カルナータカ音楽

カルナータカ音楽、またはカルナータカ・サンギータ（ドラヴィダ語ではカルナータカ・サンギータまたはカルナータカ・サンギータムとして知られる）は、現代のインドのアーンドラ・プラデーシュ州、カルナータカ州、ケララ州、タミル・ナードゥ州、およびテランガーナ州東部と南部の一部、およびオリッサ州南部を含む南インドに一般的に関連付けられる音楽体系です。

カルナータカ音楽は、古代ヒンドゥー教のテキストと伝統、特にサマヴェーダから発展したインド古典音楽の3つの主要なサブジャンルの1つです。^[1]（他の2つはヒンドゥスターニー音楽とオディッシー音楽です）。カルナータカ音楽の主な重点は声楽であり、ほとんどの作品は歌うために書かれており、楽器で演奏する場合でもガヤキ（歌唱）スタイルで演奏されることになっています。

スタイルの違いはあるものの、基本要素であるśruti (相対的な音高)、svara (単音の音)、rāga (旋律のモードまたは定式)、tala (リズムのサイクル) は、カルナータカ音楽とヒンドゥスターニー音楽の両方において即興と作曲の基礎を形成している。即興が重要な役割を果たしているものの、カルナータカ音楽は主に作曲、特に14 世紀から 20 世紀にかけてプランダラ・ダサなどの作曲家によって発展した形式であるkriti (または kirtanam)やカルナータカ音楽の三位一体を通じて歌われる。カルナータカ音楽は通常、作曲を通じて教えられ、学ばれる。^{[2] [3]}カルナータカ音楽の発展においてはテルグ語が優勢である。^{[2] [3]}カルナータカ音楽の作曲のほとんどはテルグ語とサンスクリット語で書かれている。^[4]

カルナータカ音楽は、通常、主役（通常はボーカリスト）、メロディー伴奏（通常はバイオリン）、リズム伴奏（通常はムリダンガム）、演奏全体を通してドローンとして機能するタンブラで構成される小規模なアンサンブルのミュージシャンによって演奏されます。演奏で使用されるその他の一般的な楽器には、ガタム、カンジラ、モルシング、ヴェヌフルート、ヴィーナ、チトラヴィーナなどがあります。カルナータカ音楽のミュージシャンが最も集中しているのはチェンナイ市です。^[5]インド全土および海外でさまざまなカルナータカ音楽祭が開催されており、その中には世界最大の文化イベントの1つと見なされているマドラス音楽シーズンもあります。 ^{[6] [7]}

インド文化におけるすべての芸術形式と同様に、インド古典音楽は、デーヴァとデーヴィ（ヒンドゥー教の神々と女神）に由来する神聖な芸術形式であると信じられており、 ^{[8] [9]}ナーダ・ブラフマンの象徴として崇拝されています。^{[10]古代の論文はまた、}スヴァラ、つまり音符の起源と動物や鳥の鳴き声との関連と、鋭い観察力と知覚力を通じてこれらの音を模倣しようとする人間の努力について説明しています。インド古典音楽の基礎を築いたと考えられているサマヴェーダは、ヴェーダのヤグナ（儀式）で3つから7つの音符を使用して歌われる音楽の旋律に付けられたリグ・ヴェーダの賛美歌で構成されています。^{[9]主に犠牲の儀式からなる}ヤジュル・ヴェーダでは、声による朗誦の伴奏としてヴィーナが言及されています。 ^[11]インドの古典音楽については、ラーマーヤナやマハーバーラタなどの叙事詩を含む多くの古代の文献に言及されています。ヤジュナヴァルキヤ・スムリティには、 「ヴィーナに精通し、シュルティの知識を持ち、ターラに熟達した者は、疑いなく解脱（モクシャ）を得る」とある。 ^{[12]現代のカルナータカ}音楽は、いくつかの古代の著作、特にバーラタのナティヤ・シャーストラやイランゴ・アディガルのチラパティカラムで詳細に説明されている音楽概念（スヴァラ、ラーガ、ターラなど）に基づいている。^[13]

12世紀以降、北インドではペルシャとイスラムの影響により、インド古典音楽はヒンドゥスターニー音楽とカルナータカ音楽という2つの異なるスタイルに分かれ始めました。 ^[5]シャーンガデーヴァのサンギータ・ラトナカラなどの注釈書やその他の著作は、インド古典音楽に見られる音楽的概念をさらに詳しく説明しています。^[14] 16世紀と17世紀までに、カルナータカ音楽とヒンドゥスターニー音楽の間には明確な境界線がありました。 ^[15]カルナータカ音楽はペルシャとアラブの影響を比較的受けませんでした。この頃、カルナータカ音楽はヴィジャヤナガルで栄え、ヴィジャヤナガル帝国は最大の勢力に達しました。^[16] 「カルナータカ音楽の父（ピタマハ）」として知られるプランダラ・ダーサは、カルナータカ音楽の教授に一般的に使用されるシステムを策定しました。^{[9] [17]}ヴェンカタマキンは、サンスクリット語の著作『チャトゥルダンディ・プラカシカ』（1660年）の中で、ラーガ分類のメラカルタシステムの公式を考案し、著しました。 ^[15]ゴヴィンダチャリヤは、メラカルタシステムを、今日一般的に使用されているシステムであるサンプルナ・ラーガ体系に拡張したことで知られています。

