なデザインを作り出すために、異なる木材で作られた寄木細工が象嵌されていることが多かった。
18世紀のロシア正教会の建築もロココ様式の影響を強く受けており、しばしば等間隔に配置された4つの翼を持つ正方形のギリシャ十字のデザインが特徴であった。外壁は青やピンクなどの淡いパステルカラーで塗装され、鐘楼にはしばしば金色の玉ねぎ型ドームが載せられていた。[ 48 ]
フリードリヒ・ロココは、フリードリヒ大王の治世中にプロイセンで発展したロココ様式の一種で、フランス、ドイツ（特にザクセン）、オランダの影響を融合させたものです。[ 49 ]その最も有名な支持者は建築家のゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフでした。さらに、画家のアントワーヌ・ペーヌやフリードリヒ王自身もクノーベルスドルフのデザインに影響を与えました。フリードリヒ様式の有名な建物には、サンスーシ宮殿[ 50 ]、ポツダム宮殿、シャルロッテンブルク宮殿の一部などがあります。
フランソワ・ブーシェをはじめとする同時代の画家たちの、装飾的な神話や勇壮さを強調した芸術は、すぐに反動を呼び起こし、より「高貴な」テーマへの需要が高まった。ロココ様式はドイツやオーストリアで引き続き流行したが、ローマのフランス・アカデミーでは古典様式の教育が始まった。これは、1738年にジャン・フランソワ・ド・トロワが、そして1751年にはシャルル＝ジョゼフ・ナトワールがアカデミーの学長に任命されたことで確固たるものとなった。
ルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人は、ロココ様式の衰退に貢献した。1750年、彼女は弟のアベル＝フランソワ・ポワソン・ド・ヴァンディエールをイタリアに2年間派遣し、美術と考古学の発展を研究させた。ヴァンディエールには、版画家のシャルル＝ニコラ・コシャンや建築家のスフロなど、数人の芸術家が同行した。彼らは古典芸術への情熱を胸にパリに戻った。ヴァンディエールはマリニー侯爵となり、国王建築総局長に任命された。彼はフランスの公式建築を新古典主義へと転換させた。コシャンは重要な美術評論家となり、ブーシェの小様式を非難し、絵画と建築のアカデミーにおいて、古代と貴族に新たな重点を置いた壮大な様式を求めた。[ 51 ]
ロココ様式の終焉の始まりは1760年代初頭に訪れた。ヴォルテールやジャック＝フランソワ・ブロンデルといった人物が、この芸術の表面的な堕落を批判し始めたのである。ブロンデルは、当時の室内装飾に見られる「貝殻、龍、葦、ヤシの木、植物のばかげた寄せ集め」を非難した。[ 52 ]
1785年までに、フランスではロココ様式は流行遅れとなり、ジャック＝ルイ・ダヴィッドのような新古典主義の芸術家による秩序と重厚さが取って代わった。ドイツでは、18世紀後半のロココ様式は「辮髪とカツラ」（Zopf und Perücke ）と揶揄され、この時代は「ツォプフシュティール」と呼ばれることもある。ロココ様式は、ナポレオン政権とともに新古典主義の第二段階である「帝政様式」が到来し、ロココ様式を駆逐するまで、ドイツの一部の地方国家やイタリアで人気を保っていた。
ロカイユと呼ばれる装飾様式は、主にルイ15世の摂政時代と治世中の1710年から1750年の間にフランスで出現しました。この様式はルイ15世様式とも呼ばれました。その主な特徴は、絵画的な細部、曲線と反曲線、非対称性、そして演劇的な奔放さでした。パリの新しいサロンの壁には、通常金箔や彩色を施した漆喰で作られた、ねじれたり絡み合ったりするデザインが、ブドウの蔓のようにドアや鏡の周りに巻き付いていました。最も初期の例の1つは、パリのオテル・スービーズ（1704～1705年）で、ブーシェとシャルル＝ジョゼフ・ナトワールの絵画で飾られた有名な楕円形のサロンがありました。[ 53 ]
