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ウィリアム・トーマス・ストレイホーン（1915年11月29日 - 1967年5月31日）[ 1 ]は、アメリカのジャズ作曲家、ピアニスト、作詞家、編曲家で、バンドリーダー兼作曲家のデューク・エリントンと30年近くコラボレーションした。彼の作品には、「A列車で行こう」、「チェルシー橋」、「花は愛らしいもの」、「ラッシュ・ライフ」などがある。
ストレイホーンはアメリカ合衆国オハイオ州デイトンで生まれた。 [ 1 ]その後、家族はペンシルベニア州ピッツバーグのホームウッド地区に引っ越した。母親の家族はノースカロライナ州ヒルズボロ出身で、母親は父親の酔っぱらいの怒りから彼を守るために彼をそこに送った。ストレイホーンは幼少期の多くの月をヒルズボロの祖父母の家で過ごした。インタビューでストレイホーンは、人生最初の10年間は祖母が主な影響を与えたと語っている。彼は祖母と一緒に暮らしている間に音楽に興味を持ち、祖母のピアノで賛美歌を弾いたり、ビクトローラのレコードプレーヤーでレコードを聴いたりした。[ 2 ]
ストレイホーンは小学校在学中にピッツバーグに戻った。初めてのピアノを買うためにお金を稼ぐために様々な仕事をし、シャーロット・エンティ・キャトリンからレッスンを受けた。[ 3 ]彼はウェスティングハウス高校に通い、後にジャズピアニストのエロール・ガーナーとアーマッド・ジャマルも通った。彼は学校のバンドで演奏し、エロール・ガーナーとメアリー・ルー・ウィリアムズも指導したカール・マクヴィッカーに師事した。彼はピッツバーグ音楽院でしばらくクラシック音楽を学び、ミュージカルを執筆し、地元のラジオ局で毎日演奏するトリオを結成し、「Life Is Lonely」（後に「Lush Life」と改名）、「My Little Brown Book」、「Something to Live For」などの曲を作詞作曲した。19歳になる頃には、プロのミュージカル「Fantastic Rhythm 」の作曲をしていた。
ストレイホーンの当初の野望はクラシック作曲家になることだったが、当時白人がほぼ完全に支配していたクラシック界で黒人が成功しようとする厳しい現実によって阻まれた。ストレイホーンは19歳の時にアート・テイタムやテディ・ウィルソンといったピアニストの音楽に出会った。これらのミュージシャンの芸術的影響により、彼はジャズの世界へと導かれ、その後生涯にわたってジャズに身を置いた。彼が初めてジャズに触れたのは、ピッツバーグ周辺で演奏していたマッド・ハッターズというコンボだった。ストレイホーンの同級生であるギタリストのビル・エッシュとドラマーのミッキー・スクリマも、彼がジャズへと転向する上で影響を与え、彼は1937年以降、バディ・マローンのピッツバーグ・ダンスバンドのために編曲を始めた。[ 4 ]
ストレイホーンは1933年にピッツバーグでデューク・エリントンの演奏を聴き、1938年12月にエリントンが再び同地で演奏した後に彼と会った。彼はまず、エリントンの曲の1曲を自分ならどのようにアレンジするかを説明し、次にそれをバンドリーダーに見せた。エリントンは感銘を受け、他のバンドメンバーをストレイホーンの演奏を聴かせるよう招いた。ジャズ史家で評論家のテッド・ジオイアは、「その夜エリントンの注意を引いた曲『ラッシュ・ライフ』は、その切ないメロディーラインと心に残る歌詞の詩情、そしてティン・パン・アレーよりもクラシック音楽の特徴である壮大なハーモニーに支えられた、最も偉大なジャズ・バラードの1つとして際立っている」と述べている。[ 5 ]訪問の最後に、エリントンはバンドがニューヨークに戻ったときにストレイホーンと会うよう手配した。ストレイホーンはその後25年間、アレンジャー、作曲家、時折ピアニスト、そしてコラボレーターとしてエリントンのために働き、癌で亡くなるまで続いた。エリントンは彼について、「ビリー・ストレイホーンは私の右腕であり、左腕であり、私の後頭部にあるすべての目であり、彼の頭の中にある私の脳波であり、私の頭の中にある彼の脳波だった」と述べている。[ 6 ]
