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木版画は、版画技法の一つである凸版印刷です。彫刻家は、木版の表面に（通常は彫刻刀を使って）画像を彫り込み、印刷する部分を表面と同じ高さに残し、印刷しない部分は取り除きます。彫刻家が彫り込んだ部分はインクが付着せず、表面にある文字や画像にインクが付着して印刷が完成します。木版は木目に沿って彫られます（木版画のように木口に沿って彫るのとは異なります）。インクを塗ったローラー（ブレイヤー）で表面を転がすことでインクを塗布し、平らな表面にはインクが付着しますが、印刷しない部分には付着しません。
複数の色は、木版の周りの枠に紙を合わせることで印刷できます（色ごとに異なる版を使用します）。木版画を彫る技術は、 xylographyと呼ばれることもありますが、英語では画像のみを指す場合にこの用語が使われることは稀です。ただし、この用語とxylographicは、テキストと画像が同じ版に収められた小さな本であるブロックブックに関連して使用されます。ブロックブックは、15 世紀後半にヨーロッパで人気を博しました。単紙木版画は、本の挿絵とは対照的に、単独の画像または版画として提示される木版画です。
東アジアの古い技法は通常、木版印刷と呼ばれ、文字と画像の両方を同じ版木に彫り込むことを指します。ヨーロッパで同様の技法で作られた短い本は、主に15世紀に作られ、ブロックブックと呼ばれています。「木版画」は通常、画像のみを指し、ヨーロッパからアジアの他の地域、ラテンアメリカへと世界中に広まりました。[ 1 ]
ヨーロッパと東アジアの両方で、伝統的に、彫刻家は木版画のデザインのみを行い、版木彫刻はフォルムシュナイダーまたは版木彫刻師と呼ばれる専門の職人に任されていました。彼らの中には、それ自体で有名になった者もいました。中でも最も有名なのは、16世紀のヒエロニムス・アンドレアエ（姓としても「フォルムシュナイダー」を使用していた）、ハンス・リュッツェルブルガー、ヨスト・デ・ネッカーで、彼らは皆工房を経営し、印刷業者や出版業者としても活動していました。フォルムシュナイダーは、版木を専門の印刷業者に渡しました。さらに、版木を作る専門家もいました。
そのため、木版画は美術館や書籍で「アーティストによる」ではなく「アーティストによってデザインされた」と表現されることがありますが、ほとんどの専門家はこの区別を用いていません。分業制の利点は、熟練したアーティストが木工道具の使い方を学ぶ必要なく、比較的容易にこの媒体に適応できたことです。
彫刻家が描いたデザインを版木に転写し、彫刻師がそれに従って彫るための方法は様々だった。版木に直接下絵を描く方法（多くの場合、最初に版木を白く塗る）と、紙に描いた下絵を版木に貼り付ける方法があった。いずれの方法でも、彫刻の過程で下絵は失われてしまう。トレースなど、他の方法も用いられた。
20世紀初頭、ヨーロッパと東アジアの両方で、一部の芸術家が版画制作の全工程を自ら行うようになった。日本では、この動きは創作版画と呼ばれ、伝統的な技法を維持した新版画とは対照的であった。一方、西洋では、多くの芸術家がより簡便なリノカット技法を用いた。
エッチングや彫刻などの凹版技法と比較すると、印刷に必要な圧力は低めです。凸版技法では、版木にインクを塗って紙や布にしっかりと均一に接触させるだけで、満足のいく印刷が得られます。ヨーロッパでは、ツゲや梨やサクランボなどのナッツや果樹の木材など、さまざまな木材が一般的に使用されていました。[ 2 ]日本では、サクラ（Prunus serrulata）の木材が好まれました。
印刷方法には、以下の3つの方法があります。
木版画は古代中国で、織物、そして後に紙に印刷する方法として始まりました。現存する最古の木版印刷の断片は中国の漢王朝（220年以前）のもので、3色の花柄がプリントされた絹です。[ 4 ]「13世紀には、中国の木版印刷の技術がヨーロッパに伝わりました。」[ 5 ]紙も少し遅れて、アル・アンダルス経由で中国からヨーロッパに伝わり、13世紀末にはイタリアで、14世紀末にはブルゴーニュとドイツで製造されていました。イスラム世界は、15世紀初頭にバイエルンとボヘミアに移住したエジプトのロマ人を通じて、ヨーロッパに木版印刷の技術をさらにもたらした可能性があります。彼らは10世紀以来タルシュ印刷の経験があり、初期のヨーロッパの木版画とタルシュには、宗教的図像に重点を置いていること、工房の識別情報がないこと、ページの片面に印刷されていること、黄色、赤、茶色、緑の色彩パレットが使われていることなど、多くの類似点がある。[ 6 ]