16 世紀までに、インドの古典音楽は 2 つのスタイルに分かれました。北部のヒンドゥスターニー音楽と南部のカルナータカ音楽 (後にカルナータカ音楽と呼ばれる) です。「カルナータカ音楽」という用語は、歴史的にはカルナータカ王国として知られるヴィジャヤナガル王国に由来しています。後にイギリスの影響で「カルナータカ音楽」という名前に変更されましたが、この用語は 150 ～ 200 年ほどしか歴史がありません。

18世紀と19世紀には、カルナータカ音楽は主にマイソール王国、トラヴァンコール王国の地方王やタンジョールのマラータ王によって後援されていました。^[18]マイソール王国とトラヴァンコール王国の王族の中には、著名な作曲家や、ヴィーナ、ルドラヴィーナ、バイオリン、ガタム、ヴェヌ、ミリダンガム、ナダスワラム、スワラバートなどの楽器の演奏に長けた人もいました。^[19]音楽に長けた有名な宮廷音楽家には、ヴェーネ・シェシャナ（1852年 - 1926年）^{[20]やヴェーネ・}スッバンナ（1861年 - 1939年）^[21]などがいます。

19世紀後半、マドラス（現在のチェンナイ）がカルナーティック音楽の中心地として台頭しました。^{[22]かつての}藩王国が解体し、インド独立運動が1947年に終結すると、カルナーティック音楽は後援者の立場が劇的に変化し、サバーと呼ばれる民間団体がチケット制の公演を主催する大衆芸術となりました。

18世紀以降、海外、特に東南アジアとスリランカに南インド移民コミュニティが増加した。ナットコッタイ・チェッティアルなどのコミュニティは、その豊富なパトロン活動のおかげで、カルナータカ文化の海外展開に加わっている。^[23]そのため、カルナータカ音楽のアーティストは、現地のコミュニティ生活を活気づけるために、彼らの来訪を希望する南インドコミュニティの間で海外で演奏している。スリランカでは長い間、カルナータカ音楽はインド移民と結び付けられ、この種の音楽を典型的に演奏していた南インド人が経営するレストランや飲食店を指して、「トサイ・カーデ音楽」（「ドーサ店の音楽」）と蔑称されることが多かった。^[24]

20世紀以降、カルナータカ音楽は、ヒンドゥー教復興として知られる著名な文化運動に大きく影響されていたスリランカの特定の社会階層の間でかなりの人気を博した。 ^{[24] [25] [26]}カルナータカ音楽は、1920年代から1930年代にかけて、コロンボとジャフナのブルジョアジーの文化的およびアイデンティティの指標として、^{[26] [27]}ひいてはスリランカのタミル人の文化的およびアイデンティティの指標として、大いに宣伝された。現代のスリランカのタミル人のアイデンティティの構築においてカルナータカ音楽に与えられた位置は、かなりの程度まで達しており、例えば、1930年代半ばからは、ほとんどのジャフナの大学のカリキュラムでカルナータカ音楽が徐々に西洋のクラシック音楽の授業に取って代わっていった。^[26]また、コロンボとジャフナの上流社会階級の間ではカルナータカ音楽が高く評価され、若い女性がカルナータカ音楽を学ぶことは良い教育の証しと期待されている。^{[24] [26] [27] [28]}多くの人がスキル向上のためにインドへ渡っており、スリランカやスリランカ・タミル系からインドへ渡る留学生の流入は増加し続けています。^{[26] [29]}

カルナータカ音楽は主に声楽に重点を置いており、ほとんどの楽曲は歌うために書かれており、楽器で演奏される場合でも、歌唱スタイル（ガヤキと呼ばれる）で演奏されることが意図されています。 ^[30]ヒンドゥスターニー音楽と同様に、カルナータカ音楽は2つの主な要素に基づいています。ラーガ（旋律のモードまたは定式）とターハ（リズムのサイクル）です。[ ^30]

今日、カルナータカ音楽は、ミュージシャンによってコンサートやレコーディングで歌や楽器を通じて演奏されています。カルナータカ音楽自体は、驚異的な作曲家たちの音楽作品や作曲を中心に発展しました (下記参照)。

