着物

1869年、長年にわたる孤立した封建的支配の後、社会階級制度は廃止された。社会階級の変化に伴い、階級別の奢侈禁止法が制定された。^{[ 27 ]： 113}以前は制限されていた赤や紫などの色を使った着物が人気となり、特に藤色などの合成染料の登場により人気が高まった。^{[ 27 ]： 147}

明治時代初期に日本が西洋との貿易のために国境を開放した後、羊毛や合成染料の使用といった新しい素材や技術が普及し、1960年代以前の日本ではカジュアルなウールの着物が比較的よく見られました。また、絹の裏地生地に紅（べに）染め（もみ）を用いることも1960年代以前の日本では一般的であり、この時代の着物は容易に識別できます。

明治時代には、江戸時代の囲い込みの後、日本が西洋との貿易に開放されたことで、近代化の象徴として西洋服への動きが加速した。繊維産業は日本経済の主要な基盤となり、その原動力となった。^{[ 29 ]} 1871年には、警官と郵便配達員の両方が西洋服を採用した。^{[ 30 ]}同年、明治天皇の勅令により、 ^{[ 30 ]}宮廷、廷臣、官僚は職務上西洋服を着用するようになり、日本の男性による西洋服の採用は女性よりもはるかに速いペースで進んだ。他の職種の流れに倣い、1872年には鉄道労働者も西洋服に移行した。^{[ 30 ]}明治天皇の勅令と同様の勅令が、1877年に春子皇后によって女性向けに発布されるまでは、西洋服の着用は普及しなかった。 ^{[ 31 ]}東京婦人子供服製造業者協会などの取り組みにより、西洋服は日常着として普及した。

西洋服はすぐに男性の軍服^{[ 32 ]}や男子生徒の学校制服として標準装備となり、1920年から1930年の間に、女子生徒の学校制服として着物と袴が水兵服に取って代わった^{[ 3 ] : 140} 。しかし、着物は依然として日常のファッションアイテムとして人気があり、 1923年の関東大震災の後、多くの人々が財産を失ったため、他の用途には不向きな生糸や廃糸から織られた安価でカジュアルな既製名仙着物が非常に人気になった^{[ 33 ]} 。 1930年までに、既製名仙着物は、アールデコ運動からインスピレーションを得たものが多く、明るく季節ごとに変化するデザインで非常に人気になった。明仙着物は通常、絣（かすり）染色技法を用いて染色され、織る前に縦糸または縦糸と横糸の両方（平用絣として知られる）^{[ 33 ]： 85を}型紙を使って染色した。

大正時代には、着物や着物の種類が近代的に形式化され始めた。明治時代には、カジュアルなものと最もフォーマルなものの中間的な着物の種類が徐々に導入され、階級の区別が廃止されたことで社交の機会や余暇が増えたため、この傾向は大正時代を通して続いた。西洋服が男性の普段着として人気が高まるにつれ、着物産業は女性のためのフォーマルとカジュアルな服装の伝統をさらに確立し、女性用の束袖着物や紋付袴の発明につながった。 [ 27 ]：133-134^{江戸時代には上流}階級では珍しい慣習であった花嫁着物（嫁入り着物）も中流階級の間で一般的になった。^{[ 27 ]： 67、76}結婚式用の着物の花嫁衣装の伝統もこの時期に成文化され、武士階級の女性の花嫁衣装に似ていた。^{[ 27 ]： 82、93、146この時期の}着付けの基準は、平らで均一な大照りと滑らかでしわのない帯など、上流階級の女性の「きちんとした」着付けに似て、徐々に形式化され、整った外観へと移行し始めた。しかし、着付けの基準はまだ比較的非公式であり、第二次世界大戦後まで形式化されることはなかった。

着物は男性の一般的な服装ではなくなったものの、第二次世界大戦（1940～1945年）まで日本人女性の日常着として残りました。^{[ 27 ]： 17}大正時代には多くの伝統が生み出されましたが、着付けの基準はまだそれほど形式化されておらず、しわ、不揃いな大照り、曲がった帯なども許容されていました。^{[ 27 ]： 44～45}

