ロードショー劇場公開

ロードショー劇場公開または指定席上映は、映画を一般公開する前に、一定期間、主要都市の限られた数の劇場で公開する慣行です。ロードショーは一般に、ライブ劇場の制作を模倣しており、高級感のある雰囲気で、一般公開時よりもやや高めの料金設定となっています。ロードショーは、1920 年代から 1960 年代の主要映画の宣伝や盛り上がりを高めるためによく使用されていました。

ロードショーには、通常の公開とは異なるいくつかの特徴がありました。映画の 2 つの「幕」の間には休憩があり、通常、第 1 幕は第 2 幕よりもいくらか長くなります。ロードショー用に選ばれた映画は通常の映画よりも長く、休憩時間を含めると 2 時間強から 4 時間以上続きます。映画に付随する短い主題はなく、宣伝用の予告編もほとんどありません。上映は 1 日 1 回か 2 回に制限され、座席指定制で販売され、入場料は通常の上映よりも高くなっています。映画の写真、出演者と主要スタッフの写真と経歴、映画の制作に関する情報を含む記念プログラムが、他の商品と一緒に販売されることもあります。巡回劇場作品と同様に、映画は限られた期間、1 つの都市で上映され、その後、実際のフィルムストックが別の都市に移動されます。最後に、すべてのロードショーがこれを目的としたわけではありませんが、ロードショーは、観客の反応を測定するための現代のフォーカス グループの先駆けとなることがありました。これを実行すると、観客はカードに感想やフィードバックを書くよう促され、プロデューサーはフィードバックと観客のモニタリングを利用して、一般公開時に映画の「長い」バージョンのどの部分をカットして上映時間を短縮すべきかを判断します。

映画が口コミで広まり、公開も徐々に進んでいた初期の映画館では、ロードショーは収益性が高く、効果的でした。しかし、1960 年代と 70 年代の社会の変化により、「イベント」スタイルの威信は薄れました。1970年代には、映画館スタイルの華麗な劇場は少なくなり、映画館は、派手なイベントには不向きな、効率的だがロマンチックでない建物に適応するようになりました。1970 年代以降、ロードショーは限定公開へと進化しました。これは、偽のライブ劇場の魅力が薄れ始め、より多くの映画が、可能な限り多くの劇場で同時に公開する「ブロックバスター」アプローチを選択するようになったためです。

ロードショー形式は無声映画の時代から使われていたが、1950年代にワイドスクリーンとステレオ音響が普及すると、当時の観客が自宅では決して見られないような方法で映画を上映することで、観客をテレビから引き離そうとした映画スタジオの幹部にとって特に魅力的になった。ロードショー形式で上映された最初の映画は、おそらく1912年にアメリカで公開されたフランス映画『王妃エリザベートの恋』で、舞台女優サラ・ベルナールが主演した53分間の映画である。

1951 年以前にロードショー形式で上映された映画には以下のものがあります。

アメリカでロードショー上映されたイギリス映​​画には以下のものがある。

• ヘンリー五世（イギリスでは1944年、アメリカでは1946年）
• ハムレット（1948年）、
• 赤い靴（1948年） ^[4]

ロードショー公開では、大規模な叙事詩映画が大都市で劇場のミュージカルのような形で公開され、序曲、第一幕、休憩、幕間、第二幕、退場曲などの要素が含まれることが多い。序曲はメインタイトル曲とは区別され、映画が始まる前、照明がまだついていてカーテンがまだ閉まっているときに演奏される。照明が暗くなると序曲が終了し、カーテンが開き、メインタイトル曲とオープニングクレジットで映画が始まった。退場曲は映画が終わった後、エンディングクレジットに続いて、観客席の照明が付いてカーテンが閉まっているときに演奏される。1980年代まで多くの映画館ではスクリーンを覆うカーテンがあり、ショーが実際に始まると開き、終わると閉じていた。

いくつかのロードショーのスケジュールは、ブロードウェイ劇場などのライブシアターの公演スケジュールを模倣していました。水曜日、土曜日、日曜日には2回の上映が行われ、残りの週は映画は1日1回のみ上映されました。