ストレイホーンは才能あふれる作曲家兼編曲家で、エリントンの陰で才能を開花させたように見えた。エリントンは間違いなく父親のような存在で、バンドは小柄で温厚なストレイホーンを愛情深く守っていた。バンドからは「ストレイズ」「ウィーリー」「スウィート・ピー」という愛称で呼ばれていた。エリントンはストレイホーンを利用して自分の考えを完成させ、新しい音楽のアイデアを取り入れた（そして時にはその逆もあった）[ 7 ]。同時に、ストレイホーンには自由に作曲し、少なくとも一定の評価を得る権利を与えていた。エリントンはストレイホーンの作品の一部を自分の手柄としたが、パートナーを悪意を持ってかき消そうとはしなかった。エリントンはステージ上で「ストレイホーンが多くの仕事をしているのに、私が喝采を浴びるんだ！」などと冗談を言っていた。[ 8 ]一方、エリントンは、ストレイホーンに全く触れずに自分を頻繁にクレジットする広報担当者の習慣に反対しなかった。そして、ストレイホーンは不満を隠そうとしたものの、少なくとも友人たちには、「エリントンの名声が高まるにつれて、自分が公に認められていないことへの不安が深まっている」ことを明らかにした。[ 9 ]
オーケストラに入団後、ストレイホーンはエリントンと共に楽譜を読み始め、「真剣に研究」し、「巨匠のスタイル、あるいは後にこの若者が名付けた『エリントン効果』の秘密を解き明かし始めた」 [ 10]。エリントンの伝記作家ジョン・エドワード・ハッセは次のように述べている[ 11 ]。
ストレイホーンはエリントンの作曲スタイルを完璧に習得し、二人は驚くほど親密な音楽上の協力者となったが、私生活では正反対だった。身長185センチのハンサムなエリントンは、どこへ行ってもカリスマ性と威厳を放ち、人々を魅了し操り、多くの女性と関係を持ったが、天使のようなストレイホーンは身長160センチと小柄で、内気で物静かで、眼鏡をかけ、控えめで、同性愛者だった。性格は正反対だったにもかかわらず、二人は極めて緊密な音楽的、仕事上の関係を築き、それはストレイホーンの死によってのみ終わった。
ストレイホーンは、多くの人がエリントン楽団の絶頂期と考える1940年と1941年の直前に楽団に加わった。エリントンは、他にも2人の重要なメンバーを雇っていた。1人は、短い生涯にもかかわらず、その楽器でジャズ演奏に革命をもたらしたベーシストのジミー・ブラントン、もう1人は偉大なテナーサックス奏者のベン・ウェブスターである。[ 12 ] [ 13 ]ストレイホーンの伝記作家であるデイヴィッド・ハイドゥは、「ブラントン＝ウェブスター楽団を率い、ストレイホーンが意欲的な作品を提出したことで、新たな挑戦に挑んだエリントンは、彼自身の転換点を迎えた。1940年代初頭に彼が録音した作品は、活力を得た巨匠が、決意に満ちた最高の状態で仕事をしていることを示すものである」と述べている。[ 14 ]テッド・ジオイアは著書『ジャズの歴史』の中で、「1940年代初頭からのエリントンの録音遺産は、非常に豊かである。この時期のビクター盤は、ジャズのイディオムにおける最高の成果に匹敵する」と述べている。[ 15 ]バンドの3人の新メンバーは親しくなり、親友となり、時にはトリオとして一緒に演奏した。[ 16 ]
