ビッグバンド

1910 年以前、アメリカの社交ダンスはワルツやポルカなどのステップが主流でした。^{[ 41 ]}ジャズがニューオーリンズ発祥の地からシカゴやニューヨーク市へと伝わるにつれ、エネルギッシュで刺激的なダンスも一緒に伝わりました。次の数十年間、ダンスホールはジッタバグやリンディホップを踊る人々で溢れかえりました。ダンスデュオのヴァーノンとアイリーン・キャッスルは、ジェームズ・リース・ヨーロッパ率いるヨーロッパ協会オーケストラの伴奏でフォックストロットを普及させました。^{[ 1 ]}

新しいリズムに伴奏した最初のバンドの1つは、1916年にサンフランシスコでドラマーのアート・ヒックマンが率いていた。ヒックマンの編曲家であるフェルデ・グロフェは、ジャズオーケストラをさまざまな方法で組み合わせるセクションに分割した編曲を書いた。このセクションの混ざり合いは、ビッグバンドの特徴となった。1919年、ポール・ホワイトマンはグロフェを雇い、自分のバンドで同様のテクニックを使わせた。ホワイトマンはクラシック音楽の教育を受けており、新しいバンドの音楽をシンフォニックジャズと呼んだ。ダンスバンドの手法は、ニューオーリンズジャズからの脱却を意味した。ニューオーリンズスタイルで演奏を続けたジェリー・ロール・モートンを除いて、バンドリーダーたちはダンス音楽の需要に注目し、独自のビッグバンドを作った。^{[ 4 ]}彼らはブロードウェイ、ティン・パン・アレー、ラグタイム、ボードビルの要素を取り入れた。^{[ 1 ]}

デューク・エリントンはハーレムのコットン・クラブでバンドを率いた。フレッチャー・ヘンダーソンのキャリアは、ニューヨーク市のクラブ・アラバムでの仕事のオーディションを受けるよう説得されたことから始まり、最終的にはローズランド・ボールルームのバンドリーダーの仕事につながった。これらの会場自体が有名になり、バンドリーダーや編曲家は以前よりも大きな役割を果たした。ヒックマンはフェルデ・グロフェに頼り、ホワイトマンはビル・チャリスに頼った。ヘンダーソンと編曲家のドン・レッドマンはキング・オリバーの型を踏襲したが、1920年代が進むにつれてニューオーリンズの形式から離れ、ジャズを変革した。彼らは才能あふれるバンドに支えられていた。テナーサックスのコールマン・ホーキンス、コルネットのルイ・アームストロング、そして1990年代まで活躍したマルチ楽器奏者のベニー・カーターである。^{[ 1 ]}

スウィング音楽は1930年代初頭に登場し、初期ジャズのより直訳的な^4/4_拍子よりもしなやかなフィーリングが特徴でした。ウォーキングベースを開発した人物としてウォルター・ペイジがよく挙げられますが^{[ 42 ]}、それ以前の例としては、エリントンの『ワシントン・ワブル』（1927年）におけるウェルマン・ブラウドなどが挙げられます^{[ 43 ] 。}

この種の音楽は1930年代初頭に隆盛を極めたが、1936年頃までは大衆的な聴衆はほとんどいなかった。それまでは嘲笑の対象となり、時には脅威と見なされていた。^{[ 44 ]} 1935年以降、ビッグバンドがスウィング音楽を演奏して台頭し、スウィングを独特なスタイルとして定義する上で重要な役割を果たした。同時期には、ウェスタン・スウィングのミュージシャンも人気のビッグバンドを結成したが、フィドルやギターの使用、そしてアメリカ南西部にルーツを持つことから、エリントンのグループなどとは区別されていた。^{[ 45 ] [ 46 ]}

数百もの人気バンドの間で、実に多様なスタイルが発展した。よく知られているバンドの多くは、バンドリーダー、リードアレンジャー、メンバーの個性を反映していた。カウント・ベイシーはリラックスした推進力のあるスウィングを演奏し、ボブ・クロスビー（ビングの弟）はよりディキシーランド・スタイル、^{[ 47 ]}ベニー・グッドマンは力強いスウィングを演奏し、デューク・エリントンの作曲は多様で洗練されていた。多くのバンドには、ベニー・グッドマンやアーティ・ショウのクラリネット、ジャック・ティーガーデンのトロンボーン、ハリー・ジェームスのトランペット、ジーン・クルーパのドラム、ライオネル・ハンプトンのヴィブラフォンなど、サウンドが支配的な強力な楽器奏者がいた。

