ヒップホップ制作

ヒップホップ制作とは、レコーディングスタジオでヒップホップミュージックを制作することです。この用語は、 MCのラップの録音、ターンテーブル奏者や DJ によるビートの提供、レコードプレーヤーを使用したサンプルの再生や「スクラッチ」、ドラムマシンやシーケンサーを使用したリズミカルなバッキングトラックの作成など、ヒップホップミュージック制作のあらゆる側面を網羅していますが、最も一般的には、ヒップホップの楽器、歌詞やボーカル以外の側面を録音することを指すために使用されます。

ヒップホッププロデューサーはレコードプロデューサーまたはソングライターとしてクレジットされることもあり、レコーディングセッションを監督することもある。^{[1] [2] [3] [4]}

ヒップホップのインストゥルメンタルは、口語ではビートまたは楽曲と呼ばれ、作曲家はプログラマー、ソングライター、ビートメーカーと呼ばれます。スタジオでは、ヒップホップのプロデューサーは、作曲家と従来のレコードプロデューサーの両方の役割を果たすことがよくあります。彼らはオーケストレーターと呼ばれることもあります。P . ディディはその一例ですが、彼らはレコーディングの最終的なサウンドに責任を持ち、アーティストやパフォーマーに指導を行うほか、マイクやエフェクトプロセッサーからボーカルと楽器の音量のミックス方法まで、あらゆる選択についてオーディオエンジニアにアドバイスします。 ^[要出典]

20 世紀初頭に主流だったポップ ミュージックの形式、ヒップホップは、テクノロジーがもたらす力強い効果を最も感動的に実証しています [...] このジャンルは、極度の貧困に陥った高層 ビルが立ち並ぶスラム街から生まれました。そこでは、家族は子供に楽器を買う余裕もなく、最も基本的な音楽制作でさえ手の届かないところにあったのです。しかし、音楽の作り方はどれも同じように、蓄音機自体が楽器になったのです。1970年代のサウス ブロンクスでは、クール・ハーク、アフリカ・バンバータ、グランドマスター・フラッシュなどの DJ がターンテーブルを使って、ループ、ブレイク、ビート、スクラッチなどの効果音のコラージュを作り出していました。その後、スタジオにこもるDJやビートメーカーがデジタルサンプリングを使用して、音楽史上最も密度の濃い音の集合体を作り出した。Eric B.とRakimの『Paid in Full』、Public Enemyの『Fear of a Black Planet』、Dr. Dreの『The Chronic』などだ。

— アレックス・ロス『Listen to This』（2010）^[5]

1980年に発表されたローランドTR-808ドラムマシンは、ステッププログラミング方式のアナログマシンでした。808は、1982年に「Planet Rock 」をリリースしたアフリカ・バンバータや、ロッティ・ゴールデンとリチャード・シェアがプロデュースしたワープ9のエレクトロ・ヒップの画期的な名曲「Nunk」で頻繁に使用され、エレクトロというジャンルの台頭につながりました。特に注目すべきアーティストは、このジャンルの先駆者であるフアン・アトキンスで、1984年に一般に米国初のテクノレコードと認められている「Clear」（後にミッシー・エリオットがサンプリング）をリリースしました。これらの初期のエレクトロレコードは、後のデトロイトテクノアーティスト、例えばデリック・メイが築き上げる基礎を築きました。 1983 年、Run-DMC は「It's Like That」と「Sucker MC's」を録音しました。この 2 曲は、サンプル音をまったく使用せず、 Oberheim DMXドラム マシンを介して完全に合成音に依存していました。このアプローチは、Bambaataa と Furious Five の初期の曲によく似ていました。^{[引用が必要]}

