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『ルック・ミッキー』（別名『ルック・ミッキー！ 』）は、ロイ・リキテンスタインが1961年に制作した油彩画である。抽象表現主義とポップアートの架け橋となる作品として広く知られており、その皮肉なユーモアと美的価値に加え、ベンデイ・ドット、吹き出し、漫画的なイメージを絵画の素材として初めて用いた作品としても注目に値する。この絵画は、リキテンスタインの死後、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーに寄贈された
1950年代後半に描いた漫画キャラクターの絵を基に、リキテンスタインの『ルック・ミッキー』は、ポップカルチャーをほぼ忠実に再現し、当時発展途上にあった視覚イメージの大量生産の過程を風刺し、批評するために、絵画技法を本格的に用いた最初の作品である。この作品でリキテンスタインは、1960年代のポップアートだけでなく、今日のアーティストの作品にも影響を与え続けるモチーフを開拓した。リキテンスタインは、ドナルドダックの絵本から着想を得ており、ミッキーマウスとドナルドダックが釣りで失敗する場面を描いている。しかし、彼は元の絵本に大幅な変更を加えており、配色や遠近法を変更し、吹き出しを追加して元のジョークを変えている。
この作品はリキテンスタイン初の個展で発表されたもので、美術評論家からはポップアートの発展形としても、現代美術作品としても革新的な作品とみなされている。後に、1973年の絵画『アーティストのスタジオ―ミッキーを見て』にも複製され、リキテンスタインのスタジオの向かい側の壁にこの絵が大きく掛けられている様子が描かれている。
1950年代後半から1960年代初頭にかけて、多くのアメリカ人画家がコミックストリップのイメージやモチーフを作品に取り入れ始めた。リキテンスタインもその一人で、1958年にコミックストリップのキャラクターの絵を描き始めた。アンディ・ウォーホルは1960年にこのスタイルで最初の絵画を制作した。ウォーホルの作品を知らなかったリキテンスタインは、1961年に「ルック・ミッキー」と「ポパイ」を制作した。 [ 1 ]リキテンスタインの1961年の作品、特に「ルック・ミッキー」は、彼の初期のコミックストリップ・ポップアートからの小さな一歩と考えられている。[ 2 ]
リキテンスタイン財団によると、「ルック・ミッキー」はリトル・ゴールデン・ブック・シリーズに基づいている。[ 3 ]国立美術館は、その出典はカール・ビュートナーが1960年に執筆し、ディズニー・エンタープライズから出版された「ドナルドダックの迷子と発見」であると指摘している。この画像はボブ・グラントとボブ・トッテンによって描かれた。[ 4 ] [ 5 ]別の説では、「ルック・ミッキー」と「ポパイ」はガムの包み紙を拡大したものだとされている。[ 1 ]この画像は、リキテンスタインが鑑賞者をシーンに近づけるために出典を切り取った数多くの作品の最初のものとなった。[ 6 ]
「ルック・ミッキー」の着想の瞬間について語っている話は数多くある。評論家のアリス・ゴールドファーブ・マーキスは、画家が息子の一人が漫画本を指さして「あんなに上手く描けるわけないだろ」と挑発してきたことを回想していると書いている。[ 7 ]また別の話では、この絵は、理解しにくいリキテンスタインの抽象画を嘲笑していた息子と息子のクラスメートの両方に自分の能力を証明しようとした結果生まれたものだという。[ 8 ]アメリカの画家アラン・カプローはかつて、バズーカ・ダブル・バブル・ガムの包み紙についてリキテンスタインに「セザンヌから色を教えることはできない。こういうものからしか教えられない」と言ったことがある。するとリキテンスタインはドナルドダックの絵を見せた。[ 9 ]