この形式のプレゼンテーションの初期の例としては、『風と共に去りぬ』（1939年）が挙げられます。この映画はほぼ4時間の長さで、上記の要素に分かれていました。

ウォルト・ディズニーの『ファンタジア』は、米国の一部の大都市でファンタサウンドで上映されたが、当初は序曲、幕間曲、退場曲はなかった。しかし、 『ファンタジア』はロードショー形式で初めて公開され、初回上映時には休憩があり、コンサートに行くような体験を永続させるために当初はスクリーン上のクレジットなしで上映された。劇場に入ると観客に配られる印刷された記念プログラムに映画のクレジットが流れていた。

エドモン・ロスタンの1897年のフランスの戯曲を原作とし、ホセ・フェラー主演の英語映画『シラノ・ド・ベルジュラック』（1950年）のニューヨークでの初演も同様にロードショー形式（1日1回か2回の公演）で上演されたが、この映画はわずか2時間で、大予算で制作されたわけではなく、休憩もなかった。^[5]

『ショウボート』 （1951年）のカラー版も、上映時間が2時間未満で序曲、休憩、幕間、退場時の音楽がないにもかかわらず、一部の劇場でロードショー形式で上映された。^[6]

1952年頃から1970年代初めにかけて、観客がテレビに切り替えたため、スタジオはワイドスクリーンの大作を制作し、「ロードショー」という上映および宣伝手段を使って観客を劇場に呼び戻そうとした。3Dで撮影された映画も、実際の長さに関係なく、休憩を挟んだロードショー形式で上映されることがあった。また、シネマスコープ、トッドAO、MGMカメラ65、スーパーパナビジョン70などのワイドスクリーン方式で撮影された多くの映画や、35mmネガから70mmに引き伸ばされた映画も上映された。その結果、この数十年間にロードショー映画が大量に制作され、1年に1本以上制作されることも珍しくなかった。

その中には次のようなものがありました。

1951 年以降に公開されたロードショー作品のすべてがヒットしたわけではありません。ミュージカルを中心に、以前は舞台作品としてヒットしていたにもかかわらず、興行的には失敗し、スタジオに損失を与えた作品もいくつかありました。

オリヴィエの『オセロ』やバートンの『ハムレット』などの映画は、興行的にヒットすることを意図したものではなく、1970年代半ばのアメリカン・フィルム・シアターが行ったように、舞台で観るよりも幅広い観客にこれらの作品を届ける手段として制作されました。

ディズニーの『眠れる森の美女』を含むこれらのロードショー公開作品の多くは、当時の映画の標準機能ではなかった6トラックステレオサウンドで上映されました。 『ウエストサイド物語』は70mmと6トラックステレオサウンドで上映されましたが、すべての70mmプリントとその70mm再リリースで休憩が設けられましたが、ほとんどの地域ではプロットの緊張を高めるために休憩なしで上映されました。これは映画製作者自身によって推奨されたアイデアでした。

『ナバロンの要塞』（1961年）のような映画は、国内公開のロードショーとして意図されていなかったとしても、国際公開のロードショーとして時折上映されることがよくありました。^[8]

王様と私（1956年）は、当初は35mmの4トラックステレオ音声で、序曲、休憩、退場時の音楽なしで上映されましたが、1961年に70mmフォーマットで再公開され、序曲、休憩、退場時の音楽が追加され、6トラックステレオ音声にリミックスされ、ロードショー形式で上映されました。この映画はもともとシネマスコープ55で制作されていましたが、技術の進歩により、グランデュール70と呼ばれるプロセスで再公開できるようになりました。 ^[9]

3 台のカメラで撮影されたシネラマ映画は、その技術を披露するために、常にロードショーで公開されました。シネラマで映画を上映するには、巨大な超湾曲スクリーン、同時に稼働する 3 台のプロジェクター、7 トラックのステレオ サウンドを備えた劇場という特別な要件が必要であり、画像を標準の 1 台のプロジェクター形式 (つまり、パナビジョン) に変換しない限り、映画を広く公開することは不可能でした。

それらのほとんどが元の合成画像の両側を切り取っていたため、最終的にはアナモルフィック レンズの登場により、多くのシネラマ ロードショーを通常の 5 パーフォレーション 70mm フィルムに圧縮できるようになり、超ワイド スクリーンを設置して、通常の 70mm 映画館でこれらの再フォーマットされたシネラマ タイトルを上映できるようになりました。

