ヒンディー語映画音楽

ヒンディー語映画歌（ヒンディー語：Hindi Film Songs ）は、正式にはヒンディー語ギートまたはフィルミ歌、非公式にはボリウッド音楽と呼ばれ、ヒンディー語映画に登場する歌である。インド映画でよく見られる歌と踊りのルーチンから派生したボリウッド歌は、ダンスとともにヒンディー語映画の特徴的なモチーフであり、映画に永続的な人気、文化的価値、文脈を与えている。^{[1]ヒンディー語映画歌は}インドのポップミュージックの主要な構成要素であり、古典と現代の両方のソースからインスピレーションを得ている。^[1]ヒンディー語映画歌は今や北インドの大衆文化にしっかりと根付いており、北インドの市場、店、バスや電車の移動中、その他さまざまな場面で日常的に目にする。^[2]ヒンディー語映画には日常的に多くの歌といくつかの踊りのルーチンが含まれているが、西洋の演劇的な意味でのミュージカルではない。音楽、歌、踊りの側面は、プロット、セリフ、その他のパラメータと同様に、このジャンルの不可欠な特徴である。^[1]^{: 2}

1902年にガウハル・ジャーンによってインドで最初に録音された歌と、最初のボリウッド映画「アラム・アラ」（1931年）は、現在RP-サンジーヴ・ゴエンカ・グループが所有するインド最古の音楽レーベル、サレガマの傘下であった。^[3]言語的には、ボリウッドの歌は、ヒンディー語とウルドゥー語の両方を自認する人々には相互に理解可能な、現地語のヒンドゥスターニー語を使用する傾向があり、一方で現代のボリウッドの歌は、ヒングリッシュの要素もますます取り入れている。^[4]ウルドゥー語の詩は、ボリウッドの歌に特に大きな影響を与えており、歌詞はウルドゥー語の詩とガザルの伝統から大きく影響を受けている。^[5]さらに、ボリウッドの歌ではパンジャブ語も時々使用される。

インドの音楽産業は主にボリウッドのサウンドトラックが占めており、同国の音楽収入の約80％を占めている。この業界は1980年代から1990年代にかけてカセットテープが主流だったが、 2000年代にはオンラインストリーミングに移行した（CDやデジタルダウンロードを迂回）。2014年現在、インド最大の音楽レコードレーベルはT-Seriesでインド市場の最大35％のシェアを占め、次いでSony Music India（最大の外資系レーベル）が最大25％のシェア、Zee Music（ソニーと提携）が続く。^[6] 2017年現在、2億1600万人のインド人がYouTube、 Hungama、Gaana、JioSaavn などの音楽ストリーミングサービスを利用している。^{[7] 2021年現在、T-Seriesは1億7000万人を超える登録者を抱える}最も登録者数の多いYouTubeチャンネルである。^[8]

歴史

ヒンディー語映画歌は、7曲をフィーチャーしたアルデシール・イラニ監督の最初のトーキー映画『アラム・アラ』（1931年）からヒンディー語映画に登場している。これに続いてジャムシェドジ・フラムジ・マダン監督の『シルヒーン・ファルハド』（1931年）が制作され、オペラ風に42曲もの歌が連続して使われ、その後は69曲もの歌が使用された『インドラ・サバー』が制作された。しかし、この習慣は廃れ、その後の映画では通常、1作品あたり6曲から10曲がフィーチャーされた。^[1]^{: 20}

1931年にインド映画が誕生して以来、歌付きのミュージカルはインド映画で定番の作品となっている。^[9] 1934年にはヒンディー語の映画歌が蓄音機に録音され、後にラジオで放送されるようになり、インドで大衆の需要に応える新しい形の大衆娯楽が生まれた。^[9]最初の数年間だけでも、ヒンディー語映画は「歴史もの」「神話もの」「宗教もの」「ファンタジーもの」などのジャンルに簡単に分類できるさまざまな映画を製作したが、それぞれの映画には歌が埋め込まれているため、「ミュージカル」として分類するのは誤りである。^[1]

ヒンディー語の歌は、他の特徴に加えて、ヒンディー語の主流映画の不可欠な要素であったため、独立後のオルタナティブ映画（サタジット・レイの映画がその例）は、主流映画から一線を画すために歌と踊りのモチーフを捨て去った^[1]。