この時期、ストレイホーンはデューク・エリントン・オーケストラの有名な代表曲「A列車で行こう」（1941年に初録音）をはじめ、バンドのレパートリーに欠かせない数々の楽曲を作曲した。[ 1 ]場合によっては、ストレイホーンは「Raincheck」（1941年）、「Chelsea Bridge」（1941年）、「A Flower Is a Lovesome Thing」（1941年）、「After All」（1942年）、「Johnny Come Lately」（1942年）、「My Little Brown Book」（1944年）、「Passion Flower」（1944年）、「Lotus Blossom」（1946年）などの作品で完全なクレジットを受けていますが、彼の他の作品、「Something to Live For」（1939年）、「Grievin ' 」（1939年）、「Day Dream」（1940年）、「Just A-Sittin' and A-Rockin」（1941年）などはエリントンとのコラボレーションとして記載されています。[ 17 ]ストレイホーンは、エリントンの長編作品『ブラック、ブラウン・アンド・ベージュ』（1943年）の「シュガー・ヒル・ペントハウス」セクションも作曲したが、クレジットはされていない。 [ 18 ]ストレイホーンは、エリントンのバンド内バンドの録音の多くを編曲し、クラシック音楽の幅広い知識を活かして、デュークの作品にハーモニーの明瞭さと洗練さをもたらした。[ 19 ]さらに、ストレイホーンは、ライブでもスタジオでも、特に「レインチェック」や「チェルシー・ブリッジ」などの自身の作品の録音で、エリントン・オーケストラとピアノを演奏することが多かった。[ 20 ]
ピアニストとして、ストレイホーンは同僚の間で絶大な評判を得ていた。1940年代にはバド・パウエルと激しい演奏対決を繰り広げ、その対決を目撃したディジー・ガレスピーはストレイホーンについて「いやあ、本当に、彼はピアノをひっくり返したよ」と語っている。マックス・ローチは、ミントンズ・プレイハウスでの別の機会に、様々なピアニストが順番に観客の前で演奏していたが、ストレイホーンの演奏の後には「誰も彼の後にピアノに向かおうとしなかった。それほど彼は素晴らしかった」と付け加えた。[ 21 ]
1950年、ストレイホーンはエリントンの初のLPアルバム『Masterpieces by Ellington』のために、1930年代の名曲「Mood Indigo」、「Sophisticated Lady」、「(In My) Solitude」に加え、比較的新しい交響詩「The Tattooed Bride」の、より長く複雑な新しい「コンサート」アレンジをエリントンと共に作り上げた。ストレイホーンとエリントンは共にこのアルバムでピアノを演奏したが、ストレイホーンのアレンジャーとしての貢献はクレジットされなかった。同様にクレジットされなかったが、ストレイホーンはエリントンの14分間の作品「A Tone Parallel to Harlem」（1951年）に約30秒の音楽を提供した。[ 22 ]エリントンは、後に『A Drum Is a Woman』（1956年）、『Such Sweet Thunder』（1957年）、『The Perfume Suite』（1957年）、『Far East Suite』（1966年）などの大規模作品でストレイホーンを共同制作者として十分に認めており、これらの作品ではストレイホーンとエリントンは緊密に協力した。[ 23 ]
