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| トミー | ||||
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| スタジオアルバム | ||||
| リリース | 1969年5月19日 | |||
| 記録済み | 1968年9月19日 – 1969年3月7日 | |||
| スタジオ | IBCとモルガン、ロンドン | |||
| ジャンル | ハードロック | |||
| 長さ | 74 : 44 | |||
| ラベル | ||||
| プロデューサー | キット・ランバート | |||
| ザ・フーUK 年表 | ||||
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| ザ・フー米国年表 | ||||
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| トミーのシングル | ||||
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『トミー』は、1969年5月19日にリリースされた、イギリスのロックバンド、ザ・フーの4枚目のスタジオアルバムです。 [2]ギタリストのピート・タウンゼントが主に作曲した『トミー』は、 2枚組アルバムであり架空の人物トミー・ウォーカーと、彼が精神的指導者、救世主となるまでの道のりを描いた初期のロックオペラです。 [3]
タウンゼントは、メヘル・ババの著作を紹介された後に『トミー』の構想を思いつき、ババの教えを音楽に翻訳しようと試みた。アルバムのレコーディングは1968年9月に始まったが、スタジオで素材をアレンジして再レコーディングする必要があったため、完成までに6ヶ月を要した。ザ・フーは、1969年から1970年にかけて行われた『トミー』のライブ・バージョンを含む大規模なツアーでアルバムのリリースを宣伝した。ツアーの主要なギグには、ウッドストック、 1969年のワイト島音楽祭、リーズ大学、メトロポリタン歌劇場、1970年のワイト島音楽祭への出演が含まれていた。 『トミー』のライブ・パフォーマンスは批評家の賞賛を集め、バンドのキャリアに活力を与えた。
トミーは発売されると批評家から絶賛され、ザ・フーの躍進作として称賛された。後年、批評家からの評価は若干下がったが、それでもロック音楽の歴史において重要かつ影響力のあるアルバムだと評価する評論家は数人いる。1998年、トミーはグラミーの殿堂入りを果たした。
その後、このロックオペラは他のメディアにも展開され、1970年にはモントリオールでバレエ、 1971年にはシアトルオペラで上演、 1972年にはルー・レイズナーによるオーケストラ版、1975年にはケン・ラッセル監督、ジャック・ニコルソンとオリバー・リード出演の映画、 1992年にはブロードウェイミュージカルとして上演された。
『トミー』は、1996年のジョン・アストリーによるリミックス、2003年のデラックススーパー オーディオ CD 、2013年のスーパー デラックス ボックス セット (未発表デモやライブ マテリアルを含む)など、CD で何度か再発されています。
概要
トミーはトミー・ウォーカー[4]という架空の人物の物語です。[5]トミーの以下のあらすじはオリジナルアルバムのリリース後に公開されました。[6]
イギリス陸軍のウォーカー大尉は遠征中に行方不明になり、死亡したと思われていた（「序曲」）。彼の妻、ウォーカー夫人は息子トミーを出産した（「It's a Boy」）。数年後、ウォーカー大尉は帰宅し、妻が新しい愛人を見つけたことを知る。大尉はトミーの目の前で愛人を殺害する。トミーの両親はトミーに、何も見たり聞いたりしていないと信じ込ませる。トミーは解離し始め、外の世界に対して耳が聞こえず、口がきけず、目が見えなくなる（「1921」）。トミーは触覚と想像力に頼り、内なる精神を発達させていく（「Amazing Journey/Sparks」）。[7]
いんちき医者が、自分の妻がトミーを治せると主張する（「ホーカー」）。トミーの両親は、孤独の中で彼が決して宗教を見つけられないことにますます苛立ちを募らせる（「クリスマス」）。トミーの両親は彼を無視し、サディスティックな「いとこケビン」に拷問され、叔父アーニーに性的虐待を受ける（「フィドル・アバウト」）。ホーカーの麻薬中毒の妻「アシッド・クイーン」はトミーにLSD を投与し、音楽的に表現された幻覚体験を引き起こす（「アンダーチャー」）。[7]
トミーは成長するにつれ、ピンボールの達人になれるほど振動を感じられるようになる (「ピンボール ウィザード」)。両親は彼を評判の良い医者のところに連れて行く (「医者がいる」)。医者は、少年の障害は身体的なものではなく心因性だと診断する。トミーは医者に「鏡のところへ行け!」と言われ、両親は彼が自分の姿をじっと見つめることができることに気づく。トミーが家の中で長時間鏡をじっと見つめているのを見た母親は、イライラして鏡を壊す (「鏡を壊せ」)。これでトミーの精神的なブロックが取り除かれ、彼は正気を取り戻し、自分が強力なリーダーになれると気づく (「センセーション」)。彼は宗教運動を始める (「私は自由だ」)。それが信者たちの間で熱狂を生み出し (「サリー シンプソン」)、ホリデー キャンプへと拡大する(「ようこそ」/「トミーのホリデー キャンプ」)。しかし、トミーの信奉者たちは最終的に彼の教えを拒否し、キャンプを去る（「We're Not Gonna Take It」）。トミーは再び内向きになり（「See Me, Feel Me」）、彼を取り囲むものに対する驚きを表明し続けた。[7]
背景