シュルティは一般に音楽の音高を指す。^[31]西洋音楽のトニック（またはより正確にはキー）にほぼ相当し、他のすべての音はここから派生する。また、オクターブ内の段階的な音高という意味でも使用される。カルナータカ音楽の音階（またはラガ）には無数の音が含まれるが、聴覚で区別できる音の数は22である（ただし、長年にわたり、そのうちのいくつかは収束してきた）。この意味で、シュルティは聴覚によって決定されるが、聞き手の心の中での表現でもある。^[32]

スヴァラとは、単一の音符である楽音の一種を指し、定義された周波数ではなく、音符の相対的な (高いまたは低い) 位置を定義します。^[31] スヴァラは、7 つの音符「サ・リ・ガ・マ・パ・ダ・ニ」からなるカルナティック音楽のソルフェージュも指します（ヒンドゥースタン語のサルガム:サ・レ・ガ・マと比較してください）。パダニ、または西洋のドレミファソラティ）。これらの名前は、シャジャ、リシャバ、ガンダーラ、マディヤマ、パンチャマ、ダイヴァタ、ニシダなどの長い名前の省略形です。他の音楽システムとは異なり、ソルフェージュの各メンバー (スワラと呼ばれます) には 3 つのバリエーションがあります。例外はドローン音、シャジャ音、パンチャマ音（トニック音とドミナント音としても知られる）で、これらは1つの形式しか持たず、マディヤマ音（サブドミナント音）は2つの形式を持つ。クドゥミヤン・マライの7世紀の石碑^[33]タミル・ナードゥでは、母音の変化がソルフェージュ記号のラ、リ、ルなどで示され、高音の四分音を表す。1つの音階、つまりラガでは、通常、各音のバリエーションは1つだけである。例外は「軽い」音階に存在する。ラーガには、芸術的な効果を出すために、上昇するもの（アロハナム）と下降するもの（アヴァロハナム）の 2 つがある場合があります。

カルナータカ音楽のラガは、メロディーを構築するための一連の規則を規定しており、西洋の旋法の概念に非常に似ています。^{[34]上昇（}アロハナム）と下降（アヴァロハナム）の動き、どの音符をより多く使用し、どの音符をより控えめに使用するかのスケール、ガマカ（装飾音）を付けて歌える音符、どのフレーズを使用するか避けるべきかなどの規則が指定されています。実際には、ラガは、絶対的または特定の頻度で遵守しなければならない一連の義務的な音楽イベントです。^[35]

カルナータカ音楽では、サンプールナ ラガ(音階に 7 つの音すべてが含まれるもの) は、メラカルタと呼ばれるシステムに分類され、含まれる音の種類に応じてグループ化されます。メラカルタ ラガは 72 種類あり、そのうち 36 種類のマディヤマ (下属音) はシュッダ (主音からの完全 4 度)、残りの 36 種類のマディヤマ (下属音) はプラティ (主音からの増 4 度) です。ラガは、チャクラ(「車輪」ですが、従来の表現では実際にはセグメントです)と呼ばれる 6 つのセットにグループ化され、上音階と中音階の度数に応じてグループ化されます。メラカルタ ラガの名前を決定するための、カタパヤディ サンキヤと呼ばれるシステムがあります。

ラーガは、ジャナカ ラーガ(つまり、メラカルタまたは親ラーガ) とジャンヤラーガ(特定のジャナカ ラーガの子孫ラーガ)の 2 つのクラスに分類できます。ジャンヤ ラーガ自体はさまざまなカテゴリに分類されます。

タラとは、特定の楽曲のために設定された、ビートのグループから構成される固定の時間サイクルまたはメーターを指します。 ^[要出典] タラは定義された数のビートのサイクルを持ち、曲の中ではほとんど変化しません。タラには特定のコンポーネントがあり、その組み合わせによって多様性（108以上）を生み出すことができ、異なる楽曲に異なるリズムを持たせることができます。 ^[36]

カルナータカ音楽の歌手は通常、手を特定のパターンで上下に動かし、同時に指を使って拍子を保ちながらリズムをとります。ターラは、ラグ、ダルタム、アヌドゥルタムの3 つの基本部分 (アンガと呼ばれる)で構成されていますが、複雑なターラには、プルタム、グル、カアカパーダムなどの他の部分が含まれる場合があります。ラグ、ダルタム、アヌドゥルタムから構成できる7 つの基本的なターラグループがあります。

• アタタラ
• ドゥルヴァ・タラ
• エカ タラ
• ジャンパ・タラ
• マティア・タラ^[要出典]
• ルパカ タラ
• トリプタ・タラ

ラグーには、数え方に基づいて5 つのバリエーション (ジャーティと呼ばれる) があります。5 つのジャーティに 7 つのタラ グループを掛けると、35 個の基本タラになりますが、他のアンガを使用すると合計 108 個のタラになります。

ラガにおける即興はインド古典音楽の魂であり^[37]、不可欠な要素である。^[38]カルナータカ音楽で「マノダルマ・サンギータム」または「カルパナ・サンギータム」（「想像の音楽」）として知られるこの音楽には、さまざまな即興演奏が含まれている。^{[38] [39]}

