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電子楽器、またはエレクトロフォンとは、電子回路を用いて音を出す楽器のことです。このような楽器は、電気信号、電子信号、またはデジタル音声信号を出力し、それが最終的にパワーアンプに接続されてスピーカーを駆動し、演奏者と聴衆が聞く音を作り出します。
電子楽器には、音を制御するためのユーザーインターフェースが備わっている場合があり、多くの場合、各音符のピッチ、周波数、または持続時間を調整することで音を制御します。一般的なユーザーインターフェースは音楽キーボードで、これはアコースティックピアノの鍵盤と同様に機能します。アコースティックピアノでは、鍵盤はそれぞれ機械的に弦を叩くハンマーにリンクされています。一方、電子キーボードでは、キーボードインターフェースはシンセサイザーモジュール、コンピュータ、またはその他の電子またはデジタル音源に接続され、そこから音が生成されます。しかし、ユーザーインターフェース機能と音源生成機能をそれぞれ音楽コントローラ（入力デバイス）と音楽シンセサイザーに分離し、 MIDIやOpen Sound Controlなどの音楽演奏記述言語を介して2つのデバイスが通信する方式がますます一般的になっています。電子キーボードのソリッドステート構造は、機械的に接続されたピアノの鍵盤の操作とは異なる感触と反応を提供し、演奏に斬新な体験をもたらします。
すべての電子楽器は、音声信号処理アプリケーションのサブセットとみなすことができる。単純な電子楽器は効果音と呼ばれることもあり、効果音と実際の楽器との境界はしばしば曖昧である。
21世紀に入り、電子楽器はほとんどの音楽ジャンルで広く使われるようになりました。エレクトロニック・ダンス・ミュージックなどのポピュラー音楽では、録音に使用される楽器音のほぼすべてが電子楽器（ベースシンセ、シンセサイザー、ドラムマシンなど）です。新しい電子楽器、コントローラー、シンセサイザーの開発は、活発かつ学際的な研究分野であり続けています。国際音楽表現のための新しいインターフェースに関する国際会議のような専門会議が開催され、最先端の研究成果を発表するとともに、新しい電子楽器、コントローラー、シンセサイザーを用いて演奏や作曲を行うアーティストの発表の場を提供しています。
音楽学において、電子楽器はエレクトロフォンと呼ばれます。エレクトロフォンは、ホルンボステル＝ザックス分類体系における楽器の5番目のカテゴリーです。音楽学者は通常、パイプオルガンなどの電子制御式アコースティック楽器やエレキギターなどの増幅楽器を除き、音が最初に電気によって生成される場合にのみ音楽をエレクトロフォンに分類します。
このカテゴリーは、1940年にザックスが著した『楽器の歴史』[ 1 ]の中で、ホルンボステル＝ザックスの楽器分類システムに追加されました。1914年のオリジナル版には含まれていませんでした。ザックスは、エレクトロフォンを3つのサブカテゴリーに分類しました。
最後のカテゴリーには、テルミンやシンセサイザーなどの楽器が含まれており、彼はそれらを無線電気楽器と呼んだ。
フランシス・ウィリアム・ガルピンは、ザックス＝ホルンボステルよりもマヒヨンに近い独自の分類体系で、そのようなグループを提供した。例えば、ガルピンの1937年の著書『ヨーロッパ楽器教科書』では、音の発生方法（「振動式」、「電磁式」、「静電式」）による3つの第2レベルの区分と、制御方法に基づく第3レベルおよび第4レベルのカテゴリで電子電話を分類している。[ 2 ]
現代の民族音楽学者、例えばマーガレット・カルトミ[ 3 ]やテリー・エリントン[ 4 ]は、ホルンボステル・ザックスの元の分類体系の精神に沿って、楽器を最初に音を出すものによって分類する場合、サブカテゴリー53だけが電気鳴楽器のカテゴリーに残るべきだと提唱している。そのため、例えばパイプオルガン（ソレノイドバルブを制御するために電気鍵盤アクションを使用している場合でも）は気鳴楽器のカテゴリーに、エレキギターは弦鳴楽器のカテゴリーに残るべきだと、より最近では提案されている。