カーティス・ブロウは、 1984年のアルバム『Ego Trip』のトラック「AJ Scratch」でフェアライトCMIを使用して、デジタルサンプラーを使用した最初のヒップホップアーティストでした。E-mu SP-12は1985年に発売され、2.5秒の録音が可能でした。すぐにE-mu SP-1200が続き（1987年）、4つのバンクに分割され、録音時間が10秒に拡張されました。ドラムループまたはブレイクを含む最も初期の曲の1つは、リック・ルービンがプロデュースしたビースティ・ボーイズの「Rhymin' and Stealin'」です。マーリー・マールは、1980年代半ばにドラムの個々のヒットをサンプリングしてドラムループを再構築するスタイルも普及させました。この手法は、MCシャンの1986年のシングル「The Bridge」で普及しました。このシングルでは、「Impeach the President」の切り抜きを2つのKorg Delay/サンプリングで使用し、Roland TR-808でトリガーしました。1988年には、12秒のサンプリングが可能なAkai MPC60が登場しました。ビースティ・ボーイズは1989年にPaul's Boutiqueをリリースしました。これは、ダスト・ブラザーズがEmaxサンプラーを使用してプロデュースした、さまざまなサンプルのミックスから完全に作成されたアルバムです。デ・ラ・ソウルもその年に3 Feet High and Risingをリリースしました。^[要出典]

パブリック・エネミーのボム・スクワッドは、 1曲あたり数十のサンプルを組み合わせ、パーカッションブレイクとドラムマシンを組み合わせるなど、密度の高い制作スタイルでヒップホップのサウンドに革命を起こした。彼らのビートは、初期のよりミニマルで反復的なビートよりもはるかに構造化されていた。1994年にMPC3000、 1997年にAKAI MPC2000、続いて1999年にMPC2000XL ^[6]、2006年にMPC2500がリリースされた。これらのマシンは、サンプリングドラムマシンとオンボードMIDI シーケンサーを組み合わせたもので、多くのヒップホッププロデューサーのスタジオの目玉となった。ウータン・クランのプロデューサーRZAは、1993年にヒップホップの注目をドクター・ドレーのより洗練されたサウンドから奪った功績がよく知られている。RZAのよりザラザラしたサウンドは、低く響くベース、シャープなスネアドラムの音、 Ensoniqサンプラーに基づくユニークなサンプリングスタイルを採用している。 1994年にリリースされたザ・ノトーリアス・B.I.G.のアルバム『Ready to Die』で、ショーン・コムズと彼のアシスタント・プロデューサーは、 MCハマーの「Can't Touch This」のような短い断片ではなく、レコードのセクション全体をサンプリングするという新しいスタイルを切り開きました。

「Warning」（アイザック・ヘイズの「ウォーク・オン・バイ」）や「One More Chance（リミックス）」（デバージの「ステイ・ウィズ・ミー」）などのレコードは、この美学を象徴しています。2000年代初頭、ロッカフェラの専属プロデューサーであるカニエ・ウェストが「チップマンク」テクニックを普及させました。これは、1980年代のエレクトロ・ヒップホップ・グループ、ニュークリアスが「ジャム・オン・イット」などの曲で初めて使用していました。このテクニックでは、ボーカルサンプルとそれに対応する楽器ループを、ボーカルが高音に聞こえるまで高速化します。その結果、人気の漫画の歌う動物「アルビンとチップマンクス」の歌声に似たボーカルサンプルが生まれます。ウェストはこのスタイルをJ・ディラとウータン・クランのRZAから取り入れましたが、RZAは、ボーカルサンプルを高速化してループさせ、「チップマンク」サウンドを実現するスタイルの先駆者であるプリンス・ポールに影響を受けました。カニエ・ウェストは多くの曲で「シマリス」効果を使用しており、2010年代には他の多くのアーティストの音楽でも使用されています。^[要出典]

2010年代を通じて、ヒットチャートを賑わせたヒット曲の多くは、音楽プロデューサーがデジタルオーディオワークステーションソフトウェア（FL Studioなど）を使用してサンプリングした音から曲を制作したものだった。著名な音楽プロデューサーには、ソニーデジタル、マイク・ウィル・メイド・イット、メトロ・ブーミン、ウォンダガール、ゼイトーヴェン、レックス・ルガー、ヤング・チョップ、DJ Lビーツ、テイ・キースなどがおり、 808マフィア、ウィナーズ・サークル、インターネット・マネーなどの音楽プロデューサーグループの誕生もその一つである。^[要出典]