当時最も有名なフランスの家具デザイナーは、ジュスト＝オーレル・メッソニエ（1695年～1750年）で、彫刻家、画家、そして王室御用達の金細工師でもありました。彼はルイ15世の宮廷および執務室の公式デザイナーの称号を持っていました。彼の作品は、ヨーロッパ中にその様式を広めた膨大な数の版画のおかげで、今日でもよく知られています。彼はザクセンとポルトガルの王室のために作品をデザインしました。
イタリアもまた、ロココ様式が初期から後期にかけて隆盛を極めた場所の一つである。ローマ、ミラノ、ヴェネツィアの職人たちは、豪華絢爛な装飾が施された家具や装飾品を数多く生み出した。
彫刻装飾には、木彫りの花飾り、パルメット、貝殻、葉飾りなどが含まれていました。最も贅沢なロカイユ様式は、壁際に置くように設計されたコンソールテーブルに見られました。ルイ14世の時代に初めて登場したコモード、またはチェストは、金メッキされたブロンズで作られたロカイユ装飾で豪華に飾られていました。これらはジャン＝ピエール・ラッツなどの名工によって作られ、明るい木材と暗い木材で作られた、時には製図板の立方体模様に配置された、さまざまな色の木材の象嵌細工も特徴としていました。この時代には、フランスにこの技法を導入したエベニストの名にちなんでヴェルニ・マルタンのファルコン・ド・シーヌと呼ばれる、漆塗りと金メッキのコモードの形をとることが多いシノワズリーも登場しました。オルモル、つまり金メッキされたブロンズは、ジャン＝ピエール・ラッツなどの名工によって使用されました。ラッツは、ポツダムの宮殿にフリードリヒ大王のために、カルトニエの上に取り付けられた特に装飾的な時計を製作した。輸入された中国磁器の破片は、サロンのテーブルやコンソールに飾るために、しばしばオルモル（金メッキされた青銅）のロココ調の台座に取り付けられた。他の職人は日本の漆塗りの家具を模倣し、日本のモチーフの付いた箪笥を製作した。[ 19 ]
イギリスのロココ様式は、より抑制された傾向があった。トーマス・チッペンデールの家具デザインは、曲線美と雰囲気はそのままに、フランス風の奇抜さには及ばなかった。イギリスのロココ様式で最も成功した人物は、おそらく18世紀半ばにロンドンで活躍した、才能あふれる彫刻家であり家具デザイナーでもあったトーマス・ジョンソンだろう。
ロカイユ様式の要素は、細部の絵画的な美しさへの嗜好、曲線と反曲線、バロックの動きを奔放さで置き換えた非対称性など、一部のフランス人画家の作品に現れたが、フランスのロカイユはドイツのロココの贅沢さには及ばなかった。[ 54 ]代表的な提唱者はアントワーヌ・ワトーで、特にルーヴル美術館所蔵の『シテール島への船出』（1717年）は、牧歌的な風景の中で若い貴族たちが集まって祝宴を開く場面を描いたフェット・ギャラントと呼ばれるジャンルに属している。ワトーは1721年に37歳で亡くなったが、彼の作品はその後も世紀末まで影響を与え続けた。ワトーの絵画の別バージョンである『シテール島への巡礼』は、1752年か1765年にプロイセンのフリードリヒ大王によって購入され、ベルリンのシャルロッテンブルク宮殿を飾った。[ 54 ]
装飾絵画におけるワトーとフェット・ギャラントの後継者は、ポンパドゥール夫人のお気に入りの画家であったフランソワ・ブーシェ（1703-1770）でした。彼の作品には、官能的なヴィーナスの化粧（1746）があり、これはこの様式の最も有名な例の1つとなりました。ブーシェは、タペストリーのデザイン、磁器彫刻のモデル、パリ・オペラ座とオペラ・コミック座の舞台装飾、サン・ローラン祭の装飾など、当時のあらゆるジャンルに参加しました。[ 55 ]フェット・ギャラント様式の他の重要な画家には、ニコラ・ランクレとジャン＝バティスト・パテールがいます。この様式は特にフランソワ・ルモワーヌに影響を与え、彼は1735年に完成したヴェルサイユ宮殿のヘラクレスの間天井の豪華な装飾を描いた。[ 54 ]ブーシェ、ピエール＝シャルル・トレモリエール、シャルル＝ジョゼフ・ナトワールによる、華やかな祭典や神話的なテーマの絵画は、パリのオテル・スービーズの有名なサロンを飾った（1735～1740年）。その他のロココ画家には、ジャン・フランソワ・ド・トロワ（1679年 - 1752年）、ジャン＝バティスト・ヴァン・ロー（1685年 - 1745年）、彼の2人の息子ルイ＝ミシェル・ヴァン・ロー（1707年 - 1771年）とシャルル＝アメデ＝フィリップ・ヴァン・ロー（1719年 - 1795年）、弟のシャルル＝アンドレ・ヴァンが含まれる[55]ルー（1705–1765）、ニコラ・ランクレ（1690–1743）、ジャン・オノレ・フラゴナール（1732–1806）。
