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音楽において、編曲とは既存の楽曲の音楽的な翻案のことである。[ 1 ]元の楽曲との違いには、リハーモナイゼーション、メロディーのパラフレーズ、オーケストレーション、形式的展開などが含まれる。編曲はオーケストレーションとは異なり、後者はオーケストラ、コンサートバンド、その他の音楽アンサンブルによる演奏のために楽器に音符を割り当てることに限られる。[ 2 ]編曲は「導入部、移行部、転調、終結部のための新しい主題素材などの作曲技法を追加することを含む。編曲は既存のメロディーに音楽的な多様性を与える芸術である」。[ 3 ]ジャズでは、新しい楽曲または既存の楽曲の暗記された（楽譜に書かれていない）編曲はヘッド編曲として知られている。[ 4 ]
クラシック音楽や本格的な音楽の編曲や楽譜作成は、クラシック音楽の初期の歴史にまで遡る。
J.S.バッハは、自身の作品だけでなく、他の作曲家の作品も頻繁に編曲した。その一例として、無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第3番BWV 1006のプレリュードの編曲が挙げられる。
バッハはこの独奏曲を管弦楽シンフォニアに編曲し、カンタータBWV29の導入部とした。「当初のヴァイオリン曲はホ長調であったが、編曲版はいずれも管楽器の演奏に適するようにニ長調に移調されている。」[ 5 ]
「単一の弦楽器のために構想された素材を、完全なオーケストラによる協奏曲型の楽章へと変容させることに成功しているため、後者を初めて聴く人が前者の存在を疑うことはまずないだろう。」[ 6 ]
特にピアノのために書かれた音楽は、オーケストラ、室内楽、コンサートバンド用に編曲されるなど、この扱いを頻繁に受けてきた。[ 7 ]ベートーヴェンはピアノソナタ第9番を弦楽四重奏用に編曲した。逆に、彼は後期の弦楽四重奏曲の1つである大フーガをピアノ連弾用に編曲した。アメリカの作曲家ジョージ・ガーシュウィンは、オーケストレーションの専門知識が不足していたため、フェルデ・グローフェにラプソディ・イン・ブルーの編曲とオーケストレーションを依頼した。[ 8 ]
エリック・サティは1888年にピアノ独奏のための3つのジムノペディを作曲した。
8年後、ドビュッシーは19世紀後半のオーケストラで利用可能な楽器の音色の幅広さを活用し、そのうち2曲を編曲した。「1896年にジムノペディをオーケストラ編曲したドビュッシーこそが、作曲家の名を世に知らしめた人物である。」[ 9 ]
モデスト・ムソルグスキー作曲のピアノ曲集『展覧会の絵』は、モーリス・ラヴェルをはじめとして20回以上編曲されている。ラヴェルの編曲は「予想外で印象的なオーケストラの響きを生み出す能力」を示している。 [ 10 ]第2楽章「グノムス」では、ムソルグスキーの原曲のピアノ曲は、次のパッセージを単純に繰り返している。
ラヴェルは当初、それを次のようにオーケストレーションしている。
ラヴェルはこの楽節を繰り返して、「今回はチェレスタ（木管楽器の代わりに）と指板上の弦楽器のグリッサンドを伴う」という新しいオーケストレーションを提供している。[ 10 ]
フランツ・シューベルトの歌曲 の多くは、元々はピアノ伴奏付きの声楽のために作られたものですが、他の作曲家によって編曲されました。例えば、彼の「非常に力強く」「生々しい」歌曲「魔王」は、最初から「衰えることのないエネルギー」を伝えるピアノの序奏を持っています。[ 11 ]
エクトル・ベルリオーズ によるこの曲の編曲は、弦楽器を用いることで、原曲の持つ切迫感と脅威的な雰囲気を忠実に伝えている。
ベルリオーズは、6～8小節で木管楽器、ホルン、ティンパニを加えることで、楽曲に彩りを添えている。ベルリオーズは、いつものように華やかに、 6小節のホルンパートに変ホ音を加えることで和音にスパイスを加え、シューベルトの原曲のピアノパートにはない半減七の和音を作り出している。
この編曲とフランツ・リスト による同曲の編曲には微妙な違いがある。高音弦楽器の響きはより厚みがあり、ヴァイオリンとヴィオラが激しく繰り返されるオクターブをユニゾンで演奏し、ファゴットがチェロとコントラバスの音を重ねることでそれを補っている。ティンパニは使われていないが、トランペットとホルンが冒頭の小節のリズムに小さな刺激を与え、 2拍目で演奏することで弦楽器のむき出しのオクターブを強調している。
ベルリオーズとは異なり、リストは和声を変えてはいないが、6小節目で強調の仕方をやや変えており、オーボエとクラリネットのA音は弦楽器のG音と調和するのではなく、むしろ耳障りな音になっている。