タウンゼントは1966年以来、標準的な3分間のポップシングルのフォーマットを超える方法を模索していた。[8]共同マネージャーのキット・ランバートはタウンゼントの考えを共有し、音楽的なアイデアを発展させるよう奨励し、[9] 「ロックオペラ」という言葉を思いついた。この言葉が最初に使われたのは、両親が子供の性別を選択できる未来を舞台にした『 Quads』という組曲だった。ある夫婦は女の子を4人望んでいたが、代わりに女の子3人と男の子1人を授かり、男の子は結局女の子として育てられる。このオペラはヒットシングル「 I'm a Boy」という1曲を書いただけで放棄された。[10]ザ・フーの2枚目のアルバム「A Quick One」のレコーディング中に素材が不足したとき、ランバートはタウンゼントにその不足分を埋めるために「ミニオペラ」を書くよう提案した。タウンゼントは当初反対したが、最終的にはそれに同意し、「 A Quick One, While He's Away 」を思いつき、短い音楽をつなぎ合わせて連続した物語にした。[11] 1967年、タウンゼントはピアノの弾き方を学び、ピアノで曲を書き始め、仕事に真剣に取り組むようになった。[12]その年のザ・フーのアルバム『セル・アウト』の最後の曲「ラエル」にはミニオペラが収録されており、「ア・クイック・ワン ...」のように一連の音楽セグメントが組み合わされた組曲であった。[13]
私が希望するパッケージは、「耳が聞こえず、口がきけず、目が見えない少年」というタイトルです。これは、生まれつき耳が聞こえず、口がきけず、目が見えなかった少年の人生を通して起こる出来事についての物語です。しかし、本当に大切なのは、少年が物事を基本的に振動として捉えており、それを音楽として解釈しているという事実です。私たちが本当にやりたいのは、音楽を聴くと少年の存在に気づき、少年の本質に気づくことができるという感覚を作り出すことです。なぜなら、私たちは演奏しながら少年を創り上げているからです。」
ピート・タウンゼントがジャン・ウェナーと話しているところ、1968年8月[14]
1968年までに、タウンゼントはザ・フーが音楽的にどう発展していくべきか確信が持てなくなっていた。グループはもはやティーンエイジャーではなかったが、彼は自分たちの音楽が時代の流れに乗ったものであり続けたいと考えていた。[15]友人でインターナショナル・タイムズの アートディレクター、マイク・マッキナニーが彼にインドの精神的指導者であるメヘル・ババについて話し、[16]タウンゼントはババの慈悲、愛、内省の価値観に魅了された。[17]ザ・フーの商業的成功はシングル「ドッグス」がトップ20入りを逃した後衰退し、バンドが解散する危機に瀕していた。 [18]グループは依然としてライブで好成績を収め、春と夏のほとんどを米国とカナダでのツアーに費やしたが、[19]ステージでの演技はタウンゼントのギターの破壊やキース・ムーンのドラムの破壊に頼っており、グループは借金を抱え続けた。タウンゼントとキット・ランバートは、ヒットシングルや新しいステージショーよりも自分たちの音楽を表現する大きな媒体が必要だと気付き、タウンゼントはメヘル・ババへの愛をこのコンセプトに取り入れたいと考えた。[20]彼はザ・フーが、アルバムの中ではまとまりのあるまとまりのある曲をいくつもレコーディングすべきだと考えた。また、ビートルズやビーチ・ボーイズのようなバンドが、ライブ演奏を想定していないスタジオ作品を制作する傾向に対抗するため、コンサートで演奏したいと考えていた。[21]
1968年8月、ローリングストーン誌のインタビューで、タウンゼントは新しいロックオペラについて話し、11ページに及ぶ全体のプロットを詳細に説明した。[22]ザ・フーの伝記作家デイブ・マーシュは後に、インタビューは完成したアルバムよりも物語をよりよく描写していると述べた。[23]タウンゼントは後に、その青写真に従ってアルバムを書かざるを得なくなったと感じ、詳細を公開したことを後悔した。[24]しかし、ザ・フーの他のメンバーはそのアイデアに熱心で、彼にプロジェクトの芸術的コントロールを任せた。[25]
録音
ザ・フーは1968年9月19日にIBCスタジオでアルバムのレコーディングを開始した。[26]この時点では正式なタイトルはなく、Deaf, Dumb and Blind Boy、Amazing Journey、Journey into Space、The Brain Opera、Omnibusなどと様々に呼ばれていた。タウンゼントは最終的に、イギリスで一般的な名前であり、第一次世界大戦の兵士のニックネームであったことから、 Tommyに落ち着いた。[27]キット・ランバートがプロデュースを担当し、デイモン・ライオン・ショウがエンジニアを務めた。セッションは午後2時から午後10時までブロックブッキングされたが、レコーディングは早朝まで続くことも多かった。[26]
このアルバムは8トラックシステムを使用して録音され、様々な楽器をオーバーダビングすることができた。タウンゼントはスタジオで数本のギターを使用したが、特にギブソン J-200アコースティックとギブソン SGを使用した。[28]タウンゼントは普段の楽器に加え、ピアノとオルガンを演奏し、ベーシストのジョン・エントウィッスルはフレンチホルンでダブルを担当した。キース・ムーンは、ローディーのトニー・ハスラム所有の新しいダブルベースキットを使用した。プレミアは、機材が酷使されたためこれ以上の貸し出しを拒否したためである。[26]タウンゼントが大半の曲を書いたが、アレンジはバンド全員で行った。ボーカルのロジャー・ダルトリーは後に、タウンゼントはよく未完成のデモ音源を持って来たと語り、「アレンジメントなどを整理したり、レコーディングと同じくらい話したりしたと思う」と付け加えた。[29]タウンゼントはエントウィッスルに、いじめや虐待という暗いテーマを扱った2曲（「カズン・ケビン」と「フィドル・アバウト」）を書くよう依頼した。「トミーのホリデー・キャンプ」は、トミーが率いることができる宗教運動の種類についてのキース・ムーンの提案だった。ムーンはアイデアを提案したことで作詞家としてのクレジットを得たが、音楽はタウンゼントが作曲し演奏した。[30] かなりの量の素材が以前の録音よりも軽いスタイルで、ボーカルがより目立っていた。ムーンは後に「当時は、とてもザ・フーらしくなかった。曲の多くはソフトだった。私たちは決してそんな風に演奏しなかった」と語っている。[31]