18世紀、音楽家や作曲家は、電気という新しい技術を活用するために、数多くの音響楽器を改良した。最も広い意味では、最初の電気楽器は1753年に作られたドニ・ドール鍵盤楽器であり、そのすぐ後に1761年にフランス人のジャン＝バティスト・ド・ラボルドがクラヴサン・エレクトリックを発明した。ドニ・ドールは700本以上の弦を持つ鍵盤楽器で、音質を向上させるために一時的に電気が流されていた。クラヴサン・エレクトリックは、電気的に作動するピック（プレクトラム）を備えた鍵盤楽器だった。しかし、どちらの楽器も音源として電気を使用していたわけではない。
最初の電気シンセサイザーは、1876年にエリシャ・グレイによって発明されました。[ 5 ] [ 6 ]「ミュージカル・テレグラフ」は、グレイが自己振動する電磁回路から音を制御できることを発見し、基本的な発振器を発明したときの、彼の電話技術の偶然の副産物でした。ミュージカル・テレグラフは、電磁石によって振動する鋼鉄製のリードを使用し、電話線を通して送信しました。グレイはまた、後のモデルに、磁場の中で振動する振動板からなるシンプルなスピーカー装置を組み込みました。
後に電子音楽に大きな影響を与えた重要な発明は、 1906年のオーディオンでした。これは最初の熱電子管、つまり真空管であり、電気信号の生成と増幅、ラジオ放送、電子計算などにつながりました。その他の初期のシンセサイザーには、テルハーモニウム（1897年）、テルミン（1919年）、イェルク・マーガーのスファロフォン（1924年）とパルティトゥーロフォン、タウブマンの類似のエレクトロンデ（1933年）、モーリス・マルトノのオンド・マルトノ（「マルトノ波」、1928年）、トラウトワインのトラウトニウム（1930年）などがあります。メラーティオン（1933年）は非標準スケールを使用し、ベルトランのダイナフォンはオクターブと完全5度を生成することができました。エミコンは1930年に作られたアメリカの鍵盤制御楽器で、ドイツのヘラーティオンは4つの楽器を組み合わせてコードを生成しました。ロシア製の楽器も3つ登場した。ウボウホフのクロワ・ソノール（1934年）、 アイヴァー・ダレグのマイクロトーン「電子キーボード・オーボエ」（1937年）、そしてロシアの科学者エフゲニー・ムルジンが1937年から1958年にかけて製作したANSシンセサイザーである。このシンセサイザーは2台しか製作されず、現存する唯一のものはモスクワのロモノーソフ大学に保管されている。これは『ソラリス』など多くのロシア映画で、独特な「宇宙的」な音を出すために使用されている。[ 7 ] [ 8 ]
ヒュー・ル・ケイン、ジョン・ハナート、レイモンド・スコット、作曲家のパーシー・グレインジャー（バーネット・クロスと共同）、その他多くの人々が、1940年代後半から1950年代にかけて、さまざまな自動電子音楽コントローラーを製作した。1959年、ダフネ・オラムは、35mmフィルムストリップ上の絵によって駆動される、オラミックス技法という斬新な合成方法を開発した。これは、BBCラジオフォニック・ワークショップ で数年間使用された。[ 9 ]このワークショップは、テレビシリーズ「ドクター・フー」のテーマ曲も手掛けており、この曲は主にデリア・ダービーシャーによって制作され、他のどの曲よりもイギリスにおける電子音楽の人気を確固たるものにした。
1897年、サディアス・ケイヒルはテルハーモニウム（またはテレハーモニウム、ダイナモフォンとも呼ばれる）と呼ばれる楽器の特許を取得した。加算合成によって音輪を用いて電気信号として音楽音を生成するこの楽器は、あらゆる音と倍音の組み合わせをあらゆるダイナミクスレベルで生成することができた。この技術は後にハモンドオルガンの設計に使用された。1901年から1910年の間に、ケイヒルは次第に大型化され複雑化した3つのバージョンを製作し、最初のものは7トン、最後のものは200トンを超えた。持ち運びは鉄道と30両の貨車のみで可能だった。1912年までに世間の関心は薄れ、ケイヒルの事業は破産した。[ 10 ]
