ダイヤモンド・ドッグス

ダイヤモンド・ドッグス
スタジオアルバム​ デヴィッド・ボウイ
リリース	1974年5月24日 ( 1974-05-24 )
記録済み	1974年1月～2月
スタジオ	トライデント、ロンドン、イギリス オリンピック、ロンドン、イギリス ルドルフ、ネーデルホルスト デン ベルク、オランダ
ジャンル	グラムロック プロトパンク 魂 アートロック ファンク
長さ	38 : 25
ラベル	RCA
プロデューサー	デヴィッド・ボウイ
デヴィッド・ボウイの年表
ピンナップ （1973） ダイヤモンドの犬 (1974) デビッド・ライブ （1974）
ダイアモンド・ドッグスのシングル
「反逆者」 公開日: 1974年2月15日 「ダイヤモンドの犬」 公開日: 1974年6月14日 「1984」 公開：1974年7月（米国と日本のみ）

『ダイアモンドの犬』は、イギリスのミュージシャン、デヴィッド・ボウイが1974年5月24日にRCAレコードより発売した8枚目のスタジオアルバムである。ボウイは、バックバンドのスパイダース・フロム・マーズの解散とプロデューサーのケン・スコットの脱退後、1974年初頭にロンドンとオランダでアルバムをプロデュースし、レコーディングを行った。ミック・ロンソン不在の中、ボウイはレコードでリードギターを担当した。『ダイアモンドの犬』では、4年間ボウイと仕事をしていなかったトニー・ヴィスコンティが復帰し、2人はその後10年間コラボレーションを続けることになる。音楽的には、これはボウイがグラムロックのジャンルで行った最後のアルバムとなったが、いくつかの曲はファンクやソウルミュージックの影響を受けており、ボウイはこれらを次のアルバム『ヤング・アメリカンズ』（1975年）で取り入れた。

キャリアの方向性が定まらなかった時期に考案された『ダイアモンド・ドッグス』は、当時ボウイが思い描いていた複数のプロジェクトの成果である。『ジギー・スターダスト』 （1972年）を基にした廃案となったミュージカル、ジョージ・オーウェルの小説『1984年』 （1949年）の翻案、ウィリアム・S・バロウズの著作を基にした都市の終末シナリオなどである。タイトル曲ではハロウィン・ジャックという新しいペルソナが登場する。ベルギー人アーティストのギ・ペラールトが、写真家テリー・オニールが撮影した写真を基に、ボウイを半人半犬のハイブリッドとして描いた物議を醸したジャケットアートワークを描いた。

リードシングル「Rebel Rebel」に先駆けて『ダイアモンドの犬』は商業的に成功し、イギリスで1位、アメリカで5位を獲得した。発売以来賛否両論の評価を受けており、統一感がないとして批判も多い。ボウイの伝記作家はこれを彼の最高傑作の一つとみなし、2013年にはNMEが史上最高のアルバムの一つに挙げている。ボウイは『ダイアモンドの犬』ツアーでこのアルバムをサポートし、このツアーでは手の込んだ高価なセットピースが使用された。振り返ってみると、『ダイアモンドの犬』は発売後の数年間でパンク革命に影響を与えたとされている。このアルバムは何度か再発されており、2016年にはWho Can I Be Now? (1974–1976)ボックスセット用にリマスターされた。

デヴィッド・ボウイは1973年の夏に7枚目のスタジオアルバム『ピンナップス』をリリースした。当時、彼は自分のキャリアをどこに向かわせるか確信が持てなかった。^[2]ジギー・スターダストに自分を定義づけられたくなかった彼は、バックバンドのスパイダース・フロム・マーズを解散し、プロデューサーのケン・スコットと袂を分かった。伝記作家のデヴィッド・バックリーによると、スコットの脱退はボウイの「古典的な『ポップ』時代」の終焉を意味し、彼をより実験的な領域と「間違いなくより大きな音楽的大胆さ」へと導いた。^[1]

Pin Upsのセッション中、彼はレポーターにミュージカルを作りたいと語っており、そのタイトルには「Tragic Moments and Revenge」や「The Best Haircut I Ever Had 」など様々なものがあった。彼のギタリストであるミック・ロンソンは「[ボウイは]こういった小さなプロジェクトをたくさん抱えていて... [そして]自分が何をしたいのかよくわからなかった」と回想している。 ^[2]ロンソンがソロアルバム「Slaughter on 10th Avenue」の制作に取り掛かると、ボウイと妻のアンジーはファンからの嫌がらせのためベックナムのハドンホールから引っ越すことを決めた。彼らは当初、女優のダイアナ・リグが借りていたメイダ・ヴェールのアパートに引っ越し、その後チェルシーのオークリー・ストリートにあるもっと大きな家に引っ越した。^{[2] [1]}バックリーによると、デヴィッド・ボウイのマネージャーのトニー・デフリーズは当初、その家は「贅沢すぎる」としてこの引っ越しを阻止したという。RCAレコードはボウイのアルバムとシングルのイギリスでの売り上げを合わせて200万枚以上と見積もっていたが、デフリーズは売り上げでは家を買うのに十分な収入にはならなかったと語った。 ^[1]デフリーズの言うことを無視してボウイは家を購入し、ここでボウイ一家はフェイセズのロッド・スチュワートとロニー・ウッド、ミック・ジャガーと当時の妻ビアンカ、そして当時ボウイが不倫関係にあったとされるアメリカ人歌手でモデルのアヴァ・チェリーと過ごした。 ^{[2] [1]}