曲の一部は、すでに他のプロジェクトのために書かれていた。「センセーション」は、1968年初頭のザ・フーのオーストラリアツアーでタウンゼントが出会った少女について、「ウェルカム」と「アイム・フリー」はメヘル・ババを通して見つけた平和について、「サリー・シンプソン」は暴力に汚されたドアーズとのライブに基づいて書かれた。[32]他の曲はザ・フーによって以前に録音されており、再利用された。「イッツ・ア・ボーイ」はザ・フーのセル・アウトのアウトテイク「グロー・ガール」から派生したもので、「スパークス」と「アンダーチャー」は「ラエル」のインストゥルメンタルテーマの1つを再利用して拡張したものである。[33]タウンゼントによると、「アメイジング・ジャーニー」はオペラの「完全な始まり」であり、プロット全体を要約している。[33] 「ホーカー」はソニー・ボーイ・ウィリアムソンの「アイサイト・トゥ・ザ・ブラインド」のカバーである。マーシー・ディー・ウォルトンの「ワン・ルーム・カントリー・シャック」のカバーも録音されたが、タウンゼントがそれをストーリーに組み込む方法を見つけられなかったため、最終的なトラックリストから削除された。[34]
IBCでのレコーディングは、完全なプロットと曲の選択が不十分だったため、遅々として進まなかった。グループはアルバムが1968年のクリスマスまでに完成することを望んでいたが、セッションは長引いた。メロディーメーカーのクリス・ウェルチは11月にIBCスタジオを訪れ、作業環境と素材に感銘を受けたものの、[35]プロジェクトにはまだタイトルがなく、一貫したプロットもなかった。[30]ザ・フーの米国のレコード会社であるデッカ・レコードは、新製品を待つのに我慢できなくなり、コンピレーションアルバム「マジック・バス：ザ・フー・オン・ツアー」をリリースしたが、ローリングストーン誌のグレイル・マーカスから、素材の選択の悪さと誤解を招くタイトル（アルバムにはスタジオ録音が含まれており、ライブではない）について痛烈に批判された。 [36]
ザ・フーは1968年末にレコーディングの休みを取り、ツアーに出ました。12月10日にはローリング・ストーンズのロックンロール・サーカスに出演し、好評を博しました。 [37]彼らは1969年1月にIBCでセッションを再開し、月曜から木曜までブロックブッキングを行いましたが、借金をこれ以上増やさないために毎週末にギグを行わなければなりませんでした。[38] 4月末には大規模なツアーが予定されており、ザ・フーのセル・アウトから1年以上が経過していたため、グループのマネージメントはそれまでにアルバムを完成させる必要があると主張しました。[39]キット・ランバートは脚本「トミー (1914–1984)」を書き、プロが印刷してバンドにコピーを渡し、ストーリーに集中できるようにし、アルバムをダブルアルバムにすることを決定しました。[38]グループはまだ新しい素材を考え出していました。ランバートは、この曲にはちゃんとした序曲が必要だと主張したが[39]、タウンゼントはピンボールファンのニック・コーンがニューヨークタイムズでアルバムに好意的なレビューを書けるように「ピンボール・ウィザード」を書いた。[40]ランバートはアルバムにオーケストラを参加させたかったが、タウンゼントは強く反対し、時間と予算の制約により実現は不可能だった。[39]
1969年3月までに、いくつかの曲は複数回録音されていたが、タウンゼントは依然として欠けている部分があると感じていた。[41]エントウィッスルは録音にうんざりしており、後に「曲を何度もやり直して若返らせなければならなかった...それが私たちを狂わせ始めた」と語っている。 [28]最後の録音セッションは3月7日に行われ、その日「ピンボール・ウィザード」はシングルとしてリリースされた。[42]グループはシングルのツアーリハーサルとプロモーション活動を開始し、ランバートはカイロで休暇を過ごした。ミキシングはデイモン・ライオン・ショウとアシスタントエンジニアのテッド・シャープに任されたが、彼らはIBCがその仕事に適していないと考えた。 [43]ステレオマスタリングが月末まで続いたため、アルバムは4月の締め切りを過ぎてしまった。 [44]
リリースと受信
カバーアートワークをめぐる遅延の後、トミーは1969年5月19日に米国ではデッカから、英国では5月23日にトラックレコードから発売された。[45]オリジナルのダブルアルバムは、レコードチェンジャーに対応するために、サイド1と4を1枚のディスクに、サイド2と3をもう1枚のディスクに収録した構成だった。[46]
このアルバムは商業的に成功し、イギリスのアルバムチャートで2位に達した。1969年にはアメリカで最高7位を記録したが[47] 、 1970年に再びチャート入りし、その時には最高4位を記録した。[48]アメリカだけで最初の2週間で20万枚を売り上げ、8月18日には50万枚の売り上げでゴールドレコードを受賞した。[49] 「ピンボール・ウィザード」、「アイム・フリー」、「シー・ミー、フィール・ミー」はシングルとしてリリースされ、ラジオで放送された。「ピンボール・ウィザード」はアメリカでトップ20、イギリスでトップ5に達した。「シー・ミー、フィール・ミー」はアメリカでトップ20に達し、「アイム・フリー」はトップ40に達した。アルバムからの選曲によるEPが1970年11月にイギリスで発売される予定だったが、中止された。[50]
