カリリ着物コレクション

カリリ着物コレクション
若い女性の着物（振袖）、日本、1912-1926年
キュレーター	ナセル・D・カリリ（創設者） ドロール・エルクヴィティ（キュレーター兼チーフコーディネーター） アンナ・ジャクソン（名誉学芸員）[1]
サイズ（個数）	450 [1]
Webサイト	このサイトについて

ハリーリ着物コレクションは、イギリスの学者、収集家、慈善家であるナセル・D・ハリーリが収集した450点以上の日本の着物からなる個人コレクションです。^[1]これはハリーリが収集、出版、展示した8つのコレクションのうちの1つであり、 ^[2]それぞれがそれぞれの分野で最も重要なコレクションの一つと考えられています。^[3]

ハリーリ着物コレクションには、男性用、女性用、子供向けのフォーマル、セミフォーマル、インフォーマルの着物が含まれており、17世紀から20世紀にかけてのカット、構造、素材、装飾技法を通じて着物の進化を示しており、江戸時代、明治時代、大正時代、昭和時代を代表する着物が収蔵されています。^[4]コレクション内の着物は常設展示されていませんが、モスクワのクレムリン美術館^[5]やロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館[ ^{6 ]などの文化機関に定期的に貸し出されたり、一部寄贈されたりしています。 [7]}明治時代の日本美術コレクションも所有するハリーリは、着物を「世界の驚異の一つ」と表現しています。彼は、まだ積極的に収集されていなかった文化作品を収集し、カタログ化する目的で着物コレクションを開始しました。^[8]

「着物」は文字通り「肩に着るもの」を意味し、^{[9] : 20  、もともと特定}の衣服ではなく衣服全般を指していました。^{[10]着物に似た衣服は}、日本と中国大陸との頻繁な交流を通じて、7世紀に初めて日本に導入されました^。両国間の使節の交換により、日本の朝廷は中国文化を取り入れ、その中には、首が閉じている場合と開いている場合の両方がある、前を巻いた長袖の衣服が含まれていました。^{[9] : 30}平安時代に使節の派遣が中止されたことで、日本文化はより自立した発展を遂げ、小袖として知られる着物のような衣服へとさらに発展しました。時が経つにつれて、小袖は日本国内で主流の衣服となり、安土桃山時代以降、今日の着物として知られる衣服に発展しました。

着物は、反物と呼ばれる細長い布で作られ、ほとんどが直線の縫い目で縫製され、腰紐と呼ばれる小さな紐と帯で留められています。^{[10]西洋の衣服スタイルが着用者の体型を強調するのに対し、着物}は独特のT字型をしており、着用者の体のより多くの部分を隠しますが、背中と裾に沿って、模様やモチーフで装飾するための大きな領域を提供します。^{[11]着物は、季節、文化、宗教的な意味を持つモチーフで装飾されるのが一般的で、}結婚式などの正式なイベントに着る着物には、寒の三友などの縁起の良いモチーフのグループがよく見られます。モチーフは民間伝承、古典文学、大衆文化を指すこともあり、視覚的なしゃれが含まれることもあります。^{[12] : 22}着物は男性用、女性用、子供用で構造が若干異なり、生地、色、装飾技法の選択によって、着用者の年齢、性別、機会の形式、そして（まれに）結婚歴を表すことができます。^{[11] [13] [14]}生地の種類、重さ、裏地には季節によってバリエーションがあり、夏には裏地なしの着物や透け感のある着物が着用されます。^[14]

一般に信じられていることとは反対に、着物の歴史に見られる変化と実験は、着物がファッションシステムであり産業であり、急速に変化する独自の人気スタイルとトレンドを持ち、それが今日まで続いていることを示している。一方、着物はかつては西洋の現象であると考えられていた。^{[12] : 25  [15]}

カリリ・コレクションに展示されている着物には、振袖（若い女性のフォーマルな着物）、小袖（「短い袖」。「着物」という言葉が使われる以前は、短い袖の衣服全般に使われていた用語）^[13]、打掛^{（結婚式の花嫁が帯なしで着用するフォーマルな外着物） [16]}などがある。