カルナータカ音楽における即興演奏の主な伝統的な形式は以下のとおりである。^{[40] [41]}

• アラパナ
• ニラヴァル
• パラヴィ
• ラガム
• スワラカルパナ
• タナム
• タニ・アヴァルタナム

アラパナはラガムとも呼ばれ、^[42]ラガまたは音の提示であり、リズムのないゆっくりとした即興であり、^[43]ラガが装飾の基礎として機能します。 [35]アラパナを演奏する際、演奏者は各ラガを、始まりと終わりがあり、何らかの形で思考の連続で構成されているオブジェクトとして考えます。 [ ^{35 ]}

演奏者はラガムを探求し、その様々なニュアンスに触れながら、^[42]まず低いオクターブで歌い、その後徐々に高いオクターブへと移りながら、演奏する曲のヒントを与えます。^[43]

理論的には、ルールが非常に少ないため、これは最も簡単なタイプの即興であるはずですが、実際には、心地よく、包括的（「ラガの感覚」を与えるという意味で）、そして最も重要なことに、独創的なラガ アラパナを歌うには、多くのスキルが必要です。

ニラヴァルは、通常、上級者によって演奏され、歌詞の1行または2行を繰り返し歌い、一連のメロディーを即興で展開するものです。^[44]ニラヴァルは即興のメロディーの変化から成りますが、一般的に、元の持続パターンは維持されます。^[45]歌詞の各行の単語は、タラサイクル内の元の位置（イダム）にとどまります。^[46]その後、行は2倍速、3倍速、4倍速、さらには6倍速を含むさまざまな速度レベルで演奏されます。^[47]即興の展開は、ラガ、テンポ、および作品のテーマの概要を示す目的で行われます。^[要出典]

カルパナスワラムはスワラカルパナとも呼ばれ、スワラ（ソルファ音節）を使ってメロディーとリズムの部分を即興で演奏するものです。^[48]ニラヴァルと同様に、^{[49]カルパナスワラはメロディーの}ラガの特定のスワラとターラサイクルの特定の場所（イダム）で終わるように歌われます。^[50]

カルパナスワラはある程度予測可能なリズム構造を持っています。^{[51]スワラは}サマム（リズムサイクルの最初の拍子）で終わるように歌われます。 ^[47]スワラは歌われているメロディーと同じ速度または2倍の速度で歌うこともできますが、3倍の速度でフレーズを歌うアーティストもいます。^[47]

カルパナスワラムは最も基本的なタイプの即興であり、通常は他の形式の即興よりも先に教えられます。

タナムは即興演奏の最も重要な形式の一つであり、ラガム・タナム・パッラヴィに不可欠な要素です。^[52]もともとヴィーナのために開発されたもので、ラガをtha、nam、thom、aa、nom、naなどの 音節で拡張するものです。

ラガム、タナム、パッラヴィはコンサートの主な長編形式であり、^[52]即興の複合形式です。名前が示すように、ラガ・アラパナ、タナム、パッラヴィ・ラインで構成されています。ゆっくりとしたテンポのターラに合わせて、パッラヴィ・ラインは演奏者によって作曲されることがよくあります。ニラヴァルを通して、演奏者は複雑な旋律とリズムでパッラヴィ・ラインを操作します。^[42]ニラヴァルの後にカルパナスワラムが続きます。

タニ・アヴァルタナムとは、コンサートで打楽器奏者が演奏する長いソロのことを指し、^[53]通常はコンサートのメイン曲の後に演奏されます。^[46]打楽器奏者は、ソロ中に自分のスキルとリズムの想像力を最大限に発揮します。ソロは2分から20分かかることもあります。^[53]

インド北部のヒンドゥスターニー音楽とは対照的に、カルナータカ音楽は、多くの複雑な音楽的詳細をコード化し、自由な即興の余地も提供する作曲を通じて教えられ、学ばれます。カルナータカ音楽の作曲のほぼすべての演奏は、作曲家の構想と音楽家の解釈の要素を体現しているため、それぞれが異なり、独特です。

カルナーティック音楽の楽曲には、実際には 2 つの要素があります。1 つは音楽的要素、もう 1 つは楽曲で伝えられる内容です。カルナーティック音楽の楽曲のほとんどが歌うために作曲されているのは、おそらくこのためでしょう。豊かな音楽体験に加え、各楽曲は作曲者の知識と個性を引き出しており、したがって歌詞は音楽的要素自体と同じくらい重要です。これはミュージシャンにとって特別な課題となります。なぜなら、この音楽を演奏するには、正しい音符を演奏したり歌ったりするだけでは不十分だからです。ミュージシャンは、作曲者がさまざまな言語で伝えた内容を理解し、作曲者が楽曲で意図した効果を生み出すような音楽フレーズを歌うことが求められます。