戦争中、着物工場は閉鎖され、政府は代わりに古い着物で作ったズボンであるもんぺ（ももぺともローマ字表記される）の着用を奨励した。 ^{[ 27 ]： 131}レーヨンなどの繊維は、製造コストが安く、購入価格も手頃だったため、第二次世界大戦中に広く普及し、通常はプリント柄が特徴だった。^{[ 34 ]}布地の配給制は1951年まで続いたため、ほとんどの着物は再利用された生地から家庭で作られた。^{[ 27 ]： 131}

20世紀後半、日本経済は好景気となり^{[ 27 ] : 36}、絹が安価になったため、一般家庭でも絹の着物を購入できるようになった^{[ 27 ] : 76。}着物小売業界は、着物の種類、フォーマル度、季節に関するルールなど、着物の着付けに関する規則を精緻に体系化しており、これは戦後に強化された。それ以前にも着物の着付けに関するルールはあったが、それらは厳密に体系化されておらず、地域や階級によって異なっていた^{[ 27 ] : 36。}フォーマル化は完璧さを追求し、着物にしわや不均一さがないことを求め、ますます筒状の体型が着物を着た女性の理想像として推進された^{[ 27 ] : 44-45。}着物小売業界は、日本服と西洋服の明確な区別を推進した。^{[ 27 ]： 54}例えば、西洋靴を和服に合わせることは（大正時代には一般的であったが）不適切と規定された。^{[ 27 ]： 16}こうした服装に関する規則は、英語の「Time, Place, and Occasion」（TPO）という表現を用いて日本語で説明されることが多い。戦時体制下で育った日本人男性も女性も着物を着ることは一般的ではなかったため、女性に着物の着方を教えるための商業着付け学校が設立された。 ^{[ 27 ]： 44}この時代の男性は着物を着ることはほとんどなく、そのため男性服はほとんど形式化を免れた。^{[ 27 ]： 36、133}）。

着物は儀式に欠かせないものとして推奨され^{[ 27 ]： 76、135、}例えば、若い女性が成人式で着用する高価な振袖は必需品とみなされていた^{[ 27 ]： 60。}あらゆる種類の着物を数十着含む花嫁衣装一式は必須とされ、両親は最大1000万円（約7万ポンド）もする着物衣装一式を用意する義務を感じていた^{[ 27 ]： 76。これらの衣装一式は}結婚式の一環として公に展示・検査され、透明なトラックで運ばれることも^{あった[ 27 ] ： 81 。}

1970年代までに、フォーマルな着物が着物販売の大半を占めるようになった。^{[ 27 ]： 132}新品の着物の価格設定構造により、着物小売業者は価格だけでなく着物に関する知識の認識においても相対的な独占状態を築き、価格を決定し、よりフォーマルな（そして高価な）購入を促進することができた。フォーマルな着物を1着売れば、販売者は3ヶ月間快適に生活できたからである。着物産業は1975年にピークを迎え、総売上高は2兆8000億円（約180億ポンド）に達した。カジュアルな新品の着物の販売はほとんど無視された。^{[ 27 ]： 135、136}

1990年代の経済崩壊により、着物産業の多くが破産し^{[ 27 ] : 129}、多くの高額な慣習が終焉を迎えた^{[ 27 ] : 98。}着物の着方に関する規則は、以前のような業界への影響力を失い^{[ 27 ] : 36}、かつては高額だった花嫁着物などの伝統は概して消滅し、贈られたとしても規模は大幅に縮小した^{[ 27 ] : 98} 。この時期に、女性が結婚式や葬儀などの儀式的な機会に西洋服を着ることが容認され、さらには好まれるようになった^{[ 27 ] : 95,263 。}多くの女性は、ほとんど着られていない着物を何十着、あるいは何百着も家に持っていた。中古の着物は、たとえ未使用であっても約500円（3.50ポンド未満、^{[ 27 ]： 98}約5米ドル）で売られており、新品価格の数パーセントに過ぎない。1990年代から2000年代初頭にかけて、こうした状況を受けて多くの中古着物店が開店した。^{[ 27 ]： 98}

21世紀初頭には、より安価でシンプルな浴衣が若者の間で人気を博した。^{[ 27 ]： 37} 2010年頃には、男性が自分の結婚式以外の場面でも再び着物を着るようになり、^{[ 27 ]： 36、159}少数派によって着物が日常着として再び推奨され着用されるようになった。^{[ 27 ]}