1954年、ストレイホーンはエリントンのリフのスケッチを膨らませ、ハーモニーと歌詞を加えて、エリントンのキャリア最後のシングルヒット曲「サテン・ドール」を作り上げました。しかし、ストレイホーンの歌詞はジョニー・マーサーによって新しいものに置き換えられ、オリジナルの歌詞は残っていません。[ 24 ] 1956年、ストレイホーンは歌手のローズマリー・クルーニーとアルバム「ブルー・ローズ」で特別な仕事を引き受けました。エリントン・オーケストラはニューヨークでインストゥルメンタル・トラックを録音し、その後ストレイホーンはロサンゼルスに行ってクルーニーのオーバーダビングされたボーカルを監督しました。しかし、クルーニーは当時妊娠後期で、常に吐き気に悩まされており、録音作業は非常に困難でした。ストレイホーンは彼女に言った。「いいかい、ハニー。君は自分の家にいて、自分の部屋に座っている。ラジオをつけると、デューク・エリントンが流れてくる！素晴らしい！君はデューク・エリントンが大好きだ。だから一緒に歌い始めるんだ。髪をとかしながら、鏡を見ながら、ラジオに合わせて歌うんだ。いいかい？」クルーニーは「それで私は決心した。それからは大丈夫だった」と言った。[ 25 ] [ 26 ]オールミュージックは回顧レビューで「結果は驚くべきものだ…[クルーニー]は、巨匠とレコードで共演した最も偉大なボーカリストの一人として容易にランクインする」と述べた。[ 27 ]
ストレイホーンの1950年代の注目すべき作品には、「All Day Long」（1951年）、「Boo-Dah」（1953年）、「Pretty Girl」（別名「The Star-Crossed Lovers」、1956年）、「Snibor」（1956年）、および「Upper Manhattan Medical Group」（別名「UMMG」、1956年）などがあり、これらはすべてストレイホーンに正しくクレジットされている。[ 28 ]
デトロイト・フリー・プレスの音楽評論家マーク・ストライカーは、オットー・プレミンジャー監督、ジミー・スチュワート主演の古典的な法廷ドラマである1959年のハリウッド映画『或る殺人』のスコアにおけるストレイホーンとエリントンの作品は「不可欠ではあるが、エリントンとストレイホーンの傑作組曲『 Such Sweet Thunder』や『Far East Suite』のような作品と比べると、やや粗削りな部分があり、最高峰には及ばないものの、最もインスピレーションに満ちた瞬間はそれらに匹敵する」と結論付けている。 [ 29 ]映画史家は、このサウンドトラックを「画期的なもの、つまり、映画の中で視覚的に確認できない、あるいはアクションによって示唆されない音楽（スクリーン上のバンドなど）で構成された、アフリカ系アメリカ人による最初の重要なハリウッド映画音楽」と認識している。このスコアは「それまでのジャズ・スコアの特徴であった文化的ステレオタイプを避け、60年代のニューウェーブ映画を予見させるような形で、視覚への厳密な固執を拒否した」。 [ 30 ]
1960年、二人はコロンビア・レコードからリリースされたアルバム『くるみ割り人形組曲』のアレンジでコラボレーションし、チャイコフスキーの「くるみ割り人形」をジャズ風にアレンジした。[ 31 ]オリジナル・アルバムのジャケットは、エリントンの写真とともにストレイホーンの名前と写真が掲載されていることで注目に値する。
翌年、エリントンとストレイホーンはパリへ行き、マーティン・リット監督の映画『パリ・ブルース』（1961年）の音楽を作曲した。当初、この映画の脚本は異人種間の恋愛を題材としていたが、映画製作の過程でこのテーマは放棄され、より一般的な表現に変更されたため、作曲家と主演のポール・ニューマンとシドニー・ポワチエの両方が失望した。ストレイホーンの「パリ生活への愛着」のため、エリントンはしばしば一人で音楽制作に取り組むことになり、映画のオープニング曲が「A列車で行こう」であるにもかかわらず、ストレイホーンは映画のクレジットに名前が載らなかった。エリントンの友人スタンリー・ダンスによるジャズタイムズ誌のレビューは、映画と音楽の両方を批判していたが、音楽はアカデミー賞にノミネートされた。[ 32 ] [ 33 ]パリ滞在中、ストレイホーンはエリントン楽団から離れて最も重要な録音である『ザ・ピースフル・サイド』（ユナイテッド・アーティスツ、1963年発売）を制作した。