作曲にはさまざまな種類/形式があります。

ギータムとスワラジャティ（それぞれ独特の構成構造を持つ）は、主に基礎的な学習練習として使用されることを目的としています。

インド古典舞踊やインドの宗教音楽とより一般的に関連付けられる作品も、カルナータカ音楽のレパートリーでますます使用されるようになっています。サンスクリット語の スロカ、タミル語のヴィルッタム、カンナダ語のウガボーガ、テルグ語のパディヤムまたはシサパディヤ形式の演奏は特にユニークです。これらの形式は歌詞に基づいた詩で構成されていますが、ミュージシャンはアラパナのように自由なリズムでラーガ^{フレーズを即興で演奏します。 [44]}そのため、音価とテキストの意味の両方が、ミュージシャンを精巧なメロディの即興演奏に導きます。^[54]ディヴィヤ・プラバンダム、テヴァラム、ウガボーガなどの形式は同様に演奏されることがよくありますが、これらの形式もデヴァラナーマ、ジャヴァリ、パダム、ティラナ、ティルップガズ形式のように決まったメロディーとリズムを持つ場合があります。

カルナータカ音楽で最も一般的で重要な形式は、ヴァルナムとクリティ（またはキルタナム）です。

ヴァルナムは、ラガの主な特徴と要件を要約した短いメトリック楽曲です。^[55]ラガの特徴とルール（ラガのサンチャラーとも呼ばれる）には、ラガの各音符の強調方法、ラガの音階などが含まれます。^[56]すべてのヴァルナムは歌詞^[57]と、パッラヴィ、アヌパッラヴィ、ムクタイ・スワラ、チャラナム、チッタスワラなどのスワラ節で構成されています。^[56]

複雑な構造で知られるヴァルナムは、カルナータカ音楽の基本的な形式です。^[57]ヴァルナムは、カルナータカ音楽の演奏者によって、発声文化の発達、適切なピッチとリズムのコントロールの維持に役立つように、さまざまな速度で発声練習として練習されています。カルナータカ音楽のコンサートでは、ヴァルナムはミュージシャンによってオープニングアイテムとして演奏されることが多く、ミュージシャンのウォームアップとして、 ^[58]聴衆の注目を集める手段として機能します。^[56]

カルナータカ歌曲（クリティス）は構造やスタイルが多様ですが、一般的には次の 3 つの単位から構成されます。

1. パッラヴィ。これは西洋音楽のリフレインに相当するもので、1行または2行で構成されます。
2. Anupallavi。これは2行からなる2番目の詩です。
3. チャラナ。歌を締めくくる最後の（そして最も長い）詩節。チャラナムは通常、アヌパラヴィからパターンを借用します。チャラナは複数ある場合もあります。

この種の歌はキールタナムまたはクリティと呼ばれます。クリティには他の構造もあり、チッタスワラと呼ばれるスワラ節が含まれることもあります。チッタスワラは音符のみで構成され、歌詞はありません。さらに、チャラナの最後にマディヤマカーラと呼ばれる詩節があるものもあります。マディヤマカーラはチャラナの直後に歌われますが、2倍の速度で歌われます。

カルナーティック音楽には多くの作曲家がいます。プランダラ・ダサ（1484-1564）は、カルナーティック音楽の指導における基本的なレッスンを考案し、またカルナーティック音楽への多大な貢献を讃えられて、カルナーティック音楽のピタマハ（父または祖父）と呼ばれています。彼は、スワラヴァリとアランカラとして知られる段階的な練習曲を体系化し、同時に、初心者が最初に学ぶ音階としてラーガ ・マヤマラヴァゴウラを導入しました。また、初心者向けの ギーター（簡単な歌）も作曲しました。

同時代のティヤーガラージャ（1767–1847）、ムトゥスワミ・ディクシタル（1776–1835）、シャマ・シャーストリ（1762–1827）は、シャマ・シャーストリの作品の質の高さ、ムトゥスワミ・ディクシタルの作品の多様性、ティヤーガラージャのクリティの多作さから、カルナーティック音楽の三位一体とみなされている。^[59]

カルナティック音楽の三位一体以前の著名な作曲家には、シュリパダラジャ、ヴィヤーサティルタ、カーナカダーサ、ヴァディラージャティルタ、アルナーチャラカヴィ、アンナマチャリヤ、ナラーヤナ テルタ、ヴィジャヤ ダサ、ジャガンナタ ダサ、ゴーパラ ダサ、バドラチャラ ラマダス、サーダシヴァ ブラフメンドラ、オトゥッカドゥなどがあります。ヴェンカタ・カビ。他の作曲家は、スワティ・ティルナル、ゴパラクリシュナ・バーラティ、ニーラカンタ・シヴァン、パトナム・スブラマニア・アイヤー、マイソール・ヴァスデヴァチャール、コティーシュワラ・アイヤー、ムティア・バガヴァタール、スブラマニア・バーラティヤル、カリャーニ・ヴァラダラジャン、M.バラムラクリシュナ、パパナサム・シヴァンです。これらの作曲家の作品は、現代の芸術家によって頻繁に演奏されています。