今日、日本では大多数の人が普段着として洋服を着ており、着物は結婚式や葬儀などのフォーマルな場面、あるいは夏のイベントなどで着用することが多い。夏のイベントでは、着心地の良い一枚仕立ての綿の浴衣が定番となっている。

2019年、京都市長は、職員がユネスコの無形文化遺産リストに「着物文化」を登録するために取り組んでいると発表した。^{[ 36 ]}

2020年、ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館は「着物：京都からキャットウォークへ」と題した展覧会を開催した。これは17世紀から現在までの着物の歴史に関連する「約300点の衣服、アクセサリー、絵画、版画、写真、映像クリップのコレクション」である。この展覧会の4年間にわたる国際ツアーの最終回は、2024年にダンディーのV&Aで開催された。 ^{[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]}

江戸時代末期までは、着物と襤褸の仕立ては別々に行われており、絹の着物は「着物屋」と呼ばれる店で、その他の繊維の着物は「襤褸屋」と呼ばれる店で販売されていた。あらゆる種類の生地を扱う店は「着物襤褸屋」と呼ばれていたが、明治時代以降、襤褸の着物だけを扱う店は、安価な西洋の普段着の台頭により経営が苦しくなり、廃業していった。その結果、着物を販売する店は「着物屋」と呼ばれるようになり、現在では着物店は「着物屋」としてのみ知られている。

封建時代の奢侈禁止令の下では、色は階級によって制限されていました。例えば、藍染めの衣服はすべての階級で認められており、手染めの綿、麻、または麻絣織物によく見られましたが、赤や紫などの他の染料は、ある階級以下の者には禁じられていました。また、階級によっては、模様は帯の下、袖口（振袖の場合）、または裾（裾模様）に限定される場合もありました。場合によっては、模様自体が禁止され^{[ 61 ] 、下着の襟[ 72 ]}や裾の内側に移され、ごくかすかに時折見える程度でした。このような控えめな装飾は「粋」と呼ばれる美意識となり、奢侈禁止令が廃止された後も存続しました。^{[ 61 ]}しかし、現代の礼儀作法の規則は、最上位の武士階級が通常用いていた服装の区別を今なお反映している。^{[ 61 ]}

男性の着物の側面は、今でもこの極端に粋な様式に従っています。羽織（上着）の裏地や男性の襦袢（下着着物）には、明るく凝った装飾が施されています。襦袢は家の外では外着として着用されないため、首元と袖の内側だけが見えるようになっています。女性の襦袢はかつて明るく大胆な柄でしたが（多くの場合、外着として着用するには傷みがひどかった着物を再利用したものでした）、現在では一般的に落ち着いたパステル調の色合いになっています。^{[ 60 ] [ 52 ]}奢侈禁止令が撤廃された後も、男性の衣服の外側は、青と黒が主流で、控えめな柄と色調が主流でしたが、後にデザイナーは茶色、緑、紫などの色をますます大胆な柄で使用するようになりました。

年配の方は一般的に控えめな柄を身につけ、若い方はより明るく大胆な柄を身につける傾向がある。

着物は生地の種類が非常に多様で、すべてが絹でできているわけではありません。ウール、綿、麻、ヘンプなどの特定の種類の生地は常にカジュアルなものと考えられており、よりフォーマルな着物には見られません。紬などの特定の種類の絹は、かつては養蚕農家が使用できない繭から自分たちのために織っていたため、カジュアルなものと考えられています。^{[ 75 ]}明仙などの他のより現代的な種類は、カジュアルで安価な普段着として使用するために設計されており、明るい模様の糸を使用して機械で紡績および織られています。クレープの種類の中には、粗い質感のためフォーマルには不向きと考えられているものがあり、フォーマルの最低ランクにあります。^{[ 75 ]}滑らかなクレープなどの他の種類は、あらゆる種類のフォーマルな着物に使用されます。最もフォーマルな着物は、羽織のような光沢のある絹織物など、滑らかで上質な絹のみで作られています。

生地によっては、特定の時期にしか着用されないものもあります。例えば、筺（ろ）は平織りで、筺織りの縞模様があり、真夏（7月と8月）にのみ着用されますが、あらゆる種類の着物や、下着や帯などの他の衣服にも使用されます。^{[ 72 ] [ 60 ]}クレープのような特定の種類の生地は、特定の種類の着物には決して見られません。^{[ b ]}また、朱糸（重厚なサテン）のような生地は、現代よりも以前の時代に人気があったため、現代の着物や帯にはほとんど見られません。