オーストリアと南ドイツでは、イタリア絵画がロココ様式に最も大きな影響を与えた。ヴェネツィアの画家ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロは、息子のジョヴァンニ・ドメニコ・ティエポロの協力を得て、ヴュルツブルク宮殿（1720～1744年）のフレスコ画制作を依頼された。バイエルンのロココ様式の教会で最も著名な画家はヨハン・バプティスト・ツィンマーマンで、彼はヴィース教会（1745～1754年）の天井画を描いた。
ロココ彫刻は演劇的で官能的、そして躍動感にあふれ、あらゆる方向に動きを感じさせるものでした。教会内部に多く見られ、絵画や建築と密接に融合していることが多かったのです。宗教彫刻はイタリア・バロック様式を踏襲しており、ウィーンのカールス教会にある演劇的な祭壇画はその好例と言えるでしょう。
フランスの初期ロココ様式またはロカイユ様式の彫刻は、ルイ14世の古典様式よりも軽やかで動きのあるものでした。特にルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人がこれを奨励し、彼女は自身の城や庭園のために多くの作品を依頼しました。彫刻家エドメ・ブシャルドンは、ヘラクレスの棍棒から愛の矢を彫るキューピッドを表現しました。ロココ様式の人物像は、ヴェルサイユ宮殿の後期の噴水にも数多く見られ、ランベール＝シジスベール・アダムとニコラ＝セバスチャン・アダムによるネプチューンの噴水（1740年）などが挙げられます。ヴェルサイユでの成功に基づき、彼らはフリードリヒ大王に招かれ、プロイセンのサンスーシ公園の噴水彫刻を制作しました（1740年代）。[ 56 ]
エティエンヌ＝モーリス・ファルコネ（1716年 - 1791年）も、この時期のフランスを代表する彫刻家の一人です。ファルコネはサンクトペテルブルクにあるピョートル大帝のブロンズ像「騎馬像」で最も有名ですが、裕福なコレクター向けに一連の小作品も制作しており、それらはテラコッタで複製したり、ブロンズで鋳造したりできました。フランスの彫刻家であるジャン＝ルイ・ルモワーヌ、ジャン＝バティスト・ルモワーヌ、ルイ＝シモン・ボワゾー、ミシェル・クロディオン、ランベール＝シジスベール・アダム、ジャン＝バティスト・ピガールは皆、コレクター向けに彫刻をシリーズで制作しました。[ 57 ]
イタリアでは、アントニオ・コラディーニはロココ様式を代表する彫刻家の一人でした。ヴェネツィア出身の彼はヨーロッパ各地を旅し、サンクトペテルブルクではピョートル大帝のために、オーストリアやナポリの宮廷のために働きました。彼は感傷的なテーマを好み、ベールで顔を覆った女性を描いた巧みな作品を数多く制作し、そのうちの1つは現在ルーブル美術館に所蔵されています。[ 58 ]
ロココ彫刻の最も精巧な例は、スペイン、オーストリア、南ドイツの宮殿や教会の装飾に見られます。彫刻は建築と密接に融合しており、どちらがどこで終わり、どちらがどこから始まるのかを見分けることは不可能でした。ウィーンのベルヴェデーレ宮殿（1721～1722年）では、アトランティスの間（Hall of the Atlantes）のアーチ型の天井は、ヨハン・ルーカス・フォン・ヒルデブラントがデザインした筋肉質な人物像の肩で支えられています。バレンシアのドス・アグアス侯爵宮殿（1715～1776年）の入口は、イポリト・ロビラ・ブロカンデルのデザインによる大理石の彫刻で完全に覆われていました。[ 59 ]
