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『Scary Monsters (and Super Creeps)』、または単に『Scary Monsters』としても知られる[ a ]は、イギリスのミュージシャン、デヴィッド・ボウイの14枚目のスタジオ・アルバムで、1980年9月12日にRCAレコード から。ベルリン三部作（『Low』、『Heroes』、『Lodger』）に続く最初のアルバムである『Scary Monsters 』は、芸術的には成功したが商業的にはそれほど成功しなかった三部作の後、より商業的なレコードを作ろうとしたボウイの試みだった。
ボウイとトニー・ヴィスコンティが共同プロデュースした『スケアリー・モンスターズ』は、1980年2月から4月にかけてニューヨーク市のパワー・ステーションで録音され、その後ロンドンのグッド・アース・スタジオでも録音された。過去の作品と同じメンバーがセッションに参加し、チャック・ハマーとロバート・フリップがギターで参加、ピート・タウンゼントがゲスト出演した。音楽にはアート・ロック、ニュー・ウェーブ、ポスト・パンクの要素が取り入れられている。過去の作品の即興的な性質とは異なり、ボウイは時間をかけて音楽と歌詞を書いた。いくつかの曲は仮題で録音され、中には以前の未発表曲の要素を再構成したものもあった。アルバムのジャケットは、ボウイがピエロの衣装を着た大規模なコラージュで、裏ジャケットには過去の作品への言及が記されている。
アルバムのリードシングル「Ashes to Ashes 」は「 Space Oddity 」のメジャー・トムのキャラクターを再び取り上げ、独創的なミュージックビデオでプロモーションされた。Scary Monstersは批評的にも商業的にも高い評価を得た。全英アルバムチャートで1位を獲得し、米国でもボウイの商業的地位を回復させ、ビルボードのトップLP＆テープチャートで12位にランクインした。これはボウイにとってRCAでの最後のスタジオアルバムであり、彼とヴィスコンティの20年以上にわたる最後のコラボレーションとなった。いくつかの出版物では、史上最高のアルバムの1つとされている。このアルバムは何度も再発され、2017年にはボックスセット「A New Career in a New Town (1977–1982)」の一部としてリマスターされた。
1976年から1979年にかけて、デヴィッド・ボウイは、ミュージシャンのブライアン・イーノとプロデューサーのトニー・ヴィスコンティとのコラボレーションで制作した『 Low』、『Heroes』（いずれも1977年）、『Lodger』（1979年）からなる、ベルリン三部作として知られる作品を録音した。非常に影響力のある作品とみなされているものの[ 1 ] 、この三部作は商業的にはそれほど成功しなかった[ 2 ] 。特に『Lodger 』の商業的成功は、ゲイリー・ニューマンなど、ベルリン三部作の初期作品に影響を受けたアーティストによって阻害された[ 3 ]。伝記作家のデヴィッド・バックリーによれば、ニューマンの名声が間接的にボウイの次のレコードでより商業的な方向性を取るきっかけとなったという[ 4 ] 。
アルバムのレコーディングは1980年2月にニューヨーク市のパワー・ステーションで始まった。ボウイは復帰したプロデューサーのトニー・ヴィスコンティに、これは以前の作品よりも商業的なレコードになるだろうと伝えた。 [ 5 ] [ 6 ]イーノは『ロジャー』以降ボウイとのコラボレーションを終えており、ベルリン三部作はそのレコードで「尻すぼみになった」と感じていたため、復帰しなかった。 [ 7 ]これは、1976年の『ステーション・トゥ・ステーション』以来一緒に活動してきたデニス・デイヴィス（ドラム）、カルロス・アロマー（ギター）、ジョージ・マレー（ベース）というコア・ラインナップによるボウイの5枚目にして最後のアルバムとなった。その後もボウイと活動を続けたのはアロマーだけだった。[ 5 ]
「ヒーローズ」で演奏したキング・クリムゾンのギタリスト、ロバート・フリップがセッションに復帰し、ロジャーのギタリスト、エイドリアン・ブリューと交代した。[ b ]ボウイは前年にロンドンでルー・リードと共演したチャック・ハマーの演奏を聴き、追加のギタリストとして彼を雇った。 [ 5 ] NMEの編集者ロイ・カーとチャールズ・シャー・マレーによると、ハマーはギターシンセを駆使して複数のテクスチャーレイヤーを加え、フリップは「ヒーローズ」で提供したのと同じ独特のサウンドを戻した。[ 9 ]ブルース・スプリングスティーンのEストリート・バンドのメンバーであるピアニストのロイ・ビッタンは、ステーション・トゥ・ステーションのセッションから戻ってきた。[ c ] [ 5 ]