Pin Upsのレコーディングと並行して、ボウイは1973年に他の音楽活動にも参加した。1974年1月にシングルとしてリリースされたLuluの「The Man Who Sold the World 」のレコーディングでは共同プロデューサーと演奏を務めたほか、 ^{[3] [4]} Steeleye SpanのNow We Are Sixに参加し、^{[2] Cherry、Jason Guess、} Geoff MacCormackからなるAstronettesというトリオを結成した。^[5]グループはロンドンのオリンピック・スタジオでセッションをレコーディングしたが、プロジェクトは最終的に1月に棚上げとなり、 People from Bad Homes (後のThe Astronettes Sessions )というコンピレーション・アルバムが1995年にリリースされた。ボウイはその後数年にわたってこれらのセッションの曲を作り直した。^{[2] [a]} Buckleyは、彼がレコーディングした曲はグラムロックとソウルの融合を特徴としており、それが1974年にボウイが取った方向性であることが証明されたと書いている。 ^[1]

伝記作家のクリス・オリアリーによると、『ダイアモンドの犬』は当時ボウイが思い描いていた数多くのプロジェクトを組み合わせたものである。^[4] 1973年11月、ボウイはローリングストーン誌で作家ウィリアム・S・バロウズのインタビューを行った。1974年2月に出版されたこのインタビューは、ボウイの現在の野望についての洞察を与えた。バロウズの作業方法と1964年の小説『ノヴァ・エクスプレス』の崇拝者であるボウイは、インスピレーションを得るためにバロウズの「カットアップ」技法を使い始めたことを明らかにした。彼は『ジギー・スターダスト』に基づくミュージカルについて話し、「40のシーンがあり、登場人物と俳優がシーンを覚えて、公演の午後に全員で帽子の中でシーンをシャッフルし、シーンが出てくるたびに演じることができればいいな」と語った。彼はまた、ボウイのお気に入りであるジョージ・オーウェルの1949年の小説『1984年』をテレビ用に翻案することについても何気なく言及した。^[2]彼はこの小説を舞台化したいと考えており、『ピンナップス』のセッションを終えた後に脚本を書き始めた。^[7]これらのプロジェクトはどちらも実現しなかった。^[4]

伝記作家ニコラス・ペッグが「後退」とみなしたジギー・スターダストのミュージカルは失敗に終わったが、ボウイはダイアモンド・ドッグスのために書いた2曲、「Rebel Rebel」と「Rock 'n' Roll with Me」を救い出した。^[2] 1973年末、ジョージ・オーウェルの未亡人ソニア・オーウェルは、ボウイに小説の使用権を与えなかった。^[7]この拒否に腹を立てたボウイは、数年後にサーカス誌で彼女を激しく非難した。 ^[8]彼女は、亡き夫の作品の翻案を生涯拒否した。1980年に彼女が亡くなるまで、翻案は不可能だった。小説を翻案することができなかったボウイは、バローズの作品に触発されて独自の終末論的なシナリオを創作することを決意した。このシナリオからの曲には、アルバムのタイトルトラックや「Future Legend」が含まれる。^{[2] [4] [9]}

バックリーは、このアルバムはボウイが初めてレコーディングスタジオを楽器として使ったものだと書いている。^[1]スコットの脱退に伴い、ボウイはアルバムを自らプロデュースした。ローリング・ストーンズの数多くのセッションやレッド・ツェッペリンの『聖なる館』で仕事をしたキース・ハーウッドがエンジニアリングを担当した。^{[2] [1]ペッグは、ボウイとハーウッドは以前に}モット・ザ・フープルの『オール・ザ・ヤング・デューズ』や「ジョン、アイム・オンリー・ダンシング」のオリジナル版（どちらも1972年）でコラボレーションしていたが、『ダイアモンドの犬』はハーウッドがボウイのアルバムで初めてクレジットされたものだ、と書いている。ボウイは、ストーンズでのハーウッドの仕事に「畏敬の念を抱いていた」と述べた。スパイダースがマーズを脱退した後、ボウイはリードギターを担当した。1997年に、彼は「ギター演奏は十分以上のものでなければならない」と知りながら毎日練習していたと回想している。^[2]これはNMEの評論家ロイ・カーとチャールズ・シャー・マレーを驚かせ、彼らが「アルバムに特徴的な風味の多くを与えた、ぎこちなく騒々しい、半ばアマチュア的なサウンド」と表現した作品を生み出した。 ^[10]ピアニストのマイク・ガーソンとドラマーのエインズレー・ダンバーは『ピンナップス』のセッションから戻り、トニー・ニューマンもドラムを演奏し、以前スペース・オディティ（1969）で演奏していたハービー・フラワーズがベースに採用された。ブルー・ミンクのアラン・パーカーは「1984」でゲストギターを演奏し、「Rebel Rebel」でボウイのリフを「増強」したが、彼のクレジットは「1984」のみであった。^{[11]ボウイの長年の友人で現在は}ウォーレン・ピースとして知られるジェフ・マコーマックがバックボーカルを歌った。^{[1] [2]} 『ダイアモンド・ドッグス』は、トニー・ヴィスコンティと再会したボウイのキャリアにおける画期的な作品であり、ヴィスコンティはストリングスのアレンジを提供し、ロンドンのスタジオでアルバムのミックスを手伝った。ヴィスコンティはその後10年間、ボウイの作品の多くを共同プロデュースすることになる。^[7]

