古典的なハリウッド映画

クラシカル・ハリウッド映画とは、映画批評において、無声映画時代後期の1910年代から1920年代に初めて発展した、物語と映像の両方を取り入れた映画製作スタイルを指す用語である。その後、 1927年ごろのトーキー映画の登場から1960年代（おそらくドルビーステレオが導入された1972年まで）までのハリウッド黄金時代のアメリカ映画の特徴となった。 ^[1]最終的に、世界で最も強力で普及した映画製作スタイルとなった。^[2]

類似の用語や関連する用語には、古典的なハリウッドの物語、ハリウッドの黄金時代、オールドハリウッド、古典的な連続性などがあります。^{[3]この時代は}スタジオ時代とも呼ばれ、後期サイレント時代の映画も含まれる場合があります。^[1]

何千年もの間、物語芸術の唯一の視覚的基準は演劇だった。 1890年代中期から後半にかけての最初の物語映画以来、映画製作者は映画スクリーンで生の演劇の力をとらえようとしてきた。これらの映画製作者のほとんどは19世紀後半の舞台で監督としてキャリアをスタートし、同様にほとんどの映画俳優はヴォードヴィル（例えばマルクス兄弟^[4]）や劇場のメロドラマにルーツを持っている。視覚的には、初期の物語映画は舞台からほとんど取り入れておらず、物語もヴォードヴィルやメロドラマからほとんど取り入れていなかった。「古典的連続性」として知られるようになる視覚スタイルが登場する前は、シーンはフルショットで撮影され、プロットや登場人物の関係を描くために注意深く振り付けられたステージングが使用されていた。編集技術は非常に限られており、読みやすいように物体に書かれた文字のクローズアップがほとんどであった。

映画は舞台に固有のリアリティを欠いているものの、（舞台とは異なり）見かけ上の時間と空間を操作する自由があり、それによってリアリズムの幻想、つまり時間的な直線性と空間的な連続性を作り出すことができます。ロストジェネレーションが成人を迎えた1910年代初頭までに、映画製作は芸術的な可能性を実現し始めました。スウェーデンとデンマークでは、この時代は後に映画の「黄金時代」として知られるようになります。アメリカでは、この芸術的変化は、DW グリフィスなどの映画製作者がエジソントラストの支配を最終的に打ち破り、映画を製造独占から独立させたことに起因しています。世界中の映画が、古典的なハリウッド映画に見られる視覚的要素と物語的要素を顕著に取り入れ始めました。 1913年は映画にとって特に実り多い年であり、いくつかの国の先駆的な監督が『母なる心』（D・W・グリフィス）、『インゲボルグ・ホルム』（ヴィクトル・シェーストレム）、『パリの子供』（レオンス・ペレ）などの映画を制作し、物語の形式としての映画の新しい基準を確立した。また、この年は、ジョルジュ・サドゥール^[5]によると最初の真の映画芸術家であるエフゲニー・バウアーが短いながらも多作なキャリアを始めた年でもあった。 ^[6]

グリフィスが映画製作に与えた影響は、世界全体、特にアメリカにおいて比類のないものでした。彼の俳優たちが演技を新しいメディアに適応させたことにも同様の影響がありました。短編映画『母なる心』の主演リリアン・ギッシュは、スクリーン上の演技技術への影響で特に有名です。ギッシュが主演したグリフィスの 1915 年の叙事詩『国民の創生』は、物語を伝える手段としての映画にとって画期的な作品で、数多くの革新的な視覚技術を駆使した文学的物語の傑作でした。^[7]この映画はアメリカ映画に多くの進歩をもたらしたため、数年のうちに時代遅れになりました。^[8] 1913 年は映画製作の世界的な節目でしたが、1917 年は主にアメリカの節目でした。「クラシック ハリウッド映画」の時代は、1917 年までにアメリカの映画メディアを支配し始めた物語と視覚のスタイルによって特徴付けられます。^[9]

古典的なハリウッドスタイルの物語と視覚的スタイルは、トーキー映画製作への移行後にさらに発展した。アメリカ映画製作における主な変化は、スタジオシステムの全盛期に起きた映画産業自体から生じた。いくつかの主要スタジオによって推進されたスターシステムの君臨するこの製作モード^[10]は、トーキーの登場より数年前から存在していた。1910年代初頭から独立して活動していたアメリカの著名な監督や俳優のほとんどは、1920年代半ばまでに、仕事を続けるために新しいスタジオシステムの一部にならざるを得なかった。

