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リコーダーは木管楽器の一種で、ティンホイッスルやフラジオレットを含むダクトフルートの一種です。西洋古典音楽の伝統において最も有名なダクトフルートです。[ 1 ] リコーダーは、上側の手の親指用の穴と、7本の指用の穴（上側の手に3本、下側の手に4本）があることで、他のダクトフルートと区別できます。
リコーダーはさまざまなサイズと音域で作られています。今日最も一般的に使用されているサイズは、ソプラノ（デスカントとも呼ばれ、最低音はC5）、アルト（トレブルとも呼ばれ、最低音はF4 ）、テナー（最低音はC4 ）、バス（最低音はF3 ）です。リコーダーは伝統的に木または象牙で作られていました。現代のプロ用楽器は木製で、多くはツゲ材です。学生用や学校用のリコーダーは一般的に成形プラスチックで作られています。リコーダーの内部と外部の比率は様々ですが、ボアは一般的に逆円錐形（つまり足部に向かって細くなっている）から円筒形であり、すべてのリコーダーの運指システムはフォーク運指を多用しています。
リコーダーは中世ヨーロッパで初めて記録され、ルネサンス期とバロック期には広く人気を博しましたが、古典派とロマン派の時代にはほとんど使われませんでした。20世紀には歴史的演奏法運動の一環として復活し、アマチュアや教育用楽器として人気を博しました。リコーダーのために作曲した作曲家には、モンテヴェルディ、リュリ、パーセル、ヘンデル、ヴィヴァルディ、テレマン、バッハ、ヒンデミット、ベリオなどがいます。[ 2 ]楽器のソロの全音域を披露するプロのリコーダー奏者も多く、アマチュアのコミュニティも大きいです。[ 3 ]
リコーダーの音色は、しばしば澄んでいて甘いと評され、[ 2 ]歴史的に鳥や羊飼いと関連付けられてきました。素早い反応と、それに伴う多様なアーティキュレーションを生み出す能力が注目されます。この能力と、指穴が開いていることとが相まって、多様な音色と特殊効果を生み出すことができます。音響的には、音色は比較的純粋で、エッジがエアジェットの中心に位置すると、音には奇数倍音が優勢になります（エッジが明らかに中心からずれると、倍音が均等に分布します）。[ 4 ] [ 2 ]
この楽器は14世紀以来、現代の英語名で知られています。デイヴィッド・ラソッキは、1388年のダービー伯爵（後のヘンリー4世）の家計簿に「recorder」が初めて使用されたと報告しており、そこには「i. fistula nomine Recordour (1. 'Recorder' と呼ばれるパイプ)」と記録されています。[ 5 ]
15 世紀までに、この名前は英語の文学に登場しました。最も古い言及は、ジョン・リドゲイトの『ガラスの神殿』（ 1430年頃 ）にあります。 「これらの小さな羊飼いは一日中フルートを吹いています。小さなリコーダーで、フルートで。 」 （「これらの小さな羊飼いは一日中フルートを吹いています...小さなリコーダーで、フルートで。」）[ 6 ]、そしてリドゲイトの『王子の没落』（1431 年頃～1438 年）にあります。 「自然の神パンは、7 本の笛で、/最初にリコーダーでメロディーを見つけました。」（「自然の神パンは、7 本の笛で、/最初にリコーダーでメロディーを見つけました。」）[ 7 ] [ 8 ]
楽器自体に「リコーダー」という名前を付けるというのは、イギリス特有の慣習です。中世フランス語には、楽器を指す「リコーダー」に相当する名詞の意味はありません。 [ 9 ]英語の動詞「 record」（中世フランス語の「recorder」、13世紀初頭）は、「暗記する、記憶に留める、心の中で反芻する、朗読する」という意味でしたが、この用語が音楽を演奏することを意味するようになったのは16世紀になってからです。イギリスのリコーダーがそのように名付けられてからずっと後に、「静かに曲を練習する」または「歌う、歌を歌う」という2つの意味が加わりましたが、どちらもほぼ例外なく鳴き鳥を指していました。[ 10 ]
パートリッジは、この楽器が吟遊詩人によって使用されたことから、動詞「Recorder」との関連が生じたと指摘している。「Recorderは吟遊詩人の行為、Recorderは吟遊詩人の道具」。[ 5 ] [ 11 ]吟遊詩人が演奏する他の楽器ではなく、この笛のような楽器がなぜリコーダーと呼ばれるのかは不明である。
1673年にフランスのプログループがバロックリコーダーをイギリスに導入したことで、この楽器のフランス語名であるflute douce、または単にflute が普及しました。この名前は、それまで（そしてその後も）横笛にのみ使われていました。1695年頃までは、リコーダーとフルートという名称は重複していましたが、1673年から1720年代後半までイギリスでは、 flute という言葉は常にリコーダーを意味していました。[ 5 ] 1720年代には、横笛がリコーダーよりも人気が高くなると、英語では他のヨーロッパ言語ですでに存在していたfluteという単語を修飾する慣習が採用され、リコーダーは「common flute」、「common English flute」、または単に「English flute」などと呼ばれ、横笛は「German flute」または単に「flute」として区別されました。[ 12 ]少なくとも1765年までは、一部の著者は依然としてflute をリコーダーの意味で使用していました。[ 5 ]
18世紀半ばまで、イタリア語で書かれた楽譜では、この楽器はflautoと呼ばれていましたが、横笛はflauto traversoと呼ばれていました。この区別は、英語でリコーダーからフルートに名称が変更されたのと同様に、現代の編集者、作家、演奏家の間で混乱を招いています。
実際、ほとんどのヨーロッパ言語では、リコーダーを表す最初の用語は、単にフルートを表す単語でした。現在では、修飾語なしで使用されるフルートの同族語は曖昧なままで、リコーダー、現代のコンサートフルート、またはその他の非西洋のフルートのいずれかを指す可能性があります。1530年代から、これらの言語では、この特定のフルートを特定するために修飾語が追加され始めました。[ 5 ]
15世紀以来、様々なサイズのリコーダーが記録されてきたが、異なるサイズに対応する一貫した用語と記譜法が確立されたのは20世紀になってからのことだった。
今日では、リコーダーのサイズは声域の違いにちなんで名付けられています。しかし、これは音の高さとは関係なく、主に異なる楽器間の音高の関係を示すためのものです。複数のリコーダーを一緒に演奏するグループは「コンソート」と呼ばれます。リコーダーは、その最低音で呼ばれることもよくあります。「F管リコーダー」とは、どのオクターブでも最低音がFのリコーダーを指します。
このセクションの表は、F と C の現代のリコーダーの標準的な名称とそれぞれの音域を示しています。リコーダーの現代復興後に作曲された音楽では、ソプラノ、アルト、テナー、バスのリコーダーが最も頻繁に使用されますが、ソプラニーノとグレートバスもかなり一般的です。[ 13 ]リコーダーのコンソートは、オルガンのレジスターの用語を使用して言及されることがよくあります。8′ (8 フィート) ピッチは、書かれた音と同じ音のコンソート、4′ ピッチは、書かれた音より 1 オクターブ高い音のコンソート、16′ は、書かれた音より 1 オクターブ低い音のコンソートを指します。これらのコンソートの組み合わせも可能です。[ 14 ]
一般的に、バロックリコーダーの音域は、その楽器名の由来となった人間の声域よりも約1オクターブ高い。例えば、ソプラノの声域はおおよそC4～C6だが、ソプラノリコーダーの音域はC5 ～ C7である。
現代のバリエーションとしては、アーノルド・ドルメッチによる標準的な英国用語があり、C5 （ソプラノ）リコーダーをデスカント、F4（アルト）リコーダーをトレブルと呼ぶ。慣習や楽器は様々であり、特に大型で珍しい楽器の場合は、混乱を避けるためにリコーダーの名称とともに最低音を明記するのが実用的であることが多い。
現代のリコーダーのパート譜は、実際に音が出る調で記譜されます。アルト、テナー、コントラバスのリコーダーのパート譜は音高で記譜されますが、ソプラニーノ、ソプラノ、バス、グレートバスのパート譜は通常、実際の音高より1オクターブ低い音高で記譜されます。そのため、ソプラノとテナー、アルトとソプラニーノ、バスとコントラバスのリコーダーの記譜法は同一です。オクターブ記号を用いて音高を示す場合もありますが、その使用法は一定ではありません。
珍しいサイズや表記法としては、ガルクライン・フルートライン（実音より2オクターブ低い音で表記されることがある）やサブコントラバス（実音より1オクターブ高い音で表記されることがある）などがある。
「レコーダーと呼ばれる管楽器」について言及している最古の文書は1388年に遡る。[ 16 ] 歴史的に、リコーダーは声楽曲や他の楽器のために書かれたパート、あるいは汎用楽器を演奏するために使用されてきた。そのため、演奏者は、その楽器のために特別に書かれたものではないパートを読み、適切な楽器を選択する責任を負っていることが多かった。そのような合奏がリコーダーのみで構成されていた場合、パート間の音高関係は通常維持されたが、リコーダーが他の楽器と組み合わされた場合、オクターブのずれはしばしば無視された。[ 17 ]
16世紀のリコーダー合奏は5度間隔で調律され、現代のC、Fリコーダー合奏に見られるようなオクターブ調律はごくまれにしか用いられませんでした。つまり、合奏は名目上はB ♭、F、C、G、D、A、さらにはEの楽器で構成されることもありましたが、実際に同時に使用されたのは通常3つか4つの異なるサイズのみでした。現代の用語を用いると、これらのリコーダーは移調楽器として扱われ、合奏はF3、C4、G4の楽器で構成された合奏と全く同じように解釈されました。これは、ごくわずかな例外を除いて、隣接するサイズが5度間隔で区切られていることによって可能になりました。これらのパートは自然音階（chiavi naturali）を用いて記譜され、パートがほぼ1つの五線譜の音域、そして当時のリコーダーの音域に収まるようにしました。（ルネサンス構造を参照）
プラエトリウスが『シンタグマ・ムジクム』で説明したように、C 3 –G 3 –D 4、G 3 –D 4 –A 4、または B ♭ 2 –F 3 –C 4のような移調（「レジスター」）は、すべて F 3 –C 4 –G 4楽器として読みます。3 つのサイズの楽器を使用して、中間のサイズを 2 倍にすることで 4 声部の音楽を演奏したり、たとえば F 3 –C 4 –C 4 –G 4のように、または上のサイズを 2 倍にし、中間のサイズを 3 倍にすることで 6 声部の音楽を演奏したり、たとえば F 3 –C 4 –C 4 –C 4 –G 4 –G 4のように、楽器を演奏することができます。[ 18 ]このようなリコーダーの現代の命名法は、絶対音高ではなく、コンソートの他のメンバーとの関係を参照しており、絶対音高は変化する可能性があります。低い音から高い音まで、楽器は「グレートバス」、「バス」、「バセット」、「テナー」、「アルト」、「ソプラノ」と呼ばれます。考えられるサイズは、グレートバスがF 2、バスがB ♭ 2またはC 3、バセットがF 3またはG 3、テナーがB ♭ 3、C 4またはD 4、アルトがF 4、G 4またはA 4、ソプラノがC 5またはD 5です。[ 19 ]
F 4のアルトはバロック時代の標準的なリコーダーですが、他のサイズ用に書かれたレパートリーも少数存在します。[ 20 ] [ 21 ] 17 世紀のイングランドでは、小型のリコーダーはアルトとの関係に基づいて命名され、アルトに対する移調楽器として記譜されていました。第 3 フルート (A 4 )、第 5 フルート (ソプラノ; C 5 ) 、第 6 フルート (D 5 )、オクターブ フルート (ソプラニーノ; F 5 ) などです。[ 22 ] [ 23 ]シャルル・デューパールは、第 4 フルート (B ♭ 4 ) という用語を使用しましたが、興味深いことに、アルトではなくソプラノに対する移調楽器として扱っていました。ゲルマン諸国では、同じ用語であるQuartflöteが、C 4のテナー（ F 4のアルトから音程が下がっている）とC 5 （ソプラノ）のリコーダー（ G 4のアルトから4度音程が上がっている）の両方に適用された。[ 5 ]バロック時代のリコーダーのパートは通常、ト音記号を使用して記譜されたが、フランスのヴァイオリン記号（五線譜の一番下の線にG記号）で記譜されることもある。
現代では、C管またはF管以外のリコーダーは、C管またはF管で最も近い楽器の名前の後に最低音を付け加えることで呼ばれることがあります。例えば、最低音がG4のリコーダーはGアルトまたはG管アルト、最低音がD5 （別名「第6フルート」）のリコーダーはDソプラノまたはD管ソプラノ、 G3のリコーダーはGバスまたはGバセットと呼ばれます。ただし、この呼称は必ずしも一貫しているわけではありません。特に、D4のバロックリコーダーは、一般的にDテナーやDアルトとは呼ばれず、歴史的に使われていた「ボイスフルート」という名称で呼ばれることが最も一般的です。