コレクションには、特に女性用の着物を中心に、多種多様なデザインや装飾技法が登場した江戸時代の着物や関連衣服が含まれています。 ^{[12] : 8-11}江戸時代初頭、高価で高度に装飾された着物の主な消費者は武士階級であり、彼らはぜいたくな衣服やその他の贅沢品で社会的地位を示していましたが、江戸時代の残りの期間を通じて裕福な商人階級が台頭したことで、下層階級でもますます手の込んだ衣服を求めるようになりました。これには、織り、染色、刺繍の洗練された手法の発達が含まれ、^{[12] : 20}特に女性は衣服に明るく大胆なデザインを取り入れるようになりました。それ以前の時代では、男性用と女性用の着物はどちらも見た目が比較的似ていました。普段着の着物は女性が自宅で織り、縫製したものでしたが、この時期に生産された着物で最も手の込んだものは、専門の職人や芸術家（通常は男性）によってデザイン、制作されました。^{[12] : 24}

コレクション内の武士階級以外の衣服は、腰から下のみが豊かに装飾されており、首と肩には家紋が入れられており、妻模様と呼ばれるスタイルである。これらは、町人階級の女性が着用していたもので、^{[12] : 46–51}後年、同じ色の傾向と自然主義的なデザインを踏襲しながらも、武士の着物よりも落ち着いた色の着物を着るようになった。^{[12] : 54}江戸時代を通じて、商人や社会的に下層階級を抑圧することを目的とした服装令が導入されたことで、「粋」と呼ばれる美的スタイルが生まれ、武士階級の衣服を通して明らかに金銭を見せつけるよりも、控えめな贅沢と富の誇示が強調された。^{[17]赤は、若さや情熱との文化的関連と、}紅花から得られる高価な染料であることから、町人階級の女性に人気の色となった。^[14]鮮やかな赤い衣服は、富を誇示するものだったでしょう。^{[12] :}コレクション全体で63の例が見つかります。社会的階層の低い裕福でない商人が着用していたのは、綿や麻で作られ、藍染めされた着物で、デザインはそれほど濃くありませんが、それでも染料、パターン、技法は多様です。^{[12] : 96–102}

コレクションには、商人階級の服だけでなく、正式な武士の女性の着物の例も含まれています。これらは、軍事的つながりにもかかわらず、花、幾何学模様、雲や波などのモチーフで模様付けされています。^{[12] : 29–30 ただし、コレクション内のいくつかの例は、}軍配 で描かれた明るい赤い着物など、武士の軍事的地位を示しています。^{[12] : 29–30}男性の武士は通常、より控えめなスタイルの服を着ており、コレクションのアイテムには腰の周りに集中した幾何学模様が特徴的です。^{[12] : 76–78}

軍人特有の着物には、将軍や大名などの軍人の邸宅で着用される「御所着」と呼ばれる宮廷風の着物もあった。この着物もコレクションに含まれており、風景画が描かれ、古典文学のモチーフや、能を通じて上流階級の間で人気を博した物語の象徴が添えられていることが多い。 [ ^{12] : 35–44}

このコレクションには、武家が所有していたとされるヨギ（寝具）もいくつか含まれています。厚く詰めた着用可能な寝具の一種であるサムライヨギは、下層階級が使用していた典型的にはシンプルでほぼ完全に綿である例とは対照的に、絹で作られた衣服に精巧なデザインが特徴です。^{[12] : 93–95}

このコレクションには、この時期にインドから輸入した布地を使って作られた日本の衣服の例も含まれています。オランダの輸入業者によって日本に持ち込まれたインドの布地は熱狂的に受け入れられ、さまざまな用途に使用されました。コレクションには、これらの細かい模様の布地と平織りの絹や綿を組み合わせて作られた派手な男性用の下着が含まれています。^{[12] : 80}他のアイテムは、日本のデザイナーがインドの模様に影響を受けたデザインを独自にプリントし始めたこと、^{[12] : 80–84}や、フランスやイギリスから輸入された布地も着物を作るのに使われたことを示しており、これらの織物を所有することは富と文化的趣味の両方を意味していたでしょうが、これらの布地を使用した着物のコレクションにある例は下着であり、着用後は布地が見えなかったでしょう。^{[12] : 87}

コレクションには、明治時代の着物も展示されています。明治時代は、1860年代に日本が国境を開いたことに端を発し、西洋化と産業化が急速に進んだ時代でした^。[18]これにより、西洋の文化、衣服、技術が急速に輸入され、合成染料も日本に導入されました。最初の合成染料であるモーブインは、その前の10年間に発明されていました。