標準的なロードショー公開形式にはいくつか注目すべき例外があり、そのうち3つはシェイクスピア作品である。その1つは『オセロ』（1965年）で、基本的にはローレンス・オリヴィエの1964年のロンドン舞台作品の映像記録で、映画スタジオで撮影されたが、舞台セットは拡大されていた。パナビジョンで制作され、多くの地域で35mmとモノラル音声で上映された約3時間のカラー映画は、70mmと6トラックのステレオ音声で上映されたのは、1966年のロンドンでの1回だけであった。^[10]

この映画は、写真で撮影された演劇と本物の映画の中間のような作品で、1960年代のワイドスクリーンの叙事詩が通常誇っていた壮大な景観を十分に活用していなかった。さらに、序曲、幕間音楽、退場音楽がなかったにもかかわらず、ほとんどのロードショー公開作品と同様に、休憩を挟んで1日2回の上映が行われた。しかし、アメリカの映画館では、ほとんどのロードショー映画が慣例となっている数か月に及ぶ長期公開とは対照的に、わずか2日間という極めて限定的な公開期間で上映された。 ^[11]

リチャード・バートン版『ハムレット』も同様で、 『オセロ』と同じく極めて限定的な形式で上演された。1960年代のビデオ放送に似たエレクトロノビジョンと呼ばれる白黒撮影法で2日間かけて撮影されたこの3時間超の作品には、ロードショー劇場公開の標準であった壮大な演出は一切なく、印象的な背景も、華やかな色彩も、美しい衣装も、立体音響もなく、上演の途中で休憩があるだけだった。厳密に言えば、この作品は劇の本格的な映画版ではなく、ラント・フォンタン劇場で観客を入れて上演された作品を映像で記録したものに過ぎなかった。3時間11分で、当時『ハムレット』の映画版としては最長だった。

もう一つの例外はフランコ・ゼフィレッリ版の『ロミオとジュリエット』（1968年）である。この映画は美しい背景で撮影され、確かに叙事詩的な雰囲気を醸し出していたが、ほとんどの地域でモノラル音声で上映され（3枚のサウンドトラックアルバムはすべてステレオで制作されていたが）、スクリーンのアスペクト比は1.66:1で上映された。これは、今日の平均的な映画スクリーンやHDTVスクリーンとほぼ同じ寸法であり、ウルトラパナビジョン、シネマスコープ、トッドAO、または1950年代に発明されたその他のワイドスクリーン方式で制作された映画に必要な非常に広いスクリーンではなかったため、この映画には当時の慣習的なロードショーの要素の多くが欠けていた。しかし、メキシコ版では6トラックのステレオサラウンドミックスが採用され、オリジナルの1.66:1のアスペクト比を標準70mmの2.2にマット加工して上映された。) ^[12]

同様に、 『冬のライオン』（1968年）の最初の映画版は、ゴージャスな色彩と美しい風景でロケ撮影されたロードショー版であったが、70mmフィルムと6トラックステレオ音声ではなく、テクニカラーで上映されたにもかかわらず、35mmパナビジョン（アナモルフィック）フィルムとモノラル音声のみであった。オーストラリアと1973年のロンドン再公開でのみ、70mmとステレオ音声の両方で上映された。^{[13] [ 14 ] もう一つのロードショー版} 『ニコラス・アンド・アレクサンドラ』（1971年）も、ヨーロッパでのみ70mm 6トラックで上映され、米国での公開は通常のパナビジョンとモノラル音声であった。^{[15] [16]}

上記に加え、『アンネの日記』（1959年）、『ニュルンベルク裁判』（1961年）、『史上最大の作戦』（1962年）、『パリは燃えているか』（1966年）の4作品は、カラーではなく白黒で制作された大作である。それ以前は、ロードショーの大作は白黒とカラーが交互に公開されていた。