形式ばらない性質にもかかわらず、伝統的な着物生地の多くは、その職人技が高く評価されている。紬、絣、そしてムサバショウで織られた生地は、伝統的な製法が高く評価され、高値で取引されることが多い。

夏の間（茶道など最も厳格な着物ガイドでは6月^{[ 76 ]から10月[ 42 ]}まで）、着物は裏地なし（一戸）で、それ以外の時期は裏地付き（合わせ）です。これはすべての種類の着物に当てはまりますが、いくつか例外があります。非常にカジュアルな浴衣は常に裏地なしで、夏にのみ着用されます。一方、最もフォーマルな着物は、夏に裏地なしで着用されることはまずありません。多くの人はフォーマルな着物を1着しか持っておらず、夏用に新しい裏地なしの着物を購入するほど頻繁にフォーマルな着物を着るわけではないからです。帯も夏の間は生地の種類が変わります。

裏地付きと裏地なしの2つの領域内でも、月によってさらに区別があります。裏地付きの着物は、薄物または透け感のある生地で作られ、不透明な生地で作られます。着物は真夏には薄物生地に移行し、秋が始まると薄物生地から離れていきます。茶道用の着物ガイドでは、6月の裏地なしシーズンの始まりには、変わりちりめん（一越ちりめんよりもしわになりにくい絹のクレープの一種）や駒依ろ（撚り糸の絹糸を使った厚手のろ）などの生地の着用が推奨されています。 ^{[ 76 ]} 7月のある時期に梅雨が始まると、生地はより透け感のあるものに変わり、越後上布などの非常に貴重な麻の生地が着用されます。^{[ 77 ]} 8月に入っても、麻、ろ、沙が引き続き着用されます。 9月になってもまだ着用されているが、 6月に着用されていた人越ちりめんなどの生地が再び適するようになり、透け感のある生地よりも不透明な生地が好まれるようになるが、暑い天候の場合は透け感のある生地も着用されることがある。^{[ 42 ]}

同じ着物ガイドでは、裏地付きの着物は10月に初めて着用され、無地の不透明な生地から糯津のようなより豊かな絹へとすぐに移行します。生地の豊かさは11月と12月にかけて増し、織り模様のある柄絹が適しています。1月になると、より粗い質感のクレープ生地が適し、紬のような生地は2月に着用されます。^{[ 42 ]}柄絹は6月まで着用され続け、その後再び裏地なしの季節が始まります。日本では、この着替えの過程は衣替えと呼ばれます。

格式は、家紋の数と種類によっても決まります。五つの家紋が最も格式が高く、三つの家紋が中程度の格式、一つの家紋が最も格式が低く、茶道などの場面で用いられます。家紋のある着物（袴などの他の衣服も含む）は、家紋を付けると呼ばれます。家紋の種類も格式を左右します。「日向」の家紋は、輪郭が白で塗りつぶされた最も格式の高い家紋です。「中影」の家紋は中程度の格式で、家紋の輪郭だけが白で見えます。「影」の家紋は最も格式が低く、家紋の輪郭が比較的薄くなっています。影紋は着物に刺繍されることがあり、縫い紋と呼ばれる全面刺繍の紋も見られる。^{[ 78 ]}

フォーマルさは、アクセサリーの種類や色によっても決まります。女性の場合は帯締めの織り方や帯揚げのスタイルが関係します。男性の場合は、羽織（伝統的な上着）を加えると服装がよりフォーマルになり、羽織と袴（伝統的なズボン）の両方を加えるとさらにフォーマルになります。これらの上着の素材、色、柄もフォーマルさに影響します。^{[ 75 ]}羽織が長いほどフォーマルになります。

男性用・女性用ともに袖は比較的短く、男性用の方が女性用よりも短い。長さは数センチ程度の差はあるものの、非公式ながら標準化されている。

男性用の着物の袖の長さは常に一種類しかなく、女性用の袖はほとんどすべての種類の着物に適した短い長さか、若い女性のフォーマルな着物の一種にのみ用いられる長い長さに限られています。現代では、女性用の着物の袖の長さは、床にほぼ届く振袖の長さと、その他のあらゆる種類の女性用着物に用いられる短い長さの2種類です。