「シューベルトは数多くの編曲や編曲の対象となってきた。そのほとんどは、リストによる歌曲の編曲やベルリオーズによる魔王のオーケストレーションのように、原曲の作曲家よりも編曲者について多くを物語っているが、原曲の代わりとなるものでない限り、それらは興味深いものとなり得る。」[ 12 ]
グスタフ・マーラーの「さすらう若者の歌」は、もともとピアノ伴奏付きの声楽曲として作曲されました。作曲家が後にピアノパートを編曲した際には、アンサンブル用に書き直す際に、明瞭さと透明感を重視する彼の典型的な耳がうかがえます。以下は、第2歌「野原のほとりに朝がやってくる」の最後の部分の、オリジナルのピアノ版です。
このオーケストレーションは、木管楽器、弦楽器、ホルンによって生み出される多様なオーケストラの音色 を引き出すという、マーラーの細部へのこだわりを示している。彼はピアノパートの左手が奏でる本来のアルペジオをハープで表現している。また、2～4小節（上記）で左手が暗示する下降する半音階的な旋律線を抽出し、ホルンに与えている。
ポピュラー音楽の録音には、編曲家が追加した金管楽器、弦楽器、その他の楽器のパートが含まれることがよくあります。これらのパートは、オリジナルの作曲家が作曲したものではありません。ポップスの編曲家の中には、フルオーケストラを使ったパートを追加する人もいますが、費用がかかるため、これはあまり一般的ではありません。ポピュラー音楽の編曲には、既存の曲を新しい音楽的手法で再リリースすることも含まれる場合があります。これらの変更には、テンポ、拍子、調、楽器編成、その他の音楽的要素の変更が含まれます。
よく知られた例としては、ジョー・コッカーによるビートルズの「With a Little Help from My Friends」、クリームの「Crossroads」、アイク＆ティナ・ターナーによるクリーデンス・クリアウォーター・リバイバルの「Proud Mary」のカバーなどがある。アメリカのグループ、バニラ・ファッジとイギリスのグループ、イエスは、初期のキャリアを当時のヒット曲の大胆なアレンジに基づいて築いた。[ 13 ] [ 14 ]ボニー・ポインターは、 「 Heaven Must Have Sent You 」のディスコとモータウン風バージョンを演奏した。[ 15 ]ダンスミュージックなどのリミックスもアレンジとみなすことができる。[ 16 ]ジーン・ケリーはかつて、 MGMの音楽部門で最も重要な人物はアレンジャーだと述べたことがある。[ 17 ]
小編成のジャズコンボのアレンジは通常、非公式で最小限であり、クレジットもされない。大編成のアンサンブルでは一般的に記譜されたアレンジに対する要求が高かったが、カウント・ベイシーの初期のビッグバンドは、演奏者自身が考案し、記憶し（「演奏者の頭の中で」）、決して書き留めなかったヘッドアレンジが多いことで知られている。 [ 18 ]しかし、ビッグバンドのアレンジのほとんどは書き留められ、特定の編曲者にクレジットされた。カウント・ベイシーの後期のビッグバンドのためのサミー・ネスティコとニール・ヘフティのアレンジがその例である。[ 19 ]
ドン・レッドマンは、 1920年代にフレッチャー・ヘンダーソン楽団の一員としてジャズ編曲に革新をもたらした。レッドマンの編曲は、ビッグバンドのさまざまなセクションに、より複雑なメロディー表現とソロ演奏を導入した。 [ 20 ]ベニー・カーターは1930年代初頭にヘンダーソンの主要な編曲家となり、演奏家としての以前の評価に加えて、編曲能力でも知られるようになった。[ 20 ] 1938年からビリー・ストレイホーンは、デューク・エリントン楽団の非常に有名な編曲家となった。ジェリー・ロール・モートンは、最も初期のジャズ編曲家とみなされることがある。彼は1912年から1915年頃のツアー中に、自分の作曲した曲を「ピックアップバンド」が演奏できるようにパート譜を書き留めた。
ビッグバンドのアレンジは非公式にはチャートと呼ばれている。スウィング時代には、それらは通常、ポピュラーソングのアレンジか、全く新しい作曲だった。[ 21 ]デューク・エリントンとビリー・ストレイホーンによるデューク・エリントン・ビッグバンドのアレンジは通常新しい作曲であり、エディ・ソーターによるベニー・グッドマン・バンドのアレンジやアーティ・ショウによる自身のバンドのアレンジも新しい作曲だった。ビバップ時代以降、大まかなジャズ・コンボの作曲をビッグバンド用にアレンジすることがより一般的になった。[ 22 ]
