木版画

木版画は、版画制作における凸版印刷技法です。芸術家は、木のブロックの表面に画像を彫り込みます。通常は彫り込みを使用します。その際、印刷部分は表面と同じ高さに残し、印刷しない部分は削り取ります。芸術家が切り取った部分にはインクが付かず、表面にある文字や画像にはインクが付いて版画になります。ブロックは木目に沿って切り取られます(ブロックが端の木目に沿って切り取られる木版画とは異なります)。インクを塗布したローラー (ブレイヤー) で表面を転がすことで、表面がインクで覆われます。平らな部分にはインクが残りますが、印刷しない部分にはインクが残りません。

木版の周りの枠に紙を合わせることで、複数の色を印刷することができます (色ごとに異なる木版を使用)。木版画を彫る技術は「xylography」と呼ばれることがありますが、英語では画像のみを指す場合は「xylography」と呼ばれることはほとんどありません。ただし、この言葉と「xylographic」は、同じブロックにテキストと画像を含む小さな本であるブロックブックに関連して使用されます。これらは、15 世紀後半にヨーロッパで人気を博しました。シングルシート木版画は、本の挿絵とは対照的に、 単一の独立した画像または印刷物として提示される木版画です。

木版画は中国で始まり、ヨーロッパからアジアの他の地域、ラテンアメリカまで世界中に広まりました。^[1]

ヨーロッパでも東アジアでも、伝統的に芸術家は木版画のデザインのみを行い、版木彫りはフォームシュナイダーまたは版木切りと呼ばれる専門の職人に任されていました。そのうちの何人かは、独自の才能で有名になりました。その中で最も有名なのは、16世紀のヒエロニムス・アンドレーエ（姓も「フォームシュナイダー」を使用）、ハンス・リュッツェルブルガー、ヨスト・デ・ネッケルです。彼らは皆、工房を経営し、印刷業者や出版業者としても活動していました。フォームシュナイダーは、次に版木を専門の印刷業者に渡しました。さらに、白版を作る専門家もいました。

このため、美術館や書籍では、木版画は「アーティストによる」というよりは「アーティストがデザインした」と説明されることがあります。しかし、ほとんどの権威者はこの区別を使用していません。分業には、訓練を受けたアーティストが木工道具の使い方を学ぶ必要がなく、比較的簡単にこの媒体に適応できるという利点がありました。

アーティストが描いたデザインをカッターが追うためにブロックに転写する方法は様々でした。ブロックに直接描画するか (通常は最初に白く塗る)、紙に描いたものをブロックに接着するかのいずれかでした。いずれの場合も、アーティストの描画はカットの過程で破壊されました。トレースなどの他の方法も使用されました。

20世紀初頭、ヨーロッパと東アジアの両方で、一部の芸術家が全工程を自分たちで行い始めました。日本では、この運動は、伝統的な手法を維持した運動である新版画 (new prints) とは対照的に、創作版画 (creative edition) と呼ばれていました。西洋では、多くの芸術家が代わりにより簡単なリノカット技法を使用しました。

エッチングや彫刻などの凹版印刷技術と比較すると、印刷に必要な圧力は低い。レリーフ方式では、版にインクを塗り、紙や布にしっかりと均一に接触させるだけで、許容できる印刷結果が得られる。ヨーロッパでは、ツゲやナシやサクランボなどのナッツや果物の木材など、さまざまな木材が一般的に使用されていました。^{[2]日本では、サクランボ属の}Prunus serrulataの木材が好まれました。^[要出典]