この時期にストレイホーンがエリントンとは別に手がけたもう一つの重要なプロジェクトは、アルバム『ジョニー・ホッジス・ウィズ・ビリー・ストレイホーン・アンド・ジ・オーケストラ』である。このアルバムでは、ホッジスがエリントンのオーケストラと共演し、フィーチャード・ソリストとして演奏しているが、エリントン本人は参加していない。ストレイホーンは編曲と指揮を担当し、ジミー・ジョーンズがピアノを演奏した。プロデューサーのクリード・テイラーは、「ストレイホーンの作曲と編曲の色彩、あのゴージャスで流麗で夢のような色彩を披露したかった。…私は彼に全権を委任し、彼は美しいレコードを制作した」と語っている。[ 34 ] [ 35 ]
1965年6月、余命2年を切ったストレイホーンは、デューク・エリントン・ジャズ協会の主催で、450席のニュー・スクール講堂で、満席の観客（著名なジャズミュージシャンも多数）を前に、リーダーとして最初で唯一のコンサートを行った。プログラムは3部構成で、ソロピアノ、ベーシストのウェンデル・マーシャルとドラマーのデイヴ・ベイリーとのトリオ、そしてクラーク・テリーを含むエリントン楽団のメンバー数名との小編成コンボだった。コンサートに出席したピアニストのランディ・ウェストンは、「彼が上手いことは知っていたが、あのコンサートまでは、彼がこれほど素晴らしいピアニストだとは知らなかった。会場は彼の演奏に圧倒された」と語った。このコンサートは、ダウンビート誌の評論家ダン・モーゲンシュテルンからも絶賛された。「彼が演奏するすべての曲には、稀有な形式と展開の感覚が込められており、彼のメロディーやハーモニーが凡庸な演奏家によって陥りがちな空虚な陶酔感は全くない。」[ 36 ]
1964年1月から1965年8月にかけて、ストレイホーンはリーダーとして最後のレコーディングを行った。これには小編成グループでのセッション、ボーカリストのオジー・ベイリーとの共演、そしてソロピアノの録音が含まれる。これらの録音は、1992年にレッド・バロン・レコードからリリースされたCD 『ビリー・ストレイホーン：ラッシュ・ライフ』に収録されている。
エリントンとストレイホーンは、ストレイホーンの健康状態が深刻に悪化していた1966年に、最後の主要なコラボレーション作品である「極東組曲」を完成させた。 [ 37 ]エリントンの伝記作家ジョン・エドワード・ハッセは、「この組曲は、1940年代初頭以来の彼らの最高傑作とみなされている」と述べている。[ 38 ]しかし、このアルバムはストレイホーンの死後1ヶ月経ってからリリースされた。
作曲家であり作家でもあるグンター・シューラーは、「エリントンとストレイホーンの音楽的コラボレーションは、その種類と質の両面において、音楽史において他に類を見ないものである。（質の面で他に思い浮かぶ例は、ギル・エヴァンスとマイルス・デイヴィスだけである。）しかし、エリントンとストレイホーンの場合、両者とも作曲家兼編曲家でありピアニストであったため、その類似性は非常に高く、一方の作品がどこで終わり、もう一方の作品がどこから始まるのかを確実に判断することはしばしば不可能である。」と書いている。[ 39 ]
1939年3月から5月にかけて、オーケストラとの2度目のヨーロッパツアーに出発する直前、エリントンは妹のルースと息子のマーサー・エリントンに、ストレイホーンが「私たちのところに滞在する」と告げた。[ 40 ]マーサーを通じて、ストレイホーンは最初のパートナーであるアフリカ系アメリカ人ミュージシャンのアーロン・ブリジャーズと出会い、ブリジャーズが1947年にパリに移住するまで彼と暮らした。[ 41 ]