リコーダーは歴史的に硬材や象牙で作られ、時には金属製の音キーが使われてきた。リコーダーが現代に復活して以来、プラスチックはリコーダーの大量生産だけでなく、少数の個人メーカーでも使用されている。[ 24 ]
今日では、リコーダー本体の製造にはさまざまな広葉樹が使用されています。[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ] [ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]リコーダーブロックの製造に使用される木材の種類は比較的少なく、耐腐朽性、吸水性、湿潤時の膨張率の低さから、レッドシダーがよく選ばれます。最近の革新は、リコーダーブロックの製造に合成セラミックを使用することです。[ 31 ]この装置を備えた楽器は、1970年代にモックによって販売されました。
リコーダーの中には、音孔の間隔が広すぎて演奏者の手が届かないものや、音孔が大きすぎて指の腹で覆えないものがあります。どちらの場合も、音孔を覆うために人間工学的に適切な位置に配置されたキーを使用できます。キーを使用すると、音孔が大きく、より長い楽器を設計することもできます。キーは、アルトよりも大きいリコーダーで最も一般的です。テナーよりも大きい楽器では、演奏者が8つの穴すべてを覆うことができるように、少なくとも1つのキーが必要です。キーは、手のストレッチを快適にし、音響的に音孔の位置とサイズを改善するために、小型のリコーダーにも使用されることがあります。[ 32 ]
大型のリコーダーを演奏する場合、指でキーや音孔に届きながら口でウィンドウェイに届くことができない場合があります。この場合、ボーカルを使用することで、快適な手の位置を維持しながらリコーダーに息を吹き込むことができます。[ 33 ]また、ウィンドウェイがキーや指穴に近くなるようにボアが曲がっているリコーダーもあり、演奏者は両方に快適に届きます。1つのボアを持つ楽器は、「ニック」またはベントネックリコーダーとして知られています。[ 34 ]
近年、リコーダーの新しいデザインがいくつか生産されている。断面が正方形のリコーダーは、旋盤加工で製造された同等のリコーダーよりも安価で大型に製造できる可能性がある。[ 35 ] [ 36 ]また、ダイナミックレンジが広く、低音域がよりパワフルな楽器の開発も進んでいる。こうした現代的なデザインにより、協奏曲で音が聞き取りやすくなる。さらに、半音下まで音域が拡張されたリコーダーも登場しており、こうした楽器は3オクターブの音域を正確な音程で演奏できる。[ 37 ]
20 世紀初頭、ピーター・ハーランは、一見するとより簡単な運指のリコーダーを開発し、これをジャーマン運指と呼んだ。ジャーマン運指用に設計されたリコーダーは、5 番の穴が 4 番の穴よりも小さいが、バロックおよびネオバロックのリコーダーは、4 番の穴が 5 番の穴よりも小さい。運指の直接的な違いは F (ソプラノ) または B ♭ (アルト) で、ネオバロック楽器では 0 123 4–67 と運指する必要がある。ジャーマン運指では、これは 0 123 4 – – – とより簡単になる。しかし残念ながら、これにより他の多くの半音階の音が音程がずれて使用できなくなる。[ 38 ]ジャーマン運指は 1930 年代にヨーロッパ、特にドイツで人気になったが、人々がリコーダーをより真剣に扱うようになり、ジャーマン運指の限界がより広く認識されるようになった 1950 年代には急速に廃れていった。[ 39 ]ドイツ式運指のリコーダーは、今日では教育目的のためだけに製造されている。
現代のリコーダーは、一般的にA=440 Hz にピッチが付けられて いますが、本格的なアマチュアやプロの間では、他のピッチ基準もよく見られます。バロック音楽の演奏では、A=415 Hz が事実上の標準 ですが[ 40 ] 、バロック以前の音楽は、A=440 Hz または A=466 Hz で演奏されることがよくあります[ 41 ]。これらのピッチ基準は、リコーダーの歴史を通じてピッチ基準に広く見られる変化を反映することを意図しています。さまざまな地域、状況、時代において、ピッチ基準は A=~392 Hz から A=~520 Hz まで変化してきました。ピッチ A=415 Hz と A=466 Hz は、それぞれ A=440 Hz より半音低く、半音高いピッチですが、A=440 Hz から半音上下に移調するチェンバロや室内オルガンで使用できるため選択されました。[ 42 ]これらのピッチ基準により、リコーダー奏者はA=440Hz以外のピッチで他の楽器奏者と共演することが可能になります。
リコーダーメーカーの中には、上記の3つの標準ピッチ以外のピッチの楽器や、異なるピッチの交換可能なボディを備えたリコーダーを製造しているところもある。[ 43 ] [ 44 ]
リコーダーは、笛やオルガンの管楽器のように音を出します。通常の演奏では、奏者はヘッドジョイントにある細い管（ウィンドウェイ、B）に息を吹き込みます。この管は、ラビウム（C）と呼ばれる鋭い縁にある窓と呼ばれる隙間を横切るように空気の流れを導きます。空気の流れはラビウムの上と下を交互に通過し、リコーダーの管内に定常波を発生させ、窓から放射される音波を生み出します。管の共鳴によるフィードバックによって音の高さが調整されます。
リコーダーでは、他の木管楽器と同様に、楽器内部の空気柱は、音楽的な類推を用いると、振動する弦のように振る舞い、複数の振動モードを持ちます。楽器内部で発生するこれらの波は、耳が音として知覚するような進行波ではなく、管内部の高圧と低圧の領域（節と呼ばれる）からなる定常波です。知覚される音高は、空気柱の振動モードの中で最も低く、通常は最も大きい音です。その他の音高は倍音、または上音です。演奏者は通常、空気柱の節の数でリコーダーの音高を表します。節が1つの音は第1レジスター、節が2つの音は第2レジスター、といった具合です。管内の節の数が増えるにつれて、管内の節の間隔という物理的な制約のため、演奏者が特定のレジスターで出すことができる音の数は減少します。バロックリコーダーでは、第1、第2、第3レジスターはそれぞれ約長9度、長6度、短3度の範囲に及びます。
リコーダーの音は、大部分において高次倍音を欠いており、奇数倍音が優勢で偶数倍音はほとんど存在しないが、リコーダーの音の倍音構成はリコーダーの種類や運指によって異なる。[ 4 ] [ 2 ]高次倍音が欠如しているため、プレトリウス以来の著述家たちは、人間の耳がリコーダーの音域を正しく知覚することは難しいと指摘してきた。
オルガンのフルートパイプと同様に、ダクト型ホイッスルの音高は、空気の流れがラビウムに衝突する際の速度によって影響を受ける。音高は一般的に、ある時点までは空気の流れの速度とともに上昇する。[ 45 ]
空気速度は、オーバーブローイングと呼ばれるプロセスにおいて、圧力節の数に影響を与えるためにも利用できます。空気流速が速くなると、空気柱の低次振動モードが不安定になり、音域の変化が生じます。
空気の流れは、リコーダーのヘッドの表面形状（「ボイシング」）と、演奏者がウィンドウェイに息を吹き込む方法によって影響を受けます。リコーダーのボイシングは、ウィンドウェイの縦軸と横軸に沿った比率と曲率、唇側に向かうウィンドウェイの面取り（チャンファー）、窓の長さ、唇の鋭さ（つまり傾斜の急さ）などの物理的パラメータによって決まります。演奏者は、横隔膜と声道を使って空気の流れの速度と乱流を制御することができます。
指穴は、組み合わせて使用したり、部分的に塞いだりすることで、楽器の音高に影響を与える。
最も基本的なレベルでは、指穴を順番に開けていくと、楽器の実効的な共鳴長が短くなるため、楽器の音程が高くなります。逆に、指穴を順番に塞いでいくと、音程が高くなります。運指01234567では、楽器のベル部分のみが開いているため、ベルの端に低圧の節が生じます。運指0123456では、7番目の穴とベルの両方から空気が放出されるため、7番目の穴に低圧の節が生じ、音程が高くなります。
リコーダー奏者は、指を順番に開ける以外にも、フォーク運指を用いることで、単純に指を順番に開けるだけでは出せない音色を出すことができます。運指0123では、開いている穴4、5、6、7から空気が漏れます。管内の圧力は、5番目の穴よりも4番目の穴の方が高く、6番目と7番目の穴ではさらに低下します。したがって、4番目の穴から最も多くの空気が漏れ、7番目の穴から最も少ない空気が漏れます。その結果、4番目の穴を塞ぐと、それより下の穴を塞ぐよりも音程に大きな影響を与えます。したがって、同じ空気圧では、運指01235は0123と01234の間の音程を生み出します。フォーク運指を用いることで、リコーダー奏者は音程と音色の微妙な変化を得ることができます。
リコーダーの音程は、穴を部分的に塞ぐことによっても影響を受けます。この技術は音程調整において重要な手段であり、リコーダーの調律という固定的なプロセスと関連しています。調律プロセスとは、指穴の大きさや形状を彫刻やワックスの塗布によって調整する作業です。
部分的な覆いの重要な用途の一つは、親指の穴を「リーク」、つまり部分的に覆うことで低次の倍音を不安定にすることです。これにより、単純な笛のように、ただ強く吹き込むだけの場合よりも低い空気圧で高次の倍音を鳴らすことができます。演奏者は、親指の穴（0番の穴）の代わりに他の穴をリークして低次の倍音を不安定にすることもできます。このテクニックは、ガナッシのフォンテーガラ（1535年）の運指表に示されており、0番、2番、5番の穴を同時にリークして高音を出す方法が示されています。例えば、ガナッシの表では、15度（第3オクターブの主音）は主音の第4倍音として出力され、0、2、5番の穴から音が漏れます。また、16度は5度の第3倍音として出力され、0番と2番の穴から音が漏れます。バロックリコーダーの中には、17度を6度の第3倍音として出力できるものもあり、その場合、0番の穴だけでなく、1番、2番、あるいは両方の穴から音が漏れます。
リコーダーは700年の歴史の中で、運指や管の形状など、そのデザインは変化してきましたが（歴史の項を参照）、様々なサイズや時代のリコーダーの演奏技術はほぼ同じです。実際、リコーダーの演奏技術に関する知識の多くは、16世紀から18世紀にかけての歴史的な論文や教則本から得られたものです。以下では、あらゆる時代におけるリコーダー演奏技術の共通点について説明します。
通常の演奏姿勢では、リコーダーは両手で持ち、指穴を塞ぐか、指の腹でキーを押します。下側の手には4本の指、上側の手には人差し指、中指、薬指、親指を置きます。現代の標準的な演奏方法では、右手が下側の手、左手が上側の手となりますが、これはリコーダーの現代的復興以前には標準化されていませんでした。[ 46 ]
リコーダーは、楽器のくちばしをゆるやかに包み込む唇、下側の手の親指、そして指で押さえる音によっては他の指と上側の親指で支えられます。多くの歴史的な運指表に記載されている慣習として、この穴を塞いでも音程にほとんど影響しない音（例えば、多くの穴が塞がれていない音）を演奏する際には、7番目または8番目の指でリコーダーを支えるというものがあります。大型のリコーダーには、親指置きやネックストラップが付いていて、さらに支えとなるものがあり、ボーカルを使って演奏者の口から風道へと空気を送り込むことができます。
リコーダーは通常、垂直と水平の間の角度で保持されますが、その角度はリコーダーの大きさや重さ、そして個人の好みによって異なります。
リコーダーでは、楽器に息を吹き込みながら穴を塞ぐことで音程が出ます。現代の用語では、楽器前面の穴を、くちばしに最も近い穴から1から7までの番号で表し、親指穴は0番の穴とされています。最も基本的なレベルでは、リコーダーの運指法は、低い音から高い音へと順番に穴を開けていくこと（つまり、7番を開け、次に7番と6番を開け、次に7番、6番、5番を開ける、など）で、さらに高い音程が出ます。しかし実際には、穴を開ける順番は厳密には順番ではなく、穴を半分だけ塞いだり、完全に開けたりすることがリコーダーの演奏技術の重要な要素となっています。
フォーク運指とは、開いている穴の下に覆われた穴がある運指のことです。つまり、穴の覆いを順番に開けるのではなく、順番に開けていく運指です。例えば、運指0123（G 5）はフォーク運指ではありませんが、0123 56（F♯ 5）は開いている穴4の下に覆われた穴（穴5と6）があるため、フォーク運指です。フォーク運指を使うと、穴を順番に開けていくだけの場合よりも、ピッチをより細かく調整できます。例えば、同じ空気速度では、運指0123 5は01234よりも高く、0123よりも低く聞こえます。標準的なリコーダーの運指の多くはフォーク運指です。フォーク運指は、ピッチの微分音変化を生み出すためにも使用できます。