カルナータカ音楽の作曲家は、宗教的な信仰心からインスピレーションを受けることが多く、通常、カンナダ語、マラヤーラム語、サンスクリット語、タミル語、テルグ語のうち1つ以上の言語に精通した学者でした。彼らは通常、作品にムドラと呼ばれる署名を含めました。たとえば、ティヤーガラージャ（サンスクリット語とテルグ語で作曲）のすべての歌には「ティヤーガラージャ」という単語が含まれ、ムトゥスワミ・ディークシタール（サンスクリット語とマニプラヴァラムで作曲）のすべての歌には「グルグハ」という単語が含まれます。シャマ・シャストリ（サンスクリット語とテルグ語で作曲）の歌には「シャマ・クリシュナ」という単語が含まれます。プランダラダサ（カンナダ語とサンスクリット語で作曲）のすべての歌には「プランダラ・ヴィッタラ」という単語が含まれます。一方、タミル語で作曲したゴパラクリシュナ・バラティは、自身の作曲作品にゴパラクリシュナンという署名を使用した。カルナータカ音楽のタミル・ティヤーガラージャと称されるパパナサム・シヴァン[ ^60]は、タミル語とサンスクリット語で作曲し、^[60]自身の作曲作品に ラマダサンという署名を使用した。

カルナータカ音楽は伝統的に、プランダラ・ダサによって確立されたシステムに従って教えられています。これには、サラリ・スワラ（段階的な練習）、アランカラ（7つのターラに基づく練習）、ギータムまたは簡単な歌、スワラジャティが含まれます。生徒が一定の基準に達すると、ヴァルナムが教えられ、その後、生徒はクリティを学びます。生徒がコンサートで演奏できるほど熟達するまでには、通常、数年の学習が必要です。

学習テキストと練習問題は、南インドの全州でほぼ統一されています。学習構造は、複雑さが増す順に構成されています。レッスンは、サラリ バリサイ(特定のラガに合わせたソルフェージュ) の学習から始まります。

カルナーティック音楽は伝統的にグルクル制度で教えられており、生徒はグル（指導者）と一緒に暮らし、音楽を学びました。20 世紀後半以降、ライフスタイルの変化と、音楽を志す若者が学業と並行して同時にキャリアを追求する必要性が生じたため、この制度を採用する人はほとんどいませんでした。

音楽家は、しばしば、自分が属するグル・ パランパラ、つまり著名な古代の音楽家や作曲家の弟子の階層について人々に知らせることに大きな誇りを持っています。弟子の階層についてよく言及される人物としては、ティヤーガラジャ、ムトゥスワミ・ディクシタール、シャマ・サストリ、スワティ・ティルナル、パパナサム・シヴァンなどがいます。

現代では、学生が毎日または毎週、指導者のもとを訪れて音楽を学ぶのが一般的です。オーディオ カセットや CD に録音された学習練習などの速習メディアが利用できるようになったことで、新しいテクノロジーによって学習が容易になりましたが、ほとんどの指導者は対面学習が学生にとって最適であると強調し、こうしたメディアの使用を推奨していません。

記譜法はインド音楽において新しい概念ではありません。しかし、カルナータカ音楽は何世紀にもわたり、書き留められることなく口頭で伝えられてきました。このシステムの欠点は、たとえばプランダラ・ダサが作曲したクリティについて学びたい場合、プランダラ・ダサの弟子の系譜から人物を探すという困難な作業を伴うことでした。

カルナータカ音楽の記譜法は、17 世紀後半から 18 世紀初頭にかけて復活しました。これは、タンジョールにおけるシャーハージー 2 世の統治と同時期です。シャーハージーの楽譜のコピーは、今でもタンジョールのサラスワティ マハル図書館で入手でき、この音楽とその形式について知ることができます。これらの楽譜には、前述のラガを演奏するときに使用する ソルフェージュの断片が含まれています。

西洋古典音楽とは異なり、カルナーティック音楽は、ソルファ名を表すためにローマ字またはインド文字を使用する、ほぼ独占的に主音のソルファ記譜法で記譜されています。五線譜記譜法を使用する過去の試みは、ほとんどが失敗に終わりました。インド音楽は、西洋音楽の教会旋法よりもはるかに多くの、何百ものラーガを使用します。五線譜記譜法を使用してカルナーティック音楽を記述する場合、臨時記号をあまり使用せずに記述することは困難になります。さらに、五線譜記譜法では、曲を特定のキーで演奏する必要があります。キーと絶対音感の概念は西洋音楽に深く根ざしていますが、カルナーティック記譜法ではキーを指定せず、音符を表すために音階度（相対音感）を使用することを好みます。歌手は、主音の実際の音高を自由に選択できます。カルナーティック記譜法のより正確な形式では、音符の上に、その音符をどのように演奏または歌うべきかを示す記号が配置されますが、非公式にはこの慣習は守られていません。

