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カルナティック音楽（ドラヴィダ語ではカルナータカ・サンギータまたはカルナータカ・サンギータムとして知られる）は、南インド、特に現代のインドの州であるアーンドラ・プラデーシュ州、カルナータカ州、ケーララ州、タミル・ナードゥ州、テランガーナ州と一般的に関連付けられている音楽体系です。これは、古代ヒンドゥー教の文献や伝統から発展したインド古典音楽の2つの主要なサブジャンルの1つであり、特にサーマヴェーダが重要な基盤として挙げられています。[ 1 ]（もう1つのジャンルはヒンドゥスターニー古典音楽です。）カルナティック音楽の主な重点は声楽にあり、ほとんどの楽曲は歌われるために書かれており、楽器で演奏される場合でも、ガーヤキ（歌唱）スタイルで演奏されることを意図しています。
スタイル上の違いはあるものの、シュルティ（相対的な音高）、スヴァラ（単音の音）、ラーガ（旋律の形式）、タラ（リズムのサイクル）といった基本要素は、カルナティック音楽とヒンドゥスターニー音楽の両方において、即興演奏と作曲の基礎を形成している。即興演奏は重要な役割を担っているが、カルナティック音楽は主に作曲、特にクリティ（またはキールタナム）を通して歌われる。クリティは、14世紀から20世紀にかけて、プーランダラ・ダーサやカルナティック音楽の三巨匠などの作曲家によって発展した形式である。カルナティック音楽は通常、作曲を通して教えられ、学ばれる。[ 2 ] [ 3 ]カルナティック音楽の発展にはテルグ語が優勢である。[ 2 ] [ 3 ]
カルナティック音楽は通常、主役の演奏者（通常はボーカリスト）、旋律伴奏（通常はヴァイオリン）、リズム伴奏（通常はムリダンガム）、そして演奏全体を通してドローンとして機能するタンブーラからなる小規模なアンサンブルによって演奏されます。演奏で使用されるその他の典型的な楽器には、ガタム、カンジーラ、モルシング、ヴェーヌフルート、ヴィーナ、チトラヴィーナなどがあります。カルナティック音楽家の最大の集中地はチェンナイ市です。[ 4 ]インド国内外でさまざまなカルナティック音楽祭が開催されており、世界最大級の文化イベントの1つと考えられているマドラス音楽祭も含まれます。 [ 5 ] [ 6 ]
カルナティック音楽はカルナータカ州で生まれ、その名が付けられました。[ 7 ] [ 8 ]カルナータカ・サンギータとして知られ、アンドラ地方やタミル地方に広まり、そこで栄えました。[ 9 ]
インド文化のすべての芸術形式と同様に、インド古典音楽はデーヴァとデーヴィ（ヒンドゥー教の神々と女神）に由来する神聖な芸術形式であると信じられており、[10][11] ナーダ・ブラフマンの象徴として崇められています。[12] 古代の論文では、スヴァラ、つまり音符の起源と動物や鳥の鳴き声との関連性、そして鋭い観察力と知覚力によってこれらの音を模倣しようとする人間の努力についても説明されています。インド古典音楽の基礎を築いたとされるサマヴェーダは、リグヴェーダからの賛歌で構成されており、ヴェーダのヤジュニャの際に3～7つの音符を使用して歌われる音楽の旋律に付けられています。[ 11 ]主に供犠の公式で構成されるヤジュルヴェーダでは、ヴィーナが声楽の朗唱の伴奏として言及されています。[ 13 ]ラーマーヤナやマハーバーラタなどの叙事詩を含む多くの古代文献にインド古典音楽への言及があります。ヤージュニャヴァルキヤ・スムリティには、「ヴィーナに精通し、シュルティの知識を持ち、タラに熟達した者は、疑いなく解脱（モークシャ）を得る」とあります。[ 14 ]現代のカルナティック音楽は、いくつかの古代の著作、特にバーラタのナティヤ・シャーストラとイランゴー・アディガルのチラッパティカラムで詳細に説明されている音楽概念（スヴァラ、ラーガ、ターラを含む）に基づいています。[ 15 ]
12 世紀以降、北インドにおけるペルシャとイスラムの影響により、インド古典音楽はヒンドゥスターニー音楽とカルナータカ音楽という 2 つの明確なスタイルに分かれ始めました。 [ 4 ]シャーンガデーヴァの『サンギータ・ラトナーカラ』などの注釈書やその他の作品は、インド古典音楽に見られる音楽概念をさらに詳しく説明しました。[ 16 ] 16 世紀から 17 世紀までには、カルナータカ音楽とヒンドゥスターニー音楽の間には明確な区別がありました。[ 17 ]カルナータカ音楽は、ペルシャとアラビアの影響を比較的受けませんでした。この時期にカルナータカ音楽はヴィジャヤナガラで隆盛し、ヴィジャヤナガラ帝国は最大版図に達しました。[ 18 ] 「カルナータカ音楽の父（ピタマハ）」として知られるプランダラ・ダーサは、カルナータカ音楽の教授に一般的に使用されるシステムを体系化しました。[ 11 ] [ 19 ]ヴェンカタマキンは、サンスクリット語の著作『チャトゥルダンディ・プラカシカ』（西暦1660年）の中で、ラガ分類のメラカルタ・システムの公式を考案し、著述した。 [ 17 ]ゴヴィンダチャリヤは、メラカルタ・システムをサンプールナ・ラガ体系（今日一般的に使用されているシステム）に拡張したことで知られている。