トレド大聖堂の主礼拝堂にあるエル・トランスパレンテ祭壇は、多色大理石と金箔を施した漆喰でできたそびえ立つ彫刻で、絵画、彫像、シンボルが組み合わされています。ナルシソ・トメ（1721～1732年）によって制作されました。そのデザインは光を通すようにできており、光の変化によって動いているように見えます。[ 60 ]
小型彫刻の新たな形態として、磁器製の人形、あるいは小さな人形群が登場した。当初は豪華なダイニングテーブルに飾られていた砂糖細工に取って代わったが、すぐに暖炉の棚や家具の上に飾るものとして人気を博した。ヨーロッパの工場数は19世紀を通じて着実に増加し、拡大する中産階級が購入できる価格帯の磁器を製造する工場も現れた。それらに施される色彩豊かな上絵付けの装飾も増加した。これらの作品は通常、彫刻の訓練を受けた芸術家によって制作された。一般的な題材としては、コンメディア・デッラルテの登場人物、街の露天商、恋人たち、流行の服を着た人物、そしてつがいの鳥などが挙げられる。
ヨハン・ヨアヒム・ケンドラーは、ヨーロッパ最古の磁器工場であり、1760年頃まで最も重要な存在であったマイセン磁器の最も重要なモデラーでした。スイス生まれのドイツ人彫刻家フランツ・アントン・ブステリは、バイエルンのニンフェンブルク磁器工場のために多種多様な色彩豊かな人形を制作し、それらはヨーロッパ中で販売されました。フランスの彫刻家エティエンヌ＝モーリス・ファルコネ（1716年 - 1791年）もこの例に倣いました。彼は大規模な作品を制作する傍ら、セーヴル磁器工場の責任者となり、通常は愛と陽気さをテーマにした小規模な作品を量産用に制作しました。
音楽史にはロココ時代が存在したが、それ以前のバロック時代や後の古典派ほど広く知られてはいない。ロココ音楽様式自体は、フランスでは「優雅な」または「気品のある」様式、ドイツでは「繊細な様式」と呼ばれ、バロック音楽から発展した。その特徴は、軽やかで親密な雰囲気を持ち、極めて精緻で洗練された装飾音を特徴とする音楽である。
18世紀後半には、ロココ様式に対する反動が起こり、その主な理由は装飾や装飾過多と見なされたことであった。クリストフ・ヴィリバルト・グルックが主導したこの反動は、古典主義時代をもたらした。19世紀初頭までに、カトリック教会では、この様式は「信仰心を高めるものでは決してない」として、教会建築には不向きであるという意見が広まった。[ 61 ]
ロマン派時代 のロシアの作曲家、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーは、 1877年にチェロと管弦楽のための「ロココ風の主題による変奏曲」作品33を作曲した。主題自体はロココ様式ではないが、ロココ様式で書かれている。
ロココ様式は、贅沢、優雅さ、洗練、装飾に基づいていた。17世紀の女性のファッションは、18世紀のファッションとは対照的で、18世紀のファッションは華麗で洗練されており、真のロココ様式であった。[ 62 ] これらのファッションは王室を超えて、台頭するブルジョワジーのサロンやカフェに広まった。[ 63 ]現在私たちが「ロココ」と呼んでいる、奔放で遊び心のある優雅な装飾とデザインのスタイルは、当時はル・スタイル・ロカイユ、ル・スタイル・モデルヌ、ル・グーとして知られていた。[ 64 ]
18 世紀初頭に登場したスタイルは、ルイ 14 世の治世末期に流行した、流れるようなガウンであるローブ ヴォラント[ 62 ]でした。このガウンは、丸いペチコートの上に背中から地面まで流れる大きなプリーツのあるボディスが特徴でした。色は、濃い色の生地に精巧で重厚なデザインが施された豊かな色彩でした。ルイ 14 世の死後、衣服のスタイルは変化し始めました。ファッションはより軽やかで気まぐれなスタイルへと転換し、バロック時代から有名なロココ様式へと移行しました[ 65 ] 。後期の時代は、パステルカラー、より露出度の高いドレス、そしてフリル、ラッフル、リボン、レースなどの装飾がふんだんに使われていることで知られています。典型的な女性のロココ様式のガウン、ローブ・ア・ラ・フランセーズ[ 62 ]が導入された直後、タイトなボディスと低いネックライン、通常は中央前面に大きなリボンのリボン、幅広のパニエ、そして大量のレース、リボン、花で豪華に装飾されたガウンが登場しました。