『1984年』のプロジェクトが却下される前に、ボウイは『アラジン・セイン』のセッション中に1973年1月19日に『 1984年』をレコーディングしていた。^[12] 『ダイアモンドの犬』の初期作業は1973年10月下旬にロンドンのトライデント・スタジオで始まり、ボウイとスコットは『1984』を『ドードー』とのメドレーでレコーディングし、『1984/ドードー』と題した。トラックのミックスが終わると、このセッションが2人が一緒に仕事をした最後の機会となった。^{[2] [1]}オリアリーによると、このセッションはボウイがロンソンとボルダーと仕事をした最後の機会でもあった。^[4]このメドレーは、1973年10月18日から20日にロンドンで収録されたアメリカのテレビ番組「ザ・1980・フロア・ショー^{」で既に公開されていた。 [13]ロニー・ウッドがリードギターを担当した}ブルース・スプリングスティーンの「グローウィン・アップ」のカバーもこの時期に録音された。^[14]オリンピックでのアルバムのレコーディングは1974年の初めに正式に始まった。ボウイは1973年のクリスマスに続いてトライデントでのソロセッション中に「レベル・レベル」に取り組み始めていた。^{[b] [15]}元旦には、グループは「キャンディデイト」と「テイク・イット・イン・ライト」を録音した。^{[16] 「}ヤング・アメリカンズ」（1975年）に収録された「キャン・ユー・ヒア・ミー」の初期バージョンである。^[17]アストロネッツとの最後のセッションの後、レコーディングは1月14日から15日まで続けられ、グループは「ロックンロール・ウィズ・ミー」、「キャンディデイト」、「ビッグ・ブラザー」、「テイク・イット・イン・ライト」、そしてタイトル曲をレコーディングした。翌日、ボウイは「ウィ・アー・ザ・デッド」をレコーディングし、その後ヴィスコンティにミキシングのアドバイスを求めた。^[16]「レベル・レベル」はこの頃に完成した。^[4]レコーディングはオランダのルドルフ・スタジオで終了したが、そこでストーンズはちょうどイッツ・オンリー・ロックンロール（1974年）のレコーディングを終えたところだった。^[18]

ダイアモンド・ドッグスは、ボウイがグラムロックのジャンルでリリースした最後のアルバムである。^[2]バックリーは「ボウイは、彼のキャリアを定義するような動きで、グラムロックが空虚なパロディに陥る前に、ちょうどいいタイミングでそのジャンルから飛び降りた」と書いている。 ^{[19]文化研究の学者}ジョン・ストラットンによると、このアルバムは「ポストグラム」と呼び、「イギリスのプロトパンク」レコードと見なされることが多い。 ^[20]ポップカルチャー学者シェルトン・ウォルドレップは「素晴らしくダークなプロトパンク」と表現し、^{[21]音楽ジャーナリストのCMクロックフォードは「パンクと}アートロックが出会って少し踊り、そして別れる、間抜けでざらざらした場所」と述べている。^[22]ガーディアン紙のアダム・スウィーティングの意見では、このアルバムは「音楽はまだグラムロック陣営に片足を突っ込んでいる」が、ボウイのキャリアにおいて「贅沢な劇場的パッケージングによる一種のワイマール・ソウルミュージックの探求を始めた」時期を示しており、「ビッグ・ブラザー」や「スウィート・シング」などのブロードウェイ風バラードをフィーチャーしている。 ^[23]ペッグはアルバムを「パワーチャージされたガレージロックと洗練されたシンセサイザーを多用した黙示録的なバラードの狂気的な交替」と表現している。^[2]伝記作家のクリストファー・サンドフォードは、全体的なコンセプトを超えて、多くの曲がR&Bに踏み込んでいると書いている。^[24]ピッチフォークのバリー・ウォルターズは、アルバムは依然として主にグラムロックであるが、「ブラックスプロイテーション・ファンクとソウル、ロックオペラ、ヨーロッパの芸術歌曲、ブロードウェイ」の要素も含まれていると書いている。^[25]

オープニング曲「Future Legend」は、終末後の都市の風景を描いたスポークンワード曲である。^[27]バローズの著作、特に『ワイルドボーイズ』（1971年）は、崩壊のビジョンを刺激する。作家のピーター・ドゲットは、世界が5年後に終わると告げる『ジギー・スターダスト』のオープニングとは異なり、「Future Legend」の終末はいつでも起こり得ると指摘している。^{[4] [28] [29]}ボウイはタイトル曲を「これはロックンロールじゃない、これは大量虐殺だ」と宣言して始める。この曲は、ボウイの最新のペルソナであるハロウィン・ジャックを紹介する。ハロウィン・ジャックは、「Future Legend」で描かれた都市の荒廃地で「マンハッタン・チェイスの上に住んでいる」「本当にクールな男」と表現されている。^[26]彼は「ダイヤモンド・ドッグ」を率いており、オリアリーは「高層ビルの屋根にキャンプを張り、ローラースケートで走り回り、死体が散乱する上空を恐怖に陥れる野生児の群れ」と表現している。^[4]ジャックはジギー・スターダストやアラジン・セインのようなボウイの「アイデンティティ」の1つとしてよく知られているが、ドゲットはジャックは「カメオ出演以上のものではない」と指摘している。^[29]リフとサックスはローリング・ストーンズに触発されている。^[26]伝記作家のマーク・スピッツは、これはボウイがアラジン・セインで使用したのと同じ「うんざりした解説者の声」だと述べている。^[18]