ドラムビートはヒップホップ制作の核となる要素である。ビートにはサンプリングされたものもあれば、ドラムマシンで作成されるものもある。最も広く使用されているドラムマシンはアナログのRoland TR-808で、何十年も主力製品であり続けている。^[7] E-mu SP-12やSP-1200、Akai MPCシリーズなどのデジタルサンプラーもドラムビートのサンプリングに使用されている。さらに他のものは 2 つの技術をハイブリッドしたもので、ドラムマシンのビートの一部をサンプリングし、それを完全にオリジナルのパターンにアレンジしている。Akai MPC シリーズ^[8]とEnsoniq ASR-10はビートのサンプリングの主力製品であり、特にThe Neptunesが使用している。ビートメーカーやレコードプロデューサーの中には、 Dr. Dre、Timbaland、DJ Paul & Juicy J、Swizz Beatz、Kanye West 、 The Neptunesなど、独自の電子ドラムキットサウンドを作成するサウンドデザイナーもいる。 1980 年代の TR-808 カウベルなどの一部のドラムマシンのサウンドは、ヒップホップの伝説の歴史的要素として残っており、2010 年代のヒップホップでも引き続き使用されています。

ヒップホップは、単にさまざまなサンプルからインスピレーションを得るのではなく、これらの断片を芸術作品に重ね合わせます。サンプリングがヒップホップの美学の第一レベルだとすれば、断片や要素がどのように組み合わさるかが第二レベルを構成します。ヒップホップは、その重層的な性質を強調し、注意を喚起します。ヒップホップの美的コードは、サンプル、音、参照、画像、メタファーの層を見えなくするものではありません。むしろ、意味の層を解読できる人にとって、サンプリングされたテキストが歌/本/芸術の意味を増強し、深めるコラージュを作成することを目指しています。

— リチャード・シュア『ヒップホップの美学と現代アフリカ系アメリカ文学』（2008年）^[9]

サンプリングとは、他人の音楽録音の一部を自分の録音の一部分として使うことである。^[10]ヒップホップの制作においては、その誕生以来、不可欠な要素となっている。ヒップホップにおいて、サンプリングとは、他の曲の一部を切り取ったりコピーしたりして、これらの部分をまとまりのある音楽パターン、つまり「ループ」に再編曲したり作り直す手法を指す。この手法は、1982年にアフリカ・バンバータがソウルソニック・フォースのテープ「プラネット・ロック」で初めて本格的に試みた。このテープはダンス・バンドのクラフトワークの一部をサンプリングしたもので、大衆から絶賛された。^[11] 1986年には、当時デフ・ジャムのプロデューサーだったリック・ルービンがブラック・サバスやレッド・ツェッペリンのループを使用してビースティ・ボーイズのデビュー作「ライセンスド・トゥ・イル」を制作し、^[12]翌年にはラップ・デュオのエリック・B & ラキムがアルバム「ペイド・イン・フル」でジェームス・ブラウンのサンプリングを広めた。 [ 13 ^]

この技法は、アフリカ・バンバータ風のエレクトロファンクグループ、ワールドクラス・レッキン・クルーのDJとして初めて仕事をした若きドクター・ドレーによって発見され、東西両岸で広まった。1988年、ドレーはギャングスタラップのジャンルにおける金字塔となったNWAのアルバム『ストレイト・アウタ・コンプトン』をプロデュースし、ヒップホップでサンプリングを使い始めた。^[14] 1989年にジャズ・サンプリングの先駆者であるギャング・スターが登場し、1991年にはピート・ロック＆CLスムースとア・トライブ・コールド・クエストが登場してブランドを普及させ、^{[15] [16]}サンプリングはヒップホップで大きな役割を果たすようになり、ウータン・クランのEnter the Wu-Tang: 36 Chambers、^[17]ドクター・ドレーのThe Chronic、^[18]ナズのIllmatic ^[19]ノトーリアス・B.I.G.のReady to Die ^[20]などの有名プロジェクトで目立つようになった。

