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視覚芸術において、様式とは「作品を関連するカテゴリーに分類することを可能にする独特の方法」[ 1 ]、または「行為が行われた、あるいは人工物が作られた、あるいは行われるべき、作られるべき独特の、したがって認識可能な方法」[ 2 ]を指します。それは、同じ芸術家、あるいは同じ時代、訓練、場所、「流派」、芸術運動、または考古学的文化の他の作品と関連付けられる芸術作品の視覚的な外観を指します。「様式の概念は、長い間、美術史家が芸術作品を分類する主要な方法でした。様式によって、彼は芸術史を選択し、形作ります。」[ 3 ]
スタイルは、多くの場合、時代、国、文化グループ、芸術家グループ、または芸術運動の一般的なスタイルと、そのグループ内の芸術家の個々のスタイルに分けられます。両方のタイプのスタイル内で、「初期」、「中期」、「後期」などの区分がよく行われます。[ 4 ]ピカソなどの一部の芸術家では、これらの区分は明確で容易に見分けることができますが、他の芸術家では、より微妙です。スタイルは通常、動的であると見なされ、ほとんどの時代で常に漸進的なプロセスで変化しますが、その速度は大きく異なり、先史時代の芸術や古代エジプトの芸術に典型的なスタイルの非常にゆっくりとした発展から、近代芸術のスタイルの急速な変化まであります。スタイルは、比較的急激な変化の後に、より緩やかな発展の期間が続く一連のジャンプで発展することがよくあります。
19世紀から20世紀初頭にかけて美術史の学術的議論を支配してきたいわゆる「様式美術史」は、ここ数十年でますます批判にさらされるようになり、多くの美術史家は可能な限り様式分類を避けることを好むようになっている。[ 5 ]
理論上、あらゆる芸術作品は様式という観点から分析することが可能であり、時代や芸術家は、完全な無能さでもない限り、様式を持つことを避けることはできない[ 6 ]。逆に、自然物や自然景観には様式があるとは言えない。なぜなら、様式は制作者による選択の結果に過ぎないからである[ 7 ] 。 芸術家が様式を意識的に選択するか、あるいは自身の様式を識別できるかは、ほとんど問題ではない。近年の発展した社会の芸術家は、自身の様式を非常に意識しており、おそらく過剰に意識しているのに対し、以前の芸術家にとって様式の選択は恐らく「ほとんど無意識的」であった[ 8 ] 。
ほとんどの様式時代は美術史家によって後から特定され定義されますが、アーティストは自分のスタイルを定義して名前を付けることを選択できます。古いスタイルのほとんどの名前は美術史家の発明であり、それらのスタイルの実践者には理解されていませんでした。ゴシック、バロック、ロココなど、嘲笑の用語として始まったものもあります。[ 9 ]一方、キュビスムは少数のアーティストによって意識的に識別されました。この言葉自体は画家ではなく批評家によって始まったようですが、アーティストによってすぐに受け入れられました。
西洋美術は、他のいくつかの文化、特に中国美術と同様に、過去の「古典的」様式を時折復活させる顕著な傾向がある。[ 10 ] 視覚芸術の批評的分析では、芸術作品の様式は、作品の主題と内容を扱う図像学とは区別して扱われるのが一般的だが、ヤス・エルスナーによれば、この区別は「もちろん、実際の例では真実ではないが、修辞的には非常に有用であることが証明されている」。[ 11 ]
古典的な美術批評や比較的少ない中世の美学に関する著作は、美術における様式の概念やその分析を大きく発展させることはなかった[ 12 ]。また、ルネサンス期やバロック期の美術に関する著述家は、現代の学者が「様式」と呼ぶものに非常に関心を寄せていたものの、少なくとも建築以外の分野では、様式に関する首尾一貫した理論を発展させることはなかった。
Artistic styles shift with cultural conditions; a self-evident truth to any modern art historian, but an extraordinary idea in this period [Early Renaissance and earlier]. Nor is it clear that any such idea was articulated in antiquity ... Pliny was attentive to changes in ways of art-making, but he presented such changes as driven by technology and wealth. Vasari, too, attributes the strangeness and, in his view the deficiencies, of earlier art to lack of technological know-how and cultural sophistication.[13]