考慮すべき印刷方法は 3 つあります。

• スタンピング: 多くの布地や、初期のヨーロッパの木版画 (1400～40 年) のほとんどに使用されました。これらの木版画は、ブロックを上にして紙や布地をテーブルなどの平らな面に置き、ブロックの裏側を押したり、ハンマーで叩いたりして印刷されました。
• 擦り: どうやら、極東の紙への印刷では、常に最も一般的な方法のようです。15 世紀後半にはヨーロッパの木版画やブロックブックに使用され、布にも広く使用されています。また、1910 年頃から現在に至るまで、多くの西洋の木版画にも使用されています。版木は、紙または布を上にして、テーブルの上に表を上にして置きます。裏面は、「硬いパッド、平らな木片、研磨機、または革のフロットン」で擦ります。^{[3]このために使用される日本の伝統的な道具は、}バレンと呼ばれます。後に日本では、複雑な木製のメカニズムを使用して、版木を完全に静止させ、印刷プロセスで適切な圧力をかけるのに役立ちました。これは、複数の色が導入され、前のインク層の上に正確に塗布する必要が生じたときに特に役立ちました。
• 印刷機による印刷: 印刷機はアジアでは比較的最近になってから使われ始めたようです。印刷機は1480 年頃からヨーロッパの版画や木版本に使用され、それ以前は木版本の挿絵に使用されていました。印刷機が登場する以前、ヨーロッパでは単純な重り付きの印刷機が使用されていた可能性がありますが、確たる証拠はありません。1465年に亡くなったメッヘレンの女子修道院長は、「 unum instruments ad imprintendum scripturas et ymagines ... cum 14 aliis lapideis printis 」つまり「14 個の印刷石を備えた、テキストと絵を印刷するための機器」を持っていました。この場所でグーテンベルク型の印刷機が使われていたのはおそらく時期尚早です。 ^[3]

木版画は、古代中国で織物、後に紙に印刷する方法として生まれました。現存する最も古い木版画の断片は、中国の漢王朝（220年以前）のもので、3色の花が印刷された絹のものです。^[4]「13世紀に、中国の木版画の技術がヨーロッパに伝わりました。」^[5]紙は、少し遅れて、やはり中国からアルアンダルス経由でヨーロッパに到着し、13世紀末までにイタリアで、14世紀末までにブルゴーニュとドイツで製造されていました。

ヨーロッパでは、木版画は古い版画に使われる最も古い技法であり、1400年頃に既存の印刷技法を紙に利用して開発されました。今日見ることができる紙に描かれた最も古い一枚の木版画の1つは、イタリアのフォルリ大聖堂にある「火の聖母」（イタリア語ではMadonna del Fuoco ）です。当初は宗教的な主題（非常に小さいことが多かった）が圧倒的に多く見られました。多くは目的地の巡礼者に売られ、家の壁や箱の蓋の内側に貼り付けられ、時には傷の包帯の中にも入れられ、迷信的に治癒を助けると信じられていました。

19 世紀半ばに安価な木版画が爆発的に売れたため、品質が低下し、人気の高い版画の多くは非常に粗雑なものとなった。ハッチングの発達は、エングレービングよりもかなり遅れて行われた。ミヒャエル・ヴォルゲムートは、1475 年頃からドイツの木版画をより洗練されたものにするのに重要な役割を果たし、エアハルト・ロイヴィッチはクロスハッチング (エングレービングやエッチングよりもはるかに難しい) を初めて使用した。この 2 人は主に本の挿絵を制作したが、同時期にイタリアでも品質を高めていたさまざまなイタリアの芸術家も同様であった。19 世紀末には、アルブレヒト・デューラーが西洋の木版画を、おそらくこれまで誰も超えたことのないレベルにまで引き上げ、「一枚葉」の木版画 (つまり、別売りの画像) の地位を大幅に高めた。デューラーは、短期間、木版画の品質と地位をエングレービングと同等に高めたが、その後、自らも木版画に目を向けた。

16 世紀前半には、ティツィアーノや他の芸術家が制作を手配したドイツとイタリアで高品質の木版画が引き続き制作されました。関心の多くは、異なる色で印刷された複数の版木を使用するキアロスクーロ木版画の開発に向けられました。