映画スタジオがこれらの大作の一部を一般公開用にカットするのはよくあることだった。これは、映画館が1日の上映回数を増やし、映画を「一般価格」で安く上映できるようにするためだった。特に上映時間が2時間を超える映画の場合、この方法はヒット作『南太平洋』でも行われたが、大失敗に終わった映画で2度目の上映で成功させようとする試みがもっと多かった。その結果、これらの映画の中には、オリジナルの編集映像が紛失しているか、もはや存在しないため、最初の公開以来、完全には観られていないものもある。映画保存家や修復家の努力により、ロードショーの失敗作である『夏の夜の夢』（1935年）、『喪服のエレクトラ』（1947年）、『ジャンヌ・ダルク』（1948年）、『スタア誕生』 （ 1954年）、『ファンタジア』（1940年）や、重要な映像が欠落していた『誰がために鐘は鳴る』（1943年）、『スパルタカス』 （ 1960年）、『アラビアのロレンス』（1962年） 、 『八十日間世界一周』（1956年）、『世界は狂ってる』 （1963年）が近年修復され、製作者の当初の意図に沿うものになった。しかし、 『風と共に去りぬ』や『十戒』など長編映画は編集された形で公開されたことはなく、ほぼ常に1日2回上映されていた。

『オールド・シカゴ』はロードショー上映時間がわずか110分であったにもかかわらず、一般公開時には95分に短縮されたが、DVDでは全編に復元された。^[17]

多くの場合、映画が特別に長いのでない限り、一般公開時には、20 分を節約して上映回数を増やすために、序曲、幕間音楽、退場音楽とともに休憩が削除され、他の映画と同じように上映されます。また、ロードショー公開時には配布されていた記念プログラムが、一般公開時には配布されなくなることもよくありました。

ロードショー上映の慣習は、興行的に大失敗が続いたことと、シネマコンプレックスの台頭により、1970年代に廃れ始めた。シネマコンプレックスの数が増え始め、超高層ホテルやオフィスビルが昔ながらの映画館に取って代わるにつれ、映画館側はよりカジュアルな形式で長編映画を上映し始めた。例えば、フランシス・フォード・コッポラのアカデミー賞受賞大作『ゴッドファーザー』（1972年）と『ゴッドファーザー PART II』（1974年）はモノラル音声で制作され、休憩なしで上映され、非常に長いにもかかわらず1日に2回以上上映された。スタンリー・キューブリックの『バリー・リンドン』（1975年）は1日に2回以上上映されたが、休憩があった。

1967年に70mmと6トラックサウンドで再公開された『風と共に去りぬ』などの非常に長い映画は必ず休憩を挟んで上映され、 『ハックルベリー・フィン』（1974年）などの一部の映画は1979年まで序曲付きで公開されたが、新作映画の「指定席」上映は極めて稀になった。指定席が正式に設定された最後のミュージカル映画は『失われた地平線』（1973年）で、経済的にも批評的にも大失敗だった。

1970年代後半には、指定席で上映された映画はわずか3本（人気作品が2本、伝説の失敗作が1本）だった。マイケル・チミノ監督は『ディア・ハンター』（1978年）を制作し、商業的にも批評的にも成功し、アカデミー作品賞を受賞した。初公開時には70mmフィルムに拡大され、ロードショー公開された。^[18] 『ゴッドファーザー』の監督フランシス・フォード・コッポラは『地獄の黙示録』（1979年）を制作し、これも3時間の大作で、好評を博し、現在では彼の最高傑作の1つと考えられている。この映画は製作史に困難を極め、5年の製作期間を経て、米国で70mmで指定席で初上映された。^[19]この映画は興行的に大成功を収め、数年後にディレクターズカット版が公開されると、さらに収益を上げた。チミノの次の映画は『天国の門』（1980年）で、これは興行的に史上最大の失敗作の1つとなった。この作品はロードショーで公開され、70mmバージョンで休憩付きで初公開されました。ロードショー上映は史上最短で、上映されたのはわずか3つの劇場だけでした。ニューヨークでの上映は3日間、トロントでの上映は1回のみで、ロサンゼルスでの上映はキャンセルされました。