Giorgio Vasari (1511-1574) set out a hugely influential but much-questioned account of the development of style in Italian painting (mainly) from Giotto to his own Mannerist period. He stressed the development of a Florentine style based on disegno or line-based drawing, rather than on Venetian colour. With other Renaissance theorists like Leon Battista Alberti he continued classical debates over the best balance in art between the realistic depiction of nature and idealization of it; this debate would continue until the 19th century and the advent of Modernism.[14]
The theorist of Neoclassicism, Johann Joachim Winckelmann, analysed the stylistic changes in Greek classical art in 1764, comparing them closely to the changes in Renaissance art, and "Georg Hegel codified the notion that each historical period will have a typical style", casting a very long shadow over the study of style.[15] Hegel is often attributed with the invention of the German word Zeitgeist, but he never actually used the word, although in Lectures on the Philosophy of History, he uses the phrase der Geist seiner Zeit (the spirit of his time), writing that "no man can surpass his own time, for the spirit of his time is also his own spirit."[16]
歴史的な美術や建築の時代様式の体系を構築することは、19 世紀の学者たちにとって、新しく、当初は主にドイツ語圏であった美術史の分野における主要な関心事となった。様式の広範な理論に関する重要な著述家には、カール・フリードリヒ・フォン・ルモール、ゴットフリート・ゼンパー、そして1893 年の『様式問題』のアロイス・リーグルなどがおり、20世紀にはハインリヒ・ヴェルフリンとパウル・フランクルがその議論を引き継いだ。 [ 17 ]パウル・ヤコブスタールとヨーゼフ・ストルジゴフスキは、リーグルに続いて、時間と空間の広範囲にわたる様式の要素の伝承をたどる壮大な体系を提案した美術史家の一人である。この種の美術史は、形式主義、つまり美術における形態や形状の研究としても知られている。[ 18 ]
ゼンパー、ヴェルフリン、フランクル、そして後にアッカーマンは建築史のバックグラウンドを持っており、他の多くの時代様式の用語と同様に、「ロマネスク」や「ゴシック」は当初、建築様式を説明するために造語されました。建築様式では、様式間の大きな変化がより明確で定義しやすく、特に、絵画などの具象芸術の様式よりも、一連の規則に従うことで様式を再現しやすいという理由があります。建築時代を説明するために生まれた用語は、その後、視覚芸術の他の分野に適用されることが多くなり、さらに広く音楽、文学、一般文化にも適用されるようになりました。[ 19 ]
建築においては、様式の変化は、ゴシック様式のリブヴォールトや金属と鉄筋コンクリートを用いた近代建築のように、新しい技術や材料の発見や採用に伴って生じ、またそれによって可能になることが多い。美術史と考古学の両方において、絵画や陶芸などの他の分野における様式の変化も、新しい技術的可能性への対応なのか、あるいは新しい発展が発展する独自の原動力（リーグルの芸術的欲求）を持っているのか、それとも、現在の考え方がマルクス主義美術史のより柔軟なバージョンを用いて強調するように、パトロンや芸術家の状況に影響を与える社会的および経済的要因に対応して変化するのか、という点が、議論の的となっている。[ 20 ]
様式は美術史分析の中心的な要素として確立されていたものの、それを美術史における最重要要素とみなすことは、第二次世界大戦までに時代遅れとなり、美術を見る他の方法が発展し始め、[ 21 ]様式の強調に対する反動が生じた。スヴェトラーナ・アルパースによれば、「美術史における様式の通常の言及は実に憂鬱なことである」。[ 22 ]ジェームズ・エルキンスによれば、 「20世紀後半の様式批判は、概念のヘーゲル的要素をさらに減らしつつ、それをより容易に制御できる形に維持することを目的としていた」。[ 23 ]メイヤー・シャピロ、ジェームズ・アッカーマン、エルンスト・ゴンブリッチ、ジョージ・クブラー（『時間の形：事物の歴史についての考察』、1962年）は、批判理論のより広範な発展にも影響を受けたこの議論に注目すべき貢献をしている。[ 24 ] 2010年にヤス・エルスナーは、さらに強い口調でこう述べている。「20世紀のほぼ全期間において、様式美術史は疑いようのないこの分野の王であったが、70年代と80年代の革命以降、王は死んだ」[ 25 ]。ただし、彼の記事は「様式美術史」が生き続けている方法を探求しており、彼のコメントは考古学にはほとんど当てはまらないだろう。