木版画と活版印刷はどちらも凸版印刷なので、簡単に一緒に印刷できます。そのため、16 世紀後半まで、木版画は本の挿絵の主な媒体でした。最初の木版画による本の挿絵は、活版印刷が始まってからわずか数年後の 1461 年頃にさかのぼり、バンベルクのアルブレヒト フィスターによって印刷されました。木版画は、1550 年頃から 19 世紀後半まで、個々の (「単葉」) 美術印刷にはあまり使用されませんでしたが、その後、関心が再燃しました。19 世紀まで、ヨーロッパのほとんどの国で、そしてその後も一部の地域で、大衆印刷に重要な位置を占めていました。

東アジアとイランでは、木版画の技術と芸術の発展は高度に進んだ。日本の木版画は木版画と呼ばれ、17世紀に書籍と芸術の両方に導入された。浮世絵の人気の「浮世」ジャンルは、17世紀後半に始まり、単色または2色の版画が主流であった。版画は印刷後に手彩色されることもあった。後に、多色版画が開発された。日本の木版画は主要な芸術形式となったが、当時は絵画よりも地位がはるかに低かった。木版画は20世紀まで発展を続けた。

この技法は、画像を主に細い線で彫るだけであり、かなり粗雑な彫刻に似ています。版木は通常の方法で印刷されるため、印刷の大部分は黒で、画像は白い線で描かれます。この技法は、16 世紀のスイスの芸術家Urs Grafによって発明されましたが、19 世紀と 20 世紀に最も人気が高まり、多くの場合、画像に通常の黒い線スタイルの領域と対照的な大きな白い線領域を使用するという修正された形式でした。これはFélix Vallottonによって開拓されました。

1860年代、日本人自身が西洋美術全般に目覚め始めた頃、日本の版画がヨーロッパに大量に届き始め、特にフランスで大流行した。版画は多くの芸術家に大きな影響を与えたが、特にエドゥアール・マネ、ピエール・ボナール、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック、エドガー・ドガ、ポール・ゴーギャン、フィンセント・ファン・ゴッホ、フェリックス・ヴァロットン、メアリー・カサットが有名である。1872年、ジュール・クラレティはこの傾向を「ジャポニスム」と名付けた。^[6]

日本の影響は絵画を含む多くの芸術媒体に反映されているが、本格的な芸術媒体としては消滅の危機に瀕していたヨーロッパで木版画の復活につながった。フェリックス・ヴァロットンとポール・ゴーギャンを除く上記の芸術家のほとんどは、実際にはリトグラフ、特にカラー版画に使用していた。児童書の挿絵における日本の影響については以下を参照。

エドヴァルド・ムンクやフランツ・マゼリールなどの芸術家たちは、この媒体を使い続けました。モダニズムでは、特別な設備をほとんど必要としないスタジオで、印刷を含む全工程を比較的簡単に完了できるため、木版画が人気を博しました。ドイツ表現主義者たちは、木版画を多用しました。

彩色木版画は古代中国で初めて登場しました。最も古いものとしては、10 世紀の仏像 3 枚が知られています。彩色版木版画を使用したヨーロッパの木版画は 1508 年にドイツで発明され、明暗法木版画として知られています (下記参照)。しかし、浮世絵やその他の形式で日本に見られるように、彩色は標準にはなりませんでした。

ヨーロッパや日本では、彩色木版画は通常、本の挿絵ではなく版画にのみ使用されていました。19世紀まで個別の版画が発達しなかった中国ではその逆で、初期の彩色木版画は主に芸術、特により権威のある絵画に関する高級本に掲載されています。知られている最初の例は1606年に印刷された墨餅に関する本であり、彩色技法は17世紀に出版された絵画に関する本で最高潮に達しました。有名な例としては、1633年の胡正厳の『十竹書院画文論』^[7]や、 1679年と1701年に出版された『芥子園画要覧』^{[8]などがあります。}