ヨーロッパでは、木版画は古い版画に使われる最も古い技法であり、1400年頃に既存の印刷技術を紙に応用して発展しました。今日でも見ることができる、紙に描かれた最も古い一枚刷りの木版画の一つに、イタリアのフォルリ大聖堂にある「火の聖母」（イタリア語ではMadonna del Fuoco ）があります。当初は宗教的な題材が圧倒的に多く、非常に小さなものが多かったのです。多くは巡礼者に目的地で売られ、家の壁や箱の蓋の内側に貼られ、時には傷の包帯に添えられることもありました。これは迷信的に治癒に役立つと信じられていたためです。
19世紀半ばに安価な木版画が爆発的に売れたことで、版画の質が低下し、多くの人気版画は非常に粗雑なものとなった。ハッチング技法の発展は、彫刻よりもかなり遅れて始まった。ミヒャエル・ヴォルゲムートは1475年頃からドイツの木版画をより洗練されたものにする上で重要な役割を果たし、エルハルト・ロイヴィヒはクロスハッチング（彫刻やエッチングよりもはるかに難しい技法）を初めて用いた。この二人は主に書籍の挿絵を制作しており、同時期にイタリアでも版画の質を高めていた多くのイタリア人画家も同様であった。世紀末には、アルブレヒト・デューラーが西洋の木版画を、おそらく未だに超えられていないレベルにまで高め、「一枚刷り」の木版画（つまり、別売りの画像）の地位を大きく向上させた。彼は一時的に木版画を彫刻と同等の品質と地位にまで高めた後、自ら彫刻へと転向した。
16世紀前半、ドイツとイタリアでは質の高い木版画が引き続き制作され、ティツィアーノをはじめとする多くの芸術家が制作を依頼した。特に、複数の版木を異なる色で印刷する明暗対比（キアロスクーロ）を用いた木版画の技法の開発に力が注がれた。
木版画と活版印刷はどちらも凸版印刷であるため、容易に一緒に印刷できる。そのため、16世紀後半まで、木版画は書籍の挿絵の主要な媒体であった。最初の木版画による書籍の挿絵は、活版印刷が始まってからわずか数年後の1461年頃、バンベルクのアルブレヒト・プフィスターによって印刷された。木版画は、1550年頃から19世紀後半まで、個々の（「一枚刷り」の）美術版画にはあまり使われなくなったが、その後再び注目を集めるようになった。ヨーロッパのほとんどの地域では、19世紀まで、そして一部の地域ではそれ以降も、大衆向けの版画において重要な媒体であり続けた。
東アジアとイランでは、この芸術は技術的にも芸術的にも高度な発展を遂げました。日本の木版画は「木版画」と呼ばれ、17世紀に書籍と美術の両方に導入されました。人気のあった浮世絵のジャンルは17世紀後半に始まり、単色または2色の版画が制作されました。これらの版画は、印刷後に手彩色されることもありました。その後、多色刷りの版画が発展しました。日本の木版画は、当時絵画よりもはるかに低い地位に置かれていましたが、主要な芸術形式となりました。そして、20世紀まで発展を続けました。
この技法は、かなり粗雑な彫刻のように、ほとんど細い線で画像を彫り込むだけです。版木は通常の方法で印刷されるため、印刷物の大部分は黒で、画像は白い線で作成されます。このプロセスは16世紀のスイスの芸術家ウルス・グラフによって発明されましたが、19世紀と20世紀に最も人気を博し、多くの場合、画像が通常の黒線スタイルの領域と対照的な広い白線領域を使用する修正された形で使用されました。これはフェリックス・ヴァロットンによって開拓されました。20世紀初頭のアメリカのプロビンスタウン印刷業者は、カラーの白線木版画の一種を開発しました。
1860年代、日本人自身が西洋美術全般に関心を持ち始めた頃、日本の版画がヨーロッパに大量に流入し、特にフランスで大流行した。エドゥアール・マネ、ピエール・ボナール、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック、エドガー・ドガ、ポール・ゴーギャン、フィンセント・ファン・ゴッホ、フェリックス・ヴァロットン、メアリー・カサットなど、多くの芸術家に大きな影響を与えた。1872年、ジュール・クラレティはこの流行を「ジャポニズム」と名付けた。[ 7 ]
日本の影響は絵画をはじめとする多くの芸術媒体に反映されたが、ヨーロッパでは木版画の復興にもつながった。木版画は本格的な芸術媒体として衰退の危機に瀕していたのである。フェリックス・ヴァロットンとポール・ゴーギャンを除く上記の画家たちのほとんどは、実際にはリトグラフ、特にカラー版画を用いていた。児童書の挿絵における日本の影響については、下記を参照のこと。
エドヴァルド・ムンクやフランツ・マゼレールをはじめとする芸術家たちは、木版画を使い続けた。モダニズムにおいて木版画が人気を博したのは、特別な設備をほとんど必要とせず、スタジオで印刷を含む全工程を比較的容易に行えるためであった。ドイツ表現主義の画家たちは木版画を多用した。