パワー・ステーションでの最初のセッションは2週間半にわたって行われ、さらに1週間オーバーダブに費やされた。完成したトラックはすべてインストゥルメンタルだった。[ 5 ] 「 Crystal Japan 」というタイトルのインストゥルメンタル曲は、当初アルバムの最後のトラックになる予定だったが、「 It's No Game」のリプライズに置き換えられた。 [ d ] [ 11 ]「It's No Game (No. 2)」というタイトルのリプライズは、 最初のセッション中に完全に完成した。[ 5 ]アロマーの提案で、ボウイはトム・ヴァーレインの「Kingdom Come」のカバーを録音した。ボウイはこの曲がヴァーレインの1979年の同名のソロアルバムの中で際立っていると感じ、ヴァーレインにリードギターを演奏するように頼んだ。ヴァーレインは同意したが、最終的にリードギターを演奏したのはフリップだった。[ e ] [ 12 ]
[ Scary Monsters ]を制作していた時は、ある程度の楽観的な気持ちがありました。というのも、自分の抱えていた問題のいくつかを乗り越え、将来に対して非常に前向きな気持ちになっていたからです。そして、本当に包括的でよく練られたアルバムの制作に取り掛かることができたのだと思います。[ 5 ]
以前のリリースのように歌詞や音楽を即興で作るのではなく、ボウイは時間をかけて歌詞とメロディーを作曲・開発し、[ 6 ] [ 5 ]ミュージシャンが自分の考え抜いた構成に従うことを確認してから、彼ら自身の個人的なタッチを加えた。[ 8 ]多くのトラックには初期段階で仮タイトルが付けられていた。その中には、「People Are Turning to Gold」（「Ashes to Ashes」）、「It Happens Everyday」（「Teenage Wildlife」）、「Jamaica」（「Fashion」）、「Cameras in Brooklyn」（「Up the Hill Backwards」）、そして元々は1973年にアストロネッツとして知られるボウイのコラボレーターのグループによって書かれ、録音された「I Am a Laser」（「Scream Like a Baby」）などがあった。[ f ] [ 6 ] [ 13 ]タイトル曲の歌詞は、1975 年の「Running Scared」という曲に遡るもので、[ 14 ]ケロッグのコーンフレークシリアルの宣伝キャンペーンに触発されたもので、そのキャンペーンでは「Scary Monsters and Super Heroes」というシリアルの景品が提供されていた。 [ 5 ] [ 10 ]他の曲は録音されたものの未完成のまま残されており、「Is There Life After Marriage?」やクリームの「I Feel Free 」のインストゥルメンタルカバーなどがある。後者は「Black Tie White Noise」（1993 年）で完全にカバーされた。[ 15 ]
セッションは1980年4月にロンドンのグッド・アース・スタジオで再開された。当時、そこはヴィスコンティ自身のスタジオだった。[ 12 ]フリップとキーボーディストのアンディ・クラークが最終的なインストゥルメンタル・オーバーダブを行い、ザ・フーのギタリスト、ピート・タウンゼントが「Because You're Young」にゲスト参加した。[ 5 ]ボーカル・トラックは最後に録音され、[ 5 ] [ 16 ]その中には女優の広田美智が担当した「It's No Game (No. 1)」の日本語ナレーションも含まれている。[ 17 ]
『Scary Monsters』の頃には、私がやっていた音楽はとても受け入れられるようになっていました …それは間違いなく80年代初頭のサウンドでした。[ 5 ]