16世紀までに、インド古典音楽は北部のヒンドゥスターニー音楽と南部のカルナータカ音楽（後にカルナティック音楽と呼ばれる）という2つの様式に分かれました。「カルナータカ音楽」という名称は、歴史的にカルナータカ帝国として知られるヴィジャヤナガラ帝国に由来します。その後、イギリスの影響で「カルナティック音楽」という名称に変更され、この名称自体はわずか150～200年ほど前に生まれたものです。
18 世紀と 19 世紀には、カルナティック音楽は主にマイソール王国、トラヴァンコール王国、タンジョールのマラーター王朝の地元の王たちによって後援されていました。[ 20 ]マイソール王国とトラヴァンコール王国の王族の中には、著名な作曲家であり、ヴィーナ、ルドラ・ヴィーナ、ヴァイオリン、ガタム、ヴェーヌ、ムリダンガム、ナダスワラム、スワラバットなどの楽器の演奏に熟練した者もいました。[ 21 ]音楽に熟練した有名な宮廷音楽家には、ヴィーネ・シェシャンナ(1852–1926) [ 22 ]やヴィーネ・スッバンナ (1861–1939) [ 23 ]などがいました。
19世紀後半、マドラス（現在のチェンナイ）はカルナティック音楽の中心地として台頭した。[ 24 ]かつての藩王国の解体と1947年のインド独立運動の終結に伴い、カルナティック音楽は、サバーと呼ばれる私的機関がチケット制の公演を企画する大衆芸術へと、後援者の面で根本的な変化を遂げた。
18 世紀以降、南インドからの移民コミュニティは海外で増加し、特に東南アジアとスリランカで顕著でした。ナトゥコッタイ・チェッティヤールなどのコミュニティは、その豊かな後援活動のおかげで、海外におけるカルナティック文化の拡大に貢献しています。[ 25 ]そのため、カルナティック音楽のアーティストは、地元のコミュニティの生活を活性化するために、招聘を希望する南インド人コミュニティの間で海外で演奏しています。スリランカでは長い間、カルナティック音楽はインドからの移民と結びついており、この種の音楽を演奏するのが一般的だった南インド人が経営するレストランや飲食店を指して、「ドーサ屋の音楽」と蔑称で呼ばれることがよくありました。[ 26 ]
20世紀以降、カルナティック音楽は、当時ヒンドゥー教復興として知られる著名な文化運動の影響を強く受けていたスリランカの特定の社会階層の間で大きな人気を獲得しました。 [ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]こうしてカルナティック音楽は、1920年代と1930年代にコロンボとジャフナのブルジョワジーの文化的およびアイデンティティの指標として取り入れられ、大いに促進され、[ 28 ] [ 29 ]ひいてはスリランカのタミル人の文化にも影響を与えました。現代のスリランカ・タミル人のアイデンティティの構築においてカルナティック音楽が占める位置は、ジャフナのほとんどの大学のカリキュラムでその地位が高まり、1930年代半ばから徐々に西洋古典音楽の教育に取って代わったこと[ 28 ]、あるいはコロンボとジャフナの上流社会階級の間で高く評価され、若い女性がカルナティック音楽を学ぶことは良質な教育の証とみなされていること[ 26 ] [ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]など、重要な規模に達している。多くの人々がスキル向上のためにインドへ渡航しており、スリランカまたはスリランカ・タミル出身の学生のインドへの流入は絶えず増加している[ 28 ] [ 31 ] 。
カルナティック音楽の主な重点は声楽にあり、ほとんどの楽曲は歌われるために作曲され、楽器で演奏される場合でも、歌唱スタイル（ガーヤキとして知られる）で演奏されることを意図している。[ 32 ]ヒンドゥスターニー音楽と同様に、カルナティック音楽は、旋律の形式またはパターンであるラーガと、リズムのサイクルであるターラという2つの主要な要素に基づいている。 [ 32 ]
今日、カルナティック音楽は、コンサートや録音において、声楽または楽器演奏によって演奏家によって披露されています。カルナティック音楽自体は、卓越した作曲家たちの楽曲や構成を中心に発展してきました（下記参照）。
