ピエト・モンドリアン

モンドリアンはオランダのユトレヒト州アメルスフォールトで、両親の2番目の子として生まれた。 ^{[ 1 ]}彼は1670年頃にハーグに住んでいたクリスチャン・ディルクゾーン・モンデリアンの子孫である。 ^{[ 2 ]}父親のピーテル・コルネリウス・モンドリアンが地元の小学校の校長に任命されたため、一家はヴィンタースウェイクに引っ越した。 ^{[ 3 ]}モンドリアンは幼い頃から芸術に触れていた。父親は資格のある絵画教師で、叔父のフリッツ・モンドリアン（ハーグ派の画家ウィレム・マリスの弟子）と一緒に、若いピートはゲイン川沿いでよく絵を描いたりスケッチをしたりしていた。^{[ 4 ]}

厳格なプロテスタントの家庭で育ったモンドリアンは、1892年にアムステルダムの美術アカデミーに入学した。^{[ 5 ]}彼はすでに教師の資格を持っていた。^{[ 3 ]}彼は小学校の教師としてキャリアをスタートさせたが、絵画制作も行っていた。この時期の彼の作品のほとんどは自然主義的または印象派的で、主に風景画で構成されている。彼の故郷の牧歌的なイメージは、風車、畑、川を描いており、最初はハーグ派のオランダ印象派の様式で、その後は彼自身のスタイルを模索していたことを示すさまざまなスタイルと技法で描かれている。これらの絵画は具象的であり、点描主義やフォーヴィスムの鮮やかな色彩など、さまざまな芸術運動がモンドリアンに与えた影響を示している。1893年に彼は最初の展覧会を開催した。^{[ 6 ]}

ハーグ美術館には、この時期の絵画が数多く展示されており、その中には『赤い水車小屋』や『月が昇る木々』といったポスト印象派の作品も含まれている。また、夕暮れ時の野原に立つ木を描いた『夕べ（Avond）』（1908年）は、赤、黄、青の3色をほぼ全面的に用いた色彩構成で、後の作品の展開を予感させる。『夕べ』は抽象性は限定的ではあるものの、モンドリアンの作品の中で原色を強調した最初期の作品である。

モンドリアンの初期の作品で、ある程度の抽象性を示しているのは、1905年から1908年にかけて制作された一連のキャンバス画である。これらの作品は、静かな水面にぼんやりと映る、不明瞭な木々や家々を描いている。結果として、鑑賞者は内容よりも形態に注目するようになるが、これらの絵画は依然として自然にしっかりと根ざしており、モンドリアンの後期の業績を知ることで初めて、これらの作品の中に彼の将来の抽象化の源泉を見出すことができるのである。

モンドリアンの芸術は、彼の精神的、哲学的研究と密接に関係していた。1908年、彼は19世紀末にヘレナ・ペトロヴナ・ブラヴァツキーによって始められた神智学運動に興味を持ち、1909年には神智学協会のオランダ支部に加入した。ブラヴァツキーの著作と、並行して展開された精神運動であるルドルフ・シュタイナーの人智学は、彼の美学のさらなる発展に大きな影響を与えた。^{[ 7 ]}ブラヴァツキーは、経験的手段によって得られるものよりも深い自然の知識を得ることが可能であると信じており、モンドリアンの生涯の作品の多くは、その精神的な知識の探求に触発されたものであった。1918年、彼はブラヴァツキーの著書に言及して「私はすべて『秘密教義』から得た」と書いた。 1921年、モンドリアンはシュタイナーへの手紙の中で、自身の新造形主義は「真の人智学者と神智学者にとって予見可能な未来の芸術」であると主張した。彼はその後も熱心な神智学者であり続けたが、自身の芸術的潮流である新造形主義は、いずれより大きな、普遍的な精神性の一部になると信じていた。^{[ 8 ]}

モンドリアンとその後の作品は、1911年にアムステルダムで開催されたキュビスムの近代美術展に深く影響を受けた。彼の簡略化への探求は、 『生姜の壺のある静物』 （Stilleven met Gemberpot ）の2つのバージョンに表れている。1911年版^{[ 9 ]はキュビスム的であり、1912年版[ 10 ]}では、対象物は三角形と長方形で構成された円形に縮小されている。