日本では、完全に発達した形で錦絵と呼ばれた色彩技法がより広く普及し、1760 年代以降は版画にも使用されるようになりました。本の中の文字は、画像と同様にほとんど常にモノクロでしたが、浮世絵の人気が高まるにつれて、ますます多くの色彩と技法の複雑さが求められました。19 世紀までに、ほとんどの芸術家が色彩で作品を制作しました。この発展の段階は次のとおりです。

• 墨摺絵（墨摺り絵、「インク印刷された写真」） – 黒インクのみを使用したモノクロ印刷
• 紅摺絵（紅摺り絵、「深紅の印刷された写真」） – 印刷プロセスの後に手作業で赤いインクの詳細やハイライトが追加されます。緑色も使用されることもありました
• 丹絵（たんえ） –タンと呼ばれる赤い顔料を使ったオレンジ色のハイライト
• 藍摺り絵（藍摺り絵）、紫絵（紫絵）、および黒インクに加えて、または黒インクの代わりに単色を使用したその他のスタイル
• 漆絵- 接着剤を使ってインクを濃くし、画像を大胆に表現する手法。画像をさらに強調するために、金、雲母、その他の物質がよく使用されました。漆絵は、ペイントの代わりにラッカーを使用した絵画を指すこともあります。印刷物にラッカーが使用されることはほとんどありませんでした。
• 錦絵(にしきえ) - 画像の別々の部分に複数の版木を使用する手法で、多数の色を使用して非常に複雑で詳細な画像を実現できます。画像の 1 つの色に指定された部分にのみ、別の版木が彫られます。見当(けんと) と呼ばれる登録マークにより、各版木の適用間の対応が保証されます。

19世紀のヨーロッパでは、木版画（専門的にはクロモキシログラフィー）を使ったさまざまなカラー印刷方法が開発されました。1835年、ジョージ・バクスターは凹版の線版（またはリトグラフ）に黒または濃い色で印刷し、木版から最大20色までの色を重ね刷りする方法の特許を取得しました。エドモンド・エバンスは、全体でレリーフと木版を使用し、最大11色を使用し、後期には児童書の挿絵を専門とし、使用する版木は少なくして、色の混ざった部分を重ね刷りにしました。ランドルフ・コールデコット、ウォルター・クレイン、ケイト・グリーナウェイなどの芸術家は、当時ヨーロッパで流行していた日本の版画の影響を受け、平坦な色の部分を使った適切なスタイルを作り出しました 。

• マロ＝ルノーの色木版画、「les Cent Bibliophiles」1922 年
• 
  4色それぞれのマトリックス
• 
  カラー印刷登録

20世紀には、ディ・ブリュッケ・グループのエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーが、単一の版木に筆で様々な色を塗り、その後印刷するという（木版画とモノタイプの中間の）カラー木版画の制作方法を開発しました。 [ 9 ]^この技法の注目すべき例として、大英博物館のコレクションにある1915年の『オットー・ミュラーの肖像』木版画があります。^[10]

• 
  ゴータマ・ブッダの彩色木版画、10世紀、中国。
• 
  餃子（通貨）、10世紀、中国、四川省。
• 
  竹村貞之進役の俳優四代目市川海老蔵、写楽による日本の木版画、1794年。
• 
  龍、吉田源翁による日本の木版画、1892年。
• 
  現代^{[いつ？ ]}木版画鯉の絵、ドンホー絵画、ベトナム。

キアロスクーロ木版画は、異なる色で印刷された2つ以上の版木を使用した古い木版画のマスター版画です。必ずしも明暗の強いコントラストが特徴です。キアロスクーロの絵画と同様の効果を得るために最初に制作されました。書籍印刷の初期の実験の後、2つの版木で考え出された真のキアロスクーロ木版画は、おそらくドイツのルーカス・クラーナハ（父）によって1508年または1509年に最初に発明されましたが、彼は最初の版画のいくつかを遡って、最初はモノクロ印刷用に制作された版画にトーンブロックを追加し、すぐにハンス・ブルクマイアーが続きました。^[11]ジョルジョ・ヴァザーリはウーゴ・ダ・カルピでイタリアの先例を主張していますが、彼の最初のイタリアの例が1516年頃のものであることは明らかです。^{[12] [13]}