ヒンディー語の映画歌は、今や国の文化において支配的な特徴として存在感を示し始め、映画の限られた範囲を超えた役割を担い始めた。映画史家パルタ・チャタジーによれば、多文化のインドでは、「ヒンディー語の映画歌は、インドのあらゆる言語の壁を打ち破り、20以上の言語が話され、数多くの方言が存在する国と活発なコミュニケーションをとった」^{[10] 。ボリウッド音楽は、}ラムリーラ、ナウタンキ、タマーシャ、パールシー劇場などの数多くの伝統的なソースだけでなく、西洋、パキスタン、その他のインドの音楽サブカルチャーからもインスピレーションを得ている。 ^[11]

50年以上にわたり、これらの歌は南アジアのポピュラー音楽の定番となり、ヒンディー語映画とともに、アジアのほとんどの国やインド人が移住した地域への重要な文化輸出品となった。普及は安価なプラスチック製のカセットテープの登場によって加速し、2000年に業界が崩壊するまで何百万個も生産された。 ^[9]今日でも、ヒンディー語の映画の歌は、ラジオやテレビ、演奏者の生演奏、カセットテープ、コンパクトディスク、DVDなどの新旧両方のメディアで入手でき、合法的にも違法的にもインターネットで簡単に入手できる。^[1]

スタイルとフォーマット

ボリウッドの歌ではさまざまな言語が使われており、複雑である可能性があります。ほとんどの歌ではヒンディー語とウルドゥー語のバリエーションが使われていますが、一部の歌ではペルシャ語などの他の言語も使われています。また、現代のヒンディー語映画の歌で英語の単語が使われることも珍しくありません。ヒンディー語の他に、ブラージ語、アヴァディ語、ボジュプリー語、パンジャブ語、ベンガル語、ラージャスターン語など、他のインドの言語もいくつか使用されています。

映画では、音楽は、それ自体でもダンスの伴奏でも、「状況を高揚させたり、雰囲気を際立たせたり、テーマや行動についてコメントしたり、安らぎを与えたり、内面の独白として機能したりする」など、さまざまな目的で使用されています。^[11]

現代のグローバリゼーションの観点から見ると、ボリウッド音楽はインド以外の多くの影響、特に西洋からの影響を受けている。^[12]多くのヒンディー語映画音楽の作曲家は、シーンの雰囲気に合わせて音楽を合わせるハリウッドのスタイルを学び、模倣して独自の映画音楽を作り、その結果がボリウッド音楽となった。これらの曲は、西洋の影響とヒンディー語音楽の組み合わせであると考えられる。^[13]

生産

ボリウッド映画の歌は、よく考えられて作られており、歌詞は著名な詩人や文学者（映画の脚本を書いた人とは大抵違う）が書いたものである。そして、これらの歌詞はしばしば音楽に付けられ、映画のダンスや脚本に合うように注意深く振り付けられる。そして、プロのプレイバックシンガーが歌い、俳優が口パクで歌う。ボリウッド映画の特徴は、ほとんどの歌がバックグラウンドで流れるのではなく、登場人物自身が歌っていることである。^[14]主人公たちはよく歌うが、映画の中で悪役は歌わない。音楽と芸術は人間性の象徴だからである。^[15]西洋映画では、映画音楽を専門とする作曲家が映画のサウンドトラックの音楽の大部分を担当することが多く、映画によっては歌が重要な役割を果たす（そして映画の主題と直接関係している）ことがあるが、ボリウッド映画では、歌が手の込んだ振り付けを特徴とする大規模なプロダクションナンバーを牽引することが多い。

ボリウッドの音楽制作と作曲のキーパーソンは音楽監督です。西洋映画では、「音楽監督」または「音楽コーディネーター」が通常、オープニングとエンディングのクレジットでサウンドトラックに追加する既存の録音済み音楽を選択する責任を負いますが、ボリウッド映画では、「音楽監督」は、映画専用の音楽/歌を作曲することと、（必要な場合）追加の（ライセンスされた）音楽を確保することの両方を含む、はるかに幅広い役割を担うことがよくあります。この意味で、ボリウッドの音楽監督は、作曲家と音楽プロデューサーの役割も果たします。