複数の伝記作家が「スウィート・シング/キャンディデート/スウィート・シング（リプライズ）」の組曲をアルバムのハイライトとして挙げている。^{[30] [28] [4]}ペッグはボウイのボーカルパフォーマンスを、彼が彼の最高傑作の一つだと考えている^[30]と評し、甘い歌声と評している。^{[18] [31]}「スウィート・シング」はセックスが「麻薬のような商品」であるという堕落の描写をしており、「キャンディデート」ではチャールズ・マンソンやモハメド・アリへの言及があり、ボウイは「自身の舞台創作の偽物に飲み込まれている」としている。^[32]ペッグがボウイの最もカバーされた曲として挙げている「レベル・レベル」は、ローリング・ストーンズを彷彿とさせる独特のギターリフに基づいており、グラムロック時代への別れとなった。^{[15] [33]この曲には}アラン・パーカーがゲストギターとして参加しており、ペッグによれば「リフの各ループの終わりに3つの下降音を加えた」とのこと。^[15]この曲には1970年代のパンクロックや性別を逆転させる歌詞（「君の母親は渦中にいる / 君が男の子か女の子か分からない」）よりも前の時代のキャラクターが登場する。^{[27] [28]}一部の評論家は曲そのものを賞賛したが、アルバム全体のテーマには貢献していないと感じた。^{[27] [34]}しかしドゲットは、この曲が「スウィート・シング」組曲の「音楽的な続き」として機能していると書いている。^[31]

ボウイとマコーマックは「ロックンロール・ウィズ・ミー」を共作した。^[4]これはボウイが自身のアルバムで初めて共作者としてクレジットされた曲である。^[35]マコーマックは自分の貢献は最小限で、ピアノでコード進行を弾いたと述べた。^[28]パワーバラードである^[27]この曲は、観客と俳優の関係を探求している。ファンが彼をリーダーとみなしているかと尋ねられたとき、ボウイは「ロックンロール・ウィズ・ミー」を「俺にそうしてるんだ、やめてよ！」という返答であると説明した。^{[4] [29]バックリーは、この曲がボウイが}ヤング・アメリカンズで採用するソウルの方向性を予兆するものだったと書いている。^[28]「ウィー・アー・ザ・デッド」の歌詞は、1984年の登場人物、ウィンストンとジュリアのお互いへの愛を反映している。彼らはアルバムの残りの部分を反映した危険に満ちた世界を確立している。^[36]バックリーは歌詞を「ゴシック」、音楽を「不気味」と表現している。^{[28]この曲は}『1984年』を直接引用しているが、オリアリーとジェイムズ・ペローネは、この曲はバロウズの著作の影響をより強く受けていると主張している。^{[4] [27]}

「1984」はボウイが計画していた『1984年』の映画化のテーマ曲だった。^{[37]これはウィンストン・スミスの投獄と}オブライエンによる尋問を表していると解釈されている。^{[13]歌詞にはボウイの以前の曲「}オール・ザ・マッドメン」（1970年）との類似点もある。 「奴らはお前のきれいな頭蓋骨を割って空気で満たすだろう」。^[37]オールミュージックのドナルド・A・グアリスコは「ボウイの『1984』のレコーディングは、キラキラ光る弦楽器と、曲の短くて軍隊的なリズムを効果的に反映した、脈打つワウワウギターのラインを使ったドラマチックなアレンジで、曲の映画的な可能性を完全に実現している」と書いている。^{[38]もともとは}アラジン・セイン・セッション中に録音されたもので、^[12]再録音のワウワウ・ギターはアイザック・ヘイズの「Theme from Shaft」を彷彿とさせる。^{[28] [39]}グアリスコとペッグは、この曲のファンキーでソウルフルな性質が、ボウイがヤング・アメリカンズで目指す方向性を完全に予見していると感じた。^{[37] [38]}

ペッグによると、「ビッグ・ブラザー」のテーマは「絶対的な権力の危険なカリスマ性と、社会が全体主義の最終解決策に屈する容易さ」である。^{[40]この曲は、ボウイによる}『1984年』の翻案の最後を飾る可能性のある曲だった。^[4]シンセサイザーとサックスをフィーチャーしたこの曲は、^{[40]バックリーが}『世界を売った男』を彷彿とさせると考えるクライマックスへと盛り上がる。^{[28]この曲は}『1984年』の「2分間の憎悪」のバリエーションである「永遠に巡る骸骨の家族の歌」へと続く。^{[41] [4]これは5/4拍子と6/4拍子の歌で、歪んだギターのループが加わっている。オリジナルのLPでは、brotherという言葉が「針が引っかかったような効果」で繰り返され、}ビートルズの「サージェント・ロンリー・ロンリー・ハーツ・プロダクション」のエンディングに似ている。ペッパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド（1967年）。^[42]