第二次世界大戦前は、女性の着物の袖丈は様々で、年齢を重ねるにつれて徐々に短くなっていきました。第二次世界大戦中は、布地の不足により、女性の着物の袖丈は「短い」長さに統一され、戦後は、長い袖丈の着物は振袖（若い女性や少女が着るフォーマルな着物）に限られるようになりました。それ以前は、フォーマルなものからカジュアルなものまで、様々な種類の服に長い袖丈が見られました。第二次世界大戦前の女性の着物は、振袖ほどではないものの、今日のほとんどの女性の着物の袖丈よりも長い長い袖丈が特徴です。

若い女性は振袖だけを着る必要はなく、特別な機会以外では、袖の短い他の種類の女性用着物も着用できる。

襦袢（じゅばん）は、男女ともに着用する着物の下着です。襦袢は着物に似た構造ですが、いくつかの重要な違いがあります。袖口は通常、袖口全体が開いており、通常の着物の袖口が終わる位置に数針縫い合わせているだけです。袖口の外縁には曲線がなく、四角い形をしています。襦袢は通常、着物の着丈より少し短く、女性の着物で大襟のように膨らませるための余分な長さはありません。前身頃には、重なり合う部分（奥組）がないか、薄い部分のみがあり、襟は通常の着物よりも低い角度で付けられています。襦袢は着物の下着として欠かせないものと考えられており、浴衣以外のすべての種類の着物に着用されます。

襦袢は一般的に軽量素材、多くは絹で作られています。女性用襦袢には柄物と無地があり、現代の女性用襦袢は白色のものが多いです。

男性用の襦袢は濃い色に染められることが多く、着物と同じ生地で作られることもあります。これは、着物の反物（たんもの）の中には、同じ生地で作れるだけの十分な長さのものが織られているためです。男性用の襦袢は女性用よりも装飾性が高く、背中上部に『源氏物語』の場面などを描いた染め絵が施されていることがよくあります。

19世紀後半から20世紀初頭にかけて、女性の襦袢は、大胆な白の模様が入った赤を基調としたものから、白や淡いパステルカラーへと変化した。かつてこの変化を実現するために用いられていた染色技法である紅板締めは、廃れ、その技術も忘れ去られていたが、2010年に再発見された。^{[ 79 ]： 1}

肌襦袢は、伝統的に長襦袢の下に着用される着物下着の一種です。肌襦袢は、構造上、長襦袢よりもさらに着物とはかけ離れています。肌襦袢は、前開きの上着とスカートの2点からなり、襟がなく、筒状の袖または袖なしのどちらかです。

長襦袢とは異なり、肌襦袢は着物の下着として必須とは考えられておらず、代わりにTシャツと短パンを着用することも多い。

浴衣は、男女ともに着用するカジュアルな綿製の夏用着物です。元々は、非常にシンプルな藍色と白の綿の着物で、家の中や近所を少し散歩するときに着る、いわば浴衣のようなものでした。浴衣は旅館の宿泊客が着用し、そのデザインは宿泊先の旅館を表していました。1980年代半ば頃から、夏祭りに着ていけるような、よりカジュアルな着物への需要に応え、より多様な色やデザインで生産されるようになり、それ以来、浴衣という以前の地位よりもフォーマルなものとなり、高級で色数の少ない浴衣が小紋の代わりとなることもあり。

現代の浴衣は、色鮮やかなものが多く、様々な季節のモチーフが大きくあしらわれています。女性は半幅帯かへこ帯を締め、色とりどりの髪飾りを合わせることが多いです。男性は角帯かへこ帯を締めます。子供は一般的に浴衣にへこ帯を締めます。

浴衣は裏地がなく、女性は上品な上着にカジュアルな名古屋帯を合わせ、その下に襦袢を着ることが多い。男性用の上着も同様に着こなすことができる。

浴衣は伝統的に一枚で着るか、肌襦袢（長襦袢の下に着る、簡略化された構造の肌着）の上に着る。浴衣はTシャツとショートパンツの上に着ることもある。この点が、長襦袢（襦袢とも呼ばれる、肌着に似た肌着）を下に着て、首元に二枚目の襟が見える、よりフォーマルな小紋着物と浴衣を区別する。ただし、カジュアルな食事会などの機会には、麻、綿、または紮の襟が付いた綿の襦袢と合わせて着る現代の浴衣もある。^{[ 60 ] [ 52 ]}