フォーク運指は、フォークしない運指とは異なる倍音構成を持ち、一般的に音色が弱いとされています。音色が異なる、あるいはわずかにシャープまたはフラットなフォーク運指は、いわゆる「代替運指」として利用できます。例えば、運指0123には、わずかにシャープなフォーク運指のバリエーション012 4567があります。
穴を部分的に塞ぐことは、すべてのリコーダーの演奏技術において不可欠な要素です。これは「リーキング」「シェーディング」「ハーフホーリング」などと呼ばれ、親指穴の場合は「ピンチング」とも呼ばれます。
親指穴の主な機能は、オクターブ調整用の通気孔として機能することです。この通気孔から空気が漏れると、空気柱の第一振動モードが不安定になり、音域が変わります。ほとんどのリコーダーでは、最低音から9度以上高い音を演奏する際に、このオクターブ調整が必要となります。演奏者は、これらの音を安定した正確な音程で鳴らすために、親指の位置を調整しなければなりません。
親指穴を部分的に開けるには、親指を穴から滑らせたり転がしたり、または第一関節で親指を曲げたりします。覆われた穴を部分的に開けるには、指を穴から滑らせたり、穴から指を曲げたり転がしたり、指を穴からそっと持ち上げたり、またはこれらの組み合わせを行うことができます。開いている穴を部分的に覆うには、その逆の操作が可能です。
一般的に、指穴を塞いで部分的に開けると音の高さが上がり、指穴を塞いで部分的に閉じると音の高さが下がります。
「バロック」スタイルの現代のリコーダーのほとんどのモデルでは、下側の手の2本の指がそれぞれ2つの穴を塞いでいます（「ダブルホール」と呼ばれます）。バロックリコーダーの大部分とそれ以前のすべてのリコーダーでは、これらの2本の指が1つの穴を塞いでいましたが（「シングルホール」）、ダブルホールはバロックスタイルの現代のリコーダーの標準となっています。[ 47 ]
リコーダー奏者は、これら2つの小さな穴のうち1つまたは両方を塞ぐことで、最低音より半音高い音と短3度高い音を演奏することができる。これらの音は、穴が1つしかないリコーダーでは、これらの穴を部分的に塞ぐか、ベルを塞ぐことによってのみ演奏可能である。
演奏者から見て反対側を向いている管の開口部（「ベル」）を覆うことで、追加の音や効果を生み出すことができます。通常、両手はリコーダーを握ったり指穴を塞いだりするのに使われているため、ベルを覆うには、リコーダーの端を脚や膝に接触させるのが一般的で、これは胴体を曲げたり膝を上げたりすることで実現されます。あるいは、まれに、ベルを覆うためのキー（「ベルキー」）を備えた楽器もあり、これは指（通常は指穴を塞ぐのに使わない、上側の手の小指）で操作します。ベルを覆った状態での運指は、リコーダーの標準的な運指範囲の上下に、半音階的な演奏可能な範囲を広げます。
リコーダーの音の高さと音量は、ウィンドウェイを通過する空気の速度によって影響を受け、これは息の圧力と声道の形状を変えることで制御できます。音は、リコーダーに入る空気の乱流にも影響されます。一般的に、ウィンドウェイ内の空気の速度が速いほど、音が高くなります。したがって、強く息を吹き込むと音がシャープになり、優しく息を吹き込むと音がフラットになります。この事実と、リコーダーの全音域における個々の音色の違いを知っておくと、どの音を正確な音程に保つために少し多めに、または少なめに息を吹き込む必要があるかがわかるため、リコーダー奏者は他の楽器と調和して演奏するのに役立ちます。上記のハーモニックプロファイルで述べたように、強く息を吹き込みすぎると、オーバーブローイングになる可能性があります。[ 48 ]
リコーダーの吸気と呼気のテクニックは、リード楽器や金管楽器とは異なり、音を出すのに非常に少ない空気圧しか必要としないという点で、他の多くの管楽器とは異なります。[ 49 ]
そのため、リコーダー奏者は、非常に低い圧力で長く制御された空気の流れを作り出すことがしばしば必要となる。リコーダーの呼吸法は、横隔膜の圧力を維持することよりも、空気を制御された状態で放出することに重点を置いている。
舌を使って空気の出し入れをすることを「アーティキュレーション」と呼びます。このとき、舌には音の開始（アタック）と終了、つまり音の長さ（レガート、スタッカート）を制御するという2つの基本的な機能があります。アーティキュレーションは、おおよそ子音に似ています。舌、口、喉を使って発音できる子音は、ほぼすべてリコーダーのアーティキュレーションに使用できます。一般的なアーティキュレーションパターンの音訳には、「du du du du」（舌先を使う「シングルタンギング」）、「du gu du gu」（舌先と舌の裏側を交互に使う「ダブルタンギング」）、そして「du g'll du g'll」（舌先と舌の両側を使う「トリプルタンギング」）などがあります。音の立ち上がりは、舌の後ろの圧力の蓄積や発音器の形状といった要素によって決まり、音の長さは舌による空気の遮断によって決まります。それぞれの発音パターンには、異なる自然な立ち上がりと長さのパターンがあり、リコーダーの演奏技術は、これらの発音パターンを用いて、さまざまな長さと立ち上がりを生み出すことを目指しています。このようなパターンは、少なくともガナッシ（1535年）の時代から使われてきました。
口と喉の形状は、おおよそ母音と類似しています。声道の形状は、録音器に入る空気の速度と乱流に影響を与えます。口と声道の形状は、発音に使用される子音と密接に関連しています。
演奏者は、指の動きに合わせてアーティキュレーションを行うために、指と舌を協調させる必要があります。通常の演奏では、レガート奏法や難しい指の切り替えであっても、アーティキュレーションされたアタックは適切な運指と一致する必要があり、指は舌による息の停止によって生じる音符間の短い無音（アーティキュレーションの沈黙）の中で動きます。
リコーダーの音程は、指と呼吸の両方を使ってコントロールできます。この2つをうまく連携させることが、リコーダーを正確な音程で、かつ多彩な強弱と音色で演奏するために不可欠です。初歩的なレベルでは、正確な音程を得るためには、呼吸圧と運指が互いに調和していなければなりません。より高度な連携の例として、呼吸圧を徐々に高めながら、同時に穴をシェーディングすることで、音程を変えずに音量と音色を変化させることができます。逆に、呼吸圧を下げながら指を徐々に離すことで、音程を変えることも可能です。
●は穴を完全に覆うことを意味します。○は穴を露出させることを意味します。◐は半分覆うことを意味します。
現代の「バロック」型リコーダーの音域は、通常2オクターブと1音とされています。標準音域の「イングリッシュ」運指については、上の表を参照してください。上部の数字は、リコーダーの指と穴に対応しています。今日製造されているリコーダーの大部分は、若干のバリエーションはあるものの、これらの運指で演奏できるように設計されています。しかしながら、リコーダーの運指はモデルによって大きく異なり、同じリコーダーでも変更可能です。リコーダー奏者は、同じ音に対して3つ以上の運指を使用したり、適切な音程を得るために穴を部分的に塞いだり、息と連動させたり、一部の運指が使用できない速いパッセージに対応したりすることがあります。この表は一般的なガイドであり、リコーダーの決定版または完全な運指表ではありません。それは不可能な作業です。むしろ、これは、今日でも追加され続けている、はるかに複雑な運指システムの基礎となるものです。
一部のフォントは、 TrueType形式で完全なリコーダー運指表のミニチュア グリフを表示します。[ 51 ] Unicode には完全なリコーダー運指表の値がないため、これらのフォントはカスタム エンコードされています。
ダクトフルートとリコーダーは、世界中のほぼすべての音楽の伝統に見られます。[ 52 ]現存する最古のダクトフルートは新石器時代に遡ります。初期の楽器の分類は議論の的となっていますが、リコーダーは通常、オクターブベントとして使用される親指穴と7つの指穴によって他のダクトフルートと区別されます。[ 53 ]当時の記録が残っていないため、リコーダーの最も古い時代の演奏については十分に記録されていません。
中世のリコーダーの形状や構造に関する現在の知識は、現存する数少ない楽器と、当時の美術作品（図像を含む）に基づいている。
中世から現存するリコーダーは多種多様である。最初に発見された楽器は「ドルトレヒト・リコーダー」である。果樹材で作られたこの楽器は、1940年にオランダのドルトレヒト近郊にある「メルウェデの家」（Huis te Merwede）の遺跡の井戸（堀ではなく）から発掘された。この家は1335年から1418年までしか人が住んでおらず、遺跡は現代の発掘調査まで手つかずの状態であったため、このリコーダーは居住期間のものと推定されている。
楽器本体は直径約11mm （0.43インチ）の円筒形の穴を持ち、長さは約300mm（12インチ）、振動する空気柱の高さは約270mm（11インチ）です。ブロックは残っていますが、ラビウムが損傷しているため、演奏できません。楽器の両端にはほぞがあり、フェルール（または旋削部品）が存在していたことを示唆していますが、現在は失われています。これらの部品の詳細が不明なため、楽器の元の状態を復元することは困難です。
構造的に異なる楽器（「ゲッティンゲン・リコーダー」）が、1987年にドイツのゲッティンゲンで、1246年から1322年の間に建てられた中世の家の便所跡の考古学的発掘調査で発見された。これは果樹材を一枚板で製作したもので、旋盤加工された部分は長さ約256mm （10.1インチ）である。円筒形の管は、2番目に高い部分で直径13.6mm （0.54インチ）まで広がり、7番目の指穴に向かって徐々に狭くなり、その後、球根状の脚部を持つ楽器の底部で再び直径14.5mm （0.57インチ）まで広がっている。珍しいことに、指穴は円錐状に外側にテーパーがかかっており、後のバロック時代のリコーダーに見られるアンダーカットとは逆になっている。
楽器の上部は損傷しており、風道の切断面のみが残っており、ブロックは失われている。ハンス・ライナースによる復元モデルは、倍音に富んだ鋭く突き抜けるような音色を奏で、音域は2オクターブに及ぶ。親指穴と最初の3つの指穴を塞いだ状態では、復元モデルは約450Hzの音高を発する 。
21世紀に入ってから、中世に遡る楽器や断片がさらに多く発見されている。これらには、ドイツのエスリンゲンで発掘された14世紀のヘッドジョイントの断片（「エスリンゲン断片」）、エストニアのタルトゥで発掘された14世紀後半の白樺材の楽器（「タルトゥ・リコーダー」）、そしてポーランドのエルブロンクで発見された15世紀の果樹材の楽器「エルブロンク・リコーダー」などが含まれる。
現存する楽器の共通の特徴としては、狭い円筒形の内径（ゲッティンゲンのリコーダーを除く）、下側の手の小指用の二重の7番目の穴（タルトゥのリコーダーを除く）があり、この特徴により右利きでも左利きでも演奏できる、後の楽器に見られるような狭い嘴ではなく平らな、または切り詰められたヘッド、そして全音ではなく半音を出す7番目の穴などが挙げられる。さらに、エスリンゲンの断片にはゲッティンゲンのリコーダーに似た旋盤加工が施されている。全長300 mm（12インチ）を超える完全な楽器は発見されていないが、エスリンゲンの断片はより大きなリコーダーを表している可能性がある。[ 54 ] [ 55 ]
間隔の広い二重の7番目の穴は問題があり、後の楽器や後の時代にも残っていました。ヴィルドゥング（1511）によると、使用されていない穴はワックスで塞がれていました。[ 56 ]バロック時代には、調整可能な足部管を備えた楽器が開発され、二重の穴は時代遅れになりました。
ダクトフルート楽器の分類は、全音ではなく半音を出す第 7 穴のリコーダーによってさらに複雑になります。そのため、半音階の運指は難しく、広範囲にわたる「ハーフホール」が必要になります。このような楽器は、両手に 3 本の指を使用するが親指穴のない6 穴のフラジオレットと類似点があります。アンソニー ローランド ジョーンズは、リコーダーの親指穴は、主音の 1 オクターブ上の音の運指をより強くする目的で、フラジオレットよりも改良されたものであると示唆し、第 7 指穴は主音への導音を提供しました。その結果、彼はこれらのフルートを改良型フラジオレットと表現することを提案し、真のリコーダーは第 7 指を離したときに全音 (半音ではなく) を出すべきだと提案しています。[ 53 ]
論争はさておき、これらの楽器は、少なくとも、紛れもなくダクトフルートリコーダーである後の楽器の先駆けである可能性が非常に高い。楽器の初期の歴史に関する文書証拠が乏しいため、合意が得られる可能性は低い。そうかもしれないが、現存する6つほどの中世のリコーダーに語らせれば、それらのほとんどで最低音程が半音であったことがわかるだろう。歴史的には、過去と現在の楽器のあらゆる形態を網羅する包括的な定義は必要なかった。しかし、今日では、そのような区別をすることが有用であるかもしれない。