1919年から1920年にかけて、多くの作曲家の関心を引いたもう一つの発展があった。レニングラードで、レオン・テルミンはエテロフォンを製作し、実演した。これは後にテルミンと改名された。これにより、騒音発生器や再利用された機械とは対照的に、電子楽器のための最初の作曲が生まれた。テルミンは、触れずに演奏できる最初の楽器として注目された。[ 11 ] 1929年、ジョセフ・シリンガーはテルミンとオーケストラのための「最初のエアフォニック組曲」を作曲し、クリーブランド管弦楽団とレオン・テルミンのソリストで初演された。翌年、ヘンリー・コーウェルはテルミンに、リズミコンと呼ばれる最初の電子リズムマシンの製作を依頼した。コーウェルはリズミコンのためにいくつかの曲を作曲し、1932年にシリンガーと共に初演した。
オンド・マルトノは、鍵盤で演奏するか、ワイヤーに沿ってリングを動かすことで、テルミンに似た揺らめく音を作り出す楽器です。[ 12 ]これは、軍用無線発振器間の偶然の音の重なりに触発され、チェロのような表現力を持つ楽器を作りたいと考えたフランスのチェリスト、モーリス・マルトノによって1928年に発明されました。[ 12 ] [ 13 ]
フランスの作曲家オリヴィエ・メシアンは、 1949年の交響曲「トゥランガリーラ交響曲」などの作品でオンド・マルトノを使用しており、彼の義理の妹ジャンヌ・ロリオは有名な演奏家でした。[ 14 ]数多くの映画やテレビのサウンドトラック、特にSF映画やホラー映画で使用されています。[ 15 ]現代のオンド・マルトノの使用者には、トム・ウェイツ、ダフト・パンク、レディオヘッドのギタリスト、ジョニー・グリーンウッドなどがいます。[ 16 ]
トラウトニウムは1928年に発明されました。これはサブハーモニック・スケールに基づいており、その結果生じる音は、1950年代のバイロイト音楽祭での『パルジファル』の公演のように、鐘やゴングの音を模倣するためによく使われました。1942年、リヒャルト・シュトラウスは、ドレスデン初演の『日本の祝祭音楽』で鐘とゴングのパートにトラウトニウムを使用しました。この新しいタイプの楽器は、本質的に微分音であるため、当初は作曲家によってゆっくりと採用されましたが、1930年代初頭には、これらの楽器やその他の電子楽器を取り入れた新しい作品が爆発的に増えました。
1929年、ローレンス・ハモンドは電子楽器製造会社を設立しました。彼はテルハーモニウムの原理に基づいたハモンドオルガンを製造し、初期のリバーブユニットなどの他の開発も行いました。[ 17 ]ハモンドオルガンは、機械部品と電子部品の両方を使用する電気機械式楽器です。ハモンドオルガンは、回転する金属製のトーンホイールを使用してさまざまな音を生成します。エレキギターのピックアップと同様の設計の磁気ピックアップを使用して、トーンホイールのピッチをアンプとスピーカーエンクロージャーに伝達します。ハモンドオルガンは、教会音楽用のパイプオルガンの低価格代替品として設計されましたが、ミュージシャンはすぐにハモンドがブルースやジャズに最適な楽器であることを発見しました。実際、オルガントリオ（通常はハモンドオルガン、ドラム、およびサックスまたはギターのいずれかの3番目の楽器）として知られる、この楽器を中心とした音楽のジャンル全体が発展しました。
市販された最初のシンセサイザーは、 1938年から1942年にかけてハモンド・オルガン社が製造したノヴァコードで、 12個の発振器による単安定マルチバイブレータベースの分周回路、基本的なエンベロープ制御、共振型ローパスフィルタを用いて72音ポリフォニーを実現した。この楽器には163本の真空管が使用され、重量は500ポンド（約227kg）であった。エンベロープ制御の採用は重要であり、現代のシンセサイザーを他の電子楽器と比較した最も特徴的な機能と言えるだろう。