音符の長さを示すには、いくつかの方法が使用されます。音符の長さを 2 倍にする場合、文字を大文字にするか (ローマ字の場合)、または発音区別符号で長くします (インドの言語の場合)。長さが 3 の場合、文字を大文字 (または発音区別符号付き) にして、その後にコンマを付けます。長さが 4 の場合、文字を大文字 (または発音区別符号付き) にして、その後にセミコロンを付けます。このように、一連のセミコロンとコンマを使用して、任意の長さを示すことができます。

しかし、セミコロンや大文字を使わず、対応する数のコンマを使用してすべての音符の拡張を示す、より単純な表記法が開発されました。したがって、長さが 4 倍のSā は「S,,,」と表記されます。

表記法は、ターハムの構造に応じて列に分割されます。ラグとドゥルタムの区切りは、 ḍaṇḍāと呼ばれる a। で示され、2 つのドゥルタムの間、またはdhrutamとanudhrutamの間の区切りも同様です。サイクルの終わりは、二重 ḍaṇḍāと呼ばれる a॥ で示され、セスーラのように見えます。

カルナータカ音楽は通常、高くなったステージに座る小規模なアンサンブルのミュージシャンによって演奏されます。これは通常、少なくとも主役、メロディー伴奏、リズム伴奏、ドローンで構成されます。^[61]

演奏は音楽的なものと音楽劇的なものとがある。音楽リサイタルは声楽か純粋に器楽的なもので、音楽劇リサイタルはハリカタを指す。^[61]リサイタルの種類に関係なく、このジャンルの音楽の中核をなす作品が演奏される。

タンブーラはコンサートで使用される伝統的なドローン楽器です。しかし、タンブーラは次第にシュルティボックスや、現在ではより一般的には電子タンブーラに取って代わられつつあります。ドローン自体は演奏に不可欠な要素であり、西洋音楽のハーモニーに相当する安定性をもたらします。 ^[62]

声楽リサイタルでは、コンサート チームに 1 人以上のボーカリストが主役として含まれることがあります。サラスワティ ヴィーナやヴェヌフルートなどの楽器が伴奏として使用されることもありますが、通常はボーカリストをバイオリン奏者がサポートします (バイオリン奏者の左側に座ります)。リズム伴奏は通常、ムリダンガム奏者です (バイオリン奏者の反対側に座ります)。ただし、ガタム、カンジラ、モルシンなどの他の打楽器も頻繁に主打楽器の伴奏として使用され、ビートに合わせて ほぼ対位法で演奏されます。

伴奏楽器の目的は、メロディーを追ってビートを保つことだけではありません。伴奏は、発表されるすべての楽曲の不可欠な部分を形成し、リード シンガーが概説するメロディー フレーズに密接に従い、それを補強します。ボーカリストとバイオリニストは、ラガ、ニラヴァル、カルパナスワラムなどのセクションで詳細を説明したり、創造性を発揮したりしながら、交代で演奏します。

ヒンドゥスターニー音楽のコンサートでは、伴奏のタブラ奏者は音楽のフレーズに従わなくてもビートを保つことができますが、カルナータカ音楽では、いくつかの作品にエドゥプなどの打楽器の要素があるため、伴奏者は作品の複雑さに従わなければなりません。

いくつかのコンサートでは、リードミュージシャンと伴奏者が音符を交換したり、伴奏者がリードミュージシャンの音楽フレーズを予測したりと、かなりのやりとりが行われます。

現代のカルナータカ音楽コンサート（クチェリと呼ばれる）は通常約 3 時間続き、さまざまな曲で構成されています。カルナータカの歌は特定のラガで作曲されており、ラガの音符から逸脱することはありません。各曲は特定の音符と拍子で設定されていますが、演奏者は広範囲に即興します。即興は、曲のメロディーだけでなく、ラガの美しさを解説するために音符を使用する際にも行われます。

コンサートは通常、オープニング曲となるヴァルナムまたは祈祷曲で始まります。ヴァルナムはラガのスワラに重点を置いて作曲されていますが、歌詞であるサーヒティヤムもあります。観客の注目を集めるために、活気があり、テンポも速い曲です。祈祷曲は通常、ヴァルナムの後に続きます。

ヴァルナムや祈祷文の後に、アーティストはキルタナ（一般にクリティと呼ばれる）と呼ばれるより長い曲を歌います。各クリティは特定のラガに固執しますが、複数のラガで構成されるものもあります。これらはラガマリカ（ラガの花輪） として知られています。