ボリウッドの映画では、映画のストーリーやセリフに特別な意味と応用性のある歌詞や、前述のように映画の中のそのような言葉のために特別に書かれた音楽に、高く評価されている詩人や作詞家の言葉をあてはめるために多大な努力が払われることが多いため、ボリウッドの歌の作詞家が同一の作曲家や音楽監督である可能性は低い。

ボリウッド映画の歌は、楽器とスタイルの両面で折衷的であると言われています。^[16]外国の楽器を使用したり、既存の曲を作り直したりすることが多く、メロディーや楽器のテクニックを新たに発明する驚くべき創意工夫が見られます。^[17]

ボリウッド映画の歌には、しばしば高額なミュージックビデオが付随する傾向がある。中には、史上最も高額なミュージックビデオに数えられるものもある。 ^[18]最も高額なインドのミュージックビデオは「Party All Night」（2013年の映画「ボス」）で、制作費は6000万ルピー（102万ドル）だった。 ^[19]インフレ調整後、最も高額なインドのミュージックビデオは「Pyar Kiya To Darna Kya」（1960年の映画「ムガル帝国の逆襲」）で、制作費は当時150万ルピー以上^[20]（32万ドル）で、^{[21]インフレ調整後では}300万ドル（2億2000万ルピー）に相当する。

ジャンル

議員

ダンス

ヒンディー語のダンスミュージックは、ボリウッド映画業界で主に取り上げられる幅広い曲を網羅しており、世界中で人気が高まっています。この音楽は南アフリカ、イギリス、アメリカなどの国に住む海外インド人の間で人気となり、最終的には世界的なファン層を形成しました。 ^[22]

ディスコ

南アジアのインド亜大陸では、 1980年代初頭にディスコ人気のピークを迎えた。このとき南アジアのディスコシーンが勃興し、映画やボリウッド音楽によって普及したが、その頃北米ではディスコの人気は下降していた。南アジアのディスコシーンは、 1980年にインドのプロデューサー、ビッドゥと組んでヒットしたボリウッドソング「Aap Jaisa Koi」でパキスタンのポップシンガー、ナジア・ハッサンの成功に火がついた。 ^[23]^[24]^[25]ビッドゥ自身は、1970年代初頭に最初のディスコプロデューサーの一人として西洋世界で成功を収めており、その先駆者とみなされていた。ヒット曲には、大人気の「Kung Fu Fighting」（1974年）などがある。^[26]^[27]^[28] 1970年代末に西洋でディスコが衰退すると、彼は焦点をアジアに移した。 1980年の「Aap Jaisa Koi」の成功に続いて、1981年にビドゥがプロデュースしたナジア・ハッサンのアルバム「Disco Deewane」がリリースされ、当時アジアで最も売れたポップアルバムとなった。^[29]

当時のユーロディスコシーンと並行して、南アジアでのディスコの継続的な関連性とシンセサイザーへの依存の高まりにより、インド音楽の要素と組み合わせたエレクトロニックディスコの実験が行われました。^{[23]ビドゥは、}Rain Forest（1976年）の「Bionic Boogie」、 ^[30]「Soul Coaxing」（1977年）、^[31]Eastern ManとFuturistic Journey ^[32]^[33]（1976年から1977年に録音）、 [ ³⁴ ] 「 Phantasm」（1979年）、^{[35]など、初期のディスコ作品のいくつかでシンセサイザーなどの電子機器を使用していました。その後、Nazia Hassanとの「Aap Jaisa Koi」（1980年）、「}Disco Deewane」（1981年）、「Boom Boom 」（1982年）などの後期の作品でシンセサイザーを使用しました。^[29]シンセサイザーなどの電子機器を使用したボリウッドのディスコプロデューサーには、「Dhanno Ki Aankhon Mein」（ Kitaab、1977年）や「Pyaar Karne Waale」（Shaan 、1980年）などの曲を手掛けたRD Burmanが含まれる。^[29]Laxmikant–Pyarelal 、「Om Shanti Om」（ Karz、1980）などの曲に参加。 ^[36]やバッピ・ラハリ、「ランバ・ホー」（アルマーン、1981年）などの曲に参加。また^、彼らは「未来的なエレクトロの雰囲気」を持ったバーマンの「ディル・レナ・ケル・ハイ・ディルダー・カ」（ザマネ・コ・ディカーナ・ハイ、1981年）やラヒリの「ヤアド・アー・ラハ・ハイ」（ディスコ・ダンサー、1982年）など、ミニマルでハイテンポのエレクトロニック・ディスコも実験した。^[23]