2000年代には、サンプリングが史上最高を記録し始めた。ジェイ・Zのアルバム『The Blueprint』は、ソウルレコードのサンプリングでプロデューサーのカニエ・ウェストとジャスト・ブレイズを有名にした。^[21]カニエ・ウェスト自身も「Through the Wire」と「Jesus Walks 」で初期のヒットを記録したが、両曲のボーカルがスピードアップしていることから、ウェスト自身はこれを「シマリスソウル」とよく呼んでいる。2004年のアルバム『 The College Dropout』には、ツイスタをフィーチャーしたサンプリングヒット曲が2曲収録されており、これによりシカゴのラッパーのカミカゼはプラチナディスクを獲得した。しかし、2004年9月7日、ナッシュビルの米国控訴裁判所は、以前は曲の一部をコピーしても何の罰も受けなかったが、サンプリングの場合には必ずライセンスが必要だという判決を下し、音楽の著作権侵害の性質を変えた。^[22]この法律により、ヒップホップにおけるサンプリングは直ちに稀少なものとなり、 2005年のScratch誌のインタビューで、ドクター・ドレーはより楽器演奏へと移行していると発表し^[23]、2006年にはノトーリアス・B.I.G.の1994年のデビューアルバム『Ready to Die』が遡及的なサンプルクリアランス問題のため一時的に店頭から撤去された。^{[24]その結果、ウータン・クランの}RZA ^[25]やモス・デフなど、より多くの主要プロデューサーやアーティストがサンプリングから離れ、生楽器演奏へと移行した 。^[26]サンプリングの使用には、しばしば独創性や信憑性に関する疑問が生じた。

ヒップホップの制作はサンプリングを中心に展開されるため、AkaiのMPCシリーズのグルーブボックスなどのサンプラー/シーケンサー複合デバイスが、ヒップホップ制作スタジオの中心となるのが一般的です。現在では、ほとんどがデジタル オーディオ ワークステーション (DAW) に置き換えられていますが、E-mu Systems SP-1200、Akai MPC60、Akai MPC3000、Ensoniq ASR-10 などの定番デバイスは、そのワークフローとサウンド特性により、今でも使用されています。^{[引用が必要]}

ヒップホップで最も広く使われているターンテーブルは、パナソニックのテクニクスシリーズです。これは、ベルトをなくし、代わりにモーターを使ってビニールレコードが載っているプラ​​ッターを直接駆動する、初のダイレクトドライブターンテーブルでした。[ 28 ^{]テクニクス}SL-1100は、その強力なモーター、耐久性、忠実度により、1970年代の初期のヒップホップアーティストに採用されました。^[28]ターンテーブリズムの先駆者は、ジャマイカからニューヨークに移住したDJクール・ハークです。 ^{[27]彼はジャマイカの}ダブミュージックからターンテーブル技術を導入し、^[29]テクニクスSL-1100のダイレクトドライブターンテーブル技術によって可能になった新しい技術を開発し、1970年代にニューヨークに移住した後、初めて設置したサウンドシステムに使用しました。^[27]彼が開発した特徴的なテクニックは、同じレコードを2つのターンテーブルで交互に再生して、Bダンサーのお気に入りのセクションを延長し、^[29] 2つを交互に切り替えて、リズミカルなビートにブレイクをループさせることでした。 ^[27]

最も影響力のあったターンテーブルはテクニクスSL-1200である。^[30] 1970年代にはグランド・ウィザード・セオドアやアフリカ・バンバータなどのニューヨークのヒップホップDJに採用された。彼らはSL-1200デッキで実験を重ねるうちに、 DJがレコードをプラッター上で前後に揺らしてもモーターが正しい回転数で回り続けることに気づき、スクラッチテクニックを開発した。 ^[30]それ以来、ターンテーブルはヒップホップ文化に広く普及し、SL-1200はその後数十年にわたってDJ文化で最も広く使用されるターンテーブルであり続けた。^{[28] [30]}

シンセサイザーはヒップホップの制作でよく使われます。メロディー、ベースライン、パーカッシブな「スタブ」、コード、サウンド合成に使用され、新しいサウンドテクスチャを作成します。シンセサイザーの使用は、Gファンク時代にドクター・ドレーによって普及しました。2000年代には、ジム・ジョンシン、クール・アンド・ドレー、リル・ジョン、スコット・ストーチ、ネプチューンズが引き続きシンセを使用しています。低予算のスタジオ環境やスペースの制限があるレコーディングルームでは、作曲家はハードウェアシンセサイザーの代わりに仮想楽器を使用することがよくあります。2010年代には、仮想楽器は高予算のスタジオ環境でより一般的になりつつあります。^[要出典]