通常、冒頭のクリティを歌った後、演奏者はラガのカルパナスワラムをビートに合わせて歌います。演奏者はラガのルールに従って任意のオクターブでスワラの連続を即興で演奏し、スワラをクリティから選択したフレーズにつなげて、ビートのサイクルの最初にスムーズに戻ります。バイオリンはメインの演奏者と交互にこれを演奏します。非常に長いスワラの連続では、演奏者はラガに沿っていること、曲のビートにぎこちない休止や途切れがないこと、知識のある聴衆が追える複雑な音符のパターンを作成することを確実にするために、音符を正確に計算する必要があります。

次に演奏者は、ラガを探求するラガ・アラパナと呼ばれるセクションで主要な楽曲を開始します。ここでは、スワラの代わりにアー、リ、ナ、タなどの音を使用して、ラガの音符と流れをゆっくりと詳しく説明します。これはゆっくりと始まり、クレッシェンドへと高まり、最後に演奏者のスキルを示すラガの複雑な展開を確立します。これはすべて、リズム伴奏やビートなしで行われます。次に、メロディー伴奏 (バイオリンまたはヴィーナ) がラガを解説します。経験豊富なリスナーは、いくつかの音を聞くだけで多くのラガを識別できます。このようにしてラガが確立されると、通常は歌詞とともに歌が始まります。ここでは、伴奏 (通常はバイオリン、場合によってはヴィーナ) がメインの演奏者とパーカッション (ムリダンガムなど) と一緒に演奏されます。歌の次の段階では、再びニラヴァルまたはカルパナスワラムを歌うこともあります。

ほとんどのコンサートでは、メインの曲の最後には少なくとも打楽器が独奏するセクション（タニ アヴァルタナムと呼ばれる）があります。打楽器奏者は複雑なリズムパターンを演奏し、その技量を披露します。複数の打楽器が使用される場合、メインの演奏者が再びメロディーを奏でるまで、打楽器奏者はリズミカルな対話をします。経験豊富なアーティストの中には、メインの曲として使用しない場合、コンサートの途中で メインの曲の後にラガム タナム パラヴィを演奏する人もいます。

メイン曲に続いて、コンサートは短くて軽い曲で続きます。コンサートの終盤に演奏される曲の種類には、ティラナやトゥッカダがあります。これらは、人気のあるクリティや観客のリクエストによる曲の一部です。その日の最後のコンサートはすべて、感謝の祈りと音楽イベントの締めくくりであるマンガラムで終わります。

典型的なコンサートの聴衆は、カルナータカ音楽についてある程度理解しています。また、聴衆がアーティストの演奏に合わせてタラを叩くのも一般的です。アーティストが創造性を発揮すると、聴衆は手を叩いてそれを認めます。経験豊富なアーティストの場合、コンサートの中盤に近づくと、リクエストが殺到し始めます。アーティストは通常​​、リクエストを歌いますが、これは存在する 数千のクリティに関するアーティストの幅広い知識を示すのに役立ちます。

カルナータカ音楽の演奏をフィーチャーしたさまざまな音楽フェスティバルがインドおよび世界中で開催されています。

19世紀にチェンナイ（当時はマドラスと呼ばれていた）がカルナーティック音楽の中心地として台頭し、^[22] 1846年にその音楽家たちがティヤーガラジャ・アラダナ・フェスティバルを創設した。アラダナ・フェスティバルは、多作なカルナーティック音楽の作曲家ティヤーガラジャの命日を毎年祝うものである。ティルヴァヤル市で開催されるこのフェスティバルには、何千人もの音楽家が参加し、彼の作品を演奏する。このフェスティバルが始まって以来、インドのグルヴァユル市でのチェンバイ・サンギートルサヴァムや、米国のクリーブランド市でのアラダナなど、インド全土や海外で同様のフェスティバルが始まった。

チェンナイ市では、6週間にわたる盛大な「ミュージックシーズン」も開催され、これは世界最大の文化イベントと言われています。^{[63]ミュージックシーズンは、}マドラス音楽アカデミーの開校を記念して1927年に始まりました。かつては1か月にわたる伝統的なカルナータカ音楽祭でしたが、それ以来、ダンスや演劇、カルナータカ以外の芸術形式にも多様化しました。一部のコンサート主催者は、シーズン中に独自のカルナータカ音楽祭を開催します。市内のさまざまな会場で、何百人ものミュージシャンによる何千もの公演が行われます。

カルナータカ・ガナカラ・パリシャットは、毎年 2 月に開催されるカルナータカ音楽の年次会議で、午前中に講義とデモンストレーション、午後と夕方に演奏が行われます。

• カルナータカ音楽の作曲家一覧
• ラーガを作曲した作曲家の一覧
• カルナータカ歌手のリスト
• カルナータカ楽器奏者一覧
• カルナータカ音楽の三位一体

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