紬（つむぎ）は、男女ともに着用するカジュアルな絹の着物です。伝統的に紬は、短繊維絹糸である絹ノイルを用いて平織りで織られた着物を指していましたが、現在では表面染色ではなく織りによって模様が作られた様々なタイプのカジュアルな絹の着物も含まれるようになりました。 ^{[ 80 ]}紬の着物は、しばしば絣模様で染められています。 ^{[ 81 ]}

小紋（こもん、文字通り「小さな模様」という意味だが、実際には大きな模様の場合もある）は、女性用のカジュアルな着物である。戦前の日本では、女性の普段着として最もよく着用されていたタイプである。カジュアルではあるものの、小さく密度の高い模様の小紋は、大きく大胆な模様の小紋よりもややフォーマルな印象を与える。

小紋には家紋がほとんどなく、袖は比較的短い。模様は繰り返し模様で作られるが、繰り返しの長さはかなり長い場合もある。模様の作り方は様々で、織り模様、プリント、交互に向きを変えた型染め、友禅、絞り染めなどがある。伝統的には、肩の縫い目がないため、隣り合うパネルの布地の向きを交互に変えていたため、模様は一般的にリバーシブルだった。各パネルの模様の向きが同じ場合、小紋はよりフォーマルになり、付け下げに近い格式となる。

織り込まれた幾何学模様（縞模様など）には季節感はありませんが、季節を象徴する模様もあります。織り込まれた非幾何学模様（絣）は一般的です。細かい模様が密集して用いられることが多く、これは汚れが目立ちにくいという実用性によるものです。

小紋は、紬（糸節のある絹）、綿、麻、苧麻、ヘンプなどの非公式な素材で作られます。現代では、合成繊維の混紡や合成繊維がよく使われ、レーヨン（人綿）やポリエステルが一般的です。

着物が普段着として着用されることが少なくなった現在では、小紋はフォーマルな着物ほど頻繁には着用されませんが、より幅広い場面で着用可能です。江戸小紋は小紋の中でも最も格式の高いタイプで、紋が1つから3つあり、小さく繊細な模様は遠目には単色に見えるため、より格式の高い色地（いろむじ）に似ています。

江戸小紋は、女性が着用する小紋の一種で、色地に白で非常に小さな繰り返し模様が施されているのが特徴です。江戸小紋の染色技法は、平安時代後期（12世紀半ば頃）に、小さな様式化された桜の花を描いた小桜と呼ばれるモチーフから始まったと言われています。江戸時代（1603～1867年）には、武士階級が上下として着用し、特定の模様が特定の家柄と結び付けられました。江戸時代末期の1800年代初頭には、庶民も着用するようになりました。 ^{[ 82 ]}江戸小紋は色字と同程度の格式を持ち、家紋が1つの江戸小紋は、カジュアルな訪問着として着用できます。そのため、通常の小紋とは異なり、常に絹で作られています。

色無地（いろむじ）は、単色で装飾のない女性用着物で、主に茶道で着用されます。単色であるため、茶道の雰囲気を損なわないと考えられています。単色ではありますが、織り模様が施されている場合もあります。秋に適した色無地は、しばしば琳豆（りんず）の絹で作られています。非常に繊細な模様を持つ江戸小紋の中には、遠目には色無地に似ているため、茶道に適しているとされるものもあります。色無地には家紋が1つだけ入っている場合もありますが、通常はそれ以上はありません。また、必ず絹で作られています。茶道で着用する場合、帯揚げなどの絞り染めの小物は色無地には着用せず

付け下げは、女性の正装としては下位のもので、方もんぎよりも一段下のものですが、両者は似ている場合や区別がつかない場合もあります。付け下げの模様は方もんぎと同様に、右後ろ肩と右後ろ袖、左前肩と左前袖、裾に施され、裾は左側の方が右側よりも高くなっていますが、方もんぎとは異なり、通常は着物の各パネルの縫い目をまたぐことはありません。ただし、紛らわしいことに、縫い目をまたぐものもあります。古い例では、模様が裾に左右対称に配置され、スカートの模様が背中心縫い目で鏡像になっている場合もあります。 ^{[ 61 ]}