リリースされたとき、アルバムは傑作で新しいジャンルの始まりだと考える批評家と、搾取的だと感じる批評家に分かれた。アルバムはBBCや米国の一部のラジオ局で敵対的な反応を受け、トニー・ブラックバーンは「ピンボール・ウィザード」を「不快」と評した。[44]それでも、BBCラジオ1は5月初めにアルバムの試聴版を受け取り、 5月3日にピート・ドラモンドの番組で初めてオンエアした。[46]タウンゼントはアルバムのリリースを宣伝するためにインタビューを行い、ストーリーラインを説明しようとした。残念ながら、このアルバムは基本的にメヘル・ババの精神的戒律という抽象的な概念を扱っていたため、インタビューでは混乱したり矛盾したりする詳細が語られることが多かった。[51]
メロディーメーカー誌のクリス・ウェルチは、ロニー・スコッツで行われたアルバムのプレス発表会に出席し、20時間も耳鳴りが続くほどの大音量だったにもかかわらず、「もっと聴きたかった」と結論付けた。ディスク・アンド・ミュージック・エコー誌は、「トミーとは誰か: 傑作」という見出しを一面で掲載した。[49]批評家やファンはストーリー展開に困惑したが、キット・ランバートは、これによって『トミー』は1世紀前のリヒャルト・ワーグナーやジャコモ・プッチーニのオペラに劣らず混乱することになる、と指摘した。 [52]ヴィレッジ・ヴォイス誌の1969年のコラムで、音楽評論家のロバート・クリストガウは、マザーズ・オブ・インヴェンションの『 We're Only in It for the Money 』を別にすれば、『トミー』はロック音楽で最初の成功した「拡張作品」だが、タウンゼントのパロディ的な側面はフランク・ザッパよりも「深遠で曖昧」であると述べた。彼は、タウンゼントがアルバムを各曲が個別に楽しめるように意図的に構成したことを賞賛し、彼が「自身の特異性を隠すことなく、聴衆が望むものを提供する」ことを決意していると感じた。[53] アルバート・ゴールドマンはライフ誌に寄稿し、ザ・フーは「物語の奇妙な複雑さすべて」を、現代の「シリアス」なロックのほとんどとは正反対のハードロックスタイルで演奏していると述べた。ゴールドマンは、革新性、パフォーマンス、そして「純粋なパワー」に基づいて、トミーはスタジオ録音のロックのどれよりも優れていると主張した。[54]ロバート・クリストガウは、ジャズ＆ポップ誌の年末リストでトミーを1969年のベストアルバムに挙げた。 [55]
遺産と再評価
音楽ジャーナリストのリッチー・ウンターバーガーによると、『トミー』は当時の批評家からザ・フーの躍進作として称賛された。[56] ロバート・クリストガウは1983年に「トミーのオペラ的志向はあまりにも明白で、何年もの間、タウンゼントの音楽的アイデアが歌詞に追いつくことは決してないだろうと推測しても間違いではなかった」と書いた。[65]オールミュージックのレビューでウンターバーガーは、アルバムには若干の欠陥があるものの、「多くの素晴らしい曲」が「適度に力強い優雅さ」に満ちており、タウンゼントの長い物語を考案する能力は「ロック音楽に新たな可能性」をもたらしたと述べた。 [56] アンカット誌は、アルバムは「途中で多くのことを達成しているが、その野心を完全に実現していない」と書き、後のアルバムであるクアドロフェニアほど発展していないと感じた。[64] マーク・ケンプは、ローリングストーン・アルバムガイド（2004年）で「振り返ってみると、『トミー』は当初宣伝されていたほどの傑作ではない」と感じており、ザ・フーの『セル・アウト』の方が優れていたが、タウンゼントのおかげで「正真正銘の名曲」がいくつか生まれたと示唆している。[66] 「ロックオペラは今日では笑いもののように思えるかもしれないが、ザ・フーが1969年に『トミー』でそれを世界にもたらしたとき、それは比類のないスリルだった」とローリングストーンのマック・ランドールは2004年にもっと肯定的な評価で書いている。「ほぼ35年経った今でも、このクラシックロックの試金石は人々を魅了する力を持っている。」[67]
1998年、このアルバムは「歴史的、芸術的、重要な価値」を理由にグラミーの殿堂入りを果たした。 [68] 2000年にはコリン・ラーキンのオールタイム・トップ1000アルバムで52位に選ばれた。[69] 2003年、ローリング・ストーン誌はトミーを史上最高のアルバム500選で96位にランク付けし、[70] 2012年の改訂版でもその評価を維持し、[71] 2020年のリストでは190位に再ランク付けされた。[72]このアルバムはザ・フーの「死ぬ前に聴くべき1001枚のアルバム」に数枚掲載されているうちの1枚である。[73]
音楽評論家のマーサ・ベイルズによると、トミーは「ロックオペラ」というタイトルが示唆するようにロックとクラシック音楽を混ぜたものではなく、「重々しくリズムが単調なザ・フーの成熟したスタイル、つまりハードロックが支配的だった」という。[74]ベイルズは、1960年代後半の文化的風潮により、当時のアートロックの「作り物」よりも観客に受け入れられやすかったと主張した。「トミーは、ムソルグスキーを加工したものではなく、ハードロックで構成されているため、より本物とみなさ れ、アートロックの典型的な疑似ロマンティックなテーマ（おとぎ話のような幸福と終末的な不安）を避け、より現代的な大衆文化そのものの主題を好んだ。」[74] ハイ・フィデリティ誌もザ・フーのアルバムをオペラの「適度にハードロック版」と評した。[75]