評論家たちは『Scary Monsters』をアートロック[ 18 ] 、ニューウェーブ、ポストパンク[ 19 ]に分類している。AllMusicに寄稿したスティーブン・トーマス・アールワインは、『Scary Monsters』をボウイの1970年代の作品の集大成であり、そのサウンドは1980年代初頭のポストパンクに似ていると考えている[ 20 ] 。ニコラス・ペッグもこれに同意し、このアルバムを「ボウイの鋼鉄のようなアートロック期の輝かしい集大成であり、1980年代初頭のブリティッシュポップへの重要な入り口」と評している[ 5 ]。Consequence of Soundはキャリア回顧録の中で、『Scary Monsters』を「ボウイのその後のリリースが今でも比較されるアートポップの最高潮」と評している[ 21 ] 。カーとマレーは、このアルバムのサウンドは『 Diamond Dogs』 （1974年）以来のどの作品よりも荒々しく、彼の世界観はより絶望的だと評している。[ 9 ]伝記作家のクリストファー・サンドフォードは、歌詞の面では、スケアリー・モンスターズは、狂気、疎外感、そして「愛の救済力」など、ボウイがそれまでのキャリアを通して探求してきたテーマを再確認していると書いています。しかし、この場合、ボウイはリスナーを「締め出す」のではなく、引き込むことに成功しています。[ 22 ]
アルバムは「It's No Game (No. 1)」で幕を開ける。この曲は不気味なギターループとボウイの叫ぶようなボーカルパフォーマンスが特徴で、[ 23 ]クリス・オレアリーは、ジョン・レノンの「 Plastic Ono Band (1970)」でのパフォーマンスを彷彿とさせると述べている。[ 12 ]一部は「Tired of My Life」という古い曲から取られており、歌詞は日本の女優広田美智が朗読し、三浦久日が翻訳した。広田はバックリーが「男らしい侍の声」と表現する歌声を披露しており、これは「女性に対する特定の性差別的な態度を打ち破る」方法としてボウイの強い要望で行われた。[ 17 ] [ 23 ]ジェームズ・E・ペローンは、この曲がアルバムのテーマである「恐ろしい出来事」を確立していると書いている。[ 24 ]
「Up the Hill Backwards」の歌詞は、危機に直面する苦闘を扱っている。[ 9 ]ボウイは、トーマス・アンソニー・ハリスの1967年の自己啓発本『I'm OK – You're OK』（結婚生活を救う方法の手引き）を誤って引用している。[ 25 ]カーとマレーは、これをボウイとアンジー・ボウイの離婚への言及と見なしている。[ 9 ]音楽的には、珍しい拍子記号とボ・ディドリーに影響を受けたビートが特徴である。[ 26 ] [ 27 ]
タイトル曲のリズムセクションはジョイ・ディヴィジョンからインスピレーションを得ており、デイヴィスのドラム演奏は「She's Lost Control 」（1979年）のスティーヴン・モリスの演奏と比較されている。[ 28 ] [ 12 ]ペローネがパンク・ロックと評したこの曲は、[ 24 ]フリップの激しいギター演奏、デイヴィスの力強いドラム、デヴィッド・ボウイの加工されたコックニー訛りが特徴で、音楽はひどく歪んでいる。歌詞は、女性（ボウイのベルリン時代に遡る）と男性（ボウイの内なる悪魔）の間の閉塞的な関係を描いている。[ 14 ] [ 29 ]
「Ashes to Ashes」は「Space Oddity」（1969年）のメジャー・トムというキャラクターを再訪している。10年以上経った今、メジャー・トムは「ジャンキー」と表現されており、これは1970年代を通してボウイ自身が薬物中毒と闘っていたことと並行していると解釈されている。 [ 12 ] [ 30 ]音楽的には、「Ashes to Ashes」はハンマーのギターシンセサイザーのテーマを中心に構築されており、クラークのシンセサイザーによって補強されている。「Space Oddity」と同様に、この曲は段階的に構築され、ミックスには楽器のレイヤーが特徴となっている。[ 12 ]
「Fashion」は、ファンクとレゲエがミックスされた点で、ボウイの以前のシングル「 Golden Years 」を彷彿とさせる。クラークがシンセサイザーで始めたレゲエの「パロディ」から発展したもので、フリップのギターの「スクイール」が特徴である。ダンス・トラックであることに加えて、この曲は「俺たちはグーン・スクワッドだ」「左を向いて、右を向いて」といった歌詞でファシズムの要素を喚起する。 [ 12 ] [ 31 ]「ビープビープ」というフレーズは、以前の未発表曲「Rupert the Riley」から取られたものである。[ 17 ]