こうした実験は最終的に、チャランジット・シンの作品に結実した。 1982年のアルバム『Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat』は、 1980年代後半のシカゴのハウスシーンでこのジャンルが生まれる何年も前に、アシッドハウスミュージックのサウンドを予見していた。シンは、ローランドTR-808 ドラムマシン、TB-303 ベースシンセサイザー、ジュピター8シンセサイザーを使用して、ディスコテンポを「テクノ波長」まで上げ、サウンドをよりミニマルにしながら、「神秘的で反復的なインストゥルメンタルのインドのラガ」と組み合わせて、アシッドハウスに似た新しいサウンドを生み出した。^[37]^[23]シンによると、「1982年当時、映画にはディスコ音楽がたくさん使われていました。だから、ディスコ音楽だけを使って何か違うことをしてみようと考えました。インドのラガをすべて演奏して、ビートにディスコビートを加え、タブラを消すというアイデアが浮かびました。そしてそれを実行しました。そしてうまくいきました。」^[38]最初のトラック「Raga Bhairavi 」には、ボコーダーを通して「 Om Namah Shivaya 」と合成された音声も入っていました。^[39]

エレクトロニックディスコの実験と並んで、1980年代初期のインドのディスコ音楽におけるもう一つの実験的な傾向は、ディスコとサイケデリック音楽の融合であった。ビートルズのラガロックによって普及した1960年代のサイケデリックロックはインド音楽から多くのものを借用していたため、逆の影響を与え始め、 1970年代初期にはボリウッド音楽と融合していた。これにより、ボリウッドのプロデューサーは1980年代初期にディスコとサイケデリックの中間点を模索するようになった。ディスコとサイケデリックの融合を試みたプロデューサーには、Laxmikant–Pyarelal の「Om Shanti Om」（Karz、1980年）やRD Burman の「Pyaar Karne Waale」（ Shaan、1980年）などがいる^[36]。また、シンセサイザーも使用していた。^[29]

ガザル

ウルドゥー語の詩であるガザルの伝統は、インド初のトーキー映画『アラム・アラ』 （1931年）以来、初期のボリウッド音楽の基礎となってきた。一方、映画のガザルは、19世紀から20世紀初頭にかけてのウルドゥー語のパールシー演劇にルーツを持つ。ガザルは、1930年代から1960年代まで、インド映画音楽の主流であった。しかし、1980年代までに、ガザルは映画音楽において周縁化されていった。衰退の理由としては、ウルドゥー語のガザル詩がインドの教育システムから徐々に排除され、作詞家が都市部の中流階級の聴衆をターゲットにしたこと、西洋音楽やラテンアメリカ音楽の影響などがあげられる。^[40]

マダン・モハンのような音楽監督は、1960年代から1970年代にかけて、イスラム教の社交行事のために有名な映画ガザルを数多く作曲した。 ^[41]

フィルム・ガザルのスタイルは、ナディーム・シュラヴァン監督の『アーシキ』（1990年）の成功をきっかけに、1990年代初頭に復活を遂げた。当時のボリウッド音楽に大きな影響を与え、『ディル』、『サージャン』、『プール・オール・カアンテ』、『ディーワナ』などのサウンドトラックで、1990年代初頭に主流となったガザル風のロマンチックな音楽の先駆けとなった。[ 42 ]『アーシキ』の^人気ガザル曲は「ディーレ・ディーレ」で、後にヨーヨー・ハニー・シンがカバーバージョンを録音し、2015年にTシリーズからリリースされた。

カウワリ

これは映画音楽の明確なサブジャンルであるが、伝統的なスーフィー音楽であるカッワーリとは異なる。映画音楽のカッワーリの一例としては、インド映画『アマル・アクバル・アンソニー』（1977年）のためにラクシュミカント・ピャレラルが作曲し、モハメッド・ラフィが歌った「パルダ・ハイ・パルダ」がある。^[43]