彩色木版画は古代中国で初めて登場しました。現存する最古のものは、10世紀に制作された3点の仏像です。ヨーロッパでは、彩色版を用いた木版画が1508年にドイツで発明され、明暗対比木版画（下記参照）として知られています。しかし、日本の浮世絵などとは異なり、彩色はヨーロッパでは主流とはなりませんでした。
ヨーロッパや日本では、カラー木版画は通常、書籍の挿絵ではなく印刷物にのみ使用されていました。19世紀まで個々の版画が発展しなかった中国では、その逆で、初期のカラー木版画は主に美術、特に絵画というより格式の高い媒体に関する豪華な書籍に見られます。最初に知られている例は、1606年に印刷された墨の書で、カラー技法は17世紀に出版された絵画に関する書籍で頂点に達しました。注目すべき例としては、胡正言の1633年の『十竹書画論』[ 8 ]や、1679年と1701年に出版された『芙蓉園画指南』[ 9 ]などがあります。
日本では、錦絵と呼ばれる色彩技法が1760年代以降、より広く普及し、版画にも用いられるようになった。文字や書籍の挿絵はほぼ常に単色であったが、浮世絵の人気が高まるにつれ、より多くの色と複雑な技法への需要が高まった。19世紀までには、ほとんどの画家が色彩を用いた作品を制作するようになった。この発展の段階は以下の通りである。
19世紀のヨーロッパでは、木版画（厳密にはクロモキシログラフィー）を用いたさまざまなカラー印刷方法が開発されました。1835年、ジョージ・バクスターは、凹版（または時折リトグラフ）に黒または濃い色で印刷し、木版から最大20色を重ね刷りする方法の特許を取得しました。エドマンド・エバンスは、凸版と木版を併用し、最大11色を使用しました。後に児童書の挿絵を専門とし、版木は少なく、色のない部分に重ね刷りすることで、色のグラデーションを実現しました。ランドルフ・カルデコット、ウォルター・クレーン、ケイト・グリーナウェイなどの画家は、当時ヨーロッパで入手可能で流行していた日本の浮世絵に影響を受け、平坦な色の面を用いた独自のスタイルを確立しました。
20世紀には、ディ・ブリュッケ・グループのエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーが、単一の版木に人形のような筆で異なる色を塗り、印刷するという、カラー木版画の制作方法を開発した（木版画とモノタイプの中間）。[ 10 ]この技法の注目すべき例として、大英博物館所蔵の1915年のオットー・ミュラーの肖像の木版画がある。[ 11 ]
キアロスクーロ木版画は、異なる色で印刷された2つ以上の版木を使用した古い巨匠の木版画であり、必ずしも明暗の強いコントラストを特徴とするものではありません。これらは、キアロスクーロのデッサンと同様の効果を得るために最初に制作されました。書籍印刷における初期の実験の後、2つの版木で考案された真のキアロスクーロ木版画は、おそらく1508年か1509年にドイツのルーカス・クラナッハ（父）によって最初に発明されましたが、彼は最初の版画のいくつかを遡って日付を付け、モノクロ印刷用に最初に制作された版画のいくつかにトーン版を追加しました。ハンス・ブルクマイアーがすぐにそれに続きました。[ 12 ]ジョルジョ・ヴァザーリはウーゴ・ダ・カルピでイタリアの先例を主張していますが、彼の最初のイタリアの例は1516年頃に遡ることは明らかです。[ 13 ] [ 14 ]
この技法を用いた他の版画家には、ハンス・バルドゥングやパルミジャニーノなどがいる。ドイツ諸邦では、この技法は16世紀初頭の数十年間に広く用いられたが、イタリアでは世紀を通じて使用され続け、後にヘンドリック・ゴルツィウスのような画家も時折この技法を用いた。ドイツ様式では、通常、一方の版木には線のみが描かれており、「線版木」と呼ばれ、もう一方の版木には平坦な色の領域があり、「色調版木」と呼ばれた。イタリアでは通常、色調版木のみが使用され、全く異なる効果を生み出した。これは、もともとこの用語が用いられた明暗対比の絵画や水彩画に非常に近い効果である。[ 15 ]
スウェーデンの版画家トルステン・ビルマン（1909-1989）は、1930年代から1940年代にかけて、通常の印刷インクから複数のグレーの色調を用いた、明暗対比の異なる技法を開発した。ストックホルム国立美術館の美術史家グンナー・ユングマーカー（1902-1983）はこの技法を「グリザイユ木版画」と呼んだ。これは時間のかかる印刷工程であり、手刷り専用で、白黒のキーブロックの他に複数のグレーの木版を用いる。[ 16 ]