アルバム最長のトラック「Teenage Wildlife」は「Heroes」と構造的に似ているが、リフレインはなく、ヴァースはフリップのギターブレイクに合わせてタイトルが歌われるだけで終わる。バックコーラスはロネッツを彷彿とさせ、ピアノはロイ・ビッタンが担当している。[ 12 ] [ 32 ] [ 33 ]この曲の歌詞は様々な解釈がなされている。1つの解釈では、1970年代後半に現れたボウイの模倣者、例えばゲイリー・ニューマンなどへの攻撃であり、ニューマン自身も自分が標的になっていると考えていた。[ 17 ]カーとマレーは、この曲はボウイが若い頃の自分を振り返っていると述べており、[ 9 ]ペッグは、1970年代を通してボウイの進化を阻止しようとした批評家への反論だと考えている。[ 33 ]ボウイ自身は2008年に、歌詞は「人生を短期的に捉え、あまり先のことを考えず、これから起こる辛い出来事を予測しないこと」についてだと書いている。[ 12 ] 1970年代前半から中頃の「I Am a Laser」の流れを汲む「Scream Like a Baby」は、不安定さや政治的投獄を歌った歌詞を持つ現代的なニューウェーブサウンドが特徴で、 「The Man Who Sold the World (1970)」のテーマと類似している。[ 9 ] [ 12 ] [ 34 ]ボウイは、多重人格効果を示すバリスピードというテクニックを使ってボーカルを録音した。 [ 17 ]
「キングダム・カム」は、ボウイが『ステーション・トゥ・ステーション』以来初めてスタジオ・アルバムでカバーした曲で、[ 35 ]ヴェルレーヌのオリジナルと同じキーだが、[ 36 ]より壮大なスタイルになっている。[ 12 ]ドゲットはこのアレンジを「モータウン・サウンドとアメリカンAORの無味乾燥さの不幸な交配」と評している。[ 36 ]歌詞は、フラストレーション、退屈、繰り返しなど、アルバムの他のトラックと同様のテーマを扱っている。[ 36 ] [ 24 ]リリース時、ボウイは「ビコーズ・ユーアー・ヤング」を当時9歳の息子ダンカン・ジョーンズに捧げた。歌詞は、ボウイが若い世代を振り返り、助言するという点で、スケアリー・モンスターズの他のトラックと似ている。タウンゼントの貢献はミックスの中で控えめに配置されている。[ 12 ] [ 37 ] [ 38 ]アルバムは「It's No Game (No. 2)」で終わるが、これは「No. 1」とは対照的で 、新しい歌詞が使われており、全体的に穏やかで瞑想的な雰囲気である。[ 23 ]ドゲットは、「No. 1」が「狂気の兆候で最高潮に達した」のに対し、「No. 2」は「ただ終わり、周囲のあらゆるものから色を奪う」と書いている。[ 39 ]アルバムの始まり方と同様に、テープが巻き戻されて再生される音で終わるが、今回はゆっくりと停止する。[ 12 ] [ 23 ]
スケアリー・モンスターズのカバーアートは、アーティストのエドワード・ベルによる大規模なコラージュで、「アッシュズ・トゥ・アッシュズ」のミュージックビデオで着用したピエロの衣装を着たボウイと、写真家のブライアン・ダフィーが撮影した写真がフィーチャーされている。ダフィーは、漫画が自分の写真を貶めていると感じたため、最終的なアートワークに不満を抱いたと伝えられている。[ 5 ] [ 40 ]ナターシャ・コルニロフがデザインしたピエロの衣装は、ボウイが1968年の舞台「ピエロ・イン・ターコイズ」でダンサーのリンジー・ケンプとマイムを演じた経験に影響を受けている。[ 16 ]
オリジナルLPの裏ジャケットには、直前のベルリン三部作と1973年のアラジン・セインという4枚のアルバムが言及されており、後者もダフィーがデザインと撮影を担当した。ロウ、ヒーローズ、ロジャーのカバー画像（最後の画像はアラジン・セインの見開きジャケットの内側の写真にボウイの胴体を重ねたもの）は、トラックリストの左側に小さな白塗りのフレームで描かれている。使用されている文字はピンク・フロイドのザ・ウォールのジェラルド・スカーフの文字をリワークしたもので、その後の数年間に多くのアルバムカバーで複製されることになる。[ 5 ] [ 40 ]これらの画像は1992年のライコディスク再発では再現されなかったが、 1999年のEMI /ヴァージンのリマスター版で復元された。オリジナルの額装されたアルバムアートワークは、デヴィッド・ボウイ・イズ巡回博物館展で展示された。[ 41 ]