多くの主要バンドの人気は、トミー・ドーシーと組んだフランク・シナトラとコニー・ヘインズ、ジミー・ドーシーと組んだヘレン・オコンネルとボブ・エバリー、チック・ウェッブと組んだエラ・フィッツジェラルド、カウント・ベイシーと組んだビリー・ホリデイとジミー・ラッシング、チャーリー・バーネットと組んだケイ・スター、ラリー・クリントンと組んだビー・ウェイン、ディック・ヘイムズ、ハリー・ジェームスと組んだキティ・カレンとヘレン・フォレスト、クロード・ソーンヒルと組んだフラン・ウォーレン、レス・ブラウンと組んだドリス・デイ^{[ 48 ]}、ベニー・グッドマンと組んだペギー・リーとマーサ・ティルトンなどのスター歌手によって増幅された。一部のバンドは、ガイ・ロンバルドやポール・ホワイトマンのバンドのように、強力なアンサンブルに依存する「社交界バンド」であった^{[ 49 ]}。^{[ 50 ]}

カウント・ベイシーやトミー・ドーシーのような、速くて激しいジャンプ・チューンを強調するいわゆる「ハード・バンド」と、グレン・ミラー・オーケストラやシェップ・フィールズ・リップリング・リズム・オーケストラ^{[ 51 ] [ 52 ]}のような、即興演奏が少なく、感傷的な曲を専門とし、ややテンポが遅く、しばしば心に響く歌を特徴とする「スウィート・バンド」 ^{[ 53 ]とを区別することが多い。}

この頃にはビッグバンドがジャズ界で圧倒的な勢力となっていたため、年配のミュージシャンはビッグバンドに適応するか、引退するかのどちらかを選ばざるを得なかった。小編成の録音には市場がなく（大恐慌時代の業界がリスクを冒すことをためらっていたため、状況はさらに悪化した）、ルイ・アームストロングやアール・ハインズのようなミュージシャンは自身のバンドを率い、ジェリー・ロール・モートンやキング・オリバーのようなミュージシャンは忘れ去られていった。^{[ 54 ]}それでも、スウィング時代の最も人気のあるビッグバンドの多くは、より大きなアンサンブルの中に小編成のグループを育成した。例えば、ベニー・グッドマンはトリオとカルテットの両方を開発し、アーティ・ショウはグラマシー・ファイブを結成し、カウント・ベイシーはカンザス・シティ・シックスを、トミー・ドーシーはクランベイク・セブンを開発した。^{[ 55 ]}

1930年代の主要な「黒人」バンドには、エリントン、ハインズ、キャロウェイの他に、ジミー・ランフォード、チック・ウェッブ、カウント・ベイシーのバンドが含まれていた。ベニー・グッドマン、アーティ・ショウ、トミー・ドーシー、シェップ・フィールズ、そして後にグレン・ミラーの「白人」バンドは、1930年代半ばから「黒人」バンドよりも人気があった。1930年代半ばに白人聴衆とのギャップを埋めたのは、カサ・ロマ・オーケストラとベニー・グッドマンの初期のバンドだった。「黒人」バンドと「白人」バンドの商業的人気の対比は顕著だった。1935年から1945年の間に、上位4つの「白人」バンドは292曲のトップ10ヒットを記録し、そのうち65曲がナンバーワンヒットだったのに対し、上位4つの「黒人」バンドはトップ10ヒットがわずか32曲で、ナンバーワンになったのは3曲だけだった。^{[ 56 ]}

1930年代後半から1940年代前半にかけて、ビッグバンドの主なファンは白人の10代の若者や若い成人だった。^{[ 44 ]}彼らはレコードやラジオに合わせて踊り、ライブコンサートにも足を運んだ。彼らは知識が豊富で、お気に入りのバンドや曲に偏りがちで、有名なソリストやボーカリストを崇拝することもあった。多くのバンドは過酷な一夜限りの公演で全国をツアーした。旅行や宿泊は困難で、その一因はアメリカ合衆国のほとんどの地域で人種隔離が行われていたためであり、メンバーは睡眠や食事がほとんど取れない状態で演奏しなければならないことが多かった。スターソリストを除けば、多くのミュージシャンは低賃金で、予約がなくなるとツアーを放棄することもあった。バンドスタンドが小さすぎたり、拡声器が不十分だったり、ピアノの調律が狂っていたりすることもあった。バンドリーダーは、厳格な規律（グレン・ミラー）や巧みな心理学（デューク・エリントン）によってこれらの障害に対処した。

ビッグバンドは第二次世界大戦中に士気を高めた。^{[ 57 ]}多くのミュージシャンが軍隊に所属し、前線でUSOの慰問団とともにツアーを行ったが、グレン・ミラーはショーの合間を移動中に命を落とした。多くのバンドは戦争中に人員の喪失に苦しみ、その結果、徴兵された男性の代わりに女性が加わり、女性だけのバンドも現れ始めた。^{[ 57 ]} 1942年から44年の ミュージシャンのストライキは状況をさらに悪化させた。ボーカリストたちは自らストライキを始めた。戦争が終わる頃には、スウィングはビバップのようなダンス向きではない音楽に取って代わられつつあった。時代と好みが変わるにつれて、多くの偉大なスウィングバンドが解散した。