1912年、モンドリアンはパリに移り住み、オランダからの離脱とパリの前衛芸術家集団への統合を強調するため、「Mondriaan」から「a」を削除して名前を変えた。^{[ 12 ] [ 13 ]}パリ滞在中、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックのキュビスム様式の影響がモンドリアンの作品にすぐに現れた。^{[ 14 ]}「海」 （1912年）などの絵画や、同年の樹木の習作には、まだある程度の具象性が残っているが、次第に幾何学的な形と絡み合う平面が支配的になっていった。モンドリアンはキュビスムの影響を作品に取り入れることに熱心だったが、キュビスムを目的地ではなく、芸術の旅の「寄港地」と見ていたことは明らかである。ピエト・モンドリアンのキュビスム時代は1912年から1917年まで続いた。

キュビスムとは異なり、モンドリアンは絵画と精神的な探求を両立させようと試み続け、1913年には自身の芸術と神智学の研究を融合させ、具象絵画からの最終的な決別を示す理論を構築し始めた。1914年にモンドリアンがオランダを訪れていた時、第一次世界大戦が勃発し、彼は戦争が終わるまでそこに留まらざるを得なくなった。孤立した彼は、独自の視覚言語を創造し始め、《黒と白のコンポジティエ 10》（ 1915年）などの作品を制作した。この時期、彼はラーレンの芸術家村に滞在し、そこで抽象への独自の旅をしていたバルト・ファン・デル・レックとテオ・ファン・ドゥースブルフに出会った。ファン・デル・レックが作品に原色のみを使用したことは、モンドリアンに大きな影響を与えた。 1916年にファン・デル・レックと会った後、モンドリアンは「多かれ少なかれキュビスム的で、したがって多かれ少なかれ絵画的であった私の技法は、彼の正確な方法の影響を受けるようになった」と書いた。^{[ 15 ]}モンドリアンはファン・ドゥースブルフと共に、デ・ステイル・グループの機関誌である『デ・ステイル』 （様式）を創刊し、そこで初めて、彼が新造形主義と呼んだ自身の理論を定義するエッセイを発表した。

モンドリアンは1917年から1918年にかけて12回に分けて『絵画における新しい視覚化』（De Nieuwe Beelding in de schilderkunst ） ^{[ 16 ]}を出版した。これは彼が自身の芸術理論を文章で表現しようとした最初の本格的な試みであった。しかし、この理論を最もよく、そして最も頻繁に引用される形で表現したのは、1914年にH.  P. Bremmerに宛てた手紙である。

私は平面上に線と色の組み合わせを構成し、最大限の意識をもって普遍的な美しさを表現します。自然（あるいは、私が見るもの）は私にインスピレーションを与え、他の画家と同様に、私を感情的な状態に導き、何かを作りたいという衝動に駆り立てますが、私は真実にできる限り近づき、そこからすべてを抽象化し、物事の基盤（まだ外的な基盤にすぎませんが！）に到達するまでそうしたいと思っています。意識的に、しかし計算ではなく、高い直感に導かれ、調和とリズムに導かれた水平線と垂直線によって、これらの基本的な美の形は、必要に応じて他の直線や曲線によって補完され、真実と同じくらい力強い芸術作品になる可能性があると私は信じています。^{[ 17 ]}

1920年、モンドリアンのテキストはフランス語に翻訳され、『新造形主義』として出版された。ポーランド語訳も計画されており、1926年末から1927年初めにかけての様々な芸術家との書簡の中で、モンドリアンはポーランドの前衛芸術家たちと協力して準備したポーランド語訳のレイアウト作業に忙しく取り組んでいることを何度か述べている。ヘンリク・スタジェフスキが本の表紙をデザインした。^{[ 18 ]}

その後の20年間、モンドリアンは古典的、プラトン的、ユークリッド的な世界観を取り入れた独自のスタイルを体系的に発展させ、原色で満たされた正方形や長方形を形成する、今では象徴的な水平線と垂直線の黒い線にのみ焦点を当てた。^{[ 19 ]}