最も一般的に使用されている電子楽器はシンセサイザーであり、これは様々な技術を用いて人工的に音を生成することからそう呼ばれている。初期の回路ベースのシンセシスはすべてアナログ回路、特に電圧制御アンプ、発振器、フィルターを使用していた。重要な技術的発展は、1956年にレイモンド・スコットがクラヴィボックス・シンセサイザーを発明し、ロバート・モーグがサブアセンブリを行ったことである。フランスの作曲家兼エンジニアのエドガー・ヴァレーズは、電子ホーン、ホイッスル、テープを用いて様々な楽曲を制作した。中でも特筆すべきは、1958年のブリュッセル万国博覧会のフィリップス館のために作曲した「Poème électronique」である。
RCAは1950年代に音声と音楽を合成する実験的な装置を製作した。ニューヨーク市のコロンビア・プリンストン電子音楽センターに設置されているMark IIミュージックシンセサイザー。RCAのハーバート・ベラーとハリー・オルソンが設計し、ウラジミール・ウサチェフスキーとピーター・マウジーが協力し、1957年にコロンビア大学に設置された。部屋ほどの大きさの相互接続されたサウンドシンセシス部品のアレイで構成され、機械式自動演奏ピアノに似て穴が開けられた紙テープシーケンサーを使用してピッチソースとフィルターを制御するプログラミングによってのみ音楽を生成することができた[ 6 ]が、さまざまな音を生成することができた。真空管システムは音色を作るためにパッチングする必要があった。
1960年代、シンセサイザーはその大きさゆえに、通常はスタジオ内に限定されていた。それらは通常モジュール式の設計で、独立した信号源とプロセッサーはパッチコードなどで接続され、共通の制御装置で制御されていた。ハラルド・ボーデ、ドン・ブクラ、ヒュー・ル・ケイン、レイモンド・スコット、ポール・ケトフらは、1950年代後半から1960年代初頭にかけて、こうした楽器を最初に製作した人物たちである。ブクラは後に、商用モジュラーシンセサイザーであるブクラ・ミュージック・イーゼルを製作した。[ 18 ]ピーター・モーゼイの教え子であり、RCAマークIIのエンジニアの一人であったロバート・モーグは、コロンビア大学プリンストン校在学中に回路を設計し、ミュージシャンが合理的に使用できるシンセサイザーを製作した。モーグ・シンセサイザーは、1964年のオーディオ・エンジニアリング・ソサエティのコンベンションで初めて展示されました。[ 19 ]音色を設定するには経験が必要でしたが、それまでのものよりも小型で直感的で、機械というよりは楽器に近いものでした。モーグは、ピッチ制御に1オクターブあたり1ボルトの対数を使用し、トリガー信号も別個にすることで、制御インターフェースの標準を確立しました。この標準化により、異なるメーカーのシンセサイザーを同時に動作させることが可能になりました。ピッチ制御は通常、オルガンスタイルのキーボードまたはタイミングを合わせた制御電圧を生成するミュージックシーケンサーで行われました。1960年代後半には、数百ものポピュラーなレコーディングでモーグ・シンセサイザーが使用されました。その他の初期の商用シンセサイザーメーカーには、モジュラーシンセサイザーから始まり、後にオールインワン楽器を製造したARPや、イギリスのEMS社などがあります。
1970年、モーグはキーボード内蔵の非モジュラーシンセサイザーであるMinimoogを設計した。アナログ回路はノーマライゼーションと呼ばれる簡略化された構成でスイッチを介して相互接続されていた。モジュラー設計よりも柔軟性は劣るものの、ノーマライゼーションにより楽器はより持ち運びやすく、使いやすくなった。Minimoogは12,000台売れた。[ 20 ]統合されたキーボード、ピッチホイールとモジュレーションホイール、VCO→VCF→VCA信号の流れにより、その後のシンセサイザーの設計をさらに標準化した。その太いサウンドとチューニングの問題で有名になった。小型化されたソリッドステート部品により、シンセサイザーは自己完結型のポータブル楽器となり、すぐにライブパフォーマンスに登場し、ポピュラー音楽や電子芸術音楽で急速に広く使用されるようになった。[ 21 ]