カバーアートでは、ボウイが半人半犬のグロテスクな姿で描かれている。ジギー・スターダストのような髪型で、ニューヨーク市を背景に2匹の「見世物」犬が彼を取り囲んでいる。^{[2] [43]}アートワークは、写真家テリー・オニールとのフォトセッションから生まれた。ボウイは、これまでのカバーアートの写真家を起用しないことにし、代わりにベルギー人アーティストのガイ・ペラートに依頼した。ペラートの最近出版されたカタログ「Rock Dreams」には、エアブラシ加工や加工された写真が多数掲載されており、人気が高まっていた。ボウイはペラートを写真撮影に招待し、犬に扮して、セッションにはグレート・デーンを連れてきた。 ^{[2] [43]}ボウイは、ペラートに、ペラートがローリング・ストーンズの「It's Only Rock 'n Roll」のアートワークに似た、半人半犬の姿で登場するというストーリーボードのアイデアに基づいて、アートワーク用の絵を描いてみないかと尋ねた。ペラートは同意し、コニーアイランドのプレジャーパークに関する所有本を基に背景を作成した。ボウイの後ろの2匹の犬は、コニーアイランドのカヴァルケードバラエティショーの出演者であるアルゾリア・ルイス（通称「タートルガール」）とジョアンナ・ディケンズ（通称「ベアガール」）をモデルにしている。^{[2] [43]}

アートワークは、見開きジャケットのフルサイズ画像にハイブリッドの性器が写っていたため、物議を醸した。RCAはほとんどのリリースで使用されたジャケットから性器をエアブラシで消した。アルバム発売当時、オリジナルの無修正コピーがいくつか流通した。^{[2] [43]}レコード収集家の出版物であるゴールドマイン価格ガイドによると、これらのアルバムは史上最も高価なレコード収集品の一つであり、1枚で数千ドルで販売されている。^[44]アートワークのその他の変更には、フリークショーバッジ「Alive」が「Bowie」という言葉に置き換えられたことがあり、ボウイは単に「Bowie」とクレジットされ、ピンナップで確立された慣習を継続した。^{[2] [43]} ライコディスク/ EMIは、1990年のアルバム再リリースのためにピーラートのオリジナルの無修正アートワークを復元した。その後の再発行には、ソンブレロコルドベスをかぶったボウイが飢えた犬を抱き、足元にウォルター・ロスの小説『不滅』を置いている、却下された内側のゲートフォールド画像が含まれていた。 ^{[2] [43]}

イギリスでは、RCAが1974年2月15日にリードシングル「Rebel Rebel」をリリースした。これはハンキー・ドリーの曲「Queen Bitch 」をB面に収録したものである。 ^[4]同日、ボウイはオランダのテレビ番組Top Popのためにヒルフェルスムのアヴロ・スタジオ2で「Rebel Rebel」のリップシンク・パフォーマンスをレコーディングした。2日後に放送されたこの番組では、ボウイはペッグが短命だった「海賊イメージ」と呼ぶ眼帯と水玉模様のネッカチーフを身に着けていた。ボウイはパフォーマンス後にこの衣装を変更し、ダイアモンド・ドッグス・ツアーの「後ろに流した分け目とダブルのスーツ」を好んで着用した。^[15]米国リリース用に、ボウイは1974年4月に新しいミックスをレコーディングした。ドゲットによって「ラテン・ダブ・ミックス」と名付けられたこのミックスは、^[31] 1974年5月にニューヨークでリリースされ、B面は「 Lady Grinning Soul 」であった。 ^{[45]このシングルは商業的に成功し、}全英シングルチャートで5位、米国ビルボードホット100で64位を記録した。^{[46] [47]さらに、この曲はグラムアンセムとなり、ボウイが}モット・ザ・フープルで以前にヒットさせた「オール・ザ・ヤング・デューズ」の女性版となった。^[48]しかし、リードシングルとして、この曲は元のアルバムの残りの暗い雰囲気やテーマをほとんど示唆しなかった。^[15]

RCAは1974年5月24日にカタログ番号APLI 0576で『ダイアモンド・ドッグス』を発売した。 ^{[49] [c]このアルバムは商業的に成功し、}全英アルバムチャートで1位、全米ビルボードのトップLP&テープチャートで5位となった。^{[52] [53]}タイムズスクエアやサンセット大通りの看板、雑誌広告、「ダイアモンド・ドッグスの年」と宣言する地下鉄のポスター、そしてペッグによればポップアルバムとしては初の試みであったテレビコマーシャルなど、40万ドルを投じた広告キャンペーンにより、アメリカでの売り上げが伸びた。^{[2]カナダではイギリスでのチャートトップの成功を繰り返し、1974年7月に}RPM 100ナショナルアルバムチャートで1位を獲得し、2週間その地位を維持した。^[54] RCAは1974年6月14日に2枚目のシングル「ダイアモンド・ドッグス」をリリースした。B面にはボウイの1971年のシングル「ホーリー・ホーリー」の再録音バージョンが収録されていた。 ^{[50] [55]この曲は2年間で最もヒットしなかったシングルで、}全英シングルチャートで21位に終わったが、米国ではチャート入りしなかった。^{[4] [26]}「1984」は米国と日本で3枚目のシングルとしてリリースされたが、チャート入りはしなかった。^[37] 1974年8月にこのシングルをレビューしたビルボードは、 「1984」をボウイの「長い間で最もコマーシャルなカット」と評した。^[56]