1918年に第一次世界大戦が終結すると、モンドリアンはフランスに戻り、1938年までそこに滞在した。戦後のパリの芸術革新の文化に身を置いた彼は、才能を開花させ、残りの人生を純粋抽象芸術に捧げた。モンドリアンは1919年後半にグリッドを基調とした絵画の制作を始め、1920年には、後に彼の名声を確立することになる作風が現れ始めた。

モンドリアンは、「純粋な抽象芸術は、自然主義的な外観から完全に解放される。それはもはや自然の調和ではなく、等価関係を生み出す。等価関係の実現は、人生にとって最も重要なことである」と信じていた。^{[ 20 ]}

この様式の初期の絵画では、長方形の輪郭線は比較的細く、黒ではなく灰色で描かれている。また、線は絵の端に近づくにつれて途切れることなく、徐々に薄れていく傾向がある。後の作品に比べて、長方形の輪郭線は小さく数も多く、原色、黒、または灰色で塗りつぶされており、ほとんどすべてが着色されている。白く残されているのはごくわずかである。

1920年後半から1921年にかけて、モンドリアンの絵画は、一般の鑑賞者にとって決定的な成熟した形態へと到達する。太い黒線が形態を区切り、形態はより大きく、数は少なくなり、より多くの部分が白く残されるようになった。しかし、これは彼の芸術的進化の頂点ではなかった。洗練度はより繊細になったものの、モンドリアンの作品はパリ滞在中も進化を続けたのである。

1921年の絵画では、すべてではないものの、多くの黒い線がキャンバスの端から一見恣意的な距離で途切れているが、長方形の形の区切りはそのまま残っている。ここでも、長方形の形はほとんど色付きのままである。年月が経ち、モンドリアンの作品がさらに発展するにつれて、彼はすべての線をキャンバスの端まで伸ばし始め、色付きの形の使用を徐々に減らし、代わりに白を好むようになった。

こうした傾向は、モンドリアンが1920年代半ばから定期的に制作し始めた「菱形」作品に特に顕著に表れている。「菱形」絵画とは、正方形のキャンバスを45度傾けてひし形にした作品のことである。その代表例が《絵画No.1：2本の線と青のある菱形》（1926年）である。モンドリアンの作品の中でも最もミニマルな作品の一つであるこの絵は、2本の黒い垂直線と小さな青い三角形のみで構成されている。線はキャンバスの端まで伸びており、まるでこの絵がより大きな作品の一部であるかのような印象を与える。

絵画を保護するガラスや、経年劣化や取り扱いによってキャンバスが明らかに損なわれているため、絵画の鑑賞は妨げられるものの、この絵画を詳しく調べると、画家の手法が少しずつ明らかになってくる。絵画は、予想されるような完全に平坦な色の平面で構成されているわけではない。全体に微妙な筆致が見られる。画家はさまざまな要素に対して異なる技法を用いたようだ。^{[ 21 ]}黒い線は最も平坦な要素で、奥行きが最も少ない。色付きの形には最もはっきりとした筆致があり、すべて一方向に走っている。しかし、最も興味深いのは白い形であり、明らかに異なる方向に走る筆致を用いて何層にも重ねて描かれている。これにより、白い形に奥行き感が増し、線や色を圧倒しているように見える。実際、この時期のモンドリアンの絵画は白い空間がますます支配的になっていった。

1926年、ニューヨーク市の独立芸術家協会の共同創設者（マルセル・デュシャン、マン・レイと共に）であるキャサリン・ドレイヤーは、パリのピエト・モンドリアンのスタジオを訪れ、彼のダイヤモンド構成作品の1点である「絵画I」を購入した。これはその後、独立芸術家協会がブルックリン美術館で開催した展覧会で展示された。これはアーモリー・ショー以来、アメリカで初めて開催された近代美術の大規模な展覧会であった。彼女はカタログの中で、「オランダは、自国の論理的な表現でありながらも、その個性の力強さによってそれを超越した3人の偉大な画家を輩出した。1人目はレンブラント、2人目はゴッホ、そして3人目はモンドリアンである」と述べている。^{[ 22 ]}

年月が経つにつれ、モンドリアンの絵画では形よりも線が優先されるようになった。1930年代には、より細い線や二重線を頻繁に使うようになり、小さな色のついた形がいくつか、あるいは全くない場合もあるようになった。二重線は特にモンドリアンを興奮させた。なぜなら、彼は二重線が絵画に新たなダイナミズムをもたらし、それを探求したいと熱望していたからである。彼の作品に二重線が導入されたのは、友人であり同時代のマーロウ・モスの作品の影響を受けたものである。^{[ 23 ] [ 24 ]}