カウンターマニエラなどの用語の使用は、美術史家の間でこうした「様式ラベル」に対する不満が高まっているため、減少傾向にあるようだ。2000年、16世紀イタリア絵画の第一人者であり、この用語を考案したシドニー・ジョセフ・フリードバーグ（1914-1997）の弟子でもあるマーシャ・B・ホールは、著書『ラファエロの後：16世紀イタリア中部の絵画』の書評で、冒頭の「様式ラベルに関する注記」で謝罪し、使用を最小限に抑えると約束したにもかかわらず、この用語やその他の用語を使い続けているのは「根本的な欠陥」だと批判された。[ 26 ]
芸術様式の変化を促すプロセスを説明する理論を構築しようとする最近の珍しい試みは、単にそれらを記述し分類する理論ではなく、行動心理学者のコリン・マーティンデールによるもので、彼はダーウィンの原理に基づいた進化論を提唱している。[ 27 ] しかし、これは美術史家の間ではあまり支持を得られていないと言える。
伝統的な美術史では、アーティストの個性的なスタイル、時には署名スタイルと呼ばれるものにも大きな重点が置かれてきました。 [ 28 ]「個性は、アーティストの描画方法だけでなく、作家の文章の文体上の癖などにも独自に表現できるという個人的スタイルの概念は、おそらく西洋のアイデンティティの概念の公理である」[ 29 ] 。 個々のスタイルの特定は、作品をアーティストに帰属させる上で特に重要であり、これは美術市場における作品の評価、とりわけルネサンス以降の西洋の伝統における作品の評価において支配的な要素となっています。作品における個々のスタイルの特定は、「基本的に、鑑定家として知られるこの分野の専門家グループに割り当てられている」[ 30 ]。このグループは美術取引と美術館を中心としており、彼らと学術的な美術史家のコミュニティとの間にはしばしば緊張関係があります。[ 31 ]
鑑識眼を発揮することは、分析しにくい主観的な印象に大きく依存するが、同時に、さまざまな芸術家の技法の詳細や「手」を知ることにも関わる。ジョヴァンニ・モレッリ（1816 - 1891）は、西洋の巨匠の絵画において、耳や手などを描く際に芸術家がほとんど意識していない略記法や慣習を明らかにする、診断的な小さな細部の精査を体系的に研究した先駆者である。彼の技法はバーナード・ベレンソンらに採用され、彫刻や他の多くの種類の芸術にも応用されている。例えば、ジョン・ビーズリー卿はアッティカの壺絵にこの技法を応用した。[ 32 ] 個人の技法は、個々のスタイルを分析する上で重要となることがある。近代以前の芸術家の訓練は、工房で徒弟として学んだか、後にアカデミーの学生として学んだかにかかわらず、教えられた技術的方法に頼る、本質的に模倣的なものであったが、常に個人的なバリエーションの余地があった。技術的な「秘密」をそれを開発した巨匠が厳重に守るという考えは、ヴァザーリによるヤン・ファン・エイクに関する恐らく神話的な記述からジョルジュ・スーラの秘密主義的な習慣に至るまで、美術史における長いトポスである。[ 33 ]
しかし、個人のスタイルという概念は、西洋の伝統に限ったものではありません。中国美術においても同様に深く根付いていますが、伝統的には、書道や文人画など一部の芸術の鑑賞における要素とみなされ、中国磁器など他の芸術の鑑賞における要素とはみなされていません。[ 34 ]この区別は、西洋のいわゆる装飾芸術でもよく見られます。中国絵画では、西洋で一般的に認識されているよりもかなり早く、芸術家による政治的および社会的見解の表現も可能でした。[ 35 ]イスラム世界や東アジアでも美術 とみなされている書道は、個人のスタイルの範囲内に新たな領域をもたらします。西洋の書道の理想は個人のスタイルを抑圧する傾向があり、それに依存する書体学は自らを科学とみなしています。
画家エドワード・エドワーズは、著書『画家たちの逸話』 （1808年）の中で、「ゲインズバラ氏の鉛筆画のスタイルは非常に独特で、彼の作品には署名が必要なかった」と述べている。[ 36 ]強い個性を持つスタイルの例としては、パブロ・ピカソのキュビスム芸術、アンディ・ウォーホルのポップアートスタイル[ 37 ]、ジャクソン・ポロックのドリッピング絵画など が挙げられる。
「様式」は関連用語で、多くの場合、様式の細分化、おそらく特定の様式や技法の点に焦点を当てたものに使用されます。[ 38 ]時代の様式の多くの要素は、単純な線画の図で適切に表現できる特徴的な形や形状に還元できますが、「様式」は、特に絵画のような複雑な作品の全体的なスタイルと雰囲気を意味することが多く、それほど簡単に正確な分析の対象にすることはできません。これは、学術的な美術史ではやや時代遅れの用語であり、不正確であるため避けられています。使用される場合、多くの場合、アーティストの個々のスタイルの模倣の文脈で使用され、美術取引で販売されている作品と有名なアーティストの作品との関係を表すために使用される控えめまたは外交的な用語の階層の1つであり、「レンブラントの様式」は、作品のスタイルとレンブラント自身のスタイルの間の距離のある関係を示唆しています。オークション会社クリスティーズの「カタログ作成実務の説明」では、オークションカタログの「 ～の様式 」とは「我々の見解では、その芸術家の様式で制作されたが、後の時代の作品」を意味すると説明されている。[ 39 ]イタリア語のmaniera （「様式」）に由来するマニエリスムは、ルネサンス様式全般の特定の段階であるが、「様式」は非常に広く使用できる。