ヒップホップでは、マルチトラック レコーダーがレコーディングの標準です。1980年代には、社内レコーディング スタジオではPortastudio カセットレコーダーが標準でした。1990 年代にはデジタルADATテープ レコーダーが標準になりましたが、Apple の Logic、Avid の Pro Tools、Steinberg の Nuendo や Cubase などのデジタル オーディオ ワークステーション (DAW) に大きく置き換えられました。DAW では、より複雑な編集や無制限のトラック数、内蔵エフェクトが可能です。これにより、作詞家や作曲家は、大規模な商業スタジオに費用をかけずに音楽を作成できます。^{[引用が必要]}

一般的に、プロのプロデューサーはスタジオ録音にコンデンサーマイクを選びますが、 ^{[31] [32] 、}これは主にその幅広い応答範囲と高品質によるものです。高価なコンデンサーマイクの主な代替品はダイナミックマイクで、耐久性があるためライブパフォーマンスでより頻繁に使用されます。コンデンサーマイクの主な欠点は、高価で壊れやすいことです。また、ほとんどのコンデンサーマイクは、ダイナミックマイクとは異なり、ファンタム電源を必要とします。逆に、ダイナミックマイクの欠点は、一般的にコンデンサーマイクほど広いスペクトルを持たず、周波数応答がそれほど均一ではないことです。多くのヒップホッププロデューサーは、ボーカルの録音に、特に女性のボーカルにガラスのような「輝き」を与えるノイマンU-87を使用するのが一般的でした。しかし、今日では、この音楽ジャンルの多くのプロデューサーは、ソニーC-800Gチューブマイク、ビンテージマイク、そして魅力的な「大きな」ボーカル表現に合わせて調整された高級リボンマイクを使用しています。多くの古典的なヒップホップの曲は、最も基本的な機器で録音されました。多くの場合、これが生の音質と魅力に貢献しています。多くのレコーディング エンジニアは、部屋の残響を最小限に抑えるために、ヒップホップでは「ドライ」な音響を使用することを好みます。

ミキシングとは、オーディオ要素をブレンドして、アーティストがリスナーに意図した体験を明確に伝えるまとまりのあるサウンドを作成するプロセスです。^[33]このプロセスは、作詞作曲、編曲、録音が完了した後の音楽制作の最終ステップです。ミキシングでは、オーディオトラックを調整し、イコライザー、コンプレッション、エフェクトなどのツールを適用します。その目的は、曲内のすべての要素が互いに補完し合い、意図したリスニング体験を生み出す最終製品を作成することです。曲をミックスする方法に明確な正解や不正解はないため、ミキシングは創造的なプロセスであると考えられています。各ミキシングエンジニアは独自のスタイルでミックスし、独自の創造的意図をトラックに入力します。リズムとボーカルはヒップホップというジャンルで最も重要な側面であり、ミキシング時にこれを考慮することは非常に重要です。

ボーカルはヒップホップトラックの全体的なサウンドにとって最も重要な要素の1つであり、最も注目を集めます。ボーカルは、イコライゼーション（EQ）、コンプレッション、リバーブやディレイなどのエフェクトの使用など、高度な処理が施されてミックスされることがよくあります。^[34]現代のヒップホップでは、オートチューンが特徴となり、アーティストの声に様式化された、ほぼロボットのような効果を加えています。場合によっては、ボーカルミキシングにサチュレーションやピッチモジュレーションなどのエフェクトを含めて、特定の様式的なサウンドをもたらすこともあります。