1934年から1935年にかけて、モンドリアンの絵画3点が、イギリスのオックスフォード、ロンドン、リバプールで開催された「抽象と具体」展の一部として展示された。^{[ 25 ]}

1938年9月、モンドリアンはファシズムの台頭に直面してパリを離れ、ロンドンに移住した。1940年にオランダが侵攻され、パリが陥落すると、彼はロンドンを離れ、ニューヨーク市のマンハッタンに移り住み、そこで亡くなるまで暮らした。モンドリアンの後期の作品の中には、パリやロンドンで制作を開始し、数ヶ月あるいは数年後にマンハッタンで完成させた作品が数多くあるため、彼の芸術的発展の過程において位置づけるのが難しいものもある。この後期の完成作品は視覚的に非常に複雑で、1920年代以降のどの作品よりも多くの線が重なり合って配置されており、まるで地図のような外観をしている。彼は長時間一人で絵を描き続け、手が水ぶくれになるまで、時には泣い​​たり、吐いたりすることもあった。

モンドリアンは、黒い線の代わりに太い色の線を用いたシンプルな絵画『四本の黄色い線のある菱形構成』（1933年）を制作しました。この絵画以降、モンドリアンの作品ではこの手法はしばらく休止状態でしたが、マンハッタンに移住してからは、この手法を積極的に取り入れるようになりました。この新しい方向性を示す例として、『構成』（1938年）／コンコルド広場（1943年）などがあります。彼はパリで未完成の黒い線画をニューヨークに持ち込み、長い黒い線の間に短い垂直な線を引いたり、黒い線からキャンバスの端まで線を引いたりして完成させたようです。新しく色付けされた部分は太く、線と形の間の隙間を埋めているかのようで、黒に縛られないモンドリアンの絵画に色彩が見られるのは驚きです。他の作品では、おなじみの黒い線の中に長い赤い線を混ぜ込み、黒い層の上に色の層を重ねることで、新たな奥行き感を生み出しています。モンドリアンの絵画『コンポジション第10番』（1939～1942年）は、原色、白地、黒のグリッド線によって特徴づけられ、長方形に対するモンドリアンの革新的でありながら古典的なアプローチを明確に示している。

1940年9月23日、モンドリアンはリバプールを出港したキュナード・ホワイト・スター・ラインの船RMSサマリア号（1920年建造）  に乗ってヨーロッパを離れ、ニューヨークへ向かった。^{[ 27 ]} 1936年にパリで制作を開始したコンポジションナンバー12は、モンドリアンがニューヨークに移住した際に持ち込まれ、1942年に完成させた。これはモンドリアンのいわゆる「大西洋横断絵画」の一つである。^{[ 28 ]}現在はオタワのカナダ国立美術館に所蔵されている。^{[ 29 ]}

モンドリアンがマンハッタンで始めた新しいキャンバスはさらに衝撃的で、画家の死によって途絶えてしまった新しい表現様式の始まりを示しています。ニューヨーク市(1942) は、赤、青、黄色の線が複雑に絡み合った格子状になっており、時折交錯して以前の作品よりも奥行きのある印象を与えます。^{[ 30 ]}この作品の未完成の 1941 年版であるニューヨーク市 Iは、画家が自由に並べ替えてさまざまなデザインを試せるように、塗装された紙テープの帯を使用しています。2022 年 10 月、1945 年にニューヨーク近代美術館(MoMA) で初めて展示されたこの作品が、少なくとも 1980 年以降、現在所蔵されているドイツのノルトライン＝ヴェストファーレン州立美術館で逆さまに展示されていたことが明らかになりました。美術館は、損傷を避けるために逆さまに展示し続けると説明しました。^{[ 31 ] [ 32 ]}