デイヴ・マーシュは、アルバムの物語の問題点は歌詞によって提供されるつなぎの材料が十分でないことだと考えていた。舞台指示もキャストも存在せず、ナレーションはキーフレーズ（「トミー、私の声が聞こえる？」など）に限定されている。[51]主な問題としては、「1921」でトミーが何を聞いていなかったのか、何を見ていなかったのか、なぜピンボールをするのか、「Smash the Mirror」が「I overwhelm as I approach you」（「Sensation」の冒頭の歌詞）につながる理由、「We're Not Gonna Take It」でトミーがファンに飲酒や喫煙はできないがピンボールはできると伝える理由、「Listening to you, I get the music」の「you」が何なのか、などが挙げられる。[76]
2013年、タウンゼントとダルトリーはアルバム『トミー』の制作過程を描いたドキュメンタリーに参加した。このドキュメンタリーは『センセーション：ザ・フーのトミーの物語』と題され、彼らへの詳細なインタビューが収録されている。[77]
エディションとカバーアート
『トミー』は元々 、マイク・マッキナニーがアートワークをデザインした2枚組LPセットとして発売され、歌詞や物語の一部を説明したイラストが掲載されたブックレットが付属していた。タウンゼントは1968年9月にマッキナニーに『トミー』のカバーアートワークを依頼した。[ 78 ]タウンゼントは当初、アラン・アルドリッジをカバーデザイナーとして検討していた。 [78]カバーは三連画風の折り込みカバーの一部として提供され、ブックレットには物語の概要を示す抽象的なアートワークが含まれていた。[6]アルバムにはすべての曲の歌詞が含まれ、個々のキャラクターが示されていたが、プロットの概要は記載されていなかったため、ショーのために詳細な概要を記載したコンサートプログラムが準備された。[6]
タウンゼントは、メヘル・ババの信奉者であるマイク・マッキナニーがカバーを担当するのにふさわしいと考えた。レコーディングがほぼ完了したとき、マッキナニーは完成した曲とストーリーの簡単な概要が入ったカセットテープを何本か受け取った。彼はそれがババの教えに基づいていることをすぐに認識した。[79]彼は耳が聞こえず、口がきけず、目が見えない少年の世界を伝えたいと考え、「ある種の制限された世界から自由へと抜け出す様子を描く」ことにした。[80]完成したカバーには、青と白の雲の網と、その左側の黒い空間に拳が突き刺さっている様子が描かれていた。
一方、内側の三連画には、光に手を伸ばしている手と、暗い虚空に輝く光が描かれている。[80]タウンゼントはレコーディングを終えるのに忙しく、アートワークを適切に承認することができなかったが、キット・ランバートはそれを強く支持し、うまくいくと言った。最終段階はレコード会社ポリドールの承認を得ることだったが、バンドの写真がカバーに掲載されることが唯一の譲歩となった。これらは表紙の地球儀に追加されました。[81]これらの写真は、1996年のCDリマスター再発版では削除されました。[82]
Tommy は1984年に2枚組CDとして初めて発売された。[83] Mobile Fidelity Sound Labはその後1990年にアルバムの特別シングルディスク版を発売し、「Eyesight to the Blind」の別テイクと「Smash the Mirror」のガラスの低音量での広範囲な破損をフィーチャーした。[84]また、1993年にはシングルディスク発売のためにErick Labsonによってリマスターされた。[85]ポリドールとMCAは1996年にシングルディスクで新たにリマスターされたバージョンを発売し、これはJon Astleyによってリミックスされた。Astleyはオリジナルの8トラックテープにアクセスし、「Christmas」のギター、「Sparks」のフレンチホルン、「 The Acid Queen 」のシンバル、 「We're Not Gonna Take It」のオルガンなど、埋もれていた楽器を取り出すことができた。[86]このリリースには、マイク・マッキナニーの完全なアートワークとリチャード・バーンズによる序文が付いていた。[81]この版では、レコード会社の要請により当初は掲載されていたザ・フーの顔が削除されるようにカバーが改訂された。[82]
2003年、『トミー』は5.1マルチチャンネルミックスの2枚組デラックス・ハイブリッド・スーパーオーディオCDとして発売された。リマスターはタウンゼントの監修のもと行われ、「Dogs-Part 2」（「ピンボール・ウィザード」のB面）、「カズン・ケビン・モデル・チャイルド」、「ヤング・マン・ブルース」など、オリジナルアルバムには収録されていない関連曲も収録されている。さらにアルバムのデモや、最終的な収録順からは外された未発表曲も収録されている。[87] ローリング・ストーン誌は、このディスクは1996年のCDよりも音響的に「濁っている」と評し、オリジナルの台本がないことを批判した。[67] 2013年、スーパーデラックス版の『トミー』が3枚組CD/ブルーレイボックスセットとして発売された。このパッケージには、オリジナルアルバムのほかに、 1969年10月15日にカナダのオンタリオ州オタワのキャピタルシアターで行われたザ・フーのショーから主に抜粋された追加のデモとライブパフォーマンスが含まれている。このライブディスクは、ツアーのテープが1970年2月のリーズ大学でのショー（Live at Leeds）を優先して焼かれたという長年の神話を覆した点で重要である。[88]
ライブパフォーマンス
ザ・フーはプロジェクト開始当初からトミーをライブで演奏する計画を立てていた。グループは1969年4月、イーリングのハンウェル・コミュニティ・センターでライブ版のリハーサルを行い、4月23日にはステージ全体の最終リハーサルを行った。[44]演奏順は変更され、4曲（「カズン・ケビン」、「アンダーチャー」、「センセーション」、「ウェルカム」）は完全にカットされた。[89]タウンゼントは後に「グループは最初から最後まですべてをやり遂げ、その時に初めてまとまりのある演奏可能な曲ができたと気づいた」と語っている。[90]ロジャー・ダルトリーの歌唱力はグループの初期のツアー以来大幅に向上しており、彼らは新しいライブ・パフォーマンスが自分たちのキャリアを完全に変える可能性があることに気付いた。[44]