この技法を使った版画家としては、ハンス・バルドゥングやパルミジャニーノなどがいます。ドイツでは、この技法は16世紀初頭に主に使われていましたが、イタリアでは16世紀を通じて使い続けられ、後期にはヘンドリック・ホルツィウスなどの芸術家も時々使用しました。ドイツ風では、1つのブロックには通常線のみがあり、「ラインブロック」と呼ばれ、もう1つのブロックには色の平坦な部分があり、「トーンブロック」と呼ばれています。イタリア人は通常、トーンブロックのみを使用して、非常に異なる効果を生み出しました。これは、この用語が元々使われていたキアロスクーロの絵や水彩画に非常に近いものでした。^[14]

スウェーデンの版画家トルステン・ビルマン（1909-1989）は、1930年代から1940年代にかけて、通常の印刷インクからいくつかの灰色のトーンを使用したキアロスクーロ技法の変種を開発した。ストックホルム国立美術館の美術史家グンナー・ユングマーカー（1902-1983）は、この技法を「グリザイユ木版画」と呼んだ。これは、白黒のキーブロックとは別に、灰色の木版をいくつか使用し、手刷りのみで行われる、時間のかかる印刷プロセスである。^[15]

20世紀初頭から中頃にかけて、メキシコでは木版画が人気の芸術形態となった。^[1]メキシコではこの媒体は政情不安を伝えるために使用され、特にメキシコ革命（1910-1920年）後は政治活動の一形態であった。ヨーロッパ、ロシア、中国でもこの時期に木版画は社会主義、共産主義、反ファシズムなどの左翼政治を広めるために使用されていた。^{[16]メキシコでは、この芸術様式は}ホセ・グアダルーペ・ポサダによって人気を博した。彼はメキシコのグラフィックアートおよび版画の父として知られ、メキシコ初の現代芸術家と考えられている。^{[17] [18]彼は}メキシコ革命前および革命中に風刺漫画家および彫刻家で、メキシコの民俗芸術および先住民芸術を普及させた。彼は、今日のメキシコの芸術や文化で目立つ（ディズニーピクサーの「リメンバー・ミー」など）象徴的な骸骨（カラベラス）の木版画を制作した。^{[19]ポサダの}カラベラの詳細については、「La Calavera Catrina」を参照してください。

1921年、フランスの版画家ジャン・シャルロがメキシコシティに移住した。ポサダの木版画の重要性を認識したシャルロは、コヨアカンの野外美術学校で木版画の技術を教え始めた。フェルナンド・レアルを含む多くの若いメキシコ人芸術家がこれらの授業に参加した。^{[17] [18] [20]}

メキシコ革命後、国は政治的、社会的に混乱し、労働者のストライキ、抗議活動、デモ行進が起こった。これらのイベントには、壁に貼ったり、抗議活動中に配布したりするための、安価で大量生産された視覚的な印刷物が必要だった。^[17]情報は、一般大衆に迅速かつ安価に広める必要があった。^[17]当時、多くの人々はまだ読み書きができず、革命後には広範な教育を求める動きがあった。革命が始まった1910年には、メキシコ人のわずか20％しか読み書きができなかった。^[21]この運動において芸術は非常に重要であると考えられ、政治的な芸術家たちは雑誌や新聞を使ってイラストを通して自分たちの考えを伝えていた。^[18] エル・マチェーテ（1924–29）は、木版画を使用した人気のある共産主義雑誌だった。^[18]木版画は、多くの人が理解できる人気のあるスタイルであったため、うまく機能した。