リキテンスタインは、キャリアのコミックブックの時期に、元のソースの色をわずかに変更することがよくありました。[ 10 ]マルコ・リビングストンによれば、彼の初期のコミックの主題は、「明らかにデ・クーニングから派生した、ゆるやかで即興的なスタイル」で構成されています。[ 1 ]美術史家のジョナサン・ファインバーグは、1960年のリキテンスタインの絵画を「…ミッキーマウスが登場する抽象表現主義の絵で、様式的にはデ・クーニングの『女性』に関連している」と評しています。[ 11 ]レオ・カステリは、リキテンスタインとウォーホルのコミックストリップを基にした大型作品の両方を見たとき、リキテンスタインの作品だけを展示することにしたため、ウォーホルは、当時リキテンスタインが制作していたより洗練されたスタイルのコミックとの競合を避けるために、キャンベルスープ缶シリーズを制作することになりました。 [ 12 ] [ 13 ]彼はかつてこう言った。「本当に大きなインパクトを与えるような、リキテンスタインやジェームズ・ローゼンクイストとは十分に異なる、非常に個人的な、彼らと全く同じことをしているように見えないようなことをしなければならない。」[ 14 ]リキテンスタインの漫画への進出は、ウォーホルによるこのテーマの放棄につながった。[ 15 ]リキテンスタインは漫画の題材を使った制作を続けたものの、1961年以降はポパイやミッキーマウスのような容易に識別できる題材を避けた。[ 16 ]
1961年の秋、ラトガース大学の同僚教師であるアラン・カプローは、レオ・カステリ・ギャラリーのディレクターである美術商のイヴァン・カープにリキテンスタインを紹介した。リキテンスタインはカープにいくつかの絵画を見せたが、「ルック・ミッキー」は見せなかった。代わりに「ボールを持つ少女」でカープを感銘させ、カープは数週間後にリキテンスタインの代理人になることを決めた。[ 3 ]
この絵画はリキテンスタインの初期の非表現主義作品の一つであり、彼が初めてベンデイドットを使用して「工業的」なハーフトーン効果を与えた作品でもある。この絵画は、彼が吹き出し[ 3 ]と漫画を素材として初めて使用した作品でもある[ 17 ] 。作品には鉛筆の跡がはっきりと残っており、油絵具をキャンバスに塗るのにプラスチック製の犬用ブラシが使用された[ 3 ] 。リキテンスタインが亡くなる頃には、『ルック・ミッキー』は彼のブレイクスルー作品と見なされていた[ 18 ] 。
「ある日、当時の美術の象徴、つまり太い絵の具と細い絵の具、書道のような線など、1940年代から50年代にかけて絵画の特徴となっていたものを使わずに、まるで漫画の挿絵のように見えるものを作ろうと思いついたんです。本物の漫画を思わせるような線を描こうと。」
大量生産されたイラストを絵画的なスタイルで再現する際、リキテンスタインは構成を原色に減らすことで簡略化し、大衆的な魅力を強調し、主に「ポップ」な外観を与えている。[ 4 ]通常、ベンデイドットは、少数の色のドットを使用してより広いパレットの錯覚を与えることで、アーティストがさまざまな色を作り出すことを可能にする。インクジェットプリンターのように、異なる色のドットを混ぜることで、限られた数の原色のみを使用して、少数の色で幅広いスペクトルを作り出すことができる。大量生産プリンターではなく画家であるリキテンスタインは、これを回避し、既存の色相を混ぜることなく独自の色調を実現できる。代わりに、作品に含めたい色ごとに、その色の絵具を使用した。[ 20 ]
リキテンスタインはオリジナル作品にいくつかの変更を加えた。彼は様々な人物を削除し、ドックを回転させてドナルドが端ではなく横を向いているようにした。同時に、ドナルドとミッキーはオリジナルとほぼ同じ位置に置いた。[ 21 ]リキテンスタインは空間を再設計しただけでなく、ドナルドの体と釣り竿の位置も変更し、ストレスや疲労の兆候を取り除いた。[ 22 ]また、吹き出しを追加し、ドナルドが釣り竿を投げ損ねたことに気づいていないようにした。これはオリジナルのアニメーションとは異なる。ウォルト・ディズニーはドナルドダックについて、「大きな口、大きな好戦的な目、ねじれる首、そして非常に柔軟な大きな尻を持っている。このアヒルはアニメーターにとって理想的な被写体に近い」と述べている。[ 23 ]リキテンスタインの絵画は、これらの身体的特徴の多くを反映している。[ 24 ]
オリジナルソースと比較すると、ドナルドは水に向かってより前かがみになっており、ミッキーはそれほど前かがみになっていない。ミッキーの顔はより赤みを帯びている。[ 25 ]この構図には、波の輪郭と黄色の空の位置がずれて白い空間が生じるなど、コミックブックの印刷の欠点がいくつか取り入れられている。[ 20 ]