日本の国境が新たに開かれたことで、日本文化が西洋に輸出され、着物が人々の興味を引くものとなった。^{[12] : 9}日本の繊維産業は外国の織物技術の導入により急速に西洋化が進み、東京の工場で生産された絹が日本の主な輸出品となった。^{[12] : 117}

より安価でより速い製造方法の導入により、より多くの人々が絹の着物を買えるようになり、デザイナーは新しい製造方法を用いて新しいパターンを生み出すことができた。^{[12] : 118}しかし、明治天皇は、女々しいとされる和服よりも洋装を推奨する布告を出し、^{[12] : 112}公共の場で洋装が導入されることになり、一部の男性は職場で洋装を採用するのが一般的となり（男女ともに家庭内では着物を着続けた）、ほとんどの女性は日常生活で着物を着続けた。洋装の導入にもかかわらず、着物は女性や洋装を買う余裕のない人々が義務として着る伝統品としてすぐに化石化することはなかった。1940年代までの日本国内の広告では、着物と洋装の両方がファッショナブルな衣服として表示されており、日本のワードローブの中で、たとえ異なっていても、同等の衣服として、より並行して進化していることを示唆している。^[15]

その後の数十年間で合成染料が安価になったことで、以前は富裕層に限定されていた紫と赤が誰でも所有できるようになりましたが、^{[12] : 118}富と権力の象徴としての重要性は保持されました。^[19]これらの着物はコレクションに収められており、明治時代のトレンドが、微妙なグレートーンの色から、時代末期にはより明るく鮮やかなデザインへと移行したことを示しています。

着物にも西洋のモチーフが取り入れられるようになり、^{[12] : 11}コレクションに展示されている着物の多くは、無地で大胆な色使いで、裾に凝ったデザインが施されており、これは明治時代の衣服によく見られる特徴である。^{[12] : 126–134}上部から下部にかけて微妙な色のグラデーションが施されたものも多く、これは当時の染色技術によるものである。コレクションに代表されるもう 1 つの傾向は、表地と裏地の両方に同じデザインの着物があることであるが、^{[12] : 126-134}この技法は、通常、同じデザインの新品の着物と下着を一度に注文できる人だけに限られていた。

しかし、近代化の過程はまだ緩やかで、コレクションに見られる明治時代の下着のより典型的な表現は、女性用の襦袢です。これは、異なる生地で作られ、多くの場合、根本的に異なる色とデザインです。胴抜きとして知られるこれらの襦袢は、着用できなくなった古い着物から作られることが多く、時には複雑で、しばしば対称的なモチーフと生地​​のパッチワークになりました。大正時代まで、古い着物が一般的に使用されていました。大正時代になると、安価な既製服に直面して自分で服を作ることが経済的に不可能になりました。^{[12] : 137}男性用の襦袢には、非常に装飾的で、しばしば非常に絵画的な場面が描かれていることが多く、通常は非常に無地または単純で繊細な模様でデザインされた外側の着物で完全に覆われていました。コレクション内の男性用襦袢の例には、パフォーマー、ダンサー、俳句の描写が表示されます。 1つの作品は、日本の進歩を描いた絵葉書のような風景と明治時代の日記帳を組み合わせたものである。^{[12] : 138–141}

コレクションに展示されている幼児や子供の衣服にも、技術の進歩によって促進された大胆な色使いや複雑なデザインが見られます。鶴や松の木で飾られた男の子の着物と襦袢のセットや、濃い青の表着物と鮮やかな赤の襦袢を組み合わせた女の子のセットなどがあります。これらの色やデザインには、大人のファッションによく見られる素材がよく使われています。^{[12] : 142–144}

着物の近代化と発展は20世紀初頭、大正・昭和初期にも引き継がれ、西洋の影響と日本のナショナリズムという新たな文化的影響が混ざり合った。これらの時代の着物は、鮮やかな色彩と非常に多様で、しばしば信じられないほど現代的なデザインで識別できる。^{[12] : 160}コレクションには、以前の時代からの伝統と現代の着物のデザインへの新しいアイデアの導入との重なりを示すアイテムが含まれており、その多くは大胆で明るい色彩で描かれた伝統的なモチーフを特徴としている。^{[12] : 166-168,174}