ワトープリーツ[ 62 ]も人気が高まり、画家ジャン＝アントワーヌ・ワトーにちなんで名付けられました。ワトーは、レースやその他の装飾の縫い目に至るまで、ドレスの細部を非常に正確に描きました。その後、「パニエ」そしてマントヴァ1718 年頃に流行したのが、幅広のパニエでした。これはドレスの下に着用して腰を横に広げるもので、すぐにフォーマルウェアの定番となりました。これにより、ロココ時代は、幅広の腰と衣服に施された大量の装飾が特徴的な象徴的なドレスとなりました。幅広のパニエは特別な機会に着用され、直径は最大16 フィート (4.9 メートル)に達することもありました[ 66 ] 。より小さなフープは日常の場面で着用されました。これらの特徴はもともと 17 世紀のスペインのファッション、 guardainfanteに由来し、最初は妊娠中の腹部を隠すためにデザインされ、後にパニエとして再解釈されました[ 66 ] 。1745 年は、フランスにa la turqueと呼ばれるよりエキゾチックな東洋文化が導入されたことで、ロココの黄金時代となりました。[ 62 ]これはルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人が画家シャルル＝アンドレ・ヴァン・ルーにトルコのスルタン妃として自分を描くよう依頼したことで広まった。
1760年代には、よりカジュアルなドレスのスタイルが登場し、その一つがポーランドからインスピレーションを得たポロネーズでした。フランスのドレスよりも丈が短く、アンダースカートと足首が見えるため、動きやすくなっていました。また、男性のファッションからインスピレーションを得た要素を取り入れたローブ・ア・ラングレも流行しました。短いジャケット、幅広のラペル、長い袖などです。 [ 65 ]また、ぴったりとしたボディス、パニエのないフルスカートで、後ろは少し長めに作られており、小さなトレーンを形成し、首にはレースのスカーフを巻くこともよくありました。もう一つは、ケープとオーバーコートの中間のような「レディンゴート」でした。
この時代、アクセサリーはすべての女性にとって重要であり、ドレスに合わせて身体の豪華さと装飾性を高めるものでした。公式の儀式では、袖なしの服を着ている場合は、女性は手袋で手と腕を覆う必要がありました。[ 65 ]
文学においてこの用語は「役に立たないほど曖昧だが、通常は陽気な軽やかさと親密なトーン、そして優雅な遊び心を暗示している」[ 6 ] 。ロココ文学の主なジャンルは、エロティックな軽詩（フランス語：poésie légèreまたはpoésie fugitive）、ソネット、マドリガルやその他の歌、牧歌、おとぎ話、ノヴェラなどの短い形式であったが、クリストフ・マルティン・ヴィーラントのドイツ語の傑作『オベロン』などの長い物語詩もあった。
主に18 世紀のフランス文学スタイルで、17 世紀のプレシュース派の影響を受けており、『愛の芸術』の著者であるアンヌ・クロード・ド・カイリュス、 P・J・ベルナール、アレクサンドル・マッソン・ド・ペゼー（物語詩『ゼリスの入浴』）、アベ・ド・ファーヴル（詩『トイレット・デ・ダムの四時間』）、エヴァリスト・ド・パルニー、ジャン＝バティスト・ルーヴェ・ド・クーヴレー、その他の作家。ロココ様式はイタリア（パオロ・ロリ、ピエトロ・メタスタージオ）やドイツ（フリードリヒ・フォン・ハーゲドルン、ヨハン・ヴィルヘルム・ルートヴィヒ・グライム、ヨハン・ウズ、 ヨハン・ニコラウス・ゲッツ）[ 67 ]にも信奉者がおり、英語やロシア語（イッポリト・ボグダノヴィチ）の著作にも、程度は低いものの、その影響が見られました。
文字通り「岩細工」または「小石細工」を意味し、室内装飾の様式を表す用語である。
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