シュルティは一般的に音高を指します。[ 33 ]西洋音楽における主音（あるいはより正確には調）にほぼ相当し、他のすべての音の由来となる音です。また、オクターブ内の段階的な音高という意味でも使用されます。カルナティック音楽では、音階（またはラーガ）に含まれる音は無限にありますが、聴覚で区別できる音の数は22です（ただし、長年の間にいくつかの音が収束してきました）。この意味で、シュルティは聴覚によって決定される一方で、聞き手の心の中の表現でもあります。[ 34 ]
スヴァラとは、単一の音符である楽音の一種を指し、定義された周波数ではなく、音符の相対的な (高いまたは低い) 位置を定義します。[ 33 ]スヴァラは、「サ・リ・ガ・マ・パ・ダ・ニ」という 7 つの音符で構成されるカルナティック音楽のソルフェージュも指します(ヒンドゥースタン語のサルガム:サ・レ・ガ・マ・パ・ダ・ニ、または西洋のド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・ティと比較してください)。これらの名前は、シャジャ、リシャバ、ガンダーラ、マディヤマ、パンチャマ、ダイヴァタ、ニシダなどの長い名前の省略形です。他の音楽システムとは異なり、ソルフェージュの各メンバー (スワラと呼ばれます) には 3 つのバリエーションがあります。例外は、ドローンノート、シャジャ、パンチャマ(トニックおよびドミナントとも呼ばれます) であり、形式は 1 つだけです。そして、2 つの形式を持つmadhyama (サブドミナント)。タミル ナードゥ州のクドゥミヤン マライ[ 35 ]にある 7 世紀の石碑には、より高い 4 度音を表すために ra、ri、ru などのソルフェージュ記号への母音変化が示されています。 1 つの音階、つまりragaには、通常、各音のバリエーションが 1 つだけ存在します。例外は「軽い」raga にあり、芸術的効果のために、上昇 ( arohanam内) と下降 ( avarohanam内)の 2 つのバリエーションが存在する場合があります。
カルナティック音楽のラーガは、旋律を構築するための一連の規則を規定しており、西洋音楽のモードの概念と非常によく似ています。[ 36 ]上昇（アーロハナム）と下降（アヴァロハナム）の動き、どの音をより多く使用し、どの音をより控えめに使用すべきか、どの音をガマカ（装飾）で歌うことができるか、どのフレーズを使用または避けるべきかなどの規則を規定しています。事実上、それは絶対的に、または特定の頻度で遵守しなければならない一連の義務的な音楽的出来事です。[ 37 ]
カルナティック音楽では、サンプールナ・ラーガ（音階に7つの音すべてを含むラーガ）は、メラカルタと呼ばれるシステムに分類され、その音の種類に応じてグループ化されます。メラカルタ・ラーガは72種類あり、そのうち36種類のマディヤマ（副属音）はシュッダ（主音から完全4度）で、残りの36種類のマディヤマ（副属音）はプラティ（主音から増4度）です。ラーガは、チャクラ（「車輪」、慣習的な表現では実際にはセグメント）と呼ばれる6つのセットにグループ化され、上主音と中音の音階度数に応じてグループ化されます。メラカルタ・ラーガの名前を決定するためのカタパヤディ・サンキヤと呼ばれるシステムがあります。
ラーガは、ジャナカ ラーガ(つまり、メラカルタまたは親ラーガ) とジャンヤラーガ(特定のジャナカ ラーガの子孫ラーガ)の 2 つのクラスに分類できます。 Janya raga 自体はさまざまなカテゴリに分類されます。
タラとは、特定の楽曲のために設定された固定された時間サイクルまたは拍子を指し、拍子のグループから構成されます。タラは、定義された数の拍子のサイクルを持ち、曲の中で変化することはほとんどありません。タラには特定の構成要素があり、それらを組み合わせることで、存在する多様性（108以上）を生み出し、異なる楽曲が異なるリズムを持つことを可能にします。 [ 38 ]
カルナティック音楽の歌手は通常、特定のパターンで手を上下に動かし、同時に指を使って拍子を刻むことでリズムを刻みます。タラは、ラグ、ドリタム、アヌドリタムという3つの基本部分（アンガと呼ばれる）で構成されますが、複雑なタラにはプルタム、グル、カーカパーダムなどの他の部分が含まれる場合もあります。ラグ、ドリタム、アヌドリタムから形成できる基本的なタラのグループは7つあります。
ラグには、数え方のパターンに基づいて5 つのバリエーション (ジャティと呼ばれる) があります。5 つのジャティに 7 つのタラ グループを掛けると 35 の基本タラが得られますが、他のアンガを使用すると、合計 108 のタラになります。