大人になってから、ストレイホーンは友人やエリントン楽団のメンバーにゲイであることを公言していた。[ 42 ] [ 43 ]彼は公民権運動に参加し、マーティン・ルーサー・キング・ジュニアの友人として、 1963年にエリントン楽団のためにキングに捧げられた歴史的レビュー（およびアルバム）「マイ・ピープル」のために「キング・フィット・ザ・バトル・オブ・アラバマ」を編曲・指揮した。
ストレイホーンはレナ・ホーンのキャリアに大きな影響を与え、ホーンはストレイホーンと結婚したいと願い、彼を生涯の恋人と考えていた。[ 44 ]ストレイホーンは自身のクラシック音楽のバックグラウンドを活かしてホーンの歌唱技術を向上させ、二人は一緒に曲を録音した。1950年代、ストレイホーンは数年間エリントンを離れ、自身のソロキャリアを追求した。彼はいくつかのソロアルバムをリリースし、オリジナル・コパセティックスのレビューを行い、友人のルーサー・ヘンダーソンと共に劇場作品に取り組んだ。
ストレイホーンは1967年5月31日、食道がんとの3年間の闘病の末、51歳でニューヨーク市で亡くなった。彼のパートナーであるビル・グローブは、ストレイホーンの死の瞬間に付き添っていた。しばしば誤って伝えられているように、彼はレナ・ホーンの腕の中で息を引き取ったわけではない。彼女自身の話によると、ストレイホーンの死の知らせを受けた時、彼女はヨーロッパをツアー中だった。[ 45 ]彼の遺灰は、親しい友人たちの集まりによってハドソン川に撒かれた。 [ 46 ]
入院中、彼は最後の作品をエリントンに提出した。「ブラッド・カウント」は、ストレイホーンの死後数か月後に録音されたエリントンのストレイホーン追悼アルバム『 ...アンド・ヒズ・マザー・コールド・ヒム・ビル』の3曲目として使用された。 [ 1 ]アルバムの最後のトラックは、エリントンがピアノに座って演奏した「ロータス・ブロッサム」のソロバージョンで、バンド（バックグラウンドで聞こえる）が正式な録音セッション終了後に片付けをしている間に演奏した。[ 47 ]
ストレイホーンの功績を称えるペンシルベニア州の歴史標識が、彼が卒業したピッツバーグのウェスティングハウス高校に設置された。[ 48 ]ノースカロライナ州では、ストレイホーンを称える高速道路の歴史標識が、彼の幼少期の家の近く、ヒルズボロのダウンタウンにある。ストレイホーンはヒルズボロのダウンタウンにある壁画にも描かれている。[ 49 ]
ピッツバーグのイースト・リバティ地区にあった旧リージェント劇場は、 2000年にストレイホーンとピッツバーグ在住のジーン・ケリーを称えてケリー・ストレイホーン劇場と改名された。ここは地域密着型の舞台芸術劇場である。[ 50 ]
2015年、ストレイホーンはイリノイ州シカゴのノース・ハルステッド・ストリートにあるレガシー・ウォークに殿堂入りした。[ 51 ]
エリントンは自伝や『セカンド・セイクリッド・コンサート』の朗読部分で、ストレイホーンの「4つの主要な道徳的自由」として、次のようなものを列挙した。「無条件の憎しみからの自由、自己憐憫からの自由（あらゆる苦痛や悪い知らせがあっても）、自分自身よりも他人を助けるかもしれないことをするかもしれないという恐れからの自由、そして、自分が兄弟や隣人よりも優れていると思わせるようなプライドからの自由」[ 52 ] 。
ジャズピアニストのフレッド・ハーシュはストレイホーンについて、「彼は四拍子揃った才能の持ち主だった。ジャズ曲の偉大な作曲家であり、一流のジャズピアニストであり、素晴らしいソングライター（音楽と歌詞）であり、ジャズオーケストラの史上最高の編曲家の一人だった」と書いている。[ 53 ]
ストレイホーンがデューク・エリントン・オーケストラと編曲または演奏を行ったアルバムについては、デューク・エリントンのディスコグラフィーを参照してください。
ジョニー・ホッジスと共に
ジョヤ・シェリルと共に
ベン・ウェブスターと共に