初期のアナログシンセサイザーの多くはモノフォニックで、一度に1つの音しか出せませんでした。人気のモノフォニックシンセサイザーには、Moog Minimoogなどがあります。Moog Sonic Six、 ARP Odyssey 、EML 101など、2つの鍵盤を同時に押すと2つの異なる音程を同時に出すことができるものもありました。 ポリフォニー（複数の音を同時に出すことで和音を演奏できる）は、当初は電子オルガンの設計でしか実現できませんでした。オルガン回路とシンセサイザー処理を組み合わせた人気の電子キーボードには、ARP OmniやMoogのPolymoog、Opus 3などがあります。
1976 年までに、ヤマハ CS-50、CS-60、CS-80、シーケンシャル サーキット Prophet-5、オーバーハイムFour-Voice など、手頃な価格のポリフォニック シンセサイザーが登場し始めました。これらは依然として複雑で重く、比較的高価でした。設定をデジタル メモリに記録することで、サウンドを保存および呼び出しできるようになりました。最初の実用的なポリフォニック シンセサイザーであり、コントローラとしてマイクロ プロセッサを使用した最初のシンセサイザーは、 1977 年後半に発表されたシーケンシャル サーキットProphet-5でした。 [ 22 ]ミュージシャンは初めて、すべてのノブ設定をコンピュータ メモリに保存し、ボタンをタッチするだけで呼び出すことができる実用的なポリフォニック シンセサイザーを手に入れました。Prophet-5 の設計パラダイムは新しい標準となり、より複雑で難解なモジュラー設計を徐々に押し出しました。
1935年、ドイツでまた一つ重要な出来事が起こった。アルゲマイネ・エレクトリシテーツ・ゲゼルシャフト（AEG）社が、世界初の市販磁気テープ録音機「マグネトフォン」を発表したのだ。 軽量で音質も優れているという利点を持つオーディオテープは、最終的にかさばるワイヤー録音機に取って代わることになった。
電子音楽という用語（1930年代に初めて使われた）には、テープレコーダーが不可欠な要素として含まれるようになった。「電子的に生成された音をテープに録音し、作曲家がそれを編曲して楽曲を形成する」[ 26 ] 。また、ミュジック・コンクレートにも不可欠だった。
テープはまた、最初のアナログ・サンプル再生キーボードであるチャンバーリン、そしてそのより有名な後継機であるメロトロンを生み出した。メロトロンは、1960年代初頭にイギリスのバーミンガムで開発・製造された電気機械式のポリフォニック・キーボードである。
1940年代から1960年代にかけて、アメリカの電子音楽作曲家レイモンド・スコットは、自身の電子音楽作品のために様々な種類の音楽シーケンサーを発明した。ステップシーケンサーは、（通常）16個のボタン、つまりステップのグリッドを使用して、音符の固定パターンを演奏した。各ステップは1小節の1/16に相当する。これらの音符パターンは、より長い楽曲を形成するために連結された。ソフトウェアシーケンサーは、1950年代以降、コンピュータ音楽の文脈で継続的に使用されており、コンピュータで演奏される音楽（ソフトウェアシーケンサー）、コンピュータで作曲される音楽（音楽合成）、コンピュータで音を生成する（音合成）などが含まれる。
最初のデジタルシンセサイザーは、デジタルコンピュータを使用したサウンド合成の学術的な実験でした。FM合成は、サウンドサンプルあたりの計算操作を最小限に抑えて複雑なサウンドをデジタルで生成する方法として、この目的のために開発されました。1983年、ヤマハは最初のスタンドアロンデジタルシンセサイザーであるDX-7を発表しました。これは、 1960年代後半にスタンフォード大学のジョン・チャウニングによって最初に開発された周波数変調合成（FM合成）を使用していました。 [ 27 ]チャウニングは1975年にFM合成の特許をヤマハに独占的にライセンス供与しました。[ 28 ]その後、ヤマハは最初のFMシンセサイザーであるGS-1とGS-2を発売しましたが、これらは高価で重かったです。続いて、主に家庭用オルガン市場をターゲットとした、4オクターブの鍵盤を備えた、より小型のプリセットバージョンのCE20とCE25コンボアンサンブルが発売されました。