フィルムカッワーリのサブジャンルには、テクノビートを伴った、現代的かつ西洋的な楽器を取り入れた形式のカッワーリがあり、テクノカッワーリと呼ばれています。テクノカッワーリの一例として、シャンカール・エフサーン・ロイ作曲のフィルムカッワーリの曲「カジュラ・レー」が挙げられます。よりダンス志向のトラックをベースにしたテクノカッワーリの新しいバリエーションは、「クラブカッワーリ」として知られています。この種のトラックがさらに多く録音され、リリースされています。

ヌスラット・ファテ・アリ・カーンとARラーマンは、伝統的なカッワーリーのスタイルでフィルム・カッワーリスを作曲しました。例としては、「Tere Bin Nahin Jeena」 ( Kachche Dhaage )、「Arziyan」 ( Delhi 6 )、「Khwaja Mere Khwaja」 ( Jodhaa Akbar )、「Bharde Do Jholi Meri」 ( Bajrangi Bhaijaan ) ^[44]、「Kun Faya Kun」などがあります。 (ロックスター)。

ロック

インドのミュージシャンは、1960 年代半ば以降、ボリウッドの人気映画のために制作されたフィルムソングの中で、ロックとインドの伝統音楽を融合し始めました。ボリウッド映画のよく知られた初期のロックソング (ファンクロック、ポップロック、サイケデリックロック、ラーガロック、ソフトロックなどのスタイルを含む) には、Muqaddar Ka Sikandar (1978)でのKishore Kumarの「O Saathi Re」などがあります。、グムナームでのモハメッド・ラフィの「ジャーン・ペヘチャン・ホー」（1965年）、およびアシャ・ボースルの曲などハレ・ラマ・ハレ・クリシュナ（1971年）の「ドゥム・マロ・ドゥム」、アプラド（1972年）の「エ・ナウジャワン・ハイ・サブ」、そしてドン（1978年）の「イェー・メラ・ディル・ピャル・カ・ディワナ」。

許可されていない禁制品

パキスタンのカッワーリー音楽家ヌスラト・ファテ・アリー・ハーンはボリウッド音楽に大きな影響を与え、特に1990年代にはボリウッドで活動する数多くのインド人ミュージシャンに影響を与えた。しかし、インドの音楽監督がカーンの音楽を盗用してヒット映画の曲を制作する例が数多くあった。 ^[45]^[46]有名な例としては、ヴィジュ・シャーのヒット曲「Tu Cheez Badi Hai Mast Mast」が映画「モフラ」（1994年）で使用され、カーンの人気カッワーリー曲「Dam Mast Qalandar」が盗用されたことや、「Mera Piya Ghar Aya」が映画「ヤアラナ」（1995年）で使用され、「Sanoo Ek Pal Chain Na Aaye」が映画「ジュダーイ」（1997年）で使用されたことなどが挙げられる。^[45]ボリウッドのヒット曲の多くが彼の音楽を盗作したものであったにもかかわらず、ヌスラト・ファテ・アリー・ハーンは盗作に対して寛容だったと伝えられている。^[46]^[47]頻繁に彼の音楽を盗作したボリウッドの音楽監督の一人、アヌ・マリクは、カーンの音楽を愛し、実際に彼の曲を使うことで尊敬の意を表していると主張した。^{[47]しかし、カーンは、マリクが}アウザール（1997年）で彼の精神的な歌「アッラー・フー、アッラー・フー」を「愛してる、愛してる」に変えたことに憤慨したと伝えられている。 ^{[46]カーンは「彼は私の宗教的な歌}アッラーを盗用して愛してるに変えた。彼は少なくとも私の宗教的な歌を尊重すべきだ」と述べた。^[47]

ボリウッドのサウンドトラックの多くも、ギニアの歌手モリー・カンテの曲を盗作しており、特に1987年のアルバム『アクワバ・ビーチ』が盗作である。例えば、彼の曲「タマ」は、ボリウッドの2曲、バッピ・ラヒリの『タマ・タマ』 (1990年)とラクシュミカント・ピャレラルの『ハム』(1991年)のサウンドトラックの『ジュマ・チュマ』に影響を与えた。後者には、彼の曲「インチ・アッラー」をコピーした別の曲「エク・ドゥースレ・セ」も収録されている。^彼の曲「Yé ké yé ké 」は1990年のボリウッド映画『アグニーパス』のBGMとしても使用され、タネダールのボリウッドの曲「タンマ・タンマ」にインスピレーションを与え、1997年のテルグ語映画『プレミンチュクンダム・ラー』ではマニ・シャルマの曲「ペリカラ・ヴァチェシンデ」でもコピーされた。^[48]