ヒップホップのビートをミックスする際には、ボーカルを引き立てる強力なローエンドが必要です。^[33]ほとんどのヒップホップのビートは、808 ベース、キック、スネア、ハイハット、シンセやサンプルなどのメロディック楽器などの要素で構成されています。^[35]良いミックスとは、すべての要素が音響空間の中で独自の位置を占めていることを区別できることを意味します。各要素は、特にサブベースの周波数で互いに補完し合う必要があります。808 とキックを含むサブベースの周波数は、同時に再生されると衝突して濁った音を引き起こすことがよくあります。衝突を避けるために、EQ とサイドチェーン コンプレッションを使用して各要素に明確なスペースを作り、持続する 808 ベースの間をキックが突き抜けるようにすることがよくあります。

パンニングとステレオフィールドの管理は、ミックスに空間を作る上で重要です。通常、ハイハット、シンバル、その他のさまざまな背景要素などの楽器は、ステレオフィールドのさまざまな部分にパンされます。^[33]ボーカル、808、キック、スネアは中央に残されます。このパンニングの配置により、ボーカルとメインドラムの衝突を避けながら、幅と没入感を作り出すことができます。

リバーブ、ディレイ、ディストーションなどの特殊効果は、控えめに使用されることもあります。^[33]リバーブは深みと空間を加えるために使用され、ディレイはボーカルと楽器の要素の間にリズムを作成するために使用されます。ドラムに少量のサチュレーションを適用して存在感を高めたり、ボーカルに暖かさと倍音を加えたりすることができます。

DAWとソフトウェアシーケンサーは、現代のヒップホップ制作で作曲家によって使用されています。ソフトウェア制作製品はハードウェア製品よりも安価で、拡張が容易で、実行に必要なスペースが少ないためです。これらのDAWの成功により、新しいセミプロのビートメーカーが大量に生み出され、彼らは自分のビートやインストゥルメンタル^{[36]を、できればデジタルマーケットプレイス[37]}で世界中のラップアーティストにライセンス供与し、新しいニッチ市場の創出を引き起こしました。一部のビートメーカーは、コンピューターで生成されたビートの全体的な品質の低下、努力の欠如、アイデンティティの欠如を挙げ、DAWとソフトウェアへの完全な依存に反対しています。シーケンスソフトウェアは、すべてコンピューターで生成されるため、平坦で、過度にクリーンで、過度に圧縮され、人間味に欠けるサウンドを生成するとして、純粋主義のリスナーや伝統的なプロデューサーからしばしば批判されています。

人気のある DAW には以下のものがあります。

• エイブルトンライブ
• アコースティカミックスクラフト
• アドビオーディション
• AppleのLogic Pro
• Avid TechnologyのPro Tools
• ケークウォーク ソナー
• スタインバーグ キューベース
• Image-LineのFL Studio
• PreSonusのStudio One
• リーズンスタジオ
• ソニー ACIDプロ
• AppleのGarageBand
• Motu Inc.デジタルパフォーマー
• ココ スリーパー
• 情熱

生楽器による演奏はヒップホップではそれほど普及していないが、多くのアーティストによって使用されており、ラップコアなどのヒップホップをベースにしたフュージョンジャンルでは目立つ存在である。サンプラーやシンセサイザーがヒップホップ制作の重要な部分となる前は、「Rapper's Delight」（ザ・シュガーヒル・ギャング）や「The Breaks」（カーティス・ブロウ）などの初期のヒップホップヒットは、生のスタジオバンドで録音されていた。1980年代には、ステッツァソニックが生演奏のヒップホップバンドの先駆的な例であった。生楽器によるヒップホップは、ザ・ゴーツ、ザ・クーペ、ザ・ルーツ、メロDアンドザ・ラドス、コモン、DJクイック、UGK、アウトキャストなどの作品により、1990年代後半から2000年代前半にかけて再び注目を集めるようになった。近年、ロバート・グラスパー・エクスペリメントは、モス・デフ、タリブ・クウェリ、Qティップ、コモンなどのラッパーや、ネオソウル歌手のビラル・オリバーとともに、ヒップホップのインストゥルメンタルと即興の側面に重点を置いたライブ楽器演奏を探求してきました。

歴史を通じて、ドラム セットはさまざまなアイデンティティを獲得してきました。ジャズを「スイング」させ、ロックンロールを「ロック」させる楽器です。過去 10 年^{[いつ? ]}以内にポップ ミュージックの新時代が到来したため、ドラム セットがエンジニアによって生成された電子音に置き換えられたと考えるのは簡単です。実際には、ドラム セットはこれらの電子ビートを生成するためのものであり、生のドラマーは耳に届くもの以上に現代のヒップホップに貢献しています。