[ 29 ]ヤマハの第3世代デジタルシンセサイザーは商業的に成功を収めました。DX7とDX9 （ 1983年）で構成されていました。両モデルともコンパクトで手頃な価格で、カスタムデジタル集積回路を使用してFM音色を生成していました。DX7は初の量産型オールデジタルシンセサイザーでした。[ 30 ] 1980年代の多くの音楽アーティストにとって不可欠なものとなり、需要はすぐに供給を上回りました。[ 31 ] DX7は3年以内に20万台以上を売り上げました。[ 32 ]
DXシリーズはプログラミングが容易ではなかったものの、詳細でパーカッシブなサウンドを提供し、DXシンセサイザーよりも重く大きかった電気機械式のローズピアノの終焉につながった。FMシンセシスの成功を受けて、ヤマハは1989年にスタンフォード大学と契約を結び、デジタル導波管シンセシスを開発し、 1994年にヤマハ初の商用物理モデリングシンセサイザーであるVL-1を開発した。 [ 33 ] DX-7は、主にトッププロが使用していた以前の世代の高価なシンセサイザーとは異なり、アマチュアや若いバンドが購入できるほど手頃な価格だった。
初のポリフォニックデジタルサンプラーであるFairlight CMI （Computer Musical Instrument）は、サンプルベースのシンセサイザーの先駆けとなった。[ 34 ] 1978年にピーター・フォーゲルとキム・ライリーによって設計され、オーストラリアのシドニーでトニー・ファースが設計したデュアルマイクロプロセッサコンピュータをベースにしたFairlight CMIは、ミュージシャンに音量、アタック、ディケイを変更したり、ビブラートなどの特殊効果を使用したりする能力を与えた。サンプル波形は画面上に表示され、ライトペンを使用して変更することができた。[ 35 ]ニューイングランドデジタルのSynclavierも同様のシステムだった。[ 36 ]ジョン・アップルトン（ジョーンズとアロンソと共に）は、後にニューイングランドデジタル社のSynclavierとなるダートマスデジタルシンセサイザーを発明した。 1983年に初めて製造されたKurzweil K250もまた、複数の楽器を同期して再生する能力とベロシティ対応キーボードを備えていることで知られる、成功したポリフォニックデジタル音楽シンセサイザーであった。[ 37 ] [ 38 ]
重要な新たな展開は、音を操作したり作り出したりするのではなく、音楽を作曲する目的でコンピューターが登場したことである。イアニス・クセナキスは、数学的確率システムを用いる作曲法である「確率音楽」と呼ばれるものを始めた。一連のパラメーターに基づいて作品を作成するために、さまざまな確率アルゴリズムが使用された。クセナキスは、オーケストラ作品「メタスタシス」（1953 ～ 54年）のグリッサンドの速度軌跡を計算するのに方眼紙と定規を使用したが、後にコンピューターを使用して弦楽四重奏のための「ST/4」やオーケストラのための「ST/48」（いずれも1962年）などの作品を作曲した。
1956年もコンピュータの影響は続いた。レジャレン・ヒラーとレナード・アイザックソンは弦楽四重奏のための「イリアック組曲」を作曲した。これはアルゴリズム作曲を用いたコンピュータ支援作曲の最初の完全な作品である。[ 39 ]
1957年、ベル研究所のマックス・マシューズは、直接合成によってデジタル音声波形を生成する最初のコンピュータプログラム群であるMUSIC-Nシリーズを開発した。その後、バリー・ヴァーコーはMUSIC IV-BFをベースにした次世代音楽合成プログラムであるMUSIC 11を開発した（後にcsoundへと発展し、現在でも広く使用されている）。
80年代半ば、IRCAMのミラー・パケットは、 4X用のグラフィック信号処理ソフトウェアであるMax（マックス・マシューズにちなんで命名）を開発し、後にそれをMacintoshに移植しました（デイブ・ジカレッリがOpcode [ 40 ]用に拡張）。これにより、リアルタイムMIDI制御が可能になり、コンピュータプログラミングの知識がそれほどないほとんどの作曲家がアルゴリズム作曲を利用できるようになりました。