リードシングル「Ashes to Ashes」は、 1980年8月1日にRCAレコードから編集版がリリースされ、 B面にはアルバム『Lodger』収録曲「Move On」が収録された。 [ 12 ] 3種類のスリーブで発売され、最初の10万枚には、この曲のミュージックビデオでボウイが着ていたピエロの衣装を着た4種類の切手のうちの1つが同梱されていた。[ 30 ]この曲はミュージックビデオで宣伝され、その予算は25万ポンド（2025年換算で110万ポンド）で、当時としては最も高額なミュージックビデオだった。 [ 42 ] 『 Lodger 』のすべてのミュージックビデオを監督したデヴィッド・マレットが監督したこのビデオでは、ボウイがかつてのコラボレーターであるナターシャ・コルニロフがデザインしたピエロの衣装を着ている。[ 43 ] [ 12 ]このシングルとビデオはどちらも伝記作家からボウイの最高傑作の一つとみなされており、[ 42 ]ペッグはこれがニューロマンティック運動のきっかけになったと述べている。[ 30 ]このシングルは全英シングルチャートで4位に初登場した。ミュージックビデオがBBCテレビ番組「トップ・オブ・ザ・ポップス」で初公開された後、シングルは1位に急上昇し、ボウイの最も売れたシングルとなり、ABBAの「ザ・ウィナー・テイクス・イット・オール」を首位から引きずり下ろした。これは「スペース・オディティ」の再発売に続く、ボウイにとって英国で2枚目の1位シングルとなった。[ 12 ] [ 30 ] [ 42 ]しかし、B面に「It's No Game (No. 1)」を収録した米国盤は、キャッシュボックス・トップ100チャートで79位、ビルボード・バブリング・アンダー・ザ・ホット100チャートで101位と、成績は振るわなかった。[ 44 ]
『Scary Monsters』 は1980年9月12日にリリースされた。[ 16 ] RCAは「Often Copied, Never Equalled」というキャッチフレーズでアルバムを宣伝したが、これはボウイが長年にわたって影響を与えてきたニューウェーブ・アクトへの直接的な言及と見なされている。[ 40 ]このアルバムは商業的に大成功を収め、全英アルバム・チャート で1位を獲得した。これは『Diamond Dogs』（1974年）以来の快挙であり、チャートに32週間ランクインした。 [ 45 ]これは『Aladdin Sane』 （1973年）以来最長の記録である。[ 5 ] [ 46 ]このアルバムはアメリカでもボウイの商業的地位を回復させ、[ 9 ]ビルボード・トップLP＆テープ・チャートで12位を獲得し、27週間チャートにランクインした。[ 47 ]バックリーは『Scary Monsters』でボウイは創造性とメインストリームでの成功の「完璧なバランス」を達成したと書いている。 [ 40 ]
セカンドシングル「Fashion」は、 1980年10月24日に編集版としてリリースされ、B面には「Scream Like a Baby」が収録された。[ 48 ] [ 49 ]このシングルは商業的にも成功を収め、 イギリスでは5位、 アメリカのビルボードホット100では70位を記録した。[ 31 ]ファーストシングルと同様に、この曲も再びマレット監督によるミュージックビデオでプロモーションされた。ビデオでは、ボウイと彼のバックミュージシャンが「ガムを噛むタフガイ」として描かれ、ダンサーのリハーサル風景やニューロマンティックのファンの映像が挿入されている。「Ashes to Ashes」と同様に、このビデオも高く評価され、レコードミラー誌は両曲を1980年のベストミュージックビデオに選出した。[ 31 ]タイトル曲は、1981年1月2日に再び編集版としてサードシングルとしてリリースされ、[ 34 ] B面には「Because You're Young」が収録された。[ 49 ]このシングルはイギリスでボウイの商業的成功を継続し、最高位は 20位だった。 [ 48 ] 4枚目にして最後のシングル「Up the Hill Backwards」は1981年3月にリリースされ、B面にはアルバム未収録の日本盤シングル「Crystal Japan」が収録されていた。[ 49 ]イギリスでは最高位 32位で、シングルの中で最も売れ行きが悪かった。[ 48 ]
『Scary Monsters』は音楽評論家から絶賛された。[ 5 ] Record Mirrorは5つ星中7つ星の評価を与え、[ 51 ]同誌はボウイを1980年のベスト男性歌手に選出し、[ 55 ] Daily Mirrorも同様に選出した。[ 5 ] Smash Hitsは10点満点中9点を与え、「おそらく彼のアルバムの中で最も一貫して効果的なアルバム」と評した。[ 53 ] Melody Makerは「80年代への不気味なほど印象的な飛躍」と評し、[ 56 ] Billboardは「ここ数年で最も親しみやすく商業的に成功するボウイのLPになるはずだ」と正しく予測した。[ 57 ]ガーディアン紙のロビン・デンセロウもこれに同意し、 『Scary Monsters』を「親しみやすく、非常に独創的なメロディーが満載だが、ますます親しみにくくなっている」と評した。 [ 58 ]