コミックストリップのコマを大規模に複製するという行為は、当時としては過激で革命的だと考えられていた。[ 26 ]批評家たちは、この作品の遊び心、内在するユーモア、そして不遜さを称賛した。ソロモン・R・グッゲンハイム美術館のダイアン・ウォルドマンによれば、「ルック・ミッキーは大衆喜劇であり、スラップスティックの範疇に入る …」[ 27 ]リキテンスタインの訃報記事で、ロサンゼルス・タイムズの批評家クリストファー・ナイトは、この作品を「抽象表現主義を巧妙に面白おかしくアレンジしたもの」と評した。[ 18 ]批評家は、リキテンスタインが「線的な明瞭さと色彩」にわずかな変更を加えたことで、その美的価値と壮大さが増し、スケールの選択によってさらに強調されていると書いている。[ 28 ]リキテンスタインに関するよくある誤解は、彼の最も有名な作品では、絵画に対する彼の綿密なアプローチが、工業的に生産されたポップカルチャーのアイコンの複製のように見えるように表面上は絵画を意図的に隠しているという事実から生じている。[ 22 ]グラハム・ベイダーは、「リキテンスタインの絵画は、実際には、その基となったパルプイメージそのものよりも、工業製品の産物のように見える」と書いている。[ 29 ]『ルック・ミッキー』は、鑑賞者がアーティストの要素を見ることができるようなものをアーティストが描いているという意味で、自己言及的であると考えられている。 [ 30 ]
ベイダーは、『ルック・ミッキー』は芸術的プロセスとリキテンスタインの新しい絵画技法の両方に関心を寄せていると指摘する。彼は、この作品が「絵画の制作者自身を、その中心にある自己完結的なナルシシズムの回路の中に明確に位置づけている」という意味で、自画像とみなすことができると考えている。この絵は、ドナルドが水面に映るリキテンスタインの青い「rfl」のサインを「イメージの制作者の代理として」見つめている様子を描いており、カラヴァッジョの『ナルキッソス』で被写体が水面に映る自分の姿を見つめている様子を彷彿とさせる。[ 30 ]これは、抽象表現主義が隆盛を極めていたにもかかわらず、写実主義的な本能を磨くよう訓練された芸術家としてのリキテンスタインの立場を寓話的に表していると見なされている。このように見ると、ミッキーはリキテンスタインを見下ろし、彼の時代錯誤的な試みを嘲笑う「前衛的なモダニスト」の超自我として機能している。[ 25 ]
リキテンスタインは赤いベンデイドットを使ってミッキーの顔を彩色している。一部の美術評論家によると、これによりミッキーは頬を赤らめているように見えるという。他の解釈としては、単に肌の色素沈着である、あるいはミッキーは歴史的に毛皮ではなく皮膚を持つ生き物として見なされてきたため、「健康的な輝き」に関連付けられた色調であるというものがある。[ 31 ]また、ミッキーがドナルドが魚を釣り上げたら昼食に食べられると言っている元の資料に裏付けられた別の解釈としては、ミッキーの顔が赤いのは、自分が優越感に浸りながら信じられない気持ちと笑いを抑えるのに必要な努力のためだというものがある。[ 25 ]頬を赤らめているという解釈を支持する人々は、赤いドットのムラのある斑点によってその説を補強しているが、リキテンスタインのベンデイドット技法はまだ原始的な段階であったことを指摘する人もいる。彼は、均一に分布したドットを表現するためにステンシル（つまり、ドットのスクリーンを通して液体の塗料を表面に押し付ける技術）の使用法を開発したのは1963年になってからだった。[ 32 ]
まさにこの緊張関係――研ぎ澄まされた感覚と完全な麻痺、身体的な高揚感と感覚体験の鈍化――こそが、『ルック・ミッキー』を活気づけているのだ。
グラハム・ベイダーは、この絵の物語の原動力として、ドナルドが期待する獲物に関連した視覚知覚の高まりと、シャツの背中に釣り針が入っていることに関連した触覚知覚の鈍麻との並置によって生み出される興味深さを指摘している。この意味で、リキテンスタインは、高まった視覚的認識と欠如した触覚との間の隔たりを主題とする源泉を描くことを選んだのである。[ 33 ]