トーキー時代の始まりの定義自体は曖昧である。ある人々にとっては、トーキー時代の始まりは、1927年に公開された『ジャズ・シンガー』からであり、この年は、戦間期世代が成人し、長編映画にトーキーが導入されて映画の興行収入が増加した時期である。^[11]またある人々にとっては、この時代は、サイレント時代が決定的に終わった1929年に始まった。^{[12] [より適切な出典が必要]} 1920年代後半から1960年代にかけてのハリウッド映画のほとんどは、西部劇、ドタバタ喜劇、ミュージカル、アニメ、伝記映画といった、ひとつのジャンルに密接に従っており、同じスタジオで制作された映画には、同じクリエイティブ・チームが携わることが多かった。たとえば、セドリック・ギボンズとハーバート・ストットハートは常にMGM映画に携わり、アルフレッド・ニューマンは20世紀フォックスで20年間働き、セシル・B・デミルの映画はほぼすべてパラマウント映画で制作された。^[13]ヘンリー・キング監督の映画は、ほとんどが20世紀フォックス向けに制作された。同様に、俳優もほとんどが契約俳優だった。映画史家は、映画が音声に対応し、無声映画の芸術的品質レベルに戻るまでに約10年かかり、それが1930年代後半に偉大な世代が成人したときに実現したと指摘している。^[要出典]

この時期に生まれた多くの偉大な映画作品は、非常に統制のとれた映画製作法によるものだった。これが可能だった理由の1つは、非常に多くの映画が作られたため、すべての作品が大ヒットする必要がなかったことだ。スタジオは、優れた脚本と比較的無名の俳優を起用した中予算の長編映画に賭けることができた。オーソン・ウェルズ監督で、史上最高の映画の1つとされる『市民ケーン』 （1941年）がまさにその例だ。ハワード・ホークス、アルフレッド・ヒッチコック、フランク・キャプラといった意志の強い監督たちは、自らの芸術的ビジョンを実現するためにスタジオと戦った。スタジオ・システムの絶頂期は、おそらく1939年で、『オズの魔法使い』、『風と共に去りぬ』、『ノートルダムのせむし男』、『駅馬車』 、 『スミス都へ行く』 、 『デストリー・ライドス・アゲイン』、『若きリンカーン』、『嵐が丘』、『天使だけが翼を持つ』などの名作が公開された。『ニノチカ』、『美しい女』、『武装した女たち』、『ガンガ・ディン』、『女たち』、『さよなら、ミスター・チップス』、『狂騒の20年代』。^[14]

デイヴィッド・ボードウェル^[15]が詳述したように、古典的なハリウッド映画の視覚的物語スタイルは、ルネッサンスの思想と、人類を中心とするその復活に大きく影響を受けており、装置、システム、システム間の関係という3つの一般的なレベルで区別されます。

古典的なハリウッド映画に最も固有の手法は、連続編集の手法である。これには、連続編集の主要な視覚空間要素の 1 つである180 度ルールが含まれる。180 度ルールは、視聴者とショットの間に仮想の 180 度軸を作成することで「写真劇」スタイルを維持し、視聴者がシーン内のアクションの位置と方向を明確に把握できるようにする。30度ルールによると、シーンを見る角度のカットは、視聴者が視点の変更の目的を理解できるほど重要でなければならない。30 度ルールに従わないカットはジャンプ カットと呼ばれ、ショット間の時間的連続性の錯覚を乱す。180 度ルールと 30 度ルールは、古典的な時代の公式な開始より 10 年以上も前に制定された映画製作の基本的なガイドラインであり、1902 年のフランス映画「月世界旅行」の先駆例に見られる。古典的な連続編集におけるカット技法は、連続性を確立または維持するのに役立ちます。クロスカットは、異なる場所でのアクションの同時性を確立します。ジャンプカットは、撮影角度をまったく変えずに、被写体に近づくまたは遠ざかる視点を示すという明確な目的を持つ軸カットの形で許可されており、したがって時間的な連続性を妨げません。^[16]