4月末に数回のウォームアップ公演を行った後、[46] 5月1日にグループはロンドンのロニー・スコッツ・ジャズ・クラブで報道陣にプレビューコンサートを行った。オペラの物語が理解しにくいことに気づいたタウンゼントは、ザ・フーがステージの最大音量でトミーを最初から最後まで演奏する前に、物語の概要を説明した。[49]翌日、グループは米国ツアーを開始するためニューヨークに飛び、5月9日にデトロイトのグランデ・ボールルームで最初の公演を行った。[46] 5月末、グループはシカゴのキネティック・プレイグラウンドで4夜公演を行い、観客が全員同時に立ち上がり、そのまま立ったままであることに気づいた。これはトミーのライブパフォーマンスがかなり肯定的な反応を示したことを示している。[91]
バンドはツアープロモーターのフランク・バーサローナが主催するアメリカの大ホールで演奏を続け、一般的にフェスティバルへの出演は避けていたが、[92] 8月16日のウッドストック・フェスティバルでは重要な例外を設けた。一晩中バーサローナと議論した後、バンドは12,500ドルでウッドストックで演奏することに同意した。[93]フェスティバルは遅れ、ザ・フーは8月17日の早朝までステージに上がらなかった。「ピンボール・ウィザード」の演奏中、アビー・ホフマンがジョン・シンクレアの投獄に抗議してステージに上がったが、タウンゼントにステージから追い出され、「シー・ミー・フィール・ミー」の演奏中はまるで合図だったかのように太陽が昇った。[94] 2週間後、バンドは2回目のワイト島フェスティバルで演奏し、当時最大級のライブPAを使用した。[95]メディアの注目はボブ・ディランの1966年以来のメジャーなライブコンサートにあったが、ザ・フーが主役をさらった。タウンゼントは後に「トミーが出演する舞台はどんな状況でもうまくいくと分かっていた。ツアーで何度も成功していたからね」と語った。 [96]
トミーはその年の残りから1970年までザ・フーのライブセットに残った。1969年10月、ザ・フーはフィルモア・イーストで6回の公演を行い、レナード・バーンスタインが彼らの新曲を賞賛した。[97] 12月14日のロンドン・コロシアムでの公演は、将来のトミー特集のために撮影された。[98]ランバートはトミーが真剣に受け止められることを切望しており、ザ・フーがオペラハウスで公演することを望んだ。[99] 1970年6月、グループはメトロポリタン歌劇場で2回の公演を行い、タウンゼントが初めてこの公演を「最後のトミー」とアナウンスした。[100]グループは2度目のワイト島への旅を行い、 8月29日の1970年のフェスティバルに出演し、60万人の観客を前にした。[89] 1970年の最後のライブは12月20日のロンドンのラウンドハウスで行われた。タウンゼントは「これが舞台でトミーを演奏する最後の機会だ」と言ったが、キース・ムーンは即座に「それはキリストに感謝だ！」と叫んだ。[101]
トミーが参加したザ・フーのコンサートに対する世間の反応は圧倒的に好意的だった。ツアーはアルバムを世間の注目の的にし、バンドの負債を返済するのに役立った。[102]ザ・フーの1969年から1970年のツアーからのトミーのライブ録音がいくつかリリースされている。完全なパフォーマンスは、1970年2月14日に録音されたライブアルバムLive at Leedsの2002年デラックスエディションで入手できます。2回目のワイト島でのパフォーマンスは、1996年にリリースされたLive at the Isle of Wight Festival 1970で入手できます。 [89]コロシアムシアターのライブは、2007年のビデオリリースAt Kilburn 1977 + Live at the Coliseumで入手できます。ウッドストックでのトミーのパフォーマンスの一部は、ドキュメンタリーWoodstockとThe Kids Are Alrightでリリースされました。[103]
ザ・フーは1970年代のその後のツアーでも『トミー』の一部をライブで演奏し続けた。 [104]彼らは1989年の再結成ツアーで20周年を記念して『トミー』全体を復活させ、以前は見逃されていた「カズン・ケヴィン」と「センセーション」を復活させたが、「アンダーチャー」と「ウェルカム」はやはり省かれた。このツアーの録音は、ライブアルバム『 Join Together』と『Tommy and Quadrophenia Live DVD』に収録されている。このショーのロサンゼルス版では、フィル・コリンズがアーニーおじさん、パティ・ラベルがアシッド・クイーン、スティーヴ・ウィンウッドがホーカー、エルトン・ジョンがピンボール・ウィザード、ビリー・アイドルがカトシ・ケヴィンを演じた。[105] [106]
他の化身
1970年 レ・グラン・バレエ・カナディアンズ
1970年、モントリオールのバレエ団「レ・グラン・バレエ・カナディアンズ」の振付師フェルナン・ノーが、ダンスをベースにした『トミー』の初の翻案を創作した。[107]このバレエは1970年10月にモントリオールで初演され、大成功を収めた。この公演は1971年4月にニューヨークで巡回公演され、ケベック映画局によるライトショーや付随映画も行われた。[108] [109]
1971年シアトルオペラ公演