文化的な影響

インド映画は、その特徴的な映画音楽とともに、インド社会全体に広まっただけでなく、インド文化を世界中に広める最前線にも立ってきた。^[1]^{: 14}英国では、ヒンディー語の映画歌は、アジア音楽を専門とするレストランやラジオ局で聞かれる。英国の劇作家スダ・ブチャールは、ヒンディー語映画のヒット作「 Hum Aapke Hain Koun..!」をヒットミュージカル「Fourteen Songs」に翻案し、英国の観客に好評を博した。映画監督のバズ・ラーマンは、自身の作品「ムーラン・ルージュ! 」にヒンディー語映画の影響を認め、アヌ・マリク作曲の映画歌「 Chamma Chamma 」に基づくナンバー「Hindi Sad Diamonds」を組み込んだ。^[49]ギリシャでは、インドプレピというジャンルがヒンディー語映画音楽から生まれ、インドネシアでは、エリヤ・カダム、ロマ・イラマ、マンスール・Sなどのダンドゥット歌手が、インドネシアの観客のためにヒンディー語の歌を作り直した。^[50]フランスでは、バンド「レ・リタ・ミツコ」が「 Le petit train 」のミュージックビデオでボリウッドの影響を取り入れ、ボリウッドのフランス人歌手パスカルは「 Zindagi Ek Safar Hai Suhana」などの曲をカバーして映画音楽を普及させた。 ^{[51]ナイジェリアでは、}スーフィーの歌詞とボリウッドスタイルの音楽を組み合わせたバンディリ音楽がハウサ族の若者の間で人気となっている。^{[52 ] ヒンディー語の映画音楽は、}カリブ海の地元のスタイルと組み合わされて「チャツネ音楽」を形成することもある。^[53]

ベストセラーの音楽監督

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ベストセラーのサウンドトラックアルバム

トップ10

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年別

アルバムストリーム

以下は、2020 年時点で最もストリーミングされたボリウッド音楽アルバムです^[update]。

参照

注記

^ Nadeem–Shravan § サウンドトラックアルバムの売上を参照。
^ アヌ・マリク § ディスコグラフィーを参照。
^ Jatin-Lalit § 販売を参照。
^ Uttam Singh § フィルモグラフィーを参照。
^ Raamlaxman § Sales を参照。
^ ラジェシュ・ローシャンの§フィルモグラフィーを参照。
^ Laxmikant–Pyarelal ディスコグラフィー § ディスコグラフィーを参照。
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^ Nikhil-Vinay § 厳選ディスコグラフィーを参照。

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エバーグリーントップ古いヒンディー語の歌リスト

出典

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カセット文化: 北インドのポピュラー音楽とテクノロジーピーター・マヌエル著
Dhunon ki Yatra-Hindi Filmon ke Sangeetkar 1931–2005 by Pankaj Rag
初期のインドのトーキー：声、演技、オーラ：マドゥジャ・ムケルジー著
ダラムサラからの響き：チベット難民コミュニティの生活における音楽著者：ケイラ・ディール（チベット難民）
アンナ・モルコムによる南アジア内外のボリウッドの映画歌と文化的相乗効果
アンナ・モルコムによるヒンディー語の映画歌と映画
ヒンドゥー教トリニダードの音楽：インド系移民の歌、ヘレン・マイヤーズ著
映画の中のパンディット：ヒンドゥスターニー古典音楽とヒンディー語大衆映画における音楽家のアイデンティティをめぐる論争グレッグ・ブース著
グレッグ・ブースによるヒンディー語映画歌における宗教、ゴシップ、物語の慣習、そして意味の構築
音の文化経済：インドの大衆映画における技術の再発明カルロ・ナルディ著
ナラヤナ・ジャヤラム編『インド人ディアスポラ：移住のダイナミクス』164ページ（トリニダード）
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歴史