ローリング・ストーン誌のデブラ・レイ・コーエンは、このアルバムをボウイとイーノのコラボレーションの「明確化」であり、『アラジン・セイン』に似た趣旨だと評し、さらにボウイが『スケアリー・モンスターズ』全体を通して「過去の清算」をしていると指摘した。[ 59 ]同じく評論家のデイヴ・マーシュは、このアルバムをボウイの最高傑作の一つとみなし、「これが新しいアート・ロックなら、私は賛成だ」と述べた。[ 52 ]ニューヨーク・デイリー・ニュースのクリント・ロスウェルも同様に、このアルバムをボウイのここ数年で最高の作品と称賛し、「アッシュズ・トゥ・アッシュズ」、「ファッション」、「ビコーズ・ユーアー・ヤング」、そしてタイトル曲を、アーティストを「ポップ界の傑出した人物」として認める曲として挙げた。[ 60 ]イブニング・スタンダードのジェームズ・ジョンソンもこの「注目すべき」LPをその年のベストの一つと評し、「ボウイはいつでもロックの主流を掌握できることを証明している」と述べた。[ 61 ]
ボストン・グローブ紙のジム・サリバンは、B面はA面より劣るとしながらも、「ボウイは複雑で刺激的な挑戦を続けている」と結論づけた。 [ 62 ]スポークスマン・レビュー紙のトム・ソワは、より穏やかな評価を下した。彼は『スケアリー・モンスターズ』をボウイの4年間で最高の作品と称賛し、フリップの貢献を強調し、「アッシュズ・トゥ・アッシュズ」と「ビコーズ・ユーアー・ヤング」を挙げたが、「ティーンエイジ・ワイルドライフ」を「過熱し、混乱し、全く恥ずかしい4分間のプラスチック」と酷評した。 [ 63 ] NME誌のチャールズ・シャー・マレーは、このアルバムについてより複雑な評価を下し、「『スケアリー・モンスターズ』は希望を一切失っているが、決起を促す呼びかけでもある。敗北を前提としたアルバムでありながら、恥じることなく、紛れもなく対立的だ」と述べた。さらに彼は、このアルバムを「現実主義者」のボウイのレコードと呼んだ。 [ 64 ]ニューヨーク・タイムズ紙で、ジョン・ロックウェルは、このアルバムは「あまりにも歪んでいて醜く、耳障りで、自己主張が控えめすぎる」ため、すべてのロックリスナーにとって魅力に欠けると感じた。しかしながら、彼はこれを「その特定のタイプの優れたレコード」と評した。 [ 65 ]
Record Mirror誌は年末のリストで、Scary MonstersをThe JamのSound Affectsに次ぐ年間ベストアルバム第2位に選出した[ 55 ] 。NME誌は同アルバムを年間ベストアルバム第9位にランク付けした[ 66 ] 。Village Voice誌の毎年恒例のPazz & Jop音楽評論家投票では、19位にランクインした[ 67 ]。
ボウイは、コンサートツアーでスケアリー・モンスターズをサポートしないことを決めた。代わりに、1980年7月から1981年1月まで上演されたブロードウェイ劇「エレファント・マン」でジョセフ・“ジョン”・メリック役を演じ、映画「クリスティアーネF.」（1981年）に本人役でゲスト出演するなど、俳優としてのキャリアを続けた。[ 16 ] [ 68 ] [ 69 ] 1980年12月のジョン・レノンの殺害後、ボウイはスイスの自宅に引きこもり、隠遁生活を送るようになった。[ 68 ] [ 69 ]それにもかかわらず、彼は仕事を続け、1981 年 7 月にはジョルジオ・モロダーと映画『キャット・ピープル』（1982 年）の主題歌を、またロックバンドのクイーンと「アンダー・プレッシャー」をレコーディングした。 [ 70 ] [ 71 ]翌月、ボウイはベルトルト・ブレヒトの戯曲『バール』のBBC翻案版で主役を演じ、付随するサウンドトラック EPをレコーディングした。どちらも 1982 年初頭にリリースされた。[ 72 ]また、彼は映画『ザ・ハンガー』と『戦場のメリークリスマス』にも主演し、どちらも 1983 年に公開された。 [ 73 ] [ 74 ]