1950年以降、ビッグバンドの数は減少したが、いくつかのバンドは存続し、編曲家たちは名高い編曲を提供した。ギル・エヴァンスは1950年代後半から1960年代初頭にかけて、レコーディングセッション専用の大規模アンサンブル編曲を数多く手がけた。その他、著名な編曲家には、ヴィック・ショーン、ピート・ルゴロ、オリバー・ネルソン、ジョニー・リチャーズ、ビリー・メイ、サド・ジョーンズ、マリア・シュナイダー、ボブ・ブルックマイヤー、ルー・マリーニ、ネルソン・リドル、ラルフ・バーンズ、ビリー・バイヤーズ、ゴードン・ジェンキンス、レイ・コニフ、ヘンリー・マンシーニ、レイ・リーチ、ヴィンス・メンドーサ、クラウス・オガーマンなどがいる。
21世紀に入り、ビッグバンドのアレンジはささやかながら復活を遂げた。ゴードン・グッドウィン、ロイ・ハーグローブ、クリスチャン・マクブライドは皆、オリジナル曲とスタンダード曲の新しいアレンジの両方を携えた新しいビッグバンドを結成した。[ 23 ]
弦楽器セクションは、さまざまな弓奏弦楽器で構成された楽器群です。19 世紀までに、ヨーロッパのオーケストラ音楽では、弦楽器セクションは次のような均質な楽器グループに標準化されました。第 1ヴァイオリン、第 2 ヴァイオリン (第 1 ヴァイオリンと同じ楽器ですが、通常は第 1 ヴァイオリンの伴奏または和声パートを演奏し、多くの場合、より低い音域で演奏します)、ヴィオラ、チェロ、コントラバス。複数のセクションからなるオーケストラの弦楽器セクションは、「弦楽合唱団」と呼ばれることもあります。[ 24 ]
ハープも弦楽器ですが、ヴァイオリン属の楽器ではなく、ヴァイオリン属の楽器と同質でもなく、弦楽合奏の一部とはみなされていません。サミュエル・アドラーは、ハープをギター（アコースティックまたはエレクトリック）、マンドリン、バンジョー、またはツィターと同じカテゴリーの撥弦楽器に分類しています。[ 25 ]ハープと同様に、これらの楽器はヴァイオリン属の楽器ではなく、弦楽合奏の一部でもありません。現代の編曲では、これらの楽器はリズムセクションの一部とみなされます。エレクトリックベースとアップライトベースは、状況に応じて、編曲者によって弦楽器またはリズムセクションの楽器として扱われることがあります。[ 26 ]
各メンバーが他の同じ楽器とユニゾンで演奏するのではなく、それぞれ独自のパートを演奏する楽器のグループは、室内楽アンサンブルと呼ばれます。[ 27 ]ヴァイオリン属の弦楽器のみで構成された室内楽アンサンブルは、その規模で呼ばれます。弦楽三重奏は3人、弦楽四重奏は4人、弦楽五重奏は5人などです。
ほとんどの場合、編曲者は弦楽器セクションを均質な一つの単位として扱い、そのメンバーは即興演奏ではなく、あらかじめ用意された楽曲を演奏することが求められる。
弦楽器セクションは単独で使用することも（これを弦楽オーケストラと呼ぶ）[ 28 ]、他の楽器セクションと組み合わせて使用することもできます。複数の弦楽オーケストラを使用することも可能です。
標準的な弦楽器セクション（ヴァイオリン、ヴァイオリン2、ヴィオラ、チェロ、コントラバス）を各セクションがユニゾンで演奏することで、編曲者は5声部のテクスチャーを作り出すことができます。編曲者は、より密度の高いテクスチャーを実現するために、各ヴァイオリンセクションを半分または3分の1に分割することがよくあります。この分割を論理的な極限まで推し進め、弦楽器セクションの各メンバーがそれぞれ独自のパートを演奏することも可能です。
オーケストラピットやホールの大きさなど、芸術的、予算的、物流上の懸念事項によって、弦楽器セクションの規模と楽器編成が決定されます。 1957年にブロードウェイミュージカル「ウエスト・サイド・ストーリー」がウィンターガーデン劇場で上演されました。作曲家のレナード・バーンスタインは、そこで使わなければならない「ハウス」のヴィオラ奏者の演奏を好まなかったため、ショーの楽器編成から彼らを除外することにしました。その結果、ピットに打楽器セクションを拡張するためのスペースが確保されました。[ 29 ]
ビートルズのプロデューサー兼編曲家であるジョージ・マーティンは、同じ楽器が2つだけユニゾンで演奏する場合の音程の問題について編曲家に警告している。「弦楽四重奏の後では、各パートに少なくとも3人の奏者がいない限り、弦楽器で満足のいくサウンドは得られないと思う…一般的に、2つの弦楽器が一緒に演奏されると、わずかな『ビート』が生じ、滑らかなサウンドにならない。」[ 30 ]音楽監督によって、異なる音楽的効果を生み出すために、弦楽器奏者の人数や各パート間のバランスが異なる場合がある。
弦楽器のセクション内では、どのような組み合わせや数の楽器構成も可能ですが、伝統的な弦楽器セクションのサウンドは、バイオリンを多く含む楽器構成によって実現されます。