スウィング時代のバンドの多くは、創設者やバンド名の由来となった人物の死後や脱退後も数十年にわたって活動を続け、中には21世紀になってもなお活動しているバンドもあり、しばしば「ゴーストバンド」と呼ばれている。これはウディ・ハーマンに由来する言葉で、元のリーダーがいなくなった後も存続するオーケストラを指す。^{[ 58 ]}

ビッグバンドはスウィング時代と結びついているが、その後も存続し、演奏する音楽はスウィングとは異なることが多かった。バンドリーダーのチャーリー・バーネットが1942年に録音した「チェロキー」と1943年に録音した「ザ・ムース」は、ビバップ時代の始まりと呼ばれている。ウディ・ハーマンの最初のバンドは「ファースト・ハード」と呼ばれ、プログレッシブ・ジャズから影響を受けていたが、セカンド・ハードはテナーサックス3本とバリトンサックス1本からなるサックスセクションを重視した。1950年代、スタン・ケントンは自身のバンドの音楽を「プログレッシブ・ジャズ」「モダン」「ニュー・ミュージック」と呼んだ。^{[ 59 ]}彼は自身の作曲を披露するための手段としてバンドを結成した。ケントンは相反する要素を組み合わせたり、音楽に対する考え方が異なる編曲家を雇ったりすることで、ビッグバンドの限界を押し広げた。この広範な折衷主義は、第二次世界大戦後のジャズの多くを特徴づけている。 1960年代から70年代にかけて、サン・ラと彼のアーケストラはビッグバンドをさらに進化させた。ラの折衷的な音楽は10人から30人のミュージシャンによって演奏され、衣装、ダンサー、特殊効果を伴った劇場として上演された。^{[ 1 ]}

1950年代から1970年代にかけてジャズが拡大するにつれ、ベイシー楽団やエリントン楽団は依然として存在し、バディ・リッチ、ジーン・クルーパ、ライオネル・ハンプトン、アール・ハインズ、レス・ブラウン、クラーク・テリー、ドク・セヴェリンセンが率いる楽団も健在だった。プログレッシブ・ジャズの楽団は、ディジー・ガレスピー、ギル・エヴァンス、カーラ・ブレイ、秋吉敏子とルー・タバキン、ドン・エリス、アンソニー・ブラクストンが率いていた。^{[ 60 ]}

1960年代と1970年代には、ビッグバンドロックは、プログレッシブロックの実験、ジャズフュージョン、ブルースやソウルミュージックでよく使われるホーンセクションなどの音楽的要素を取り入れることで人気を博し、シカゴ、ブラッド・スウェット・アンド・ティアーズ、タワー・オブ・パワー、カナダのライトハウスなど、最も著名なグループがいくつか存在した。このジャンルは徐々に主流のポップロックやジャズロックの分野に吸収されていった。^{[ 61 ]}

他のバンドリーダーはブラジル音楽やアフロキューバ音楽をビッグバンドの楽器編成で演奏し、アレンジャーのギル・エヴァンス、サックス奏者のジョン・コルトレーン（1965年のアルバム『アセンション』）、ベーシストのジャコ・パストリアスが率いるビッグバンドは、それぞれクールジャズ、フリージャズ、ジャズフュージョンをビッグバンドの領域に導入した。現代のビッグバンドは、あらゆるスタイルのジャズ音楽を演奏している。ヨーロッパの現代ジャズアンサンブルの中には、ビッグバンドの楽器編成を用いて主にアヴァンギャルドジャズを演奏するものもある。例としては、1977年に設立されたウィーン芸術管弦楽団や、 1990年代に活躍したイタリアのインスタビレ管弦楽団などが挙げられる。

1990年代後半、アメリカではスウィング・リバイバルが起こり、リンディホップが再び人気を博し、若者たちはビッグバンド・スタイルに再び興味を持つようになった。

ビッグバンドはアメリカのテレビ、特に深夜トーク番組で存在感を示し続けており、これらの番組では歴史的にビッグバンドが専属伴奏として使われてきた。一般的に、最も人気があり、放送時間帯が早く、視聴者数の多い番組ではホーンセクションを含む大規模なバンドが起用される一方、放送時間帯が遅い番組ではより小規模でスリムなアンサンブルが用いられる。

多くの大学の音楽学部ではジャズプログラムを提供しており、即興演奏、作曲、編曲、スタジオ録音などのビッグバンドコースがあり、18～20人編成のビッグバンドによる演奏が行われている。^{[ 62 ]}