ラーガにおける即興演奏は、インド古典音楽の重要な側面である。[ 39 ] [ 40 ]カルナティック音楽で「マノダルマ・サンギータム」または「カルパナ・サンギータム」（「想像の音楽」）として知られるものは、さまざまな種類の即興演奏から成り立っている。[ 40 ] [ 41 ]
カルナティック音楽における主な伝統的な即興演奏の形式は次のとおりです。[ 42 ] [ 43 ]
アラパナ（ラガムとも呼ばれる）[ 44 ]は、ラガまたは音階の提示であり、リズムのないゆっくりとした即興演奏[ 45 ]で、ラガが装飾の基礎となる[ 37 ] 。アラパナを演奏する際、演奏者は各ラガを、始まりと終わりがあり、何らかの思考のシーケンスで構成されている対象として考える[ 37 ] 。
演奏者はラーガムを探求し、そのさまざまなニュアンスに触れ、[ 44 ]まず低いオクターブで歌い、徐々に高いオクターブへと進みながら、演奏される曲のヒントを与える。[ 45 ]
理論的には、ルールが非常に少ないため、これは最も簡単なタイプの即興演奏であるはずだが、実際には、心地よく、包括的で（「ラーガの雰囲気を伝える」という意味で）、そして何よりも独創的なラーガ・アラパナを歌うには、高度な技術が必要となる。
ニラヴァルは、通常、より上級の演奏者によって演奏され、歌の歌詞の 1 行または 2 行を繰り返し歌いますが、一連のメロディーの即興的な展開を伴います。[ 46 ]ニラヴァルは即興のメロディーの変奏で構成されていますが、一般的に、元の持続時間のパターンは維持されます。[ 47 ]歌詞の各行の単語は、タラサイクルの元の位置 (イダム)内に固定されたままです。[ 48 ]また、歌詞は、2 倍速、3 倍速、4 倍速、さらには6倍速を含むさまざまな速度で演奏されます。[ 49 ]即興的な展開は、作曲のラーガ、テンポ、およびテーマを概説することを目的として行われます。
カルパナスワラム（スワラカルパナとも呼ばれる）は、スワラ（ソルファ音節）を用いて旋律的およびリズム的なパッセージを即興で演奏するものである。[ 50 ]ニラヴァルと同様に、[ 51 ]カルパナスワラムは旋律のラーガの特定のスワラで、かつターラサイクルの特定の場所（イダム）で終わるように歌われる。[ 52 ]
カルパナスワラにはある程度予測可能なリズム構造があります。[ 53 ]スワラはサマム（リズムサイクルの最初の拍）で終わるように歌われます。[ 49 ]スワラは歌われているメロディーと同じ速度または2倍の速度で歌うこともできますが、3倍の速度で歌うアーティストもいます。[ 49 ]
カルパナスワラムは最も基本的な即興演奏の一種であり、通常は他のどの形式の即興演奏よりも先に教えられる。
タナムは最も重要な即興演奏の形式の一つであり、ラーガム・タナム・パラヴィに不可欠な要素です。[ 54 ]元々はヴィーナのために開発されたもので、タ、ナム、トム、アー、ノム、ナなどの音節でラーガを拡張することから成ります。
ラーガム、ターナム、パッラヴィはコンサートにおける主要な長形式であり、[ 54 ]即興演奏の複合形式です。名前が示すように、ラーガ・アラパナ、ターナム、パッラヴィのラインで構成されています。ゆっくりとしたテンポのターラに合わせて、パッラヴィのラインは演奏者によって作曲されることがよくあります。ニラヴァルを通して、演奏者は複雑な旋律とリズムの方法でパッラヴィのラインを操作します。[ 44 ]ニラヴァルの後にはカルパナスワラムが続きます。
タニ・アヴァルタナムとは、コンサートで打楽器奏者が演奏する長尺のソロを指し、[ 55 ]通常はコンサートのメイン曲の後に演奏されます。[ 48 ]打楽器奏者は、2分から20分に及ぶこともあるこのソロで、自身のスキルとリズム感を余すところなく発揮します。[ 55 ]
インド北部のヒンドゥスターニー音楽とは対照的に、カルナータカ音楽は、複雑な音楽的要素を数多く含んだ楽曲を通して教えられ、学ばれる。同時に、自由な即興演奏の余地も残されている。カルナータカ音楽の楽曲は、作曲家の構想と演奏家の解釈が融合しているため、ほぼすべての演奏が異なり、独自のものとなっている。
カルナティック音楽の楽曲は、音楽的要素と、楽曲を通して伝えられるメッセージという、二つの要素から成り立っています。おそらくこのため、カルナティック音楽の楽曲の多くは歌唱のために作曲されているのでしょう。豊かな音楽体験に加え、それぞれの楽曲は作曲家の知識と個性を際立たせており、そのため歌詞は音楽的要素そのものと同じくらい重要です。このため、演奏家にとっては特別な挑戦となります。なぜなら、この音楽を演奏するには、単に正しい音符を演奏したり歌ったりするだけでは不十分だからです。演奏家は、作曲家が様々な言語で伝えようとしたメッセージを理解し、作曲家が意図した効果を生み出すような音楽的フレーズを歌うことが求められるのです。