現代のロードショー上映の目新しさを減じた要因の一つは、『スター・ウォーズ』（1977年）を皮切りに、それほど大予算のスペクタクル映画ではない映画でも、ステレオ音響がますます使われるようになったことである。しかし、ほとんどの映画は当時、モノラル音声のみで公開されていた。例えば、 『ジョーズ』は『スター・ウォーズ』のわずか2年前に制作され、当初はこの形式で公開された。^[20]しかし、『レッズ』（1981年）、『ガンジー』（1982年）、 『スカーフェイス』 （1983年）は、その長さから当初は休憩ありで公開されたが、 『ガンジー』は70mmで上映されたのに対し、 『レッズ』と『スカーフェイス』はそうではなかった。^{[21] [22]}

1984 年までに、ロードショー形式もほぼ廃止されました。複合映画館の台頭と、ケーブルテレビやホームビデオとの競争により、映画産業の本質が変化し始めたためです。たとえば、ジョルジュ・ビゼーのオペラを 2 時間半に渡ってノーカットで映画化した『カルメン』 (1984 年) は、舞台版の 4 幕構成をそのまま残すほどオペラに忠実であったにもかかわらず、ロードショーとして公開されることも、休憩を挟んで上映されることもありませんでした。このバージョンの『カルメン』も、多くの叙事詩映画と同様に、6 トラック ステレオでロケ撮影されました。

この形式はすでに廃れていたが、『ゲティスバーグ』（1993年）、『ハムレット』（1996年）、『ゴッド・アンド・ジェネラルズ』（2003年）は、公開当初は上映時間が長すぎたため、休憩ありで上映された。3作品とも序曲、幕間曲、退場曲は公式にはなかったが、映画館は観客が劇場に出入りする際に市販の映画サウンドトラックを流しながら上映することを選択した。『ゲティスバーグ』と『ハムレット』は1日2回の上映だったが、『ゴッド・アンド・ジェネラルズ』はそうではなかった。『タイタニック』（1997年）は上映時間が195分だったため、一部の映画館では健康と安全上の理由から、短い休憩を入れたり、コマーシャルなしで上映したりした。この映画は2回修復され（70mmで、後に3D 4Kで）、そのたびに限定公開された。^[23]

今日では、アカデミー賞を含む映画賞の選考対象となる資格を得るために、主に年末に大都市で映画を最初にプレミア上映する慣行がより一般的になっています。限定公開のルートをたどった最近の映画には、ミリオンダラー・ベイビー（2004年）、『アビエイター』（2004年）、『マーチ・オブ・ザ・ペンギンズ』（2005年）、ディズニー映画『プリンセスと魔法のキス』（2009年）などがあります。これらの映画やその他の限定公開映画は、最終的に広く公開されました。これは、前年のアカデミー賞の資格を得ながら、年明け直後に映画を広く公開できるようにするため行われることがあります。多くの場合、小規模な映画（多くの場合、アートやインディーズ）は、ニューヨークとロサンゼルスで最初に公開され、結果に基づいて後に他の都市に拡大されます。これは「プラットフォーム化」またはプラットフォーム公開と呼ばれます。

特別イベント映画はロードショー公開されることもある。2006年にはブロードウェイミュージカル『ドリームガールズ』が3つの劇場でロードショー公開され、指定席とプログラムガイドが配布された。チケットは通常よりかなり高く、25ドルだった。映画自体は休憩なしで上映された。^[24]

2008年と2009年には、ベニチオ・デル・トロがチェ・ゲバラ役を演じる4時間の伝記映画『チェ』が、いくつかの大都市で期間限定でロードショー形式で上映された。

ロードショー時代を懐かしく思い出すクエンティン・タランティーノは、 2015年12月30日に全国公開する前に、クリスマスの日に一部の劇場で『ヘイトフル・エイト』を公開した。タランティーノは、この映画をアナモフィック70mm（具体的には、上記のシングルストリップ6トラックステレオシネラマ形式）で撮影し、ワインスタイン・カンパニーからシネラマ形式に対応するための70mm映写機とレンズを提供された世界中の約100の劇場でこの映画を予約し、監督の意図通りに映画を上映することに成功した。デッドライン・ハリウッドは、プログラム、序曲、休憩など、従来のロードショー公開の特徴をすべて含んでいたため、この公開をロードショー・プレゼンテーションと呼んだ。^{[25] [26] [27]}

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