1971年、シアトル・オペラはリチャード・パールマン監督の下、シアトルのムーア劇場で『トミー』の初の本格的なプロ舞台化をプロデュースした。この舞台ではベット・ミドラーがアシッド・クイーンとウォーカー夫人の役を演じ、ニューヨーク州シラキュースのバンド、コムストック・リミテッドが音楽を担当した。 [110]
ロンドン交響楽団バージョン
1972年12月9日、実業家のルー・レイズナーはロンドンのレインボー劇場で『トミー』のコンサート版を上演した。同夜に2回の公演が行われた。コンサートにはザ・フーとゲストキャストが出演し、デイヴィッド・ミーシャム指揮のロンドン交響楽団が演奏した。[111]コンサートは、レイズナーによるこの交響曲版『トミー』の新しいスタジオ録音のリリースを宣伝するために開催された。[112]
アルバムとコンサートには、グラハム・ベル（恋人役）、マギー・ベル（母親役）、サンディ・デニー（乳母役）、スティーヴ・ウィンウッド（父親役）、ロッド・スチュワート（地元の少年役）、リッチー・ヘブンス（ホーカー役）、メリー・クレイトン（アシッド・クイーン役）、リンゴ・スター（アーニーおじさん役）など、オールスターキャストが出演した。タウンゼントはギターを少し弾いたが、それ以外は主にオーケストラの音楽だった。[113]レコードでは リチャード・ハリスがドクター役を演じたが、舞台版ではピーター・セラーズに交代した。舞台は1973年12月13日と14日に再演され、ダルトリー、グラハム・ベル、ヘイヴンズ、クレイトンが再出演し、新たなキャストとしてデイヴィッド・エセックス（ナレーター役）、エルキー・ブルックス（母親役）、ロジャー・チャップマン（父親役）、マーシャ・ハント（乳母役）、ビル・オディ（従兄弟のケビン役）、ヴィヴィアン・スタンシャル（アーニーおじさん役）、ロイ・ウッド（地元の少年役）、ジョン・パートウィー（ドクター役）が出演した。[114]
オーケストラ版はオーストラリアでも1973年3月31日にメルボルンのマイヤー・ミュージック・ボウル、4月1日にシドニーのランドウィック競馬場で2度上演された。キース・ムーンがアーニーおじさん役（メルボルンのみ）、グラハム・ベルがナレーター役で出演し、地元のスター、ダリル・ブレイスウェイト（トミー役） 、ビリー・ソープ（地元の少年役）、ダグ・パーキンソン（行商人役）、ウェンディ・サディントン（乳母役）、ジム・キース（恋人役）、ブロデリック・スミス（父親役）、コリーン・ヒューイット（母親役）、リンダ・ジョージ（アシッド・クイーン役）、ロス・ウィルソン（いとこケビン役）、ボビー・ブライト（医者役）、イアン・メルドラム（シドニーではアーニーおじさん役）とフルオーケストラが出演した。[115] [116]メルボルンのコンサートはビデオに録画され、1973年4月13日にチャンネル7で放映された。[117]
1975年の映画
1975年、『トミー』はオーストラリア出身の起業家ロバート・スティグウッドがプロデュースし、イギリスの映画監督ケン・ラッセルが監督し、映画化された。映画版ではロジャー・ダルトリーがトミー役で主演を務め、ザ・フーの他のメンバーに加え、アン・マーグレットがトミーの母親役、オリヴァー・リードが恋人役で脇役を務め、エルトン・ジョン、ティナ・ターナー、エリック・クラプトン、アーサー・ブラウン、ジャック・ニコルソンが出演した。ラッセルは有名なキャストにこだわったが、タウンゼントは歌える人を希望し、特にスティーヴィー・ワンダーをピンボール・ウィザード役に起用できなかったことにはがっかりしていた。[118]いくつかの映画館では、この映画はクインタフォニック・サウンドと呼ばれるマルチトラックのサウンドトラックをサポートし、スピーカーバンクを劇場の4つの象限とスクリーンの中央の真後ろに配置した。[119]
タウンゼントはサウンドトラックアルバムの制作も監督し、キット・ランバートがオリジナルの『トミー』 LP用に構想していた未録音のオーケストラ編曲を、シンセサイザーを多用して実現した。[120]彼は12月のザ・フーの1973年米国ツアーの直後にサウンドトラックアルバムの制作を開始し、その後4か月間ほぼ休みなく作業に取り組んだ。[118]ザ・フーのほか、映画の音楽トラックとオリジナルのサウンドトラックLPには、ケイレブ・クエイ、ロニー・ウッド、ニッキー・ホプキンス、クリス・ステイントン、そして長年ザ・フーの仲間であるジョン・"ラビット"・バンドリックなど、数人のセッションミュージシャンも参加した。[121]キース・ムーンが『スターダスト』の撮影に参加していたため、ケニー・ジョーンズ（1978年のムーンの死後ザ・フーのドラマーを引き継ぐ）がサウンドトラックアルバムのほとんどの部分でドラムを演奏した。[122]
「ピンボール・ウィザード」はシングルとして発売されると大ヒットした。映画のこのシーンでは、エルトン・ジョンがザ・フー（ポンド紙幣のスーツを着ている）のバックコーラスを披露している。撮影ではバンドがピンボール・ウィザードのバンドを演じたが[123]、ミュージックトラックとサウンドトラックアルバムでは、音楽はすべて彼と彼の通常のツアーバンドによって演奏された。[121]エキストラのほとんどはポーツマス工科大学の学生で、撮影終了後にザ・フーのコンサートのチケットで支払われた。[124]
この映画とそのサウンドトラックアルバムには、タウンゼントが書いた6曲の新曲が収録され、オリジナルアルバムと比べて曲順が変更されている。映画のサウンドトラックのCD再発版には、追加の序曲も収録されている。[125]
舞台ミュージカル
1991年、タウンゼントは自転車事故で手首を骨折し、ギターを弾けなくなった。療養中に代わりの仕事を探していた彼は、PACEシアターグループから『トミー』の舞台ミュージカル化の権利の要請に応じた。グループは彼をラホヤ劇場のディレクター、デス・マカヌフに紹介し、2人は一緒にミュージカルの開発を始めた。ミュージカルは1992年夏にラホヤで開幕し、すぐに商業的に成功した。[126]タウンゼントは『トミー』の両親の関係を説明するために「I Believe My Own Eyes」という新曲を書いたが、それ以外はオリジナルアルバムの音楽に忠実になるように努めた。[127]