ドナルドは明確に二分された主題であり、一方の端にはあらゆる感覚経験があり、もう一方の端には文字通り麻痺がある（そして視覚的には、あらゆる奥行きとあらゆる平面性がある。ドナルドの顔は絵画の中で最も空間的に錯覚的な要素であり、その背後の概略的な波と融合した彼のジャケットは、強調して最も平面的な要素の1つである）。実際、ドナルドはまさに視覚と感情、視覚と触覚の分離を描いた肖像画である。ミッキーを見て、視覚と触覚を分離し、この移行を示すのはテキストである。ドナルド（とリキテンスタイン）が場面に導入し、アヒルの棒兼ブラシが通り抜けて自分の尻尾に引っかかる言葉である。
—ベイダー[ 33 ]
リキテンスタインはポップアートのジャンルで制作を始めてから、視覚に関連するテーマを頻繁に探求するようになった。初期の例としては、『部屋全体が見える…誰もいない！』や『ミッキーを見て』などがある。[ 34 ]この絵では、ドナルドの大きな目は彼が何か大きなものを捕まえたと信じていることを示しており、ミッキーの小さな目はドナルドが何か重要なものを捕まえたとは信じていないことを示している。[ 35 ]潜望鏡（『魚雷…ロス！』）、鏡（『鏡の中の少女』）、または覗き穴（『部屋全体が見える …誰もいない！』）を通して見ている人物を描いたリキテンスタインの作品と同様に、水面に映った自分の姿を見つめている人物を描いた『ミッキーを見て』は、視覚というテーマの顕著な例である。彼は物語を用いてこのモチーフを強調しつつ、いくつかの視覚的要素を提示している。[ 34 ]
この絵画は、1962年2月の開会前に全作品が売約済みとなったレオ・カステリ・ギャラリーでのリキテンスタイン初の個展に出品された。[ 7 ] 1962年2月10日から3月3日まで開催されたこの展覧会には、[ 36 ]『婚約指輪』、『ブラム』、『冷蔵庫』などが出品された。[ 37 ]彼はこの絵画を自身の作品『アーティストのスタジオ―ルック・ミッキー』（1973年）に含め、理想的なスタジオとして自身のスタジオを描写することを意図した絵画空間の壁に目立つように掛け、批評家や一般大衆からの人気が、彼が選んだ大衆文化の題材を正当化していることを示唆した。[ 38 ]何年も後に『ルック・ミッキー』を振り返って、彼はこう語った。
漫画風の絵を、何の手も加えず描くというアイデアがふと頭に浮かびました 。それで、どんな感じになるかを知るために、半分くらいの気持ちで描いてみました。その絵を描いているうちに、絵として構成することに興味が湧いてきて、当初は意図していなかった美的表現として、ある種の結論に至りました。それから、以前描いていた抽象画に戻りました。あるいは、戻ろうとしました。でも、スタジオにこの漫画風の絵があって、ちょっと手に負えなくなってしまったんです。目が離せなくて、他の描き方ができなくなって、それで、これは本当に真剣な作品だと決心しました 。1週間ほどイーゼルに立てかけていました。どんな感じになるか見てみたかったんです。芸術作品にしようとしました。ただ模写しようとしたわけではありません。これがはるかに魅力的だと気づいたんです。
—リヒテンシュタイン、[ 28 ]
この絵画は、1990年に同美術館の創立50周年を記念してリキテンスタインが遺贈したのに続き、1997年のリキテンスタインの死後、ワシントン・ナショナル・ギャラリーに寄贈された。 [ 4 ] [ 39 ]この絵画はギャラリーのコレクションに収蔵されており、2012年11月現在、常設展示されています。[ 4 ]
ハロルド・ローゼンバーグはかつて、リキテンスタインによる漫画の原作の再解釈について次のように述べている。「ミッキーマウスの漫画とリキテンスタインによる同じ絵の違いは、美術史、つまりリキテンスタインが美術館を念頭に置いて絵を描いているという事実にある。」[ 40 ]
開場前に完売した。価格は現在の基準からすると途方もないもので、例えば『Blam』は1,000ドル、『 Engagement Ring』は1,200ドル、『 The Refrigerator』は800ドルだった。購入者はリチャード・ブラウン・ベイカー、ジュゼッペ・パンザ、ロバート・スカルといった、抽象表現主義の市場形成に貢献し、1960年代には現代美術において重要な存在になりつつあった人々だった 。