考古学では、放射性炭素年代測定などの現代的な技術にもかかわらず、時代や文化様式は、美術作品だけでなく、純粋に機能的なもの（純粋に機能的なものが存在するかどうかという問題はさておき）を含むあらゆる種類の考古学的遺物の識別と年代測定において依然として重要なツールである。 [ 40 ]ヨーロッパ後期旧石器時代の氷河期美術のような遠い時代についても、芸術家や職人の個々の様式の識別が提案されている場合もある。[ 41 ]
美術史と同様に、個々の遺物の形態（形状）の形式的分析が出発点となる。これは、さまざまな種類の遺物の類型を構築するために使用され、特に石、陶器、金属の遺物または遺物しか入手できない場合（これはよくあるケースである）、科学的な絶対年代測定法が使用できない場合に、様式に基づく遺跡または遺跡群の相対年代測定法が系列化の手法によって達成される。[42] 陶片は多くの文化や時代の遺跡で非常に多く見られることが多く、小さな破片であっても、その様式によって確実に年代を特定できる。近年の学術的な美術史の傾向とは対照的に、過去1世紀における考古学理論の学派の変遷、すなわち文化史考古学からプロセス考古学、そして近年のポストプロセス考古学の台頭は、考古学における様式研究の重要性を大きく低下させておらず、さらなる解釈を行う前に対象物を分類するための基礎となっている。[ 43 ]
様式化と様式化された（または、（オックスフォード以外の）イギリス英語ではそれぞれstylisationとstylised）は、より具体的な意味を持ち、対象物や場面を簡略化した方法で表現する視覚的描写を指し、対象物の視覚的外観を完全に正確かつ精密に表現しようとはせず（模倣または「写実的」）、魅力的または表現力豊かな全体的な描写を好みます。より技術的には、「線、形、空間と色の関係の単純化を含む、さまざまな慣習的技法による人物や物体の装飾的な一般化」[ 44 ]と定義されており、「様式化された芸術は、視覚的知覚を線、表面の精緻化、および平坦化された空間のパターンの構成に還元する」[ 45 ]と指摘されています。
古代美術、伝統美術、現代美術、そして漫画やアニメーションなどの大衆的な形式は、様式化された表現を非常に頻繁に使用しており、例えば『ザ・シンプソンズ』は高度に様式化された描写を使用しており、伝統的なアフリカ美術も同様です。このページの上部に掲載されているピカソの2枚の絵画は、画家のスタイルの中で人物像をより様式化して表現する動きを示しており、[ 46 ]アフィントンの白馬は、高度に様式化された先史時代の馬の描写の一例です。パルメットやアラベスクなどの装飾美術のモチーフは、植物の各部分を高度に様式化したバージョンであることが多いです。
一般的に模倣や「写実主義」を試みている芸術においても、細部、特に人物や木々など、大きな作品の遠景にある小さなスケールの人物やその他の特徴には、ある程度の様式化が見られることが非常に多い。しかし、これは、綿密に調べない限り、鑑賞者に気づかれることを意図した様式化ではない。[ 47 ]販売用の完成品として意図されていないデッサン、模型、その他のスケッチにも、様式化が非常に多く見られる。
「様式化された」とは、あらゆる文脈であらゆるスタイルを採用することを意味する場合があり、アメリカ英語では、名前（またはその他のテキスト）の正書法スタイルを指す場合によく使われます。例えば、「 AT&Tは ATT や at&t とも表記される」のようにです。（これは、名前や役職に関連する敬称であるstyleと混同してはいけません。）これは、既存の他の意味を少し拡張したものではありますが、辞書には載っていない特殊な用法です。この種の様式化の例としては、すべて大文字で表記することや、擬似キリル文字などがあります。
「様式化された」テキストとは、ブラックレターやイタリック体など、特定の活字スタイルで表現されたテキストを指す場合もあります。
2012年にミシガン州のローレンス工科大学で行われた実験では、特別に開発されたアルゴリズムを使用して、34人の著名なアーティストによる約1,000点の絵画をコンピュータが分析し、人間の美術史家と同様の様式カテゴリーに分類しました。 [ 48 ] この分析では、作品ごとに4,000を超える視覚的特徴をサンプリングしました。[ 48 ] [ 49 ]
Deep Art Effects などのアプリは、写真をゴッホなどの画家のスタイルを模した芸術的な画像に変換できます。[ 50 ] [ 51 ]高度なテキストから画像への AI アート ソフトウェアの開発により、指定可能なアート スタイルを使用することが 2020 年代に広く普及しました。[ 52 ] [ 53 ] [ 54 ] [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]