楽曲には様々な種類や形式がある。
ギータムやスワラジャティ（それぞれ独自の構成構造を持つ）は、主に基礎的な学習練習として用いられることを意図している。
インド古典舞踊やインドの宗教音楽とより一般的に関連付けられている楽曲も、カルナティック音楽のレパートリーでますます使用されるようになっている。サンスクリット語のシュローカ、タミル語のヴィルッタム、カンナダ語のウガボーガ、テルグ語のパディヤムまたはシサパディヤ形式の演奏は特に独特である。これらの形式は歌詞に基づく詩で構成されているが、音楽家はアラパナのように自由なリズムでラーガのフレーズを即興演奏するため、音価とテキストの意味の両方が、音楽家を精巧な旋律の即興演奏へと導く。[ 46 ]ディヴィヤ・プラバンダム、テヴァラム、ウガボーガなどの形式はしばしば同様に演奏されるが、これらの形式はデヴァラナマ、ジャヴァリ、パダム、ティラナ、ティルップガズ形式のように、決まった旋律とリズムを持つこともある。
カルナティック音楽において最も一般的で重要な形式は、ヴァルナムとクリティ（またはキルタナム）である。
ヴァルナムは、ラーガの主な特徴と要件を凝縮した短い韻律の曲です。[ 57 ]ラーガの特徴と規則（ラーガのサンチャーラーとも呼ばれる）には、ラーガの各音符をどのように強調するか、ラーガの音階などが含まれます。[ 58 ]すべてのヴァルナムは、歌詞[ 59 ]と、パッラヴィ、アヌパッラヴィ、ムクタイー・スワラ、チャラナム、チッタスワラなどのスワラ・パッセージで構成されています。[ 58 ]
複雑な構造で知られるヴァルナムは、カルナティック音楽の基本的な形式です。[ 59 ]ヴァルナムは、カルナティック音楽の演奏家によって、声の訓練をし、適切な音程とリズムのコントロールを維持するために、さまざまな速度で声楽練習として行われます。カルナティック音楽のコンサートでは、ヴァルナムは演奏家によってオープニング曲として演奏されることが多く、演奏家のウォーミングアップとして、[ 60 ]また聴衆の注意を引く手段としても機能します。[ 58 ]
カルナティック音楽（クリティ）は構造やスタイルが多様だが、一般的には3つの要素から構成されている。
この種の歌はキールタナムまたはクリティと呼ばれます。クリティには他にも様々な構成があり、チッタスワラと呼ばれるスワラのパッセージが含まれる場合もあります。チッタスワラは音符のみで構成され、歌詞はありません。また、チャラナの最後にマディヤマカーラと呼ばれる詩句を持つものもあります。これはチャラナの直後に歌われますが、倍速で歌われます。
カルナティック音楽には多くの作曲家がいます。プーランダラ・ダーサ（1484年～1564年）は、カルナティック音楽の教授法の基礎を体系化し、カルナティック音楽に多大な貢献をしたことから、カルナティック音楽のピタマハ（父または祖父）と呼ばれています。彼はスワラヴァリとアランカラと呼ばれる段階的な練習法を体系化し、同時に、初心者が最初に学ぶべき音階としてラーガ・マヤマラヴァゴウラ を導入しました。また、初心者向けにギータ（簡単な歌）も作曲しました。
同時代の作曲家であるティヤーガラージャ（1767年 - 1847年）、ムトゥスワーミ・ディークシタール（1776年 - 1835年）、シャマ・シャストリ（1762年 - 1827年）は、シャマ・シャストリの作品の質、ムトゥスワーミ・ディークシタールの作品の多様性、ティヤーガラージャのクリティ作曲における多作ぶりから、カルナータカ音楽の三巨匠とみなされている。[ 61 ]
カルナティック音楽の三位一体以前の著名な作曲家には、シュリパダラジャ、ヴィヤーサティルタ、カーナカダーサ、ヴァディラージャ ティルタ、アルナーチャラ カヴィ、アンナマチャリヤ、ナラーヤナテルタ、ヴィジャヤ ダサ、ジャガンナータ ダサ、ゴーパラ ダサ、バドラチャラ ラマダス、サーダシヴァ ブラフメンドラ、オトゥッカドゥなどがあります。ヴェンカタ・カビ。他の作曲家は、スワティ・ティルナル、ゴパラクリシュナ・バーラティ、ニーラカンタ・シヴァン、パトナム・スブラマニア・アイヤー、マイソール・ヴァスデヴァチャール、コティーシュワラ・アイヤー、ムティア・バガヴァタル、スブラマニア・バーラティヤル、カリャーニ・ヴァラダラジャン、M.バラムラクリシュナ、パパナサム・シヴァンです。これらの作曲家の作品は、現代のアーティストによって頻繁に演奏されている。