1980年、ミュージシャンと楽器販売業者のグループが集まり、新しい楽器が他の楽器や当時普及していたマイクロコンピュータと制御指示をやり取りするためのインターフェースを標準化しようとしました。この規格はMIDI（Musical Instrument Digital Interface ）と名付けられました。シーケンシャル・サーキット社のデイブ・スミス氏が論文を執筆し、1981年にオーディオ・エンジニアリング協会に提案されました。そして1983年8月、MIDI仕様1.0が最終決定されました。
MIDI技術の登場により、キーボードのキー操作、コントロールホイールの操作、ペダル操作、あるいはマイクロコンピュータからのコマンド一つで、スタジオ内のすべての機器を遠隔操作で同期させて作動させることが可能になり、各機器は作曲家によってあらかじめ設定された条件に従って反応するようになった。
MIDI楽器とソフトウェアの登場により、高度な楽器を強力に制御できる技術が、多くのスタジオや個人にとって手頃な価格で利用可能になった。また、サンプリングやサンプリングROMベースの楽器を通して、アコースティックサウンドがスタジオに再び取り入れられるようになった。
音源電子機器（特にパーソナルコンピュータ）の性能向上とコスト低下に加え、MIDIおよびOpen Sound Controlという音楽演奏記述言語の標準化が進んだことで、楽器を音楽コントローラーと音楽シンセサイザーに分離することが容易になった。
最も一般的な音楽コントローラーは、音楽キーボードです。その他のコントローラーには、ラジオドラム、AkaiのEWIやYamahaのWXウィンドコントローラー、ギターのようなSynthAxe、BodySynth、[ 41 ] Buchla Thunder、Continuum Fingerboard、Roland Octapad 、 ThummerやKaossilator Proなどのさまざまなアイソモルフィックキーボード、I-CubeXのようなキットなどがあります。
Reactableは、バックライト付きのインタラクティブディスプレイを備えた円形の半透明テーブルです。テーブル表面上の「タンジブル」と呼ばれるブロックを配置・操作し、指のジェスチャーでディスプレイを操作することで、仮想モジュラーシンセサイザーが作動し、音楽や効果音が生成されます。
AudioCubesは、内蔵コンピュータシステムと充電式バッテリーで駆動する自律型ワイヤレスキューブです。内部にRGB照明を備え、互いの位置、向き、距離を検出できます。また、ユーザーの手や指までの距離も検出可能です。キューブとのインタラクションを通じて、様々な音楽・サウンドソフトウェアを操作できます。AudioCubesは、サウンドデザイン、音楽制作、DJ、ライブパフォーマンスなど、幅広い分野で活用されています。
KaossilatorとKaossilator Proは、タッチパッド上の指の位置によって2つの音の特性を制御できるコンパクトな楽器です。通常、左右の動きでピッチを変更し、上下の動きで音色特性、フィルター、またはその他のパラメーターを変更します。タッチパッドは、さまざまな音階とキーに設定できます。この楽器は、任意のテンポで長さを調整できる繰り返しループを録音でき、既存のループの上に新しいサウンドループを重ねることができます。これはエレクトロニックダンスミュージックに適していますが、通常のKaossilatorのパッドには機能がないため、音のシーケンスを制御する用途にはやや制限があります。
アイゲンハープはファゴットに似た大型楽器で、大きなボタン、ドラムシーケンサー、マウスピースを通して操作します。音の処理は別のコンピューターで行われます。