アール・ヌーヴォーとアール・デコはどちらも大正時代の着物のデザインに文化的価値を見出しました。^{[12] : 163-164}安価で耐久性があり、既製の絹の着物である銘仙（文字通り「一般的な絹の物」）は、特に壊滅的な1923年の関東大震災の後に非常に人気を博し、^[20]多くの人々の所有物を失った後、既製の銘仙着物が広く販売されるようになりました。銘仙着物には、アール・デコ様式の絣染めや織りのデザインが多く見られ、織り模様は基本的なものから信じられないほど複雑なものまでさまざまで、その多くがコレクションに展示されています。コレクションに展示されている1930年代の織物のトレンドの一般的な例としては、赤、黄、クリーム、白の抽象的な織り模様が施された黒い着物があります。^{[12] : 251–252}

レーヨンなどの新しい安価な繊維で大量生産された衣服は、伝統的な染色工程を安価に模倣するためにプリントを使用していました。^[21]特に1930年代から40年代にかけての幼児の着物はレーヨンで作られることが多く、大量生産された現代的なデザインがプリントされることが一般的で、特に男の子の着物には高層ビル、車、飛行機のデザインを通してそれが強く反映されていました。^[14]

大正時代の都市文化（「大正ロマン」と様式化されている）は「モダニズム」によって特徴づけられ、輸入された西洋の芸術運動やファッションを日本文化の中で実験する手段として利用した。^{[12] : 161}日本文化の多くの側面において、新しい西洋のスタイルに直面して日本文化の伝統的な側面をめぐって激しい議論が交わされた。多くの人にとって、着物の新しい大胆なデザインは、両方の側面を組み合わせた心地よい中間点であった。^{[12] : 162}縞模様やチェック柄だけでなく、これらの新しい、多くの場合幾何学的な模様には、唐草模様や卍模様も含まれていた。伝統的な絡み合った卍模様である鞘形が使われる場合もあったが、昭和初期には、第三帝国の 卍旗が明確に使われた。1930年代に日本の軍国主義が台頭すると、以前に取り入れた西洋文化の側面の多くが、新しいナショナリズムの波に直面して放棄された。^[17]コレクションには、第二次世界大戦の戦車、軍艦、航空機を描いた軍事をテーマにした着物が多数あります。少年のものも含め、男性の着物のデザインには、兵士、爆撃機、戦車など、明らかに軍事的なイメージが取り入れられています。 ^{[21] [22]}男性用の着物によくあるように、デザインは裏地や下着に描かれていました。少年が着ていた着物は、より公然と軍事的なスタイルであることが多かったです。^{[12] : 165}コレクションには、装飾が定期船を含む現代の輸送手段を称える、非常に絵文字の多い現代の着物の例もあります。^{[12] : 304–306}

コレクションには、この時代の作品として、半フォーマルで色鮮やかな装飾が施された訪問着^{スタイルも含まれています。 [12] : 170–171}また、腰下のみに装飾が施されたフォーマルな黒留袖もコレクションに含まれています。^{[12] : 173}

このコレクションは2冊の本にまとめられている。アンナ・ジャクソン編集の『Kimono: The Art and Evolution of Japanese Fashion 』は2015年に英語で最初に出版され、その後フランス語とイタリア語に翻訳された。 ^[2]この本では、コレクションの220点のアイテムが写真付きで紹介されており、着物の進化が日本の政治的、社会的、文化的変化をどのように反映しているかを説明するエッセイも含まれている。^[4]ジャクソンはヴィクトリア＆アルバート博物館のアジア部門の管理者である。^{[1]ジャッキー・アトキンス著} 『Images of Culture: Japanese Kimono 1915–1950』は今後出版される予定である。^[23]

このコレクションの品々は、2017年にクレムリン博物館で開催された「帝国日本の至宝」展^[5 ]や、2020年にロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館で開催された「着物：京都からキャットウォークへ」展^[6]に展示されたが、このイベントは英国でのCOVID-19の流行により中止となった。 ^[24]

• カリリ、デイヴィッド（2023）。「着物 — 幕間」。平和の芸術：8つのコレクション、1つのビジョン。ロンドン：ペンギンランダムハウス。pp. 131–144。ISBN 978-1-52991-818-2。

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