カルナティック音楽の作曲家は、宗教的な信仰に触発されることが多く、通常はカンナダ語、マラヤーラム語、サンスクリット語、タミル語、テルグ語のいずれか、または複数の言語に精通した学者でした。彼らは通常、ムドラと呼ばれる署名を作品に含めていました。たとえば、ティヤーガラージャ (サンスクリット語とテルグ語で作曲) のすべての歌には、ティヤーガラージャという言葉が含まれており、ムットゥスワーミ ディークシタール (サンスクリット語とマニプラヴァーラム語で作曲) のすべての歌には、グルグハという言葉が含まれています。シャマ シャストリ (サンスクリット語とテルグ語で作曲) の歌には、シャマクリシュナという言葉が含まれています。プランダラダーサ (カンナダ語とサンスクリット語で作曲) のすべての歌には、プランダラ ヴィッタラという言葉が含まれています。タミル語で作曲したゴーパーラクリシュナ・バラティは、作品にゴーパーラクリシュナンという署名を使用した。カルナティック音楽のタミル・ティヤーガラージャとして称賛されているパパナサム・シヴァン[ 62 ]は、タミル語とサンスクリット語で作曲し[ 62 ] 、作品にラマダサンという署名を使用した。
カルナティック音楽は伝統的に、プーランダラ・ダーサによって体系化されたシステムに従って教えられています。これには、サラリ・スワラ（段階的な練習）、アランカラ（7つのタラに基づいた練習）、ギータム（簡単な歌）、そしてスワラジャティが含まれます。生徒が一定のレベルに達すると、ヴァルナムが教えられ、その後、クリティを学びます。生徒がコンサートで演奏できるほど熟練するまでには、通常数年の学習が必要です。
学習教材と練習問題は、南インドのすべての州でほぼ統一されている。学習構成は、難易度が上がる順に構成されている。レッスンは、サラリ・ヴァリサイ（特定のラーガに合わせたソルフェージュ）の学習から始まる。
カルナティック音楽は伝統的にグルクラ制度で教えられており、生徒は師匠（グル）と共に生活し、師匠から音楽の技を学んだ。しかし、20世紀後半以降、生活様式の変化や、若い音楽家志望者が学業と並行して音楽の道を歩む必要性が高まったことから、この制度を利用する人はほとんどいなくなった。
音楽家は、自分が属するグル・パラムパラ（師弟関係の序列）、つまり著名な古代の音楽家や作曲家からの弟子の階層について人々に知ってもらうことを非常に誇りに思うことが多い。弟子の階層がよく言及される人物としては、ティヤーガラージャ、ムトゥスワーミ・ディークシタール、シャマ・シャストリ、スワティ・ティルナール、パパナサム・シヴァンなどが挙げられる。
現代では、生徒が音楽を学ぶために毎日または毎週師匠のもとを訪れるのが一般的です。オーディオカセットやCDに録音された学習教材など、手軽に学習できるメディアが普及したことで、新しいテクノロジーによって学習は容易になりましたが、ほとんどの師匠は対面での学習が生徒にとって最善であると主張し、こうしたメディアの利用を推奨していません。
インド音楽において記譜法は新しい概念ではありません。しかし、カルナティック音楽は何世紀にもわたり、書き留められることなく口頭で伝えられてきました。この方法の欠点は、例えばプーランダラ・ダーサが作曲したクリティについて学びたい場合、プーランダラ・ダーサの弟子の系譜から人物を探し出すという困難な作業が必要だったことです。
カルナティック音楽の楽譜表記は、17世紀後半から18世紀初頭にかけて、タンジョールにおけるシャハージー2世の統治時代に復興した。シャハージーの楽譜写本は現在もタンジョールのサラスワティ・マハル図書館に所蔵されており、当時の音楽とその形式を知る手がかりとなる。これらの写本には、前述のラーガを演奏する際に用いられるソルフェージュの断片が記されている。
西洋の古典音楽とは異なり、カルナティック音楽は、ほぼ例外なくトニック・ソルファ記譜法で表記され、ソルファ名を表すためにローマ字またはインド文字が用いられます。過去に五線譜を使用しようとした試みは、ほとんどが失敗に終わりました。インド音楽では、西洋音楽の教会旋法よりもはるかに多い、数百ものラーガが用いられます。カルナティック音楽を五線譜で表記するには、臨時記号を多用せざるを得ません。さらに、五線譜では、曲を特定の調で演奏する必要があります。調と絶対音感の概念は西洋音楽に深く根付いていますが、カルナティック記譜法では調を指定せず、音符を表すために音階度（相対音高）を用いることを好みます。歌手は、主音の実際の音高を自由に選択できます。より正確なカルナティック記譜法では、音符の上に、音符の演奏方法や歌い方を示す記号が付けられますが、非公式にはこの慣習は守られていません。