AlphaSphereは、圧力とタッチの両方に反応する48個の触覚パッドで構成された球状の楽器です。専用ソフトウェアを使用することで、パッドの機能、音程、圧力パラメーターなど、さまざまな設定を個別に、またはグループごとに無制限にプログラムできます。AlphaSphereの主なコンセプトは、電子音楽家が楽器のような演奏スタイルを実現できるようにすることで、表現の幅を広げることです。
チップチューン、チップミュージック、またはチップ音楽とは、コンピュータやビデオゲーム機のサウンドチップによってリアルタイムで多くの音のテクスチャが合成またはシーケンスされるサウンドフォーマットで書かれた音楽のことで、サンプルベースの合成や低ビットのサンプル再生が含まれる場合もあります。多くのチップ音楽デバイスは、低レートのサンプル再生と連携したシンセサイザーを搭載していました。
1970年代後半から1980年代初頭にかけて、DIY設計が趣味の電子工作雑誌に掲載され（例えば、MoogシステムのDIYクローンであるFormantモジュラーシンセはElektor誌に掲載された）、キットはアメリカのPaiaやイギリスのMaplin Electronicsといった企業から供給された。
1966年、リード・ガザラは数学の「サーキットベンディング」を発見し、教え始めた。これは、創造的なショートサーキットの応用、偶然のショートサーキットのプロセス、実験的な電子楽器の作成、主に音色を探求し、ピッチやリズムはあまり考慮しない、ジョン・ケージの偶然音楽の概念の影響を受けたものである。[ 42 ]
回路を直接操作する、特に破壊に至るまでの操作の多くは、1950年代初頭にルイスとベベ・バロン夫妻によって開拓されたものであり、ジョン・ケージとのウィリアムズ・ミックスでの共同作業や、特に映画『禁断の惑星』のサウンドトラックでの功績が挙げられる。
現代のサーキットベンディングとは、低電圧の電池式ギターエフェクター、子供のおもちゃ、小型デジタルシンセサイザーなどの電子機器内の回路を創造的にカスタマイズして、新しい楽器や視覚的な楽器、音源を作り出すことです。自発性とランダム性を重視するサーキットベンディングの技術は、一般的にノイズミュージックと関連付けられていますが、より伝統的な現代のミュージシャンや音楽グループも、ベンディングされた楽器で実験を行っていることが知られています。サーキットベンディングは通常、機器を分解し、スイッチやポテンショメータなどの部品を追加して回路を変更することを含みます。アナログシンセサイザーへの関心が再燃したことで、サーキットベンディングは、多くの実験的なミュージシャンが独自のアナログ音源を作成するための安価な解決策となりました。今日では、Atari Punk ConsoleやDub Sirenなどのノイズジェネレーターを構築するための回路図や、サーキットベンダーによってよく改造されるSpeak & Spellなどの子供のおもちゃの簡単な改造のための回路図が多数見つかります。
モジュラーシンセサイザーは、交換可能なモジュールを個別に組み合わせて構成されるシンセサイザーの一種です。これらは、趣味で自作する人向けにキットとしても販売されています。また、多くの趣味設計者は、基板やフロントパネルのみを他の趣味愛好家向けに販売しています。
1969年、スタジオ用Moogのポータブル版であるMinimoogは、ポピュラー音楽と電子芸術音楽の両方で最も広く使用されるシンセサイザーとなった。
メロトロンM4000のコントロールパネルは、サイクリング機構を操作するための4つのボタンとLEDディスプレイが追加されている点を除けば、M400と同一である。
フロントパネルのユーザーインターフェースには、高品質のTFTディスプレイが2つ搭載されており、実際の楽器の画像を表示できます。
エラーを受け入れるというこの要素は、サーキットベンディングの中心にあり、本来起こるはずのない、聞かれるはずのない音を作り出すことです (Gard, 2004)。音楽性に関しては、電子芸術音楽と同様に、主に音色に関心があり、古典的な意味でのピッチとリズムはほとんど考慮されていません。... . ケージの偶然音楽と同様に、ベンディングの芸術は偶然に依存しており、ベンディングを準備する人は最終的な結果を知りません。