つけ下げと方文義の類似性から混同が生じることが多く、つけ下げと方文義が区別できない場合もある。多くの場合、つけ下げと方文義は使用されるモチーフの大きさによってのみ区別され、一般的に小さく流動性の低いモチーフはつけ下げ、大きく流動性の高いモチーフは方文義とみなされる。^{[ 83 ]}

付け下げには1つから3つの家紋を入れることができ、パーティーなどの集まりには着用できるが、儀式や非常に格式高い行事には着用できない。

訪問着（ほもんぎ）は、付け下げと同じ柄の配置を持つ女性用の正装着物で、一般的に縫い目に沿って柄が揃っています。常に絹製で、付け下げよりも格式が高いとされています。

布紋はまず大まかに縫い合わせ、布地にデザインを下書きしてから、再び染色するために布地をほどきます。布紋の近縁種である付け下げは、布地に模様を染めてから縫い合わせます。この製造方法によって、布紋の模様は縫い目を滑らかにまたがる傾向があるのに対し、付け下げでは一般的にそのようなことはないため、両者を区別することができます。 ^{[ 83 ]}しかし、両者はほとんど区別がつかない場合もあります。

旗紋は既婚女性も未婚女性も着用できます。花嫁の友人（親族を除く）は、結婚式や披露宴に旗紋を着用することがよくあります。また、フォーマルなパーティーにも着用できます。

色留袖（いろとめそ）は、裾に色付きの地色に模様が入ったフォーマルな女性用着物です。黒地にほぼ同じ模様が入った黒留袖（くろとめそ）よりややフォーマル度が低く、フォーマルな場面でも着用されますが、黒留袖では場違いに見える場合に選ばれることもあります。色留袖の模様の配置は黒留袖とほぼ同じですが、ふきと奥みの模様が後ろ裾に少し入り込むことがあります。家紋が5つ入った色留袖は、黒留袖と同じフォーマル度です。色留袖は、琳豆などの模様入りの絹で作られることもあります。

黒留袖（くろとめそ）は、黒地に裾に模様が入った、女性用のフォーマルな着物です。最も格式の高い女性用着物であり、結婚式や披露宴などのフォーマルな行事で着用されます。模様は裾にのみ施されており、模様が体の上の方にまで及ぶほど、着用者は若く見られる傾向があります。ただし、非常に若い女性の場合は、黒留袖よりもやや大人びた印象の白留袖（いろとめそ）を選ぶこともあります。模様は、着物のふきと奥みに左右対称に配置されているものと、裾全体に非対称に配置されているものがあり、非対称の場合は左側の模様が右側よりも大きく、高い位置に配置されています。ヴィンテージの着物では、後者よりも前者の模様配置のものが多いですが、これは絶対的なルールではありません。

黒留袖は必ず絹でできており、裏地（ひよく）が付けられている場合があり、裾にわずかに詰め物がされていることもあります。黒留袖には通常3～5個の紋が付けられており、紋の数に関わらず、5個未満の紋が付いた黒留袖は色留袖よりも格上です。黒留袖は正装ではありますが、着物自体に施された色彩に関わらず、黒は喪の色であるため、宮廷宮廷以外では、黒留袖にこのような区別はありません。黒留袖は琳珠のような派手な絹で作られることはなく、代わりに質感の少ないマットな生地が用いられることが多いです。

黒留袖は通常、襟に沿って小さな白い装飾的な刺し縫いである飾り仕付けが特徴です。

喪服（もふく）は、喪に服す際に着用する着物や装身具の一種で、男女ともに着用されます。喪服の着物、帯、装身具は、無地の真っ黒な外観が特徴です。喪服の着物は、黒地に5つの家紋が入った無地の絹地で、白い下着と白い足袋を合わせます。男性は、同じ種類の着物に、控えめな帯と、黒と白、または黒とグレーの縞模様の袴を合わせ、黒または白の草履を着用します。

女性の喪服一式（無地の黒帯、黒帯締め、黒帯揚げ）は、通常、故人に最も近い人々のために用意されています。故人から遠い人々は、紋章の数を減らした無地の黒着物ではなく、暗く落ち着いた色の着物を着ます。着物がより頻繁に着用されていた時代には、故人に最も近い人々は、死後数週間かけて徐々に色のついた着物を着始め、帯締めは最後に色付きに変更されました。^{[ 3 ]}