芸術家や活動家は、社会主義や共産主義の価値観を反映した版画（多くは木版画）を制作するために、タジェール・デ・グラフィカ・ポピュラー（TGP）（1937年～現在）やトレインタトレインティスタ（1928年～1930年）などの団体を結成した。 ^{[22] [20] TGPは、アフリカ系アメリカ人の版画家}エリザベス・キャットレットなど、世界中の芸術家を魅了した。キャットレットの木版画は、後に1960年代から1970年代の米国の社会運動の芸術に影響を与えた。^[1]トレインタトレインティスタは労働者や子供たちに指導することもあった。木版画の道具は簡単に手に入り、技術も簡単に習得できた。木版画は民衆の芸術と考えられていた。^[20]

当時のメキシコは、自らのアイデンティティーを発見し、統一国家として発展しようとしていた。木版画の美的形式とスタイルは、多様なトピックと視覚文化を統一して見せることを可能にした。伝統的な民俗的イメージと前衛的で現代的なイメージは、木に彫られたときに同様の美的感覚を共有した。田舎と伝統的な農民のイメージは、都市のイメージに似ていた。^[20]この象徴性は、統一国家を望んだ政治家にとって有益であった。木版画を彫り、印刷するという物理的な行為は、多くの人が抱いていた肉体労働と労働者の権利を支持するという価値観を支えた。^[20]

今日、メキシコでは活動家による木版画の伝統がまだ生きています。オアハカでは、2006年のオアハカ抗議運動中に、オアハカ革命芸術家連盟（ASARO）と呼ばれる団体が結成されました。彼らは木版画を通して社会変革に取り組んでいます。^[23]彼らの版画は小麦粉の糊で作られたポスターになり、街中にひそかに貼られています。^[24]アルテルミオ・ロドリゲスは、ミチョアカン州タカンバロに住むもう一人の芸術家で、現代の問題を題材にした政治的な木版画を制作しています。^[1]

ヨーロッパ

• アルス・モリエンディ
• デューラーのサイ
• エンブレムブック
• 黙示録の四騎士
• ヒプネロトマキア・ポリフィリ
• まさに物語
• ルボーク版画
• ニュルンベルククロニクル

日本（浮世絵）

• 滝夜叉と骸骨の妖怪
• 漁師の妻の夢
• 富嶽三十六景（神奈川沖浪裏含む）

木材が希少で高価な地域（北極圏など）では、石を媒体として木版画の技法が用いられます。^[25]

• バートラム、ジュリア;ドイツルネサンス版画、1490-1550 ;大英博物館出版、1995年、ISBN 0-7141-2604-7。 
• Lankes, JJ (1932)。『木版画マニュアル』。H. Holt。
• デイヴィッド・ランドー＆ピーター・パーシャル、『ルネッサンス・プリント』、イェール大学、1996年、ISBN 0-300-06883-2。 
• ジェニー・アグロウ（2006年）。『自然の彫刻家：トーマス・ビウィックの生涯』フェイバー＆フェイバー。

ウィキメディア・コモンズには、木版画に関連するメディアがあります。

• メトロポリタン美術館所蔵の浮世絵美術史年表
• メトロポリタン美術館所蔵のヨーロッパの木版画美術史年表
• メトロポリタン美術館所蔵のイタリアルネサンス時代の木版画の挿絵 美術史の年表
• メトロポリタン美術館の展覧会カタログ「版画と人々：印刷された絵画の社会史」（PDFでオンラインで全文閲覧可能）には木版画に関する資料が含まれています。
• 近代美術館の印刷技術と版画の見本に関する情報。
• 初期の印刷本の木版画（議会図書館のオンライン展示）
• 木版画の画像コレクションはヒューストン大学デジタル図書館でご覧いただけます（2012年11月1日、Wayback Machineにアーカイブ）。
• 『瞑想録、あるいは最も敬虔な信者の黙想』は 15 世紀に出版されたもので、初期の木版画技法を用いたイタリア初の挿絵入り本と考えられています。