音符の長さを表すには、いくつかの方法があります。音符の長さを2倍にする場合は、文字を大文字にするか（ローマ字の場合）、発音記号を付けて長さを長くします（インドの言語の場合）。長さが3の場合は、文字を大文字（または発音記号付き）にしてからコンマを付けます。長さが4の場合は、文字を大文字（または発音記号付き）にしてからセミコロンを付けます。このように、セミコロンとコンマを組み合わせることで、任意の長さを表すことができます。
しかし、セミコロンや大文字を使わず、対応する数のコンマを使って音符の拡張を示す、よりシンプルな表記法が発展しました。したがって、Sā の長さを 4 倍にすると「S,,,」と表記されます。
表記法は、ターラムの構造に応じて列に分けられます。ラグとドゥルタムの区切りは、ア।で示され、これはダンダーと呼ばれます。同様に、2つのドゥルタムまたはドゥルタムとアヌドゥルタムの区切りもア।で示されます。サイクルの終わりは、ア॥で示され、これは二重ダンダーと呼ばれ、休止符のように見えます。
カルナティック音楽は通常、一段高い舞台に座った少人数の音楽家によるアンサンブルで演奏される。これは通常、少なくとも主役の演奏者、旋律伴奏、リズム伴奏、ドローンで構成されている。[ 63 ]
演奏は音楽的なものと音楽劇的なものに分けられます。音楽リサイタルは声楽のみ、または純粋に器楽のみで、音楽劇リサイタルはハリカタを指します。[ 63 ]どのようなタイプのリサイタルであっても、このジャンルの音楽の中核を成す楽曲が演奏されます。
タンブーラは、コンサートで使用される伝統的なドローン楽器です。しかし、タンブーラはシュルティボックスに取って代わられつつあり、現在では電子タンブーラがより一般的になっています。ドローン自体は演奏に不可欠な部分であり、安定性をもたらします。これは西洋音楽におけるハーモニーに相当します。 [ 64 ]
声楽リサイタルでは、コンサートチームには主役として1人または複数の声楽家がいる場合があります。伴奏としてサラスワティ・ヴィーナやヴェーヌ・フルートなどの楽器が使われることもありますが、通常は声楽家はヴァイオリン奏者（声楽家の左側に座る）に支えられます。リズム伴奏者は通常、ムリダンガム奏者（ヴァイオリン奏者の反対側に座る）です。ただし、ガタム、カンジーラ、モルシングなどの他の打楽器も、主役の打楽器に伴奏し、ほぼ対位法的な形で拍子に合わせて演奏されることがよくあります。
伴奏楽器の目的は、単にメロディーを奏でたり、リズムを刻んだりすることだけにとどまりません。伴奏は演奏されるすべての楽曲に不可欠な要素であり、リードシンガーが奏でるメロディーのフレーズに寄り添い、それをさらに豊かに彩ります。ボーカリストとヴァイオリニストは、ラーガ、ニラヴァル、カルパナスワラムといったパートで、交互に演奏を繰り広げたり、創造性を発揮したりします。
ヒンドゥスターニー音楽のコンサートでは、伴奏のタブラ奏者が音楽のフレーズに必ずしも従わずに拍子を刻むことができるのに対し、カルナティック音楽では、多くの楽曲にエドゥップなどの打楽器要素が含まれているため、伴奏者は楽曲の複雑な構成に忠実に従わなければならない。
コンサートによっては、リードミュージシャンと伴奏者が音符を交換したり、伴奏者がリードミュージシャンの音楽的なフレーズを予測したりするなど、活発なやり取りが見られるものもある。
現代のカルナティック音楽のコンサート（クッチェリと呼ばれる）は通常3時間ほど続き、様々な楽曲で構成されています。カルナティック音楽は特定のラーガに基づいて作曲されており、そのラーガの音階から逸脱することはありません。各楽曲は特定の音階と拍子で構成されていますが、演奏者は広範囲にわたって即興演奏を行います。即興演奏は楽曲の旋律だけでなく、音階を用いてラーガの美しさを表現する際にも行われます。
コンサートは通常、オープニング曲となるヴァルナムまたは祈祷曲で始まります。ヴァルナムはラーガの音階（スワラ）を重視して作曲されますが、歌詞（サヒティヤム）も含まれています。聴衆の注意を引くために、活気がありテンポの速い曲です。祈祷曲は通常、ヴァルナムの後に演奏されます。
ヴァルナムや祈祷曲の後、演奏者はキールタナ（一般的にはクリティと呼ばれる）と呼ばれる長めの楽曲を歌います。各クリティは特定のラーガに忠実ですが、複数のラーガで構成されたものもあり、これらはラーガマーリカ（ラーガの花輪）として知られています。