打ち掛け（うちかけ）は、花嫁や舞台でのみ着用される、非常に格式高い女性の上着です。打ち掛けという名前は、日本語の動詞「打ち掛ける」に由来し、およそ16世紀に当時の支配階級の間で流行した、着物（当時は小袖と呼ばれ、文字通り「小さな袖」）を他の衣服の肩に帯なしで着るという習慣から生まれました。 ^{[ 3 ] : 34}打ち掛けは、侍の女性が着用する上着へと発展し、20世紀のある時期に花嫁衣装として採用されました。

打掛は帯を締めた着物の上に羽織ることを想定して作られており、帯で締めるようには作られていません。16世紀の打掛とは異なり、現代の打掛は一般的に通常の着物として着用することはできません。なぜなら、重厚で格式高い装飾が施されていることが多く、裾だけでなく全体に詰め物がされている場合もあるからです。打掛は床に引きずるようにデザインされており、厚く詰められた裾がそれを実現しています。

花嫁用の打掛は一般的に赤または白で、縁起の良い模様がふんだんにあしらわれていることが多い。帯と合わせて着用することを想定していないため、デザインは背中全体に及ぶ。

白無垢（しろむく）は、日本の伝統的な神道の結婚式で花嫁が着用する純白の婚礼着物です。打掛に似ており、時には白打掛とも呼ばれる白無垢は、結婚式の儀式で花嫁の純潔を象徴するものとして着用されます。花嫁は式後、幸運を願って赤い打掛に着替えることもあります。

白無垢は、花嫁鬘、お揃いの簪（通常は模造べっ甲）、着物に挟む扇子など、お揃いまたはコーディネートされたアクセサリーと共に花嫁衣装の一部となります。伝統的な花嫁衣装は高価なため、新品の白無垢を購入する人は少ないでしょう。特別な機会に着物をレンタルすることは珍しくなく、神社では伝統的な結婚式のために白無垢を保管し、レンタルしていることが知られています。既に白無垢を所有している人は、近親者から受け継いだものである可能性が高いです。

裾引き（すそうひき） （ひきずりとも呼ばれる）は、裾を引きずって着られるように特殊な構造を持つ女性用着物で、襟元が深く、間隔が広くなっています。裾引きは、芸者、舞妓、歌舞伎役者、日本の伝統舞踊を踊る人々。裾引きの長さは最大で230cm （91インチ）にもなり、肩から裾までの長さは通常200cm（79インチ）以上です。これは、着物が床を引きずるようにするためです。    

スソヒキは、着方の違いから通常の着物とは縫製が異なります。 ^{[ 85 ]}スソヒキの襟は、首の後ろのより奥深くに縫い付けられているため、着物の前身頃がめくれ上がることなく、襟をかなり下まで下げることができます。袖は、襟を下げたときに脇の下が見えないように、後ろ身頃が前身頃よりも短く、左右非対称に身頃に付けられています。

下引は着る際に結び方が異なります。通常の着物は目に見えるおおさりで結び、脇の縫い目をまっすぐに保ちますが、下引は腰を強調し、着物が床に美しく引きずるように、やや斜めに引き上げます。小さめのおおさりは、前よりも後ろの方が大きく結びますが、それをもみ（文字通り「赤い絹」 ）で体に巻き付け、帯で覆うことで、おおさりが見えなくなります。 ^{[ c ]}

特殊な構造を除けば、ススヒキは装飾、生地の種類、色、袖丈などにおいて、他の多くの女性用着物と類似している。芸者やその見習いが着用するススヒキは、お見合いなどの際に着用する正装であり、常に上質な絹で作られ、柄の配置や地色は、法問衣以上の格式を持つ着物に似ている。

歌舞伎役者が着用する裾引は役柄によって異なり、江戸時代の商人の娘の質素な装束から、侍女の豪華な絹の衣装まで様々です。これらの衣装は、ポリエステル、絹、粗い絹織物、綿、麻、または麻で作られることもあります。柄の配置、色、デザインは役柄によって異なり、多くの役柄では数世紀前から受け継がれてきた衣装デザインが用いられています。

日本の伝統舞踊を演じる人々が着用するススヒキは、舞台上で際立つように、大胆な単色デザインが特徴的です。グループで踊る演者は全員同じ着物を着用し、大胆なデザインによって演者間の視覚的な統一感を生み出します。