円筒形のリコーダーは中世の絵画に数多く描かれていますが、その描写は様式化されており、現存する楽器とは容易に一致しません。リコーダーの最も古い描写は、おそらくマケドニアのクマノヴォ近郊のスタロ・ナゴリチャネにある聖ジョージ修道院教会の絵画「キリストの嘲笑」で、男性が円筒形のリコーダーを演奏している場面です。（この教会の絵画は1315年に始まりました。）また、ペドロ（ペレ）セラ（1390年頃）作とされる「天使の聖母」の中央パネルがあり、スペインのトルトサ大聖堂のために描かれ、現在はバルセロナのカタルーニャ国立美術館に所蔵されています。このパネルには、聖母マリアの周りに集まった天使たちが楽器を演奏しており、そのうちの一人が円筒形のリコーダーを演奏しています。[ 2 ]
中世以降、天使はしばしば聖母マリアの周りに集まり、1本または複数本のリコーダーを演奏している姿で描かれてきた。また、いくつかの有名な絵画では、3人の天使がリコーダーを演奏している。これは三位一体の象徴かもしれないが、おそらく音楽そのものの象徴でもあり、音楽も通常は3部構成であった。[ 2 ]
1500年以前のリコーダー用の楽譜は現存していない。しかし、15世紀の絵画には、フルート奏者がリコーダーを演奏するグループ、特にトリオや、天使がリコーダーを演奏する様子が描かれており、リコーダーがこうした編成で、あるいは他の楽器と共に使用されていたことがわかる。初期の楽曲の中には、声楽曲もあったに違いない。
現代のリコーダー奏者は、時代錯誤的な表現ではあるものの、当時の器楽曲を演奏するようになっている。例えば、 『王の歌』（13世紀）、大英図書館所蔵のAdd MS 29987（14世紀または15世紀）、あるいは『ファエンツァ写本』 （15世紀）に収められた単旋律のエスタンピー作品などが挙げられる。また、ロバーツブリッジ写本（14世紀）のエスタンピーや、ギヨーム・ド・マショー、ヨハネス・チコニアなどの作曲家による声楽曲など、当時の鍵盤楽曲をリコーダーアンサンブル用に編曲している。
16 世紀には、リコーダーの構造、レパートリー、演奏習慣がそれ以前の時代よりも詳しく記録されている。リコーダーはルネサンス期に最も重要な管楽器の一つであり、16 世紀に遡る多くの楽器が現存しており、中にはペアの楽器もある。[ 18 ] [ 19 ]この時代には、ヴィルドゥング(1511 年)、アグリコラ(1529 年)、ガナッシ(1535 年) 、カルダーノ(1546 年頃)、ジャンブ・ド・フェール(1556 年)、プレトリウス(1619 年)の論文など、リコーダーについて記述した現存する最初の書籍も生まれた。しかしながら、この時代の楽器とその演奏習慣についての理解はまだ発展途上にある。
16世紀には、リコーダーの構造に重要な発展が見られた。中世のリコーダーと同様に、これらの変化の原因は依然として不明であり、発展は地域によって異なり、複数の種類のリコーダーが同時に存在していた。我々の知識は、文献資料と現存する楽器に基づいている。
中世よりもルネサンス期のリコーダーの方がはるかに多く現存している。この時代の現存する楽器のほとんどは、ブロックラインから最上部の指穴まで幅広の円筒形の内径を持ち、最下部の指穴付近（「チョーク」）まで逆円錐形の部分があり、ベルに向かってわずかに広がっている。外形は内径と同様の曲線形状で、引き伸ばされた砂時計のような形をしている。音色は暖かく、倍音に富み、やや内向的である。[ 2 ]メーカーのマークで識別されるこのタイプの現存するリコーダーには、ウィーン、シビウ、ヴェローナで発見された「HIER S•」または「HIE•S」のマークが付いたものや、エイドリアン・ブラウンが「!!」と名付けたウサギの足跡のバリエーションのマークが付いたものが、さまざまな博物館に分散して所蔵されている。これらのリコーダーのピッチは、一般的にA = 466 Hz付近にまとめられることが多いが、この時代にはピッチの標準化はほとんど存在しなかった。このタイプのリコーダーは、プレトリウスが『楽器学』 （1619年）で記述している。現存する「!!」によるコンソートは、プレトリウスが提案した正確なサイズ構成に従っている。F 3のバセットから 5 度ずつ上に積み重ね、5 度、4 度ずつ下に下げて B ♭ 2のバス、F 2のグレート バスに至る。 「HIER S•」または「HIE•S」と記された楽器は、F 2のグレート バスからE 5のソプラノまで5 度ずつ積み重ねられている。[ 57 ] これらの楽器の多くは A = 440 Hz または A = 466 Hz付近にピッチが付けられている が、ピッチは地域やコンソートによって異なっていた。
このタイプの音域は通常1オクターブと短7度ですが、プレトリウス（1619年）が指摘し、ガナッシのフォンテガラ（1535年）の運指表で示されているように、[ 58 ]特定の楽器の熟練した奏者は4度または7度高い音域まで演奏することができました（#文献証拠：論文を参照）。その音域は、純粋な器楽曲よりも声楽曲の演奏に適しています。このタイプは、一般的に「通常の」ルネサンス・リコーダーと呼ばれるリコーダーですが、この現代的な呼称は16世紀の楽器の多様性を完全に捉えているとは言えません。
現存するもう 1 つのルネッサンス型は、中世の原型と同様に狭い円筒形の内径と円筒形の輪郭を持ちますが、最後の穴にチョークがあります。このタイプの現存する最古のリコーダーは、16 世紀初頭に南フランスのリヨンで活躍した楽器製作者ラフィ家によって作られました。「C.RAFI」と刻印された 2 台のリコーダーは、1546 年にボローニャのアカデミア・フィルハーモニカに購入され、現在もそこにあります。同様の製作方法で「P.GRE/C/E」と刻印されたリコーダーのコンソートが 1675 年にアカデミアに寄贈され、「C.RAFI」と刻印されたペアが加わりました。ラフィ家による他のリコーダーは北ヨーロッパに現存しており、特にブリュッセルに 1 組があります。グレチェはラフィ工房で働いていたか、ラフィ家の一員であった可能性があります。ラフィ/グレチェの楽器のピッチは A = 440 Hz 付近です。比較的静かな音色で、ピッチの安定性が高く、ダイナミックな表現に適しています。[ 59 ] [ 60 ] [ 61 ]
1556年、フランスの著述家フィリベール・ジャンブ・ド・フェールは、ラフィやグレチェといった2オクターブの音域を持つハイブリッド楽器のための運指表を著した。ここでは、後のほとんどのリコーダーと同様に、15度音はガナッシの表のように主音の第4倍音としてではなく、14度音の変奏として演奏されるようになった。
16世紀最初の2つの論文には、同世紀に現存する楽器とは異なるリコーダーが描かれている。これらは、セバスチャン・ヴィルドゥング（1465年生まれ？）の『Musica getutscht』（1511年）と、マルティン・アグリコラ（1486年～1556年）の同様の『Musica instrumentalis deudsch』（1529年）であり、それぞれバーゼルとザクセンで出版された。
西洋の楽器に関する最古の印刷された論文である『Musica Getutscht』は、牧師、歌手、そして旅する音楽家であったヴィルドゥングによる、現在では失われてしまった以前の写本論文からの抜粋である。印刷版は初期新高ドイツ語の口語体で書かれており、裕福な都市のアマチュア音楽家を対象としていた。タイトルは簡単に訳すと「音楽、ドイツ語に翻訳…音楽について知っておくべきことすべて ― 分かりやすく」となる。ヴィルドゥングが簡単に説明できないほど複雑な話題になると、彼は読者を失われた彼のより大きな著作に参照させるが、これは現代の読者には役に立たないやり方である。挿絵は「ひどく不正確」で、視点も奇妙だと言われているが[ 62 ]、ヴィルドゥングの論文は、15世紀後半から16世紀初頭にかけての北ヨーロッパにおけるリコーダーの構造と演奏習慣に関する重要な資料となっている。
ヴィルドゥングが記述したリコーダーは、円筒形の輪郭を持ち、平らなヘッド、狭い窓、長い傾斜部、脚部のリング状の回転、ベルの外側のわずかな広がりが特徴です（右の図を参照）。ヴィルドゥングは、錨型のキーと穴の開いたフォンタネルを持つF 3のバスコントラまたはバス（バセット）、C 4のテナー2本、 G 4のディスカントゥス（アルト）の4本のリコーダーを一緒に描いています。ヴィルドゥングによれば、4声部の音楽には、バスパートの音域に応じて、F–C–C–GまたはF–C–G–Gの配置を使用すべきです。前述のように、この記述に合致するリコーダーが現存していないため、これらの木版画の正確さを検証することはできません。ヴィルドゥングはまた、オクターブと7度の音域を持つリコーダーの史上初の運指表も提供していますが、バスの音域はオクターブと6度だけだったと述べています。彼の運指表では、どの指を置くかではなく、どの指を上げるかを番号で示しており、後の運指表とは異なり、下（1）から上（8）まで番号を振っている。彼の他の唯一の技術的な指示は、演奏者は楽器に息を吹き込み、「アーティキュレーションを指と協調させる方法を学ぶ」必要があるということである。[ 56 ]
マルティン・アグリコラの『Musica instrumentalis Deudsch』（「あらゆる種類の楽器の演奏方法を学ぶためのドイツの器楽」）は、韻を踏んだドイツ語の詩で書かれており（内容の理解と記憶を向上させるためと思われる）、同様の説明を提供し、木版画のほとんどを『Getutscht』から直接コピーしている。アグリコラはまた、テナーを「altus」と呼んでおり、誤って木版画のテナーより少し小さいものとして描いている（右の図を参照）。『Virdung』と同様に、アグリコラはリコーダーは4声部で演奏されるべきであると当然のことと考えている。『Getutscht』が1つの簡潔な運指表を提供しているのとは異なり、アグリコラは各楽器ごとにわずかに異なる別々の運指表を提供しているため、アグリコラは1つのサイズの運指を他の2つのサイズにコピーするのではなく、3つの異なる楽器で実験したのではないかと推測する人もいる。[ 63 ]アグリコラは、旋律を繊細にする装飾音（モルダンテン）は専門家（ファイファー）から学ぶべきであり、オルガン奏者の装飾音（コロラトゥール）の様式が何よりも優れていると付け加えている。 [ 64 ] 1545年の『ムジカ・インストゥルメンタリス』の大幅な改訂では、木管楽器のビブラート（ツィッテルンデム・ウィンド）の使用が肯定的に言及され、アーティキュレーションの説明も含まれており、セミミニム以上の音にはde の音節、セミミニム以下の音にはdi ri の音節、そしてパッサギ（コロラリン）に見られる最小の音価には「フラッタータンギング」（フリッター・ツンゲ）と呼ばれるtell ell ell ell el leのアーティキュレーションを推奨している。
次に紹介する論文はヴェネツィアのシルヴェストロ・ガナッシ・ダル・フォンテーゴ（1492年 - 1500年代半ば）の『オペラ・インティトゥラータ・フォンテーガラ』（1535年）で、リコーダーの演奏技術に特化した最初の作品であり、おそらくプロの演奏技術や名演奏技術の説明に近い、出版された唯一の歴史的論文である。ガナッシは、この作品の出版当時、ドージェに雇われ、サン・マルコ大聖堂に勤務していた音楽家であり、これは彼の高い技量を示している。彼は後にヴィオールとヴィオローネの演奏に関する2つの作品を書いたが、『フォンテーガラ』以降、ドージェに雇われたことについては言及していない。[ 65 ]
フォンテガラは大きく二つの部分に分けられる。一つ目はリコーダーの演奏技術に関するもので、二つ目は演奏者が旋律を装飾したり、文字通り旋律をより小さな音符に「分割」したりするために用いる、複雑なものもある分割法（レゴレ、パサージュ、装飾音）の実演である。ガナッシはあらゆる面で人間の声を模倣することの重要性を強調し、「リコーダー奏者の目的は、人間の声のあらゆる能力をできる限り忠実に模倣することである」と述べ、リコーダーは実際にそれが可能であると主張している。ガナッシによれば、声の模倣には3つの側面がある。「ある種の芸術的熟練度」、つまり音楽の本質を知覚する能力、息の圧力を変化させ、適切な指使いによって音色に陰影をつけることで達成されるプロンテッツァ（器用さまたは流暢さ）、そしてアーティキュレーションと装飾音の使用によって達成されるガランテリア（優雅さまたは気品）。装飾音の「最も単純な要素」は、表現に応じて変化するトリルである。
ガナッシは、プレトリウスも言及した標準的な音域である1オクターブと7度の音域の運指表を示し、その後、長年の実験を通して、他の演奏家が忍耐力に欠けているために知らない音をさらに発見し、音域を2オクターブと6度に拡張したと読者に伝えている。ガナッシは、異なるメーカーの刻印を持つ3本のリコーダーの運指を示し、リコーダーの内径が異なるため、読者にさまざまな運指を試してみるよう勧めている。リコーダーの1本のメーカーの刻印は、様式化された文字「A」の形をしており、ドイツの楽器製作者シュニッツァー家と関連付けられているため、ヘルマン・メックは、ガナッシのリコーダーは北ヨーロッパ起源である可能性があると推測している。[ 66 ]（「ガナッシ」リコーダーに関する注記も参照）