ボウイは1983年4月にリリースされた『Let's Dance 』までスタジオアルバムをリリースしなかった。[ 75 ]『Scary Monsters』は、ボウイが『Hunky Dory』（1971年）以来所属していたRCAレコードからの最後のスタジオアルバムでもあった。 [ 76 ]ボウイは、自分の過去の作品を「搾り取っている」と感じていた同レーベルにますます不満を募らせていた。[ 5 ] RCAは再契約に前向きだったが、ボウイはEMI America Recordsと新たな契約を結び、[ 77 ]『Let's Dance』で商業的に大成功を収める時代が始まった。[ 78 ]
振り返ってみると、『Scary Monsters』は今もなお高い評価を受けています。Spin誌のジョン・ドーランは、1980年代はボウイにとって創作活動の面ではあまり輝かしい時代ではなかったものの、 『 Scary Monsters』で力強くその時代をスタートさせたと述べ、ボウイのボーカル・パフォーマンスを称賛し、特に「Ashes to Ashes」を「素晴らしい」と評しました。[ 84 ]アールワインはこのアルバムをボウイの1970年代の作品の集大成として称賛し、「音楽は80年代初頭のポストパンクからそれほどかけ離れていないが、新鮮で、ヒップで、現代的であり、これはボウイが80年代を通じて失ったものだ」と述べています。[ 20 ]エドゥアルド・リヴァダヴィアはUltimate Classic Rock誌でこのレコードの「リスクを冒した創造性」を称賛し、ボウイが時間をかけて歌詞を書くという決断が、彼のキャリアの中で最高の歌詞とボーカル・パフォーマンスにつながったと書いています。彼は最終的にこのアルバムをボウイの「キャリアにおける最高の作品の一つ」と評した。[ 86 ]作家のピーター・ドゲットは『スケアリー・モンスターズ』をボウイの「最も価値のある声明」の一つと評し、「聴衆の期待を覆し」、「彼の後を追おうとする者への警告」となったと書いている。[ 87 ]
PopMattersのクリス・ジェラードは、2017年のボックスセット「A New Career in a New Town (1977–1982)」のリマスター版をレビューし、このレコードでのボウイのボーカルパフォーマンスを彼の最高傑作の一つとして挙げ、さらに楽曲のアレンジとハーモニーを「ロックンロールの領域で見られるどんなものよりも、驚くほど素晴らしい」と称賛した。[ 88 ] 2020年の40周年を記念してこのアルバムを分析したStereogumのライアン・リースは、 Scary Monstersを「ボウイのキャリアの中であまり知られていない名作」と評し、ボウイがそれまでのキャリアのさまざまな時代を創造的な全体として融合させることができた方法を称賛した。リースは次のように結論づけた。「『スケアリー・モンスターズ』はボウイのすべてを最もよく捉えたアルバムであり、彼の過去のすべての自己が折り込まれ、残りの人生を通して受け継がれていく、あらゆるものが伝わる導管であり続けるだろう。」[ 89 ] 2013年のローリング・ストーン誌の読者投票では、『スケアリー・モンスターズ』はボウイの7番目に偉大なアルバムに選ばれた。同誌は、これが彼の最後の「最初から最後まで満足できる」アルバムになるだろうと主張した。[ 90 ]
『Scary Monsters』の批評的、商業的な成功を振り返り、ヴィスコンティは「ついに『Sgt. Pepper』を達成できたような気がした。『The Man Who Sold the World』以来ずっと目標としてきたものだった」と述べている。[ 5 ]ヴィスコンティはさらに「これは私がこれまで聴いたボウイのアルバムの中で最も好きなアルバムの一つだ」とも語っている。[ 91 ]アルバムに対する彼の絶賛にもかかわらず、『Scary Monsters 』はボウイが『Let's Dance』のプロデューサーにナイル・ロジャースを選んだ後、20年以上にわたってボウイとヴィスコンティの最後のコラボレーションとなった。[ 5 ]ボウイはその後数年間、特に『Let's Dance』で世界的なスーパースターの地位と商業的な成功を収めることになるが、多くの評論家は『Scary Monsters』を「彼の最後の偉大なアルバム」[ 20 ] [ 89 ]であり、新作リリースの「基準」だと考えている。[ 5 ]高く評価された後期の作品、例えばOutside (1995)、[ 92 ] Earthling (1997)、[ 93 ] Heathen (2002) およびReality (2003) は、「 Scary Monsters以来最高のアルバム」として挙げられた。[ 94 ]バックリーは、「ボウイは次のアルバムに『Best Since Scary Monsters 』と前もってステッカーを貼ってしまえばいい」と提案した。[ 95 ]伝記作家のマーク・スピッツは、このアルバムをボウイの「最後の『若々しい』レコード」と呼ぶ方がより正確だと考えている。なぜなら、それは彼の最後の「完全に自信に満ちた声明」であり、ボウイの「音の世界における『新しさ』の探求が、裏切るのではなく純粋に感じられた最後の時」だったからである。[ 27 ]