このミュージカルは批評家から賛否両論の反応があったが、[128]ロジャー・ダルトリーとジョン・エントウィッスルはショーが消極的すぎると考えた。[127] ローリングストーン誌のアンソニー・デカーティスは、オーケストラのドラマーは「キース・ムーンのパートを再現するという報われない仕事をした」と述べた。[129]タウンゼントとデス・マカヌフは、ミュージカルがラホヤからブロードウェイに移った際に、タイトルキャラクターのより暗い側面を示すためにミュージカルの一部を書き直した。[130]マカヌフは1993年に最優秀演出家賞を受賞し、ウェイン・シレントは最優秀振付賞を受賞した。[131]ブロードウェイでの公演は1993年から1995年まで続いた。[132]マカヌフは2013年のストラトフォード・シェイクスピア・フェスティバルで『トミー』を再演し、[133]タウンゼントの助言を得て、2023年にイリノイ州シカゴのグッドマン劇場で再演を上演し、[134] [135] 2024年にブロードウェイに上演された。[136] [137]
ロジャー・ダルトリーのライブオーケストラバージョン
2018年、ダルトリーはザ・フーのメンバーとキース・レヴェンソン指揮のオーケストラと共に『トミー』のフルバージョンを演奏してアメリカツアーを行った。オリジナルアルバム発売50周年を記念して、2019年6月14日にライブコンサートの録音がリリースされた。このライブアルバムはニューヨーク州ベセルのオリジナルのウッドストックフェスティバルの会場で演奏され、新しいオーケストラのバックコーラスはハンガリーのブダペスト・スコアリング・オーケストラと共にレヴェンソンによって録音された。[138] [139]
トラックリスト
トラック名とタイミングはエディションによって異なり、2つのトラックが1つに統合されているエディションもあれば、その逆のエディションもある。たとえば、「See Me, Feel Me」は「We're Not Gonna Take It」の後半部分だが、シングルとして独立したトラックであり、2003年のデラックスエディションにも収録されている。[84]
特に記載のない限り、すべてのトラックはピート・タウンゼントによって書かれたものです。
人事
WHO
- ロジャー・ダルトリー – ボーカル、ハーモニカ
- ピート・タウンゼント – ボーカル、ギター、キーボード、バンジョー
- ジョン・エントウィッスル – ベースギター、フレンチホルン、ボーカル
- キース・ムーン – ドラム、ボーカル
チャート
認定資格
注記
- ^ この曲は「ホリデーキャンプ」というアイデアを思いついたためアルバムではムーンの作品としてクレジットされているが、実際にはタウンゼントが作曲し演奏した。[140]
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- ケンプ、マーク(2004)。ブラケット、ネイサン、ホアード、クリスチャン (編)。ローリングストーン新アルバムガイド(第4版)。サイモン&シュスター。ISBN 978-0-7432-0169-8。
- ウォルマン、エリザベス (2006)。『劇場はロックする: ヘアーからヘドウィグまでのロックミュージカルの歴史』ミシガン大学出版局。ISBN 978-0-472-11576-1。
さらに読む
- バーンズ、リチャード、タウンゼンド、ピート（1977年）。『トミーの物語』イール・パイ・パブリッシング、pp. 128。
- カウソーン、ナイジェル（2005年）。『ザ・フーとトミーの誕生』Unanimous Ltd（Vinyl Frontier 5）。224ページ。ISBN 1-903318-76-9
- ドレイパー、ジェイソン (2008)。アルバムカバーの歴史。ロンドン: Flame Tree Publishing。pp. 70–71。ISBN 9781847862112. OCLC 227198538.
- タウンゼント、ピート (1993)。『トミー: ザ・ミュージカル』 。パンテオン。173ページ。+ CD 付き。曲「I Can't Believe My Own Eyes」。ISBN 0-679-43066-0。『ザ・フーのトミー: ザ・ミュージカル』とも題名。
- タウンゼント、ピート (1996)。『トミー：インタラクティブ アドベンチャー 当時と現在』。Eel Pie Publishing。Kardana & Interplay Productions。PC 用 CD-ROM (CD-MCR-263-0 / CD-C95-263-0) または Mac 用 CD-MCD −263-UK
- チャールズワース、クリス、マッキナニー、マイク（序文） タウンゼント、ピート（2019）。『トミー50歳：ザ・フーの伝説のロックオペラのムード、音楽、ルックス、そして遺産』アポロ出版社。178ページ。ISBN 978-194806-240-4
外部リンク
- DiscogsのTommy (リリースリスト)
- 歌詞
- ピート・タウンゼントがトミーのコンセプトと意味についてコメントしたインタビューがいくつかあります。
- 1968年ローリングストーン誌インタビュー（ジャン・ウェナー）
- ピートとトミー、その他 リック・サンダースとデイヴィッド・ダルトン著 – ローリング・ストーン誌 (第 37 号 1969 年 7 月 12 日)
- 1996 年 12 月 12 日、イギリスのマンチェスター アリーナで行われたピート タウンゼントへのインタビュー。スティーブン ギャラガー (Ubu の英国青少年・大衆文化編集者) による。
- トミーノート – 曲ごとのノート