ガナッシは、テ・チェ、テ・レ、レ・レという3種類の基本的な音節を用い、さらに音節に用いる母音を変化させることで、口の形がリコーダーの音に与える影響を示唆している。彼はこれらの音節と母音の多くの組み合わせを示し、音節の滑らかさに応じて選択することを提案している。テ・チェが最も滑らかさに欠け、レ・レが最も滑らかである。しかし、彼はこれらの音節を音楽にどのように用いるべきかについては示していない。
この論文の大部分は、音程の縮小表、短い旋律、終止形を拍子別に分類したもので構成されている。これらの数百に及ぶ分割は、五連符、七連符、全音符から32分音符までの音価を現代の記譜法で用いており、非常に多様で複雑な内容となっている。
フォンテーガラの扉絵には、3人のリコーダー奏者が2人の歌手と一緒に演奏している様子が描かれている。アグリコラやヴィルドゥングと同様に、ガナッシはリコーダーは4人組で演奏されるべきであり、F 3、C 4、G 4の3つのサイズがあることを当然のこととしている。彼はソロ演奏とアンサンブル演奏を区別し、自分が述べたことはソロ奏者向けのものであり、他の人と演奏する際には、相手と調和することが最も重要だと述べている。残念ながら、ガナッシは装飾音の例をわずかしか示しておらず、その使用に関する文脈はほとんど示していない。それでも、ガナッシは、現代の奏者がほとんど改善したとは言えないほど高度に発達した木管楽器演奏の専門的な文化と技術を垣間見せてくれる。[ 67 ]
ジェロラモ・カルダーノの『音楽論』は1546年頃に書かれたが、出版されたのは1663年で、カルダーノの他の著作とともに刊行された。カルダーノは著名な哲学者、数学者、医師であると同時に、熱心なアマチュアのリコーダー奏者でもあり、幼少期にミラノでプロの教師レオ・オグロヌスからリコーダーを学んだ。
彼の記述はガナッシの記述を裏付けており、同じ3つの基本音節を使用し、リコーダー演奏における呼吸制御と装飾の重要性を強調しているが、20世紀まで記録されていなかったリコーダー奏法のいくつかの側面も記録している。これには、ベルを部分的に閉じることによる複数の奏法が含まれる。主音より低い全音または半音を出すため、そして半音をディエゼ（半半音）に変えるためである。彼は、ディエゼは「舌を反響的に後ろに曲げる」ことによっても出すことができると述べている。[ 68 ]また、舌の位置、つまり舌を伸ばしたり、口蓋に向かって上向きにしたりすることで、音を改善したり、変化をつけたり、色付けしたりすることができるとも付け加えている。彼は、呼吸の量（満杯、浅い、または中程度）と力（リラックスした、またはゆっくりとした、強い、およびその中間）を区別し、楽器ごとに必要な空気の量が異なることを初めて明らかにした人物であり、 「呼吸の震えるような性質」と指の震えを組み合わせて、長3度からディエシスまでのあらゆる音程を変化させるvox tremulaと呼ばれるトリルまたはビブラートについて説明している。また、彼はD 5 （「discantus」）でリコーダーについて言及した最初の著者でもあるが、その楽器の名前は明記していない。[ 68 ]
作曲家であり歌手でもあるフィリベール・ジャンブ・ド・フェール（1515年頃- 1566年頃）は、16世紀のフランス人著述家として唯一、リコーダーについて著書『音楽概論』の中で記述している。彼は、この楽器のフランス語名であるfleutte à neuf trouz（「9つの穴のあるフルート」）に不満を述べている。実際には、一番下の穴の1つを塞がなければならず、開いている穴は8つしかないからである。彼はfleute d'Italienまたはイタリアのflautoという名称を好んでいる。彼の運指表は2つの点で注目に値する。1つ目は、15度音を14度音の変形として記述している点、2つ目は、下側の手の3番目の指を支え指として用いている点である（ただし、下オクターブの3つの音に限る）。[ 68 ]（ルネサンス構造も参照。）
アウレリオ・ヴィルジリアーノの「イル・ドルチメロ」（ 1600年頃）には、リコーダー用に作られた、またはリコーダーで演奏可能なリチェルカーレ、他の楽器の説明、ジャンブ・ド・フェールのものに似たG4のリコーダーの運指表が掲載されている。[ 69 ]
ミヒャエル・プレトリウス（1571～1621）の『シンタグマ・ムジクム』（1614～20年）は、全3巻（第4巻の構想はあったものの未完成）からなる、音楽と楽器に関する百科事典的な概説書である。第2巻『楽器学』 （1619年）は、 8種類ものリコーダー（G5のクライン・フルートラインまたはエキシレント、C5またはD5のディスカント、G4のアルト、C4のテナー、F3のバセット、B ♭ 2のバス、F2のグロスバス）と、4つの穴を持つガル・クライン・プロックフルートラインについて記述している点で特に興味深い。
プレトリウスは、リコーダーが実際よりも1オクターブ低い音に聞こえるという現象を初めて説明した人物であり、この現象は近年、リコーダーの高次倍音の欠如に関連して説明されている。彼はまた、2′（ディスカント、アルト、テナー）、4′（アルト、テナー、バセット）、8′（テナー、バセット、バス）という、可能な異なる「レジスター」をコンソートで示している（用語集も参照）。さらに、リコーダーの先端部と最初の指穴の間に切り込みを入れて、ピッチを上げ下げできる一種のチューニングスライドを設けることを提案した。これは、バロック時代にリコーダーの上部ジョイントを「引き抜く」ことでピッチを調整する慣習に似ている。
プレトリウスが記述しているリコーダーは、「引き伸ばされた砂時計」のような形状をしている（右の図を参照）。彼はガナッシと同様の運指を示し、通常は1オクターブと6度の音域を持つが、優れた演奏家であれば4度まで音域を広げることができると述べている。
14世紀と15世紀の絵画の中には、2本の縦笛と思われる楽器を同時に演奏する音楽家を描いたものがある。ある場合、2本の笛は明らかに分離しており、同じ種類の別々の笛で、互いに角度をつけて演奏され、各手に1本ずつ管を持っている。別の場合、同じ長さの笛が異なる手の位置で演奏されている。最後の場合、管は平行で互いに接触しており、長さが異なる。[ 70 ] [ 71 ]リコーダーの図像的基準は通常、明確に認識できる唇と両手による垂直演奏法であるが、[ 55 ]このような基準は規定的ではなく、これらの描写のいずれかが単一の楽器とみなされるべきか、またはリコーダーの一種を構成するかどうかは不明である。描かれている楽器の特定は、ギリシャ神話のサテュロス、マルシュアスに関連付けられている二重管楽器であるアウロスの象徴性によってさらに複雑になる。
長さの異なる2本の平行なエンドブローフルートが連結された楽器が、オックスフォードのオール・ソウルズ・カレッジの近くで状態の悪い状態で発見された。この楽器には、各手に4つの指穴と1つの親指穴がある。パイプには逆円錐形の「チョーク」ボアがある（ルネサンス構造を参照）。ボブ・マービンは、パイプが5度離れて演奏され、およそC5とG5であると推定している。 [ 72 ]この楽器は他に類を見ない。この楽器のパイプには親指穴があるが、オルガン学上の前例がないため、この楽器の分類は難しい。マービンは、オックスフォードの楽器を説明するために、「ダブルリコーダー」と分類にとらわれないflauto doppio（ダブルフルート）という用語を使用している。
マーヴィンは、オックスフォード楽器を基にしたフルート・ドッピオを設計し、F 4と C 5で演奏できるようにスケール調整した。イタリアのリコーダー製作者フランチェスコ・リヴィルギは、図像資料に基づいて、同じ長さで角度のついた連結パイプを備え、異なる手の位置で演奏するダブルリコーダーまたはフルート・ドッピオを設計した。そのパイプは F 4と B ♭ 4で演奏する。[ 70 ]どちらの楽器も製作者独自の運指を使用している。
1970年代、リコーダー製作者が16世紀と17世紀のリコーダーの最初のモデルを作り始めたとき、そのようなモデルは必ずしもオリジナルの楽器の演奏特性を反映していたわけではありませんでした。特に注目すべきは、ウィーン美術史美術館にある楽器（目録番号SAM 135）を大まかにベースにした、フレッド・モーガンの「ガナッシ」モデルです。このモデルは、フォンテーガラにあるガナッシの運指表の最高音を使用するように設計されていました。モーガンが知っていたように、これらの音は標準的な使用法ではありませんでした。実際、ガナッシはフォンテーガラに含まれる数百のディミニションのうち、ほんの数個でしかこれらの音を使用していません。歴史的に、このようなリコーダーは独立したタイプとして存在せず、ガナッシが示した運指は、特に楽器に精通した熟練した演奏者のものでした。現代の音楽が「ガナッシ・リコーダー」のために書かれている場合、それはこのタイプのリコーダーを意味します。[ 73 ]
リコーダーはおそらく最初は声楽曲を演奏するために使われ、後に舞曲などの純粋な器楽曲もレパートリーに加えられました。15世紀、16世紀、17世紀の声楽曲の多くはリコーダー合奏で演奏でき、ヴィルドゥングからプレトリウスまでの論文に示されているように、声楽曲を演奏するための適切な楽器の選択と移調はルネサンス期には一般的な慣習でした。さらに、ピエール・アテニャンやアンソニー・ホルボーンなどのコレクションは、彼らの器楽曲がリコーダー合奏に適していることを示しています。[ 74 ]このセクションでは、まずリコーダー用に記譜されたレパートリーについて説明し、次にリコーダーで演奏されるその他のレパートリーについて簡単に説明します。
1505年、ヴェネツィアの管楽器奏者ジョヴァンニ・アルヴィーゼは、マントヴァのフランチェスコ・ゴンザーガに8本のリコーダーのためのモテットを贈呈したが、その作品は現存していない。
ピエール・アテニャン（活動期間1528–1549）の『Vingt & sept chansons musicales a quatre parties a la fleuste dallement...et a la fleuste a neuf trous』（1533年）は、28曲（タイトルにある27曲ではなく）の4声部の器楽モテットを収録しており、そのうち9曲はフルート（fleustes dallement、ドイツ式フルート）での演奏に適しており、2曲はリコーダー（fleuestes a neuf trous、 9穴フルート、「リコーダー」）での演奏に適しており、12曲は両方に適しているとされています。両方に適した12曲のうち、7曲はキアヴィ・ナチュラリ（リコーダーで一般的に使用される低音部記号）を使用しており、残りの曲はフルート用に指定されたモテットで使用されているキアヴェット記号を使用しています。したがって、キアヴィ・ナチュラリで記譜された7曲は、リコーダーにより適していると考えられます。『Vingt et sept chansons』は、リコーダー合奏用に記譜された最初の出版された楽譜である。それ以前には、ヤコブス・バルビローの歌曲「Een vrolic wesen」のパート譜があり、これは明らかにリコーダー用で、ヴィルドゥングの『Musica getutscht』のフランス語部分訳である『Livre plaisant et tres utile ...』（アントワープ、1529年）にリコーダーの運指表とともに掲載されている。
1530年代に出版されたジャック・モデルヌの『S'ensuyvent plusieurs basses dances tant communes que incommunes』は、ヴィルドゥング、アグリコラ、ガナッシなどが記述したような4声部のリコーダー合奏を描いているが、これらの舞曲はリコーダー用に記譜されていない。彼の『Musique de joye 』（1550年）には、「エスピネ、ヴィオロン、フリュースト」で演奏するためのリチェルカーレと舞曲が収録されている。
1539～40年、熱心なアマチュア演奏家でもあったイングランド王ヘンリー8世（文化的意義を参照）は、ヴェネツィアからバッサーノ家の5人の兄弟を招き、コンソートを結成した。1550年には6人に拡大し、少なくとも1630年にリコーダー・コンソートが他の管楽器グループと統合されるまで、リコーダーに特別な重点を置いたグループを形成した。ほとんどの管楽器バンドは、サックバット、ショーム、その他の大きな楽器を演奏する奏者がリコーダーを兼任する構成だった。このグループのために作られたと思われる音楽がいくつか現存しており、16世紀第3四半期のアウグスティヌスとジェロニモ・バッサーノの舞曲や、ジェロニモ・バッサーノ（1580年頃）のより精巧なファンタジア（5声部4曲、6声部1曲）などがある。さらに、フィッツウィリアム管楽器写本（GB-Cfm 734）には、バッサーノ一族によるものを含む、歌詞のないモテット、マドリガル、舞曲が含まれており、おそらく6声部のリコーダー合奏のために書かれたものと思われる。[ 75 ]