木版画は、20世紀初頭から中頃にかけてメキシコで人気の芸術形式となった。[ 1 ]メキシコでは、この媒体は政治的不安を伝えるために用いられ、特にメキシコ革命（1910～1920年）以降は政治活動の一形態となった。ヨーロッパ、ロシア、中国でも、この時期に木版画は社会主義、共産主義、反ファシズムなどの左翼政治を広めるために用いられた。[ 17 ]メキシコでは、この芸術様式は、メキシコのグラフィックアートと版画の父として知られ、最初のメキシコ近代芸術家とみなされているホセ・グアダルーペ・ポサダによって普及した。 [ 18 ] [ 19 ]彼はメキシコ革命以前と革命中に風刺漫画家および彫刻家であり、メキシコの民俗芸術と先住民芸術を普及させた。彼は、今日メキシコの芸術や文化で目立つ象徴的な骸骨（カラベラ）像の木版画を制作しました（ディズニー・ピクサーの『リメンバー・ミー』など）。[ 20 ]ポサダのカラベラについて詳しくは、「ラ・カラベラ・カトリーナ」を参照してください。
1921年、フランス人版画家のジャン・シャルロはメキシコシティに移住した。ポサダの木版画の重要性を認識した彼は、コヨアカンの野外美術学校で木版画の技法を教え始めた。フェルナンド・レアルをはじめとする多くの若いメキシコ人芸術家がこれらのレッスンに参加した。[ 18 ] [ 19 ] [ 21 ]
メキシコ革命後、国は労働者のストライキ、抗議活動、デモ行進など、政治的、社会的な混乱に陥っていた。これらの出来事には、壁に貼ったり、抗議活動中に配布したりするための安価で大量生産された視覚的な印刷物が必要だった。[ 18 ]情報は一般大衆に迅速かつ安価に広める必要があった。[ 18 ]この時期、多くの人々はまだ読み書きができず、革命後には教育の普及が推進された。革命が始まった1910年、メキシコ人の読み書きができるのはわずか20%だった。[ 22 ]芸術はこの運動において非常に重要視され、政治的な芸術家たちは雑誌や新聞を使ってイラストを通して自分たちの考えを伝えていた。[ 19 ]エル・マチェーテ（1924～29年）は木版画を使った人気の共産主義雑誌だった。[ 19 ]木版画は多くの人が理解できる大衆的なスタイルだったので、うまく機能した。
アーティストや活動家たちは、社会主義や共産主義の価値観を反映した版画（その多くは木版画）を制作するために、タジェール・デ・グラフィカ・ポピュラール（TGP）（1937年～現在）やトレイタトレインティスタス（1928年～1930年）などの集団を結成した。 [ 23 ] [ 21 ] TGPには、アフリカ系アメリカ人の版画家エリザベス・キャトレットをはじめ、世界中からアーティストが集まり、彼女の木版画は後に1960年代と1970年代のアメリカの社会運動の芸術に影響を与えた。[ 1 ]トレイタトレインティスタスは労働者や子供たちにも木版画を教えた。木版画の道具は容易に入手でき、技術も簡単に習得できる。それは民衆のための芸術と考えられていた。[ 21 ]
当時のメキシコは、自らのアイデンティティを探求し、統一国家として発展しようとしていた。木版画の美的形式とスタイルは、多様なテーマや視覚文化を統一的に見せることを可能にした。伝統的なイメージも前衛的なイメージも、木に彫り込まれると似た美的感覚を共有した。田園風景や伝統的な農民のイメージは、都市のイメージと似ていた。[ 21 ]この象徴性は、統一国家を望む政治家にとって有利に働いた。木版画を彫り、印刷するという物理的な行為は、肉体労働や労働者の権利を支持するという多くの人々の価値観をも支えた。[ 21 ]
今日、メキシコでは活動家による木版画の伝統は今も生き続けている。オアハカでは、2006年のオアハカ抗議運動中および後に結成された集団が、社会変革のために木版画を使い続けている。[ 24 ]オアハカ革命芸術家会議（ASARO）、コレクティボ・スブテラネオス、ラピストーラ、タジェール・アルティスティコ・コムニタリオは、先住民の権利、移住、政治的抵抗をテーマにしたレリーフ版画を制作し、それを小麦粉糊でポスターにして公共の壁に貼っている。[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]アルテミオ・ロドリゲスは、ミチョアカン州タカンバロに住む別の芸術家で、現代社会の問題をテーマにした政治的な木版画を制作している。[ 1 ]
ヨーロッパ
日本（浮世絵）
![現代[いつ?]木版画鯉の絵、ドンホー絵画、ベトナム。](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/6/68/Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg/500px-Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg)
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