ボウイはこのアルバムを携えて『ダイアモンド・ドッグス・ツアー』を行った。ツアーの第一弾は1974年6月14日から7月20日まで行われた。クリス・ランガートが共同設計・構築したこのツアーは、凝った舞台装置が使われ、費用は25万ドルに上った。フリッツ・ラングの『メトロポリス』（1927年）やロバート・ヴィーネの『カリガリ博士』（1920年）がツアーのデザインに影響を与えたが、これは主にボウイのドイツ表現主義への関心によるものである。^{[57]ツアーの第二弾は1974年9月2日から12月1日まで行われ、8月に『ヤング・}アメリカンズ』でボウイがレコーディングを開始したソウルミュージックの影響でソウル・ツアーというニックネームが付けられた。公演は大幅に変更され、凝った舞台装置は使用されなくなったが、これはボウイがデザインに飽き、自ら作り出す新しいサウンドを探求したかったからでもある。ボウイは前回のツアーから曲を外し、代わりに『ヤング・アメリカンズ』からの曲など新曲を追加した。^[58]

9月初旬、アラン・イェントブ監督は、ロサンゼルスでのツアー中のボウイを描いたドキュメンタリーを撮影した。リムジンやホテルでのシーン、コンサートの映像などを織り交ぜたもので、そのほとんどは9月2日のユニバーサル・アンフィシアターでの公演から取られたものである。 ^[59] 1975年1月26日にイギリスのBBC1で放送された『Cracked Actor』は、『ダイアモンド・ドッグス・ツアー』の映像の主な情報源として、またこの時期のボウイのコカイン中毒の増加による精神状態の悪化を映し出すことで有名である。^[59] 『Cracked Actor』は公式リリースされていないが、ペッグはこれを「間違いなくデヴィッド・ボウイに関する最高のドキュメンタリー」と呼んでいる。映画の試写会を見た後、監督のニコラス・ローグはすぐにボウイに連絡を取り、『地球に落ちて来た男』（1976年）への出演について協議した。^[59]

ボウイはツアーで「We Are the Dead」を除くアルバム収録曲を全て演奏し、^[60]その演奏は3枚のライブアルバム『David Live』（1974年）、『Cracked Actor』（2017年）、『I'm Only Dancing (The Soul Tour 74)』（2020年）に収録されている。^{[61] [62] [63]}「Rebel Rebel」はその後のボウイのほぼ全てのツアーで取り上げられ、^[15] 「 Diamond Dogs」はIsolar、Outside、A Reality Toursで演奏され、^{[26] 「Big Brother/Chant of the Ever Circling Skeletal Family」は1987年の}Glass Spider Tourで復活したが、^{[42]このツアー自体もDiamond Dogs Tourに大きく影響を受けている。 [64]}「Diamond Dogs Tour」は長く語り継がれる遺産となっている。^[65]スピッツは、このアルバムが、パーラメント・ファンカデリックの『マザーシップ・コネクション』ツアー、エルヴィス・プレスリーのラスベガス時代、1990年代のU2やマドンナ、'N Syncのツアー、バックストリート・ボーイズ、ブリトニー・スピアーズ、カニエ・ウェストの2008年の『グロー・イン・ザ・ダーク・ツアー』など、大規模で精巧なセットを使った将来のツアーに大きな影響を与えたと書いている。^[66]

このアルバムは発売時に音楽評論家から賛否両論の評価を受けた。^[24] ディスク誌は「過小評価されている」アルバム『世界を売った男』と比較し、ボウイの最も優れた曲がいくつか収録されており「間違いなく彼がこれまでに作った中で最高のアルバム」であるとした一方、ロック誌は「力強く効果的なアルバムであり、ジギー・スターダスト以来ボウイが完成させた最も印象的な作品であることは間違いない」と評した。^[2] サウンズのマーティン・カークップは「『アラジン・セイン』が奇妙な角度から撮影されたインスタマティックのスナップショットの連続のようだったのに対し、『ダイアモンド・ドッグス』はより深い色彩を駆使した考え抜かれた絵画のような刺激的な品質を持っている」と書いた。^[1]ビルボード誌は「70年代の彼の音楽的存在感を強化するであろう」アルバムについて、以前のレコードよりも「より繊細で、より美的なボウイ」と評した。^[67]レコード・ミラーのピーター・ハーヴェイはスパイダースの不在に失望し、歌詞のテーマがもっと明るいものだったら良かったのにと願ったが、このレコードは舞台作品として良いものになるだろうと予測した。^[68]