ヒップホップのレコードにドラマーがレコーディングした例としては、2015年にリリースされたケンドリック・ラマーのアルバム「 To Pimp A Butterfly」がある。スナーキー・パピーのドラマー、ロバート・スパット・シーライトは、「For Free」や「Hood Politics」という曲で演奏した。ライブでは、ほとんどのヒップホップのライブが事前に録音されたバッキングトラックを使用するのに対し、ラマーは生バンドを使うことが多かった。^[38]ミュージシャンでない人にとっては、ヒップホップのレコーディングで生ドラマーが使われていることに気付かないかもしれないが、これらのミュージシャンは仕事に対してクレジットされるべきだ。^{[中立性は議論の余地がある]以下のリストは、}ヒップホップのジャンルで最も影響力のあるドラマーの一部の名前を挙げている。

その他のヒップホップドラマーには以下の者がいる: ^{[39] [40] [41] [42] [43] [44]}

• クエストラブ
• J・ディラ
• ファレル・ウィリアムス
• トニー・ロイスター・ジュニア
• クリス・デイブ
• カリーム・リギンズ
• アダム・ダイチ

インストゥルメンタル ヒップホップは、ボーカルのないヒップホップ ミュージックです。ヒップホップは、一般的に、インストゥルメンタル トラック (「ビート」) とボーカル トラック (「ラップ」) の 2 つの要素で構成されています。ビートを作成するアーティストはプロデューサー (またはビートメーカー) で、ラップを作成するのはMC (司会者) です。この形式では、ラップがほぼ常に曲の主役であり、かなり反復的なビートの複雑さと変化の大部分を提供します。インストゥルメンタル ヒップホップは、司会者のラップがないヒップホップ ミュージックです。この形式により、プロデューサーはより複雑で詳細で変化に富んだインストゥルメンタルを作成する柔軟性が得られます。このジャンルの曲は、楽器が MC に安定したビートを提供する必要がないため、さまざまな音楽の方向に迷い、さまざまなサブジャンルを探求する場合があります。ヒップホップの発祥以来、プロデューサーは MC なしのヒップホップ ビートを作成し、リリースしてきましたが、それらのレコードが有名になることはほとんどありませんでした。ジャズ キーボード奏者兼作曲家のハービー ハンコックとベーシスト兼プロデューサーの ビル ラズウェルのエレクトロにインスパイアされたコラボレーションは注目すべき例外です。1983 年のアルバム『Future Shock 』とヒット シングル「Rockit」にはターンテーブリストの グランド ミキサー D.ST が参加しており、ジャズ フュージョンで初めてターンテーブルが使用され、ターンテーブリズムとレコードの「スクラッチ」が広く知られるようになりました。

1996年にDJ Shadowのデビューアルバム「Endtroducing.....」がリリースされ、インストゥルメンタルヒップホップのムーブメントが始まりました。主にサンプリングされたファンク、ヒップホップ、映画音楽の組み合わせに依存したDJ Shadowの革新的なサンプルアレンジは、多くのプロデューサーやミュージシャンに影響を与えました。

2000年代から2010年代にかけて、RJD2、J・ディラ、ピート・ロック、ラージ・プロフェッサー、MF・ドゥーム、ダニー！、ヌジャベス、マッドリブ、ダム・ザ・ファッジマンク、ワックス・テイラー、デンバー・カジャンガ、DJ・クラッシュ、ハーミチュード、アブストラクト・オーケストラ、ブロックヘッドなどのアーティストが、インストゥルメンタル・ヒップホップ・アルバムで批評家の注目を集めた。現在の著作権法の状況により、インストゥルメンタル・ヒップホップのリリースのほとんどは、小規模でインディペンデントなアンダーグラウンド・レーベルからリリースされている。プロデューサーは、作品全体に見られる多くのサンプルの使用許可を得るのに苦労することが多く、ストーンズ・スローなどのレーベルは法的な問題を抱えている。^[要出典]

