Loading article…
カバレッタは、 19世紀のイタリア・オペラのベルカント時代に特に好まれ、1860年代頃までその時代の最も重要な要素の1つであった2部構成の音楽形式である。より正確には、カバレッタは歌のようなカンタービレに続く、より活気のある部分である。[ 1 ]しばしば、筋書きに複雑さや感情の高まりをもたらす。
一部の情報源によると、この言葉はイタリア語のcobola (二行連句) に由来するとされています。[ 2 ]また別の説では、イタリア語のcavallo (馬)に由来し、多くの有名なカバレッタの伴奏となる疾走する馬の脈打つようなリズムを指しているとされています。[ 3 ]
カバレッタは、19世紀初頭の、異なるテンポの対照的な2つのセクションが1つの構造内に含まれたアリアから、音楽的に明確に区別された楽章を持つより精巧なアリアへと進化する過程で形成されました。この用語自体は、1826年にピエトロ・リヒテンタールの『ディツィオナリオ』で初めて定義されました。[ 4 ]カバレッタは、2つのスタンザとそれに続く装飾された変奏 からなる反復構造を持ちます。カバレッタは通常、コーダで終わり、多くの場合、非常に技巧的なコーダとなります。
古典的な例としては、ロッシーニの『チェネレントラ』 （1817年）の「ノン・ピウ・メスタ」、ベッリーニの『ピュリターニ』 （1835年）の「ヴィエン・ディレット、エ・イン・シエル・ラ・ルナ」、ヴェルディの『イル・トロヴァトーレ』（1853年）の「ディ・ケッラ・ピラ」などがあります。
後世の言い方では、カバレッタとは、単なるソロのアリアではなく、オペラのあらゆる声楽アンサンブル、通常は二重唱の、速いテンポの最後の部分を指すようになった。例えば、『リゴレット』第1幕第2場のジルダとリゴレットの二重唱は比較的ゆっくりとしたカバレッタで終わるが、第2幕のフィナーレにおける二人の二重唱のカバレッタは非常に力強い。
カバレッタは、強い感情を伝えるためによく用いられます。例えば、圧倒的な幸福（ドニゼッティの『シャモニーのリンダ』のリンダの有名なカバレッタ「O luce di quest'anima」）、深い悲しみ（『ランメルモールのルチア』のルチアの「Spargi d'amaro pianto」 ）、あるいは永遠の愛（ロッシーニの『アルジェのイタリア女』のリンドロの短いカバレッタ）などです。ロッシーニは、オペラの主要登場人物全員に少なくとも1つ、あるいはそれ以上のカバレッタを作曲しました。例えば、『アルジェのイタリア女』には、リンドロのために2つのカバレッタ、イザベラのために3つのカバレッタ、ムスタファのために1つのカバレッタ、そしてタッデオのために1つのカバレッタが含まれています。アンサンブルの最後の部分を含めると、合計でほぼ16のカバレッタになります。
ジュゼッペ・ヴェルディは、カンタービレとカバレッタの形式を感情的にも劇的にも大きく応用し続け、1862年には「運命の力」のドン・カルロの「Egli è salvo」でソロ曲としてほぼ放棄した。[ 4 ]ヴェルディの有名なカバレッタは、1853年の「椿姫」の第1幕に登場する。これは、ヴィオレッタが物思いにふける「不思議だ！不思議だ…ああ、もしかしたら彼なのかもしれない」に続くもので、彼女は出会ったばかりの男性が自分にとっての運命の人かもしれないと考えている。しかし、これは次第に、速くて反抗的な技巧を伴う「Sempre libera」で「常に自由でいる」という彼女の決意につながる。
ヴェルディの1846年のオペラ『アッティラ』は、同時代の批評家たちによって「カバレティズモの極致」とみなされている。[ 5 ]
注記
情報源