メロディー・メーカー誌のクリス・チャールズワースは、このアルバムを「本当に素晴らしい」と呼び、さらに賞賛し、フィル・スペクターのウォール・オブ・サウンド方式の制作と比較し、60年代のビートルズと同様にボウイのアルバムが同様のレベルの興奮と賞賛を受け始めていたと指摘した。 ^[69] ロバート・クリストガウはクリーム誌でより批判的で、ボウイはブライアン・フェリーの「演劇的なボーカリズム」の薄っぺらな模倣をしていると示唆した。彼はまた、歌詞の内容を「快楽ドームからでっち上げた現実逃避的な悲観主義：食べて、鼻で吸って、小さな女の子とヤル、明日は人類になるだろう、でも今夜、このプラスチックのピースに6.98ドルはどうですか？ノーと言ってください」と一蹴した。 ^[70]ローリング・ストーン誌のケン・エマーソンは、このアルバムを「ボウイの6年間で最悪のアルバム」と呼んで非常に否定的なレビューをした。彼はボウイの方向性の選択、ロンソンの不在を批判し、ボウイのギター演奏を「安っぽい」と表現し、「音楽に魅力がほとんどないので、何についてなのか気にするのは難しい」と付け加えた。 ^[71]アルバムの評価はまちまちだったが、ニューヨーク・タイムズのジョン・ロックウェルは、アルバムを不快ではなく「シュールレアリスム的虚無主義的」と評価した。 ^[72]

ダイアモンド・ドッグスの荒々しいギタースタイルと、都会の混沌、物あさりをする子供たち、虚無的な恋人たち（「ドラッグを買ってバンドを観て / それから手をつないで川に飛び込むんだ」）のビジョンは、その後の数年間に起こるパンク革命を予見していたとされている。 ^[13]ローリングストーン誌のライター、マーク・ケンプによると、アルバムの「諦めのニヒリズムは、バウハウスやナイン・インチ・ネイルズなどの後のゴスやインダストリアルのバンドに興味深い陰鬱さと悲観主義をもたらした」という。^{[73]オリアリーは、「Rebel Rebel」のプロモーションビデオにボウイが登場したことが、将来のパンクのスタイルや態度に影響を与えたと書いている。彼は続けて、初期のイギリスのパンクたちはボウイと}ロキシー・ミュージックの元ファンであり、「Rebel Rebel」はボウイの彼らへの別れとトリビュートの両方であるとしている。^[4]クロックフォードはさらに、このアルバムがパンクに与えた影響を認め、「ここでのボウイの暴力的で素人っぽいギター演奏は、70年代後半のポストパンクバンドに反映され、ロンドンをうろつくストリートギャングという『ダイアモンド・ドッグス』のコンセプトは、セックス・ピストルズの陽気なニヒリズムに反映された」と述べている。^[22]パンクとディスコの時代を経たボウイのその後の方向性について、スタイラス・マガジンのデレク・ミラーは「『ダイアモンド・ドッグス』は、グラムロック最後の傑作アルバムとしてだけでなく、ボウイの粗野な概念的シュールレアリズムをうまくストーリーボード化し、同時に彼のサウンドを拡張することに成功したギャップレコードとして記憶されるべきである」と述べている。^[74]

振り返っての評価は賛否両論である。オールミュージックのスティーブン・トーマス・アーウィンは、ボウイがジギー・スターダストのキャラクターを完全に引退させなかったため、『ダイアモンド・ドッグス』は彼が今後どう進んでいくべきか確信が持てないという欠点があると述べた。彼は「Rebel Rebel」を賞賛したが、さらにロンソンの不参加を批判し、最終的には「スペース・オディティ以来初めて、ボウイの手が及ばないアルバムだ」と結論付けた。^[34] シカゴ・トリビューンのグレッグ・コットは、このアルバムを賛否両論の評価とし、「オーウェルの『1984年』に触発された過剰プロデュースされたコンセプトアルバム」と呼んだ。^[76]エドゥアルド・リヴァダビアもアルティメット・クラシック・ロックで賛否両論を唱え、前年に引退させたとされるジギーの存在に疑問を呈した。アルバムの商業的成功にもかかわらず、リヴァダビアは「数十年を経て振り返ってみると、『ダイアモンド・ドッグス』はジギー・スターダスト時代からシン・ホワイト・デュークのブルーアイド・ソウル時代​​、そしてそれ以降への入り口のように思える」と結論付けた。^[83]

このアルバムは好意的なレビューを集めた。ピッチフォークのバリー・ウォルターズはこのアルバムを「がっかりする、最悪な旅、"楽しくない" 。腐敗を祝福に変える退廃と恐怖の持続的な作品」と評した。彼はまた、このアルバムがボウイのシン・ホワイト・デュークのペルソナを予兆するものだと考えた。^[25] punknews.orgのCMクロックフォードは、ダイアモンド・ドッグスはボウイの「最も特徴的な作品: キャッチーな曲が詰め込まれていても、メロドラマチックで、生々しく、挑戦的で、野心的」であると書いた。クロックフォードは最終的にこれをボウイの必須リリースの1つと呼び、「二度とこれほど明らかに自分のものとなったアルバムを作ることはないだろう」と主張した。^{[22] 2013年に}ローリングストーン誌の読者投票で、ダイアモンド・ドッグスはボウイの5番目に優れたアルバムに選ばれた。^[84]