現代のヒップホップ制作において、プロデューサーという肩書きは、特定のプロジェクトへの 1 つまたは複数の貢献を示す包括的な用語になっています。音楽業界には音楽貢献を識別するための 3 つの主なカテゴリ (アーティスト、プロデューサー、ソングライター) しかなく、21 世紀の音楽制作ではこれらのカテゴリが重複することが多いため、状況はさらに複雑になっています。以下は、現代のヒップホップ プロデューサーのさまざまな側面の一部です。1 つの制作クレジットには、これらの役割がいくつも含まれる場合があります。

レコードプロデューサー

アーティストやバンドに創造的および技術的な指導を行う、熟練した音楽スタジオスタッフ。この役割では、楽曲の作曲に貢献しない限り、作曲者としてクレジットされることはありません。

• 例えば、リック・ルービン、マイク・スペンサー、ロン・フェアなど。

エグゼクティブプロデューサー

プロジェクトの最高顧問として、ビジネス取引や管理を促進します。また、他のプロデューサーやアーティストをまとめる独創的な先見の明を持つ人物でもあります。

• たとえば、ケンドリック・ラマーによる『ブラック・パンサー』（2018年）、フューチャーによる『スーパーフライ』（2018年）、マイク・ウィル・メイド・イットによる『クリード II: ザ・アルバム』（2018年）のキュレーションなどです。

主なアーティスト

レコーディングを行わないヒップホップ アーティストには、自身の音楽の一部を作曲するラップ アーティストも含まれます (他のジャンルのアーティストの場合、通常、音楽を作曲してもプロデューサーとしてクレジットされません)。

• 例：Madlib、The Alchemist、Metro Boomin

注目アーティスト

著名なプロデューサーは、メインアーティストと一緒に曲をプロデュースする場合、フィーチャーアーティストとしてクレジットされることが多いです。

• 例えば、Pete Rock はRun-DMC の「Down with the King 」に、Mike Will Made It はPolo Gの「Go Stupid 」に、DJ Mustard はwill.i.amの「Feelin' Myself 」にフィーチャーされています。

ビートメーカー

ドラムマシンやMIDI楽器の使用を含むデジタルオーディオワークステーションとDJスキルを駆使して、一般的に音楽をゼロから、またはサンプルを使ってプログラムする作曲家^{[45] 。}

• 例: David Guetta、Skrillex、Tay Keith、Wheezyなど。

作曲家/作詞家

より伝統的な意味で、曲の音楽と歌詞のみを書き、作曲する人員。さらに、楽器演奏も行うミュージシャン。

サンプルプロデューサー

他のプロデューサーが簡単に操作できるように、音楽を書き、ループのライブラリ (キットとも呼ばれる) を作成する作曲家。曲に直接関わっていないにもかかわらず、プロデューサーとしてクレジットされることがよくあります。

• 例: Frank Dukes、CuBeatz、PVLACE。

サンプリングされたアーティスト

プロデューサーによって作品がサンプリングされたアーティスト（ただし、通常は作詞家としてクレジットされます）。

「追加」または「その他」の制作にクレジットされているプロデューサー

一般的には、トラックに楽器を提供するアーティストです。また、サンプリングされたアーティストや、マイナーな音楽的貢献を示す場合もあります。

• 例えば、ダニエル・シーザーの「Get You」のBADBADNOTGOOD

リミックスアーティスト

他人の作品をリミックスするアーティストは、主なアーティストではなくプロデューサーとしてクレジットされることがあります。

• ヒップホップDJとプロデューサーのリスト
• ターンテーブル
• レコードプロデューサー
• 電子音楽
• オーディオエンジニア

• ロス、アレックス(2010)。Listen to This。Fourth Estate。ISBN 978-0-00-731906-0。
• ロヴァレリー・キング、リンダ・F・セルザー編（2008年）。『アフリカ系アメリカ人小説に関する新エッセイ：ハーストン、エリソンからモリソン、ホワイトヘッドまで』マクミラン社。ISBN 978-0-230-60327-1。
• Dr.アビディ：チュニジアのチルルジアン・エステティック