ボウイの伝記作家たちは、スケアリー・モンスターズを称賛し続けている。ペッグは、振り返ってみると、スケアリー・モンスターズは「これまで以上に新鮮でダイナミック」に聞こえ、「ボウイの最先端のアルバムの黄金期」を終わらせたと書いている。[ 5 ]オリアリーは2019年に、ボウイの最も「モダン」なサウンドのアルバムだと評した。[ 12 ]スピッツは、このレコードには、後の「良い」アルバム（ OutsideとHeathenを挙げている）にはないエネルギーがあると述べている。[ 27 ]ドゲットは、このアルバムをボウイの「最も価値のある声明」の1つと見なしており、リスナーの期待を超えると同時に、彼の足跡を辿ろうとする者すべてに警告を発していると考えている。[ 87 ]サンドフォードは、スケアリー・モンスターズでボウイは長年の実験の末に「自分の声を取り戻した」と述べている。 [ 22 ]ペローネはこのアルバムを「ボウイのポップと実験的な側面がほぼ完璧にバランスしている」と称賛し、アーティストの「最も重要で一貫性のあるアルバム」の1つであると述べている。[ 24 ] 2011年にポール・トリンカは次のように書いている。「『スケアリー・モンスターズ』は今でも輝きを放っている。その激しくうねるグルーヴは驚くほど現代的だ が、アレンジの複雑さにもかかわらず、気取らないシンプルさの瞬間がたくさんある。」[ 96 ]彼はこのアルバムの「重厚でタフな、ロックとファンクが融合したバック」が、ブラーやザ・ストロークスなどの後のバンドに影響を与えたと考えている。[ 97 ]
『Scary Monsters』は、複数の出版物による史上最高のアルバムのリストに何度か登場している。2000年、Q誌は『Scary Monsters』を「史上最高の英国アルバム100選」の30位にランク付けした。 [ 98 ] 2002年、Pitchfork誌は同アルバムを1980年代のトップ100アルバムのリストの93位にランク付けした。[ 99 ] 2012年、Slant Magazineは同アルバムを1980年代のベストアルバム100選の27位にランク付けし、「ボウイはベルリン三部作の実験性を抑え、シンセサイザーの華やかさと型破りなギターリフを、この10年間で最も風変わりなポップアルバムの1つに注ぎ込んでいる」と評した。[ 100 ] 2013年、NME誌は同アルバムを史上最高のアルバム500選の381位にランク付けした。[ 101 ] 2018年、Pitchforkは1980年代のベストアルバム200枚の改訂版リストで53位にランクインさせた。[ 102 ] 2020年、Rolling Stoneは史上最高のアルバム500枚の改訂版で443位にランクインさせた。[ 103 ]
このアルバムは現在までにコンパクトディスクで5回再リリースされている。最初にCDでリリースされたのは1985年、RCAからだった。2回目のCDリリースは1992年、RykodiscとEMIからで、新しいリマスターと4つのボーナストラックが含まれていた。[ 104 ] 1999年にEMI / VirginからリリースされたCDにはボーナストラックはなく、24ビットのデジタルリマスター音源が収録されていた。[ 105 ] 2003年、EMIからハイブリッドスーパーオーディオCDとして再リリースされ、リマスターされたが、ボーナストラックはなく、以前の1999年のリマスター音源を含むRedbookオーディオレイヤーが収録されていた。[ 106 ] 2017年、このアルバムはParlophoneからリリースされたA New Career in a New Town (1977–1982)ボックスセットのためにリマスターされた。[ 107 ]このアルバムは、このコンピレーションの一部として、また翌年には単独で、CD、レコード、デジタル形式でリリースされた。[ 88 ] [ 108 ]
特記のない限り、全曲デヴィッド・ボウイ作詞作曲。
ライナーノーツと伝記作家ニコラス・ペッグによるアルバムのクレジット。[ 5 ] [ 109 ]
生産
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