その後数十年にわたり、ボウイの伝記作家たちは『ダイアモンドの犬』をボウイの最高傑作の一つと評してきた。^[2]キャンは「『ダイアモンドの犬』は間違いなく[ボウイの]最も重要なアルバムであり、彼が作った中で最も重要な作品であり、最もソロ的なアルバムである」と書いている。 ^[43]スピッツは「面白くない」としながらも、ボウイの「これまでで最もサウンドが良く、最も複雑なレコードであり、35年経った今でもロマンチックで破滅的な世界に引き込まれる」と述べている。 ^[18]トリンカは「美しい混乱」と呼び、^[85]バックリーは、このアルバムはボウイがスコットやスパイダースなしでも「本物のクオリティ」の作品を制作できることを証明したと述べている。^{[86]ドゲットは、このアルバムが「}ロウ」や「ヒーローズ」の「音の大胆さ」を予期すると同時に「クラシックロックの船を転覆させた」と書いている。^[87]ペローネは、「Chant of the Ever Circling Skeletal Family」はトーキング・ヘッズが1970年代後半にアフリカのリズムや実験を探求する以前の作品だと主張している。^[27]ペッグは、「We Are the Dead」、「Big Brother」、「Sweet Thing」組曲などの曲を含むこのアルバムには「ロック音楽の歴史の中でも最も崇高で注目すべきサウンドのいくつか」が含まれていると書いている。さらに彼は、このレコードでのボウイの新しい声、「Sweet Thing」と「Big Brother」で特に顕著な「basso profundo」が1980年代のゴシックロックバンドに大きな影響を与えたと述べている。 ^{[2]このアルバムは}NMEの「史上最高のアルバム500選」で447位にランクされている。^{[88] [89]}

『ダイアモンド・ドッグス』は何度か再発されている。1974年のオリジナルのアナログレコードはゲートフォールドジャケットを特徴としていたが、^[90] RCAの1980年の米国再発盤など、後のLPバージョンではアルバムは標準的なゲートフォールドではないスリーブで提供された。^{[91] [92]}このアルバムは1980年代半ばにRCAによって最初にCDで発売され、カバーアートは検閲されていた。ドイツ（ヨーロッパ市場向け）と日本（米国市場向け）のマスターは別のテープから入手されており、同一ではない。^[93]マサチューセッツ州サウスボロのノースイースタンデジタルのトビー・マウンテン博士は、^{[94] 1990年にライコディスクのためにオリジナルのマスターテープから『ダイアモンド}・ドッグス』をリマスターし、2つのボーナストラックとオリジナルの無修正アートワークを加えてリリースした。^{[95] 1999年に}EMIとヴァージン・レコードのアビー・ロード・スタジオでピーター・ミューによって再度リマスターされ、再びボーナストラックなしでリリースされた。^[96]

2004年に2枚組バージョンがEMI/ヴァージンから発売された。^[97] 30周年記念2CDエディション・シリーズの第3弾（『ジギー・スターダスト』と『アラジン・セイン』）となるこのリリースでは、1枚目のディスクにアルバムのリマスター版が収録されている。2枚目のディスクには8曲が収録されており、そのうち5曲は1989年のSound + Visionボックス・セットで、または1990–92年のRykodisc/EMI再発盤のボーナス・トラックとしてリリースされていた。^[2] 2016年、アルバムはWho Can I Be Now? (1974–1976) ボックス・セット用にリマスターされた。^[98]このコンピレーションの一部として、また個別に、CDとビニール、デジタル形式で発売された。^[99]

「ロックンロール・ウィズ・ミー」を除く全曲はデヴィッド・ボウイが作詞、ボウイとジェフ・マコーマックが作曲。^[100]

サイド1

1. 「未来の伝説」 – 0:58
2. 「ダイヤモンド・ドッグス」 – 5:56
3. 「スウィート・シング」 – 3:37
4. 「候補者」 – 2:39
5. 「スウィート・シング（リプライズ）」 – 2:31
6. 「反逆者反逆者」 – 4:30

サイド2

1. 「ロックンロール・ウィズ・ミー」 – 3:57
2. 「私たちは死んでいる」 – 4:58
3. 「1984」 – 3:27
4. 「ビッグ・ブラザー」 – 3:21
5. 「常に巡り回る骸骨の家族の歌」 – 1:58

ダイアモンド・ドッグスのライナーノーツと伝記作家ニコラス・ペッグの著作から引用。 ^{[2] [100]}

• デヴィッド・ボウイ – リードボーカル、バックボーカル、ギター、サックス、モーグシンセサイザー、メロトロン
• マイク・ガーソン – キーボード
• ハービー・フラワーズ – ベースギター
• トニー・ニューマン – ドラム
• エインズリー・ダンバー – ドラム
• アラン・パーカー – ギター（「1984」）、追加ギター（「Rebel Rebel」）^[4]

テクニカル

• デヴィッド・ボウイ – プロデューサー、ミキシング
• トニー・ヴィスコンティ - 「1984」のストリングス、ミキシング
• キース・ハーウッド –エンジニア、ミキシング
• リー・ブラック・チャイルダース – 写真
• ガイ・ペラート– 表紙絵

• ドレイパー、ジェイソン (2008)。アルバムカバーの歴史。ロンドン: Flame Tree Publishing。pp. 138–139。ISBN 9781847862112. OCLC  227198538.

• DiscogsのDiamond Dogs (リリースリスト)