古典的な物語は常に心理的動機、すなわち、人間の登場人物の意志と、定義された目標に向かう障害との闘いによって進行します。この物語要素は、通常、主要な物語（ロマンスなど）と二次的な物語が絡み合って構成されます。この物語は、明確な始まり、中間、終わりで構成され、通常、明確な解決があります。俳優、イベント、因果関係、要点、副次的な点を利用することが、このタイプの物語の基本的な特徴です。古典的なハリウッド映画の登場人物は、明確に定義できる特性を持ち、活動的で、非常に目標志向です。彼らは、社会的関心ではなく心理的関心によって動機付けられた原因エージェントです。^[2]物語は原因エージェントによる因果関係の連鎖であり、古典的なスタイルでは、イベントはランダムに発生しません。

古典的なハリウッド映画における時間は連続的、直線的、かつ均一である。非直線性はメディアの幻想的な働きに注意を喚起するからである。この形式で時間を操作することが許されるのはフラッシュバックのみである。これは主に登場人物の記憶のシーケンスを導入するために使われる。例えば『カサブランカ』など。^[17]

空間に関する古典的な連続性の最大のルールは、物体の永続性である。つまり、映画のリアリティを維持するためには、観客はシーンが映画のフレームのショットの外側に存在すると信じなければならない。古典的なハリウッドの空間の扱いは、映画の二次元性を克服または隠そうとしており（「見えないスタイル」）、人間の体に強く集中している。古典的な映画のショットの大部分は、身振りや表情に焦点を当てている（中長ショットとミディアムショット）。アンドレ・バザンはかつて、出来事が客観的に存在しているように見え、カメラは劇全体の最良の部分しか見せないという点で、古典的な映画を写真に撮られた演劇に例えたことがある。^[18]

この空間の扱いは、センタリング、バランス、正面性、奥行きという 4 つの主要な側面から成ります。重要な人物や物体は、ほとんどの場合、画面の中央部分に配置され、焦点がぼけることはありません。バランスとは、視覚的な構成、つまり、登場人物が画面全体に均等に配置されていることを意味します。アクションは、観客にさりげなく向けられ (正面性)、セット、照明 (主に3 点照明、特にハイキー照明)、衣装は、前景と背景を区別するように設計されています (奥行き)。

1960年代半ばから1980年代初頭のニューハリウッドは、古典時代のロマン主義の影響を受けており、[ 19 ^]フランスのヌーヴェルヴァーグも同様であった。^[20]

これらはアメリカ映画協会がアメリカ映画史上最も偉大な映画スター25人を男性、女性それぞれ25人ずつ選出したリストに掲載された。 ^[21]

2024年現在、ソフィア・ローレン（存命のスターは、アン・ブライス（90歳）のみ。リストにノミネートされた他の存命の人物には、アン・ブライス（96歳）、クレア・ブルーム（93歳）、リタ・モレノ（92歳）、マーガレット・オブライエン（87歳）がいる。

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• ニューハリウッド
• ポバティ・ロウ– この時代のB級映画

• ボードウェル、デイビッド、ステイガー、ジャネット、トンプソン、クリスティン（1985年）。『クラシカル・ハリウッド・シネマ』 。ニューヨーク：コロンビア大学出版局。ISBN 0-231-06055-6。
• デイビス、ブレア（2012年）『B級映画をめぐる戦い：1950年代ハリウッドと低予算映画の復活』ニュージャージー州：ラトガース大学出版局。ISBN 978-0813552538。
• ディクソン、ウィーラー・ウィンストン（2013年）。『Cinema at the Margins 』 。アンセム・プレス。ISBN 978-0-85728-186-9。
• ファウェル、ジョン（2008年）『ハリウッドの隠された芸術』ウェストポート・コネチカット州：プレガー・プレス。
• マクギリガン、パトリック（1985年）。バックストーリー1：ハリウッド黄金時代の脚本家インタビュー（第1回）。カリフォルニア大学出版局。ISBN 978-0520056893。
• ソルト、バリー.映画のスタイルとテクノロジー：歴史と分析.

• デイヴィッド・ボードウェルとクリスティン・トンプソン、「ハッピーバースデー、古典映画！」、2007 年 12 月 28 日。1917 年から今日までの劇映画における古典的連続性の分析。
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