ヴェネツィア出身のバッサーノ家のイギリス人メンバーは、ガナッシの『フォンテーガラ』に記述されている声楽スタイル、高度なテクニック、複雑な即興装飾にも精通していた可能性が高く、ガナッシが共に活動し学んだと報告しているリコーダー奏者の中にも含まれていた可能性が高い。彼らがイギリスに招かれたとき、ヴェネツィアで最高の管楽器奏者の一人と見なされていた。この合唱団に帰属される音楽のほとんどは13度音域しか使用していないが、バッサーノ家はガナッシの拡張された音域にも精通していた可能性がある。[ 76 ]
リコーダーは他の楽器と組み合わされて演奏されることも多く、特にイギリスでは混合合奏、あるいは「ブロークン・コンソート」と呼ばれていた。
リコーダーアンサンブルで演奏しやすい器楽曲を作曲した16世紀の作曲家には、他にも以下のような人物がいる。
リコーダーで演奏できる楽曲を作曲した、ルネサンス期の著名な作曲家には、以下のような人物がいる。
リコーダーは16世紀に広く使われ、ルネサンス期に最も一般的な楽器の一つでした。15世紀以降、絵画には上流階級の男女がリコーダーを演奏している様子が描かれており、ヴィルドゥングの教訓的な論文『Musica getutscht』（1511年）は、この種の最初の書物であり、アマチュアを対象としていました（文書証拠も参照）。ヘンリー8世はリコーダー奏者で、1547年に彼が亡くなった際の所有物の目録には、さまざまなサイズと素材のリコーダー76本が含まれていました。[ 77 ] 16世紀のイタリアの絵画には、男女両方の貴族がリコーダーを演奏している様子が描かれていますが、口を使うため演奏が不適切だと考える紳士も多く、リュートや後にヴィオールを好んでいました。[ 2 ]
シェイクスピアは17世紀初頭に書かれた『ハムレット』の中でリコーダーについて言及しており[ 78 ] 、ミルトンも1667年に出版された『失楽園』の中で、地獄の堕天使たちが「フルートと柔らかなリコーダーのドリア旋法に合わせて／完璧な隊列を組んで動く」と述べている[ 79 ] [ 80 ] 。
17世紀にはリコーダーの構造にいくつかの変化があり、その結果、初期のルネサンス・リコーダーとは対照的に、一般にバロック・リコーダーと呼ばれるタイプの楽器が誕生しました。これらの革新により、バロック・リコーダーは、特に最低音域の音量が小さくなるという代償を伴いながらも、初期の楽器よりも「甘い」音色を持つようになりました[ 81 ] 。
ルネサンス期のリコーダーがバロック期の楽器へと進化を遂げたのは、一般的にフランスのオッテテール家によるものとされています。彼らは、よりテーパーの効いた内径というアイデアを発展させ、最下段の指穴の間隔を狭めることで音域を広げ、複数の連結部を持つ楽器の製作を可能にしました。この最後の改良により、各部の成形精度が向上しただけでなく、楽器の長さをわずかに伸ばすことで、奏者が微調整できる音程調整も可能になりました。
フランスの革新的な技術はピエール・ブレッサンによってロンドンにもたらされ、彼の楽器一式はチェスターのグロブナー博物館に現存しているほか、アメリカ、ヨーロッパ、日本の様々な博物館や個人コレクションにも彼の作品が所蔵されている。ブレッサンと同時代のトーマス・スタネスビーはダービーシャー生まれだが、ロンドンで楽器製作者となった。彼と息子（トーマス・スタネスビー・ジュニア）は、18世紀初頭のイギリスにおける重要なリコーダー製作者であった。
ヨーロッパ大陸では、ニュルンベルクのデナー家、特にヨハン・クリストフとその息子ヤーコプは、この時代で最も有名な陶器職人であった。
バロックリコーダーは、第2オクターブにおいて非常に明るく響き渡る音色を生み出し、これは初期のリコーダーよりも容易で音域が広い一方、最低音域は比較的弱い。バッハ、テレマン、ヴィヴァルディといった作曲家は、この楽器のための協奏曲において、この特性を巧みに利用している。
バロック時代のアルトリコーダーは、最低音から最高音までを測ると、最大で2オクターブと5度音程の音域を持ち、多くの楽器ではそれよりも狭い音域となっています。しかし、当時の最も高度な楽器でさえ、第3オクターブの増三度、増四度を演奏することはできません。特に、ゲオルク・フィリップ・テレマンの協奏曲TWV 51:F1では、第3オクターブのこれらの音の一部が使用されており、演奏者にとって大きな技術的難題となっています。ベルを覆ったり、その他の特殊な奏法が必要となる場合もあります。
ヤコブ・ファン・エイクは、ソロ・ソプラノ・リコーダーのための約140曲の旋律集を作曲し、それぞれの旋律には複数の縮小版や変奏版が加えられている。これは『Der Fluyten Lust-hof』 （ルストホーフのリコーダー）として2巻で出版された。
バロック時代には、リコーダーは伝統的に牧歌的な場面、奇跡的な出来事、葬儀、結婚式、恋愛の場面と結びついていました。リコーダーのイメージは、これらすべてに関連する文学や美術作品に見られます。パーセル、J.S .バッハ、テレマン、ヴィヴァルディは、音楽の中で羊飼いを暗示したり、鳥を模倣したりするためにリコーダーを使用しました。[ 82 ]
リコーダーはバロック時代に以前の時代よりも高いレベルの標準化を達成し、実際、リコーダーの「標準」サイズが確立された最初の時代ではあったものの、曖昧な名称や不確かな楽器学的証拠により、当時の「フルート」パートでどの楽器を使用すべきかについて論争が生じている。
バッハのブランデンブルク協奏曲第4番ト長調BWV 1049のコンチェルティーノ・グループは、ヴィオローノ・プリンシパーレと2本のフィアウティ・デコー、そしてリピエノ弦で構成されています。この協奏曲の後のチェンバロ編曲版BWV 1057は、バッハのすべてのチェンバロ編曲版と同様に、調を全音下げており、ソロ・チェンバロ、2本のフィアウティ・ア・ベック、そしてリピエノ弦のために書かれています。BWV 1049のフィアウティ・デコーのパートに望ましい楽器は、主に2つの理由から、長年にわたり音楽学と楽器学の議論の対象となってきました。第一に、フィアウティ・デコーという用語は、当時の辞書や教則本には記載されていません。そして2つ目は、最初のフィオートパートではF♯6が使われていますが、これはF4のバロックアルトリコーダーでは出すのが難しい音です。
BWV 1057の楽器編成は議論の余地がない。fiauti à becは明確にリコーダーを指定しており、両パートはF4のアルトリコーダーに快適に合うように変更されている。例えば、単純な音の移調によって生じるであろう、 2番目のfiautoの演奏不可能なE ♭ 4を回避している。
協奏曲の第１楽章と第最終楽章については、2つの意見が主流となっている。1つ目は、両方のリコーダーパートをF4のアルトリコーダーで演奏すべきだという意見、 2つ目は、第１パートをGのアルトリコーダーで、第２パートをFのアルトリコーダーで演奏すべきだという意見である。トゥシャール・パワーは、バッハがG4のアルトリコーダーで容易に演奏できる高音のF♯6を使用しているが、 G4のアルトリコーダーでは演奏できない低音のF4を使用していないことを根拠に、 G4のアルトリコーダーの使用を主張している。彼は、バッハのカンタータの他のアルトリコーダーパートでこれを裏付けている。マイケル・マリッセンは、他のリコーダーパートではバッハが低音のF4とF♯6だけでなく、より高い音も使用していたことを示し、レパートリーを異なる方法で解釈している。マリッセンは、バッハはパワーが主張するほど一貫性がなく、バッハはほぼ間違いなくF管のアルトしか使えなかっただろうと主張している。彼は、バッハのカンタータにおける音高基準と記譜法の調査によってこれを裏付けており、カンタータではリコーダーパートが、記譜音高より短3度も高い音を出すオルガンと演奏するための移調楽器として書かれていることがある。マリッセンはまた、BWV 1057のリコーダーパートの改訂は、 BWV 1049でF♯6を避けたことの表れであり、 F4のアルトリコーダーのパートを設計する際に必要な場合にのみ難しい音を使用したことを示していると解釈している。彼は、バッハは劣った対位法を犠牲にしてBWV 1049でF♯6を避け、BWV 1057でE6として復活させたとしている。
第2楽章では、フィオートパートの連桁の破れ、 fとpの記号、第1楽章の最後の2小節の上のフェルマータ、第3楽章の冒頭の21小節の休符から、バッハは特に第2楽章で通常のリコーダーとは異なる「エコーフルート」の使用を意図していたと主張する音楽学者もいる。連桁の破れは音域や音質の変化を示している可能性があり、休符は演奏者が楽器を持ち替える時間を与えるために導入され、fとpの記号はさらに音域や音色の変化を示している可能性がある。マリッセンは、 fとpの記号は強弱ではなく、トゥッティとソロの部分を示している可能性が高いことを示した。
通常のリコーダー以外の楽器がフィオート・デコーの代替として提案されてきた。サーストン・ダートによる初期の提案の一つはダブル・フラジオレットの使用であったが、この提案は後に音楽学的な根拠が不安定であることが明らかになった。しかしダートは、1713年から1718年の間にペイジブルが「エコー・フルート」で演奏したという新聞記事を多数発見した。エティエンヌ・ルリエの『Elements ou principes de musique』（アムステルダム、1696年）にも「エコー・フルート」に関する同時代の記述がある。「2本のエコー・フルートの音は、片方が強く、もう片方が弱いので異なる」。ルリエは、なぜ強い音と弱い音を出すために2本のエコーフルートが必要なのか、またなぜエコーフルートの音色が異なるのかについては明確に説明していない。もしかしたら、エコーフルートは2つの部分から構成されていたのだろうか。片方は強い音、もう片方は弱い音を出すように。この点については推測するしかない。
エコーフルートの候補として現存する楽器には、ライプツィヒにある、音色の異なる2本のリコーダーを真鍮製のフランジで頭部管と足部管を繋いだ楽器がある。しかし、この楽器はd'調のソプラノリコーダー2本で構成されている。また、3度調律のダブルリコーダーの証拠もあるが、これらはBWV 1049のフィオートパートの候補ではない。
ヴィヴァルディは、おそらくヴェネツィアのオスペダーレ・デッラ・ピエタの学生による演奏のために、フラウティーノのための協奏曲を3曲作曲しました。彼は18世紀初頭に同地で教鞭を執り、作曲も行っていました。これらの協奏曲は技巧的なソロパートが特徴で、協奏曲RV 441とトリオ・ソナタRV 86と並んで、彼の最も技巧的なリコーダー作品です。これらの協奏曲はそれぞれ、急いで書かれた手書きの写本が1枚ずつ現存しており、タイトルはそれぞれ「Con.to per Flautino」（小さなフルートのための協奏曲）で、RV 443には「Gl'istrom.ti trasportati alla 4a」（楽器は4度移調する）、「Gl'istrom.ti alla 4ta Bassa」（楽器は4度下げる）という注釈が付け加えられています。3つの協奏曲RV 443、444、445は、それぞれハ長調、ハ長調、イ短調で記譜されています。また、リコーダーの通常の2オクターブの音域外の音符が時折使用されている点も注目に値する。ソロ部分の音域は記譜上のF4からF6までの2オクターブだが、RV 444の第1楽章には記譜上のC4が1つ、RV 443の第1楽章のトゥッティ部分に記譜上のE4が1つ、 RV 445の複数のトゥッティ部分に低いE4が1つある。
これらの協奏曲の演奏に使用された楽器として、いくつかのフラウティーノが提案されてきた。最初の提案は、1キーのピッコロ、または別の小型横笛の使用であったが、これらの協奏曲が作曲されたと一般的に考えられている1720年代には、そのような楽器はヴェネツィアでは使用されなくなっており、この意見はもはや十分に支持されていないと考えられている。ピーター・タルハイマーが最初に提案した別の提案は、G 5の「フランス式」フラジオレット（下記のフラジオレットを参照）であり、これはD 4で記譜され、4度低い音として現れるため、RV 443とRV 445の余白にある注釈（Gl'istromti transportati alla 4a ）を説明する可能性があり、フラウティーノをフラジオレットと同一視しているビスマントヴァ（1677年改訂1694年）とボナンニ（1722年）によって支持されている。しかし、この提案は、フラジオレットの典型的な音域には含まれない記譜上の F 4と F ♯ 4の存在によって反論されている。ただし、これらの音はベルを覆うことによって、時にはアンダーブローイングと組み合わせて生成される可能性があり、これはカルダーノ ( 1546 年頃) やベレー ( 1800 年頃) といった初期の理論家によって証明されている。[ 83 ]