オープニングのクリティを歌った後、通常は、演奏者はそのラーガのカルパナスワラムを拍子に合わせて歌います。演奏者は、ラーガの規則に従って任意のオクターブで一連のスワラを即興で演奏し、クリティから選んだフレーズでスワラをつなぎながら、拍子のサイクルの最初にスムーズに戻らなければなりません。ヴァイオリンは、メインの演奏者と交互にこれらを演奏します。非常に長い一連のスワラでは、演奏者は、ラーガに忠実であり、曲の拍子に不自然な休止やずれがなく、知識のある聴衆が理解できる複雑な音符のパターンを作り出すために、音符を正確に計算しなければなりません。
演奏者は、まずラーガを探求するラーガ・アラパナと呼ばれる部分からメインの楽曲を始めます。この部分では、スワラの代わりにアー、リ、ナ、タなどの音を使って、ラーガの音符と流れをゆっくりと展開していきます。これはゆっくりと始まり、クレッシェンドへと高まり、最終的に演奏者の技量を示す複雑なラーガの展開を確立します。これらすべては、リズム伴奏や拍子なしで行われます。次に、旋律伴奏（ヴァイオリンまたはヴィーナ）がラーガを展開します。経験豊富なリスナーは、数音を聴いただけで多くのラーガを識別できます。このようにラーガが確立されると、通常は歌詞とともに歌が始まります。この部分では、伴奏（通常はヴァイオリン、時にはヴィーナ）がメインの演奏者と打楽器（ムリダンガムなど）とともに演奏します。曲の次の段階では、彼らは再びニラヴァルまたはカルパナスワラムを歌うかもしれない。
ほとんどのコンサートでは、メイン演目の最後に打楽器ソロ（タニ・アヴァルタナムと呼ばれる）のセクションが設けられています。打楽器奏者は複雑なリズムパターンを演奏し、その技量を披露します。複数の打楽器が用いられる場合は、メインの演奏者が再びメロディーを奏でるまで、打楽器奏者たちはリズミカルな対話を繰り広げます。経験豊富な演奏者の中には、メイン演目として使用しない場合でも、コンサートの途中でラーガム・タナム・パラヴィを演奏することもあります。
メインの楽曲に続いて、コンサートはより短く軽快な曲へと続きます。コンサートの終盤に演奏される曲には、ティラーナやトゥッカダなどがあり、これらは人気のクリティの抜粋や、聴衆からのリクエストによる楽曲です。その日の最後のコンサートは必ずマンガラムで締めくくられ、感謝の祈りとともに音楽イベントの幕引きとなります。
典型的なコンサートの聴衆は、カルナティック音楽についてある程度の知識を持っています。また、聴衆が演奏者の演奏に合わせてタラ（リズム）を刻む光景もよく見られます。演奏者が創造性を発揮すると、聴衆は拍手でそれを称えます。経験豊富な演奏者の場合、コンサートの中盤になるとリクエストが次々と寄せられます。演奏者は通常、リクエストされた曲を歌いますが、これは数千曲にも及ぶクリティ（カルナティック音楽の楽曲）に関する演奏者の幅広い知識を示すのに役立ちます。
インドをはじめ世界各地で、カルナティック音楽の演奏をフィーチャーした様々な音楽祭が開催されている。
19 世紀にチェンナイ (当時はマドラスとして知られていた) がカルナティック音楽の中心地として台頭すると、[ 24 ]その音楽家たちは1846 年にティヤーガラージャ アラダーナフェスティバルを創設した。アラダーナ フェスティバルは、多作なカルナティック音楽の作曲家ティヤーガラージャの命日を祝う毎年恒例の祭典である。ティルヴァヤル市で開催されるこのフェスティバルには、何千人もの音楽家が集まり、彼の作品を演奏する。その創設以来、インド国内外で同様の方法で他のフェスティバルが開始され、インドのグルヴァユール市のチェンバイ サンギートルサヴァムや、アメリカのクリーブランドのアラダーナなどがある。
チェンナイ市では、世界最大の文化イベントと評される6週間にわたる壮大な「音楽シーズン」も開催されます。 [ 65 ]音楽シーズンは、マドラス音楽アカデミーの開校を記念して1927年に始まりました。かつては伝統的な1か月間のカルナティック音楽祭でしたが、その後、ダンスや演劇、カルナティック以外の芸術形式にも多様化しました。コンサート主催者の中には、シーズン中に独自のカルナティック音楽祭を開催する人もいます。市内のさまざまな会場で、何百人もの音楽家による何千もの公演が行われます。
カルナータカ・ガナカラ・パリシャットは、毎年2月に開催されるカルナータカ音楽の年次会議で、午前中は講演や実演が行われ、午後と夕方には演奏会が開催される。
テルグ語はタミル地方を含む南部の文化言語となり、ほぼ同時期にフランス語が近代ヨーロッパの文化言語として圧倒的な地位を占めたのと似たような状況となった。そのため、テルグ語はカルナティック音楽の発展において重要な役割を果たしており、音楽大学では歌手を目指す学生にテルグ語を教えるのが慣例となっている。
この音楽はカルナータカ州発祥であったため、やがて全国的に「カルナティック音楽」として知られるようになった。