現在、これらの協奏曲の演奏には、2つの楽器が慣例的に用いられています。1つはアルトのように記譜されますが、1オクターブ高い音が出るソプラニーノ・リコーダー、もう1つは、パートを4度下げて移調するという指示に従ったソプラノ・リコーダーです。ヴィンフリート・ミヒェルは1983年にソプラノ・リコーダーの使用を初めて提唱し、ヴィヴァルディの言葉をそのまま受け入れ、弦楽器パートを4度下げて移調し、フルートパートをC5 （「第5フルート」とも呼ばれる）のソプラノ・リコーダーで演奏することを提案しました。これは、アルト・リコーダーの運指を用いてフルートを移調楽器として記譜するというイギリスの慣習に基づいています。ミヒェルは、この移調によって、ヴァイオリンとヴィオラの最低弦（低音なしで伴奏を提供する部分）とチェロの最低2音を使用できると述べています。彼は、リコーダーの通常の音域にない音符が存在するのはヴィヴァルディの急ぎによるものだと考えており、これらの音符はソロの部分には現れないと指摘している。[ 84 ]彼はRV 443とRV 445のソプラノリコーダー版をそれぞれト長調とホ短調で編集している。フェデリコ・マリア・サルデッリは、欄外注記は特定の機会にソプラノリコーダーで協奏曲を演奏できるようにするためのものだったというミシェルの推測に同意しているが、ヴィヴァルディの時代にはイタリアで小型の横笛が使われなくなっていたこと、イタリアでのフラジオレットの不足、パートの音域、声楽アリアでのフラウティーノの使用などを指摘し、おそらくF5のソプラニーノリコーダーのために書かれたのだろうと結論付けている。[ 85 ]
リコーダーは、古典派およびロマン派時代の芸術音楽ではほとんど使用されませんでした。研究者たちは、なぜこのような変化が起こったのか、そして18世紀後半から19世紀にかけてリコーダーがどの程度使用され続けたのかについて、長年議論を重ねてきました。この議論における重要な疑問の一つは、この時代のダクトフルートのうち、どれがリコーダー、あるいはリコーダーの後継楽器であったのか、あるいはそもそも存在したのかどうかということです。
18 世紀後半のリコーダー作品で今日最もよく知られているのはおそらくC. P. E. バッハのトリオ ソナタWq.163 で、1755 年に作曲されたもので、2つのヴァイオリンと通奏低音のためのトリオ ソナタを、珍しい編成のヴィオラ、バス リコーダー、通奏低音のために編曲したものである。[ 86 ]この作品は、おそらく現存する唯一の重要なバス リコーダーのソロ作品としても注目に値する。また、ヨハン クリストフ シュルツェ (1733年頃- 1813 年)の作品も注目に値する。彼はこの楽器のために 2 つの協奏曲を作曲しており、1 つはト長調、もう 1 つは変ロ長調で、1740 年頃に書かれた。[ 87 ]芸術音楽におけるリコーダーの最後の登場は、カールマリア フォン ウェーバーのPeter Schmoll und seine Nachbarn (1801 年) とKleiner Tusch (1806 年) であると思われる。エクトル・ベルリオーズは、おそらく『キリストの幼年時代』（1853年）の「エジプトへの逃亡」をこの楽器のために意図していたのだろう。[ 2 ]ドニゼッティはリコーダーを3本所有していた。[ 68 ]ロッシーニは2本所有していた。
記録者が衰退したという従来の見解を支持する理由は数多く提案されてきた。記録者の衰退に関する最初の重要な説明は、ウェイツマン（1967）[ 88 ]によって提案され、彼は6つの理由を挙げた。
バロック時代、プロのリコーダー奏者の大半はオーボエ奏者か弦楽器奏者であった。そのため、プロのリコーダー奏者の数は他の木管楽器奏者よりも少なかった。
リコーダーの衰退の一因として、当時のフルート革新者であるグレンザーやトロムリッツが、キーを追加することで横笛の音域を広げ、音色の均一性を高めたこと、あるいはフルートのダイナミックレンジと音量がより大きかったことを挙げる人もいる。[ 89 ]他の多くのオーケストラ楽器で、音量を大きくし、音域を広げ、音色の均一性を高めるために起こった同様の発展は、リコーダーの場合は同時には起こらなかった。
ニコライ・タラソフが最近提唱した補完的な見解は、リコーダーは完全に消滅したのではなく、他の管楽器と同様にキーやその他の装置の追加によって進化し、19世紀を通じて使用され続け、その直接の子孫の人気は19世紀後半から20世紀初頭のリコーダー復興と重なったというものである。[ 90 ]この見解の根拠は、19世紀のダクトフルートの一部がリコーダーとして楽器学的に分類されていることにある。この問題の詳細については、「その他のダクトフルート」を参照のこと。
18世紀にリコーダーの人気が衰退する中でも、ダクトフルートは依然として人気を保っていた。楽器の初期の歴史と同様に、現代の議論においても、その本質に関する疑問が中心的なテーマとなっている。18世紀にリコーダーの使用期間を延ばすために改良や名称変更が行われたこと、そして18世紀後半から19世紀初頭にかけてリコーダーがどの程度使用されていたのかが不明確であったことが、こうした議論を活発化させている。近年の研究者の中には、19世紀のダクトフルートの中には実際にはリコーダーであるものもあると主張する者もいる。本稿では、リコーダーの後継楽器として紹介されたダクトフルート、すなわち18世紀後半から19世紀を通してアマチュアの間で人気を博したイギリスのフラジオレットとチャカンについて簡単に考察する。
フラジオレットという言葉は、16 世紀から小型のダクト フルートを指すのに使われており、この楽器はフラウティーノやフラウト ピッコロなどの一般的な用語で呼ばれることもあり、その初期の形態を特定するのが難しくなっています。メルセンヌが『普遍のハーモニー』 （1636 年）で初めて記述したもので、前面に 4 つの指穴、背面に 2 つの親指穴があり、最低音は C6、音域は 2 オクターブです。リコーダーと同様に、上の親指穴はオクターブ ベントとして使用されます。フラジオレットは一般的に小型のフルートでしたが、最低音は様々です。[ 91 ]最初はフランスで人気があり、そこから 17 世紀にイギリスに伝わり、後にリコーダーがそうであったように、アマチュア楽器として人気になりました。実際、リコーダーがイギリスに導入されたとき、それはすでにフラジオレットを演奏していた人にとって簡単な楽器として紹介され、初期のイギリスのリコーダー教則本は、当時「ドットウェイ」と呼ばれていたフラジオレットのタブ譜で記譜されている。[ 68 ]特筆すべきは、日記作家で海軍行政官のサミュエル・ピープス（1633-1703）とその妻はともにアマチュアのフラジオレット奏者であり、ピープスは後にアマチュアのリコーダー奏者になったことである。
1800 年代初頭から、フラジオレットには、音域を広げて臨時記号をより簡単に演奏できるようにするためのキーの追加など、多くの革新が導入されました。また、結露の問題に対する解決策も含まれていました。最も一般的なのは、風室 (風道の上にある円錐形の部屋) 内に海綿を置いて水分を吸収させる方法でした。風道に薄い木のくさびを挿入したり、結露を排出するためにブロックの側面に小さな穴を開けたり、くり抜いたブロックを通して結露を排出する複雑なシステムなど、より斬新な解決策も開発されました。[ 92 ] 1800 年頃のイギリスでは、リコーダー (「イングリッシュ フルート」、名称の項を参照) がより流行の楽器の名前を借用して「イングリッシュ フラジオレット」と呼ばれるようになりました。少なくともこの時から現在まで、最初の形のフラジオレットは、いわゆるイングリッシュ フラジオレットと区別するために、フレンチ フラジオレットと呼ばれています。[ 93 ]
1803 年頃、ロンドンの楽器製作者ウィリアム・ベインブリッジがイングリッシュ・フラジオレットの改良に関する特許をいくつか取得した頃から、楽器はしばしば「改良型」または「特許」フラジオレットと呼ばれ、実際には以前のものとどのように異なっていたかについてはほとんど言及されなかった。この時期、楽器には 6 つの指穴と 1 つの親指穴があり、最大 6 つのキーがあった。タラソフは、18 世紀後半のイングリッシュ・フラジオレットには 6 つの指穴があり、親指穴はなく、後に親指穴と 7 番目の指穴が復活したと報告している (上記右を参照)。[ 90 ]イングリッシュ・フラジオレットは、19 世紀に「フランス式」フラジオレットが享受したほどの人気を得ることはなかったが、おそらく後者の楽器の方が音量が大きかったためだろう。どちらも 20 世紀初頭まで人気を保った。
19世紀には、ナルシス・ブスケのエチュードなど、フラジオレットのための楽曲が数多く作曲されたが、その多くはアマチュア向けであった。
リコーダーに分類される可能性のあるイギリスのフラジオレットは、大きく2種類に分けられます。一つは「イギリスのフラジオレット」と呼ばれる初期の楽器で、実際にはリコーダーでした。もう一つは、7つの指穴と親指穴を持つ19世紀の楽器です。これらの楽器は一般的にリコーダーとはみなされていませんが、タラソフはリコーダーの仲間として含めるべきだと主張しています。
チャカン（ハンガリー語のcsákány 「つるはし」に由来）は、リコーダーの古いフランス語名であるflute douceとしても知られ、杖やオーボエの形をしたダクトフルートで、 1800 年頃から 1840 年代にかけてウィーンで人気がありました。チャカンは C 調のリコーダーの運指で演奏され、通常は A ♭または G に調律され、移調楽器として演奏されました。チャカンが最初に記録されたのは、 1807 年 2 月 18 日にブダペストで行われたコンサートで、発明者とされるアントン・ヘーベルレ（活動期間1806 ～ 1816 年）の演奏でした。タラソフはヘーベルレがこの楽器の発明者であるという地位に異議を唱え、チャカンは同名のハンガリーの戦争槌から発展したもので、おそらく軍楽を演奏するためにリコーダーに改造されたものだと主張しています。 1800年頃には、杖に傘、剣、フルート、オーボエ、クラリネット、ホルンなどの追加機能を持たせるのが非常に流行したが、その中でもチャカンが最も人気があり、それ自体が楽器となった唯一の杖であった。[ 94 ]
初期の楽器は杖のような形をしており、持ち手にマウスピースが付いていてキーはなかったが、最終的にはチューニングスライドと親指穴を狭める装置とともに最大13個のキーを備えるようになった。1820年代には、「オーボエのような美しい形」のチャカンが、1つのキーを持つ「シンプルな」形式と、同時代のフルートに見られるような最大12個のキーを持つ「複雑な」形式で登場した。チャカンの著名な製作者には、ウィーンのヨハン・ツィーグラーとシュテファン・コッホ、プレスブルクのフランツ・ショルナストなどがいる。ショルナストが残した記録によると、チャカンは主にアマチュア向けの楽器で、シンプルで安価なものを求める人が購入したが、ウィーン宮廷オーボエ奏者のエルンスト・クレーマー（1795-1837）のように、ロシアまでツアーを行い、チャカンを名高い技巧で演奏した熟練のプロもいた。[ 95 ]
19世紀前半には、主にチャカン独奏、チャカン二重奏、またはチャカンとギターやピアノのための約400曲のチャカン作品が出版されました。チャカンのレパートリーはまだ十分に探求されていません。この楽器の著名な作曲家にはヘーベルレやクレーマーがおり、タラソフはベートーヴェンのピアノ作品がチャカンとギター用に編曲されたことを指摘しています（ベートーヴェンは杖型のチャカンを所有していたと伝えられています）。ベルンハルト・モレンハウアーやマルティン・ウェンナーなどの現代のリコーダー製作者はチャカンのコピーを製作しています。[ 96 ] [ 97 ]
運指とデザインの類似性から、チャカンは少なくともリコーダーの近縁種であると言える。クレーマーの演奏に関する記述には、「音を縮小したり拡大したりして、ほとんど信じられないほどの音量にまで達した」とあり、これは、単なるアマチュアの家庭音楽文化をはるかに超えた、シェーディングや代替運指を用いた高度なテクニックを示唆している。さらに、タラソフは、バロック時代の製作者によるリコーダーの中には、1800年頃にキーを追加することで改造されたものがあり、ブダペストのJ. C. デナー（1655–1707）のバセットリコーダーや、バロック時代の2キーフルートのD♯キーのようにG♯キーが追加されたニコラウス・シュタウブ（1664–1734）のアルトリコーダーなどが含まれると報告している。もう1つの変更点は、J. C. Dennerのバセットとベネディクト・ガーン（1674–1711）のアルトに見られる象牙の栓によって親指穴を狭め、多くのフラジオレットやチャカンに見られるように、純粋にオクターブベントとして機能させることである。これらの変更はチャカンやフラジオレットに見られる変更の原型であり、バロックリコーダーが19世紀の同種の楽器へと継続的に発展していくことの未熟な正当化を構成している可能性がある。[ 98 ]
リコーダーの「復興」という概念は、18 世紀と 19 世紀におけるリコーダーの衰退という文脈で検討されなければならない。リコーダー製作の技術は、オエッグル家が製作するベルヒテスガーデン・フライトルなど、いくつかの家族によって何らかの形で受け継がれてきた。オエッグル家はリコーダー製作者のヴァルヒ家にその系譜を辿ることができる[ 99 ] 。ツヴォタのシュロッサー家の経歴も挙げられる。ハインリヒ・オスカー・シュロッサー (1875–1947) は、ツェレのメック社が販売する楽器を製作し、同社のトゥジュ・シリーズのリコーダーの設計にも携わった[ 100 ] 。現在ベルンハルト・モレンハウアーが率いるモレンハウアー社は、その起源を歴史的な楽器製作者に遡ることができる[ 101 ] 。
リコーダーは、19世紀を通して存続したとしても、それ以前の世紀や、その後の世紀に享受することになる成功とは全く異なる形で存続した。20世紀に入ってからリコーダーを使い始めた初期のアンサンブルの一つに、ボーゲンハウゼン芸術家楽団（Bogenhauser Künstlerkapelle）がある。この楽団は1890年から1939年まで、アンティークのリコーダーやその他の楽器を用いて、古典派やロマン派の楽曲のアレンジを含む、あらゆる時代の音楽を演奏した。しかしながら、リコーダーは主に歴史的価値のある楽器とみなされていた。
現代におけるリコーダーの最終的な成功は、しばしばアーノルド・ドルメッチの功績とされている。彼はイギリスで古楽専門家の小グループを超えて関心を広げたが、リコーダーのより広範な復興はドルメッチだけの功績ではない。大陸では、彼の努力に先立って、ブリュッセル音楽院（ドルメッチが訓練を受けた場所）の音楽家たちや、ドイツのボーゲンハウザー芸術家楽団の活動があった。またドイツでは、ヴィリバルト・グルリット、ヴェルナー・ダンケルツ、グスタフ・シェックの活動がドルメッチとは全く独立して進められた。[ 102 ]
アーノルド・ドルメッチの息子であるカール・ドルメッチは、1920年代に最初の名リコーダー奏者の一人となりました。しかし、より重要なのは、彼が当時の著名な作曲家たちにリコーダー作品を委嘱し始めたことです。特に、父親が主催していたハズレミア音楽祭での演奏のために作品を依頼しました。当初はこのことがきっかけとなり、その後、キース・オッテンが率いるオランダのリコーダー演奏流派の発展も相まって、リコーダーはイギリスと北ヨーロッパの両方で、本格的な音楽家たちに名人芸を披露するソロ楽器として紹介されるようになりました。
20世紀後半にリコーダーが本格的なコンサート楽器として復活する上で重要な役割を果たした名手には、フェルディナント・コンラート、キース・オッテン、フランス・ブリュッヘン、ロジャー・コッテ、ハンス＝マルティン・リンデ、ベルナール・クライニス、そしてデイヴィッド・マンロウなどがいる。ブリュッヘンは歴史的なレパートリーの代表作のほとんどを録音し、リコーダーのための新作を数多く委嘱した。マンロウの1975年の2枚組アルバム『リコーダーの芸術』は、時代を超えたリコーダー音楽の重要なアンソロジーとして今もなお評価されている。
20世紀後半から21世紀初頭にかけてのリコーダーアンサンブルの中では、トリオのサワークリーム（フランツ・ブリュッヘン率いる）、フラウタンド・ケルン、フランダース・リコーダー・カルテット、アムステルダム・ルーキ・スターダスト・カルテット、カルテット・ニュー・ジェネレーションなどが、歴史的レパートリーと現代レパートリーの見事な組み合わせをプログラムしている。ピアーズ・アダムス、ダン・ローリン、ドロテ・オーバーリンガー、ミハラ・ペトリ、モーリス・シュテーガーなどのソリストもいる。
2012年、シャーロット・バーバー＝コンディーニは、隔年開催のBBCヤング・ミュージシャン・オブ・ザ・イヤー・コンクールで決勝に進出した初のリコーダー奏者となった。リコーダー奏者のソフィー・ウェストブルックは、2014年のコンクールで決勝進出者となった。[ 103 ]
近代に初めて演奏されたリコーダーは、それ以前の時代の古楽器でした。伝えられるところによると、アーノルド・ドルメッチは、古楽器が入ったバッグを紛失したことがきっかけで、自らリコーダーを製作するようになったそうです。20世紀初頭に製作されたリコーダーは、外観はバロック様式を模倣していましたが、構造は大きく異なっていました。ドルメッチは、現在「バロック」様式の楽器の標準となっているイギリス式運指を導入し、イギリスの製作者スタネスビーとブレッサンによる少数の古楽器に見られる6番目と7番目の穴の二重化を標準化しました。ドルメッチの楽器は、一般的に、すべての歴史的な楽器の湾曲した風道とは異なり、大きな長方形の風道を持ち、現代のピッチで演奏されました。
リコーダーの現代における復興以降、リコーダーのために書かれた楽曲の数は、それ以前のすべての時代に書かれた楽曲の数のほぼ2倍に達している。[ 104 ]これらの楽曲の多くは、20世紀後半のアバンギャルドな作曲家によって作曲されたもので、彼らはリコーダーの開いた穴を利用して可能な多様な拡張奏法と、アーティキュレーションに対する感度を利用してリコーダーを使用した。
現代の偉大な作曲家たちはリコーダーのために作曲しており、その中にはパウル・ヒンデミット、ルチアーノ・ベリオ、ユルク・バウアー、マルクス・ツァーンハウゼン、ヨーゼフ・タル、ジョン・タヴナー、マイケル・ティペット、ベンジャミン・ブリテン、レナード・バーンスタイン、ゴードン・ジェイコブ、マルコム・アーノルド、スティーヴン・スタッキー、ショーン・ヒッキー、エドマンド・ルブラなどが含まれる。
教育用楽器としての普及と音の出しやすさから、リコーダーはビートルズ[ 105 ]、ローリング・ストーンズ（例えば「ルビー・チューズデイ」を参照）、イエス（例えば「アイヴ・シーン・オール・グッド・ピープル」）、ジェファーソン・エアプレイン（グレース・スリックとの共演アルバム『シュールリアリスティック・ピロー』）[ 106]、レッド・ツェッペリン（「天国への階段」）、ジミ・ヘンドリックス[ 107 ]、スー・アンド・ザ・バンシーズ[ 108 ]、フェアポート・コンベンションのジュディ・ダイブル、ダイド（例えば『セーフ・トリップ・ホーム』収録の「グラフトン・ストリート」） [ 109 ]などのグループによってポピュラー音楽で使われることもあった。
リコーダー製作の技術は、伝統的に徒弟制度によって伝承されてきた。著名な製作者としては、ルネサンス期のラフィ家、シュニッツァー家、バッサーノ家、スタネスビー（ジュニアとシニア）、J.C.とJ.デナー、オッテテール、ブレッサン、ハカ、ハイツ、リッパート、ロッテンバーグ、スティーンベルゲン、テルトンなどが挙げられる。これらの製作者の多くは、オーボエや横笛などの他の管楽器も製作していた。特に、ヤコブ・デナーは、シャルモーからクラリネットを開発した人物として知られている。
リコーダーの製造は、18世紀後半に楽器の人気が衰退するにつれて衰退し、事実上、その技術は現代へと受け継がれなくなってしまった。ごくわずかな例外を除いて、18世紀後半から19世紀にかけて製造されたダクトフルートは、アマチュアや教育目的で作られたものであり、それ以前の時代のような高い水準で製造されたものではなかった。
20世紀に初めて商業生産に成功したアーノルド・ドルメッチは、1919年にリコーダーの製作を開始しました。初期のリコーダーは、入手可能なオリジナルと同様に低いピッチで演奏されましたが、彼は再現の正確さを追求したわけではなく、1930年代には、アーノルドの息子カール・ドルメッチが経営するドルメッチ家は、幅広でまっすぐなウィンドウェイを備えた現代的なピッチのリコーダーを大量生産し、第二次世界大戦後まもなくベークライト製のリコーダーの生産を開始しました。それでもなお、ドルメッチのモデルは当時としては革新的であり、特に現代のバロック様式の楽器で標準となっているイングリッシュ運指システムや、アンティーク楽器では珍しい6番目と7番目の穴を二重にした点において、大きな影響力を持つことが証明されました。
ドイツでは、ピーター・ハーランが1920年代に様々なメーカーから提供されたリコーダーの販売を開始した。主な用途は青少年運動における教育用であった。一般に信じられているのとは異なり、彼はリコーダーを自ら製作したことは一度もない。ハーランの成功を受けて、アドラーやモレンハウアーなど多くのメーカーがリコーダーの商業生産を開始し、ドイツにおけるリコーダーの人気爆発を後押しした。これらのリコーダーは、大きな直線状の風道、時代錯誤的な音程のコンソート、改良された運指システムなど、多くの点で古楽器とはほとんど共通点がなかった。
20世紀後半、歴史的演奏法が台頭し、リコーダー製作者たちは古楽器の音色や特性を再現しようと努めるようになった。ドイツ系アメリカ人の製作者フリードリヒ・フォン・ヒューネは、ヨーロッパのコレクションに所蔵されているリコーダーを研究し、古楽器の特性を再現することを目的とした楽器を製作した先駆者の一人である。フォン・ヒューネとオーストラリア人の同僚フレデリック・モーガンは、歴史的な管楽器製作者の伝統を現代に繋げることで、最高の楽器、そして古楽に最も適した楽器が生まれるという認識のもと、その伝統を継承しようとした。
今日製造されているリコーダーはほぼ全て、古代のモデルを起源としていると主張しており、現在活動しているメーカーのほとんどは、自らの技術をこれらの先駆的なメーカーのいずれかに直接辿ることができる。
今日、個々の工房を維持しているメーカーには、Ammann、Blezinger、Bolton、Boudreau、Breukink（死亡）、Brown、Coomber（製造中止）、Cranmore、de Paolis、Ehlert、Holmblat、Meyer（死亡）、Musch、Netsch、Prescott（製造中止）、Rohmer、Takeyama、von Huene、Wenner、Willmanなどがある。フランスのメーカーであるPhilippe Boltonは、電気音響リコーダー[ 110 ]を製作し、テナーリコーダーとアルトリコーダーの両方にマウントベルキーとダブルベルキーを提供する最後のメーカーの1つである。これらのベルキーにより、楽器の音域は簡単に3オクターブ以上に拡張される[ 111 ] 。このようなベルキーは、おそらく1953年にケープタウンの物理学講師でファゴット奏者のJohn WF Juritzによって初めて作られたが、彼の発明は特許を取得していない。 1957年にカール・ドルメッチによって再発明され、1958年に初めてベルキーシステムが一般に公開された。[ 112 ]
20世紀、カール・オルフはオルフ・シュールヴェルクの教育法の一環としてリコーダーを使用した。1950年から1954年にかけて出版された彼の5巻からなる『子供のための音楽』には、リコーダーのための楽曲が収録されており、他の楽器との組み合わせで演奏されることが多い。[ 113 ]
メーカーはベークライトやその他のより現代的なプラスチックでリコーダーを製造しており、そのため製造が容易で安価です。このため、リコーダーは大量購入できる最も安価な楽器の1つであるため、学校で人気があります。[ 114 ]
1940年代と1950年代には、20世紀半ばのリコーダー復興は、プラスチック射出成形を利用してリコーダーを大量生産し、学校に1台1米ドル（2025年の13ドルに相当）で販売したメーカーによって部分的に推進された。[ 115 ]
リコーダーは、基本的なレベルでは比較的簡単に演奏できます。なぜなら、音を出すのに必要なのは息だけで、音程は主に運指によって決まるからです（ただし、息の圧力が強すぎると音程が高くなる傾向があります）。
リコーダーは非常に社交的な楽器です。多くのリコーダー奏者は、大規模なグループや、各パートに1人ずつの室内楽グループに参加しており、そのようなグループのための音楽は多種多様で、現代作品も多数あります。異なるサイズの楽器のグループは、個々の楽器の限られた音域を補うのに役立ちます。ソプラノ、アルト、テナー、バスの各パートを対応するリコーダーで演奏する4パートの編曲が一般的ですが、各楽器に複数のパートがあり、低音域と高音域の楽器にパートがある、より複雑な編曲もよく見られます。[ 118 ]ニンジンから彫られたリコーダーは、ロンドン野菜オーケストラの定番楽器です。[ 119 ]
{{cite web}}: CS1メンテナンス: アーカイブサービスは非推奨になりました (リンク)In 1948, the Ministry of Education prescribed a new curriculum that recommended the teaching of the recorder from the fourth grade[4] of elementary schoolNote 4: "The recorder is now taught from the third grade."