ニューヨーク近代美術館所蔵の彼の絵画『ブロードウェイ・ブギウギ』 （1942～43年）は、抽象幾何学絵画の流派に大きな影響を与えた。この作品は、キャンバスから飛び出すように輝く鮮やかな色の正方形がいくつも連なり、鑑賞者をネオンライトの世界へと引き込む。この絵画と未完成の『ビクトリー・ブギウギ』（1942～44年）において、モンドリアンは以前の実線を、さまざまな色の小さな紙テープ片を用いて作られた、隣接する小さな長方形で構成された線に置き換えた。より大きな、境界のない長方形がデザインを際立たせ、その中には小さな同心円状の長方形が含まれているものもある。1920年代と1930年代のモンドリアンの作品は、ほとんど科学的な厳格さを帯びている傾向があるが、これらの作品は明るく活気に満ちており、インスピレーションの源となったアップビートな音楽と、制作された都市の雰囲気を反映している。

これらの最後の作品群では、確かに形態が線の役割を奪い、モンドリアンの抽象画家としての発展に新たな扉を開いた。ブギウギの絵画は、進化というよりもむしろ革命的な変化であり、1913年に具象絵画を放棄して以来、モンドリアンの作品における最も深遠な発展を表している。

2008年、オランダのテレビ番組「Andere Tijden」は、モンドリアンが出演する唯一知られている映像を発見した。^{[ 33 ]}この映像の発見は、「 Victory Boogie Woogie」に関する2年間の研究プログラムの最後に発表された。この研究により、絵画の状態が非常に良好で、モンドリアンが1回のセッションでこの構図を描いたことが判明した。また、モンドリアンが死の直前に小さな色のテープ片を使って構図を大幅に変更したことも判明した。

1919年、47歳のピエト・モンドリアンがオランダを離れ、自由奔放なパリへ二度目にして最後の旅に出たとき、彼はすぐに、 2年間書き続けてきた新造形主義の原理をますます表現していくであろう自身の構想を育むためのスタジオ作りに取りかかった。スタジオの構造上の欠陥を迅速かつ安価に隠すため、彼は単色またはニュートラルな色調の大きな長方形のプラカードを壁に貼り付けた。小さな色付きの正方形や長方形の紙を組み合わせて、壁を彩った。そして、集中的な絵画制作の時期が訪れた。彼は再び壁に向き合い、色付きの切り抜きを配置し直し、その数を増やし、色彩と空間のダイナミクスを変え、新たな緊張と均衡を生み出した。間もなく、彼は絵画制作の期間と、壁の小さな紙を実験的に再配置する期間を交互に繰り返す創作スケジュールを確立した。このプロセスは、次の絵画制作の期間に直接的に繋がった。それは彼がその後生涯にわたって辿ったパターンであり、1938年と1940年にはパリからロンドンのハムステッドへ、そして大西洋を越えてマンハッタンへと移り住んだ。

1943年の秋、71歳になったモンドリアンは、マンハッタンのイースト59丁目15番地にある2番目にして最後のスタジオに移り住み、長年の経験から、質素な生活様式に最も適し、芸術活動に最も刺激的な環境を再現しようと努めた。彼は高い壁を、イーゼルや、廃棄されたオレンジやリンゴの木箱から丹念に設計・製作した椅子、テーブル、収納ケースに使ったのと同じオフホワイトで塗った。また、白い金属製のスツールの天板には、彼が愛するジャズを何度も聴き込んだレコードから流れ出るラジオ蓄音機のために作った段ボール製のカバーに使ったのと同じ鮮やかな原色の赤を塗った。この最後のスタジオを訪れた人々は、新作のキャンバスを1、2枚しか目にすることはほとんどなかったが、彼が壁に絶えず変化する配置で留めたり留め直したりした8枚の大きな色紙の作品が、矛盾しているようでいて同時に、躍動感と静謐さ、刺激と安らぎが共存する環境を構成していることに、しばしば驚かされた。モンドリアンは、そこが自分が住んだ中で最高の空間だったと語った。彼は1944年2月に亡くなるまで、わずか数ヶ月しかそこにいなかった。

モンドリアンの死後、マンハッタンで彼の友人であり後援者でもあった画家ハリー・ホルツマンと、同じく画家仲間のフリッツ・グラルナーは、スタジオを6週間の展覧会として一般公開する前に、フィルムと写真で入念に記録した。スタジオを解体する前に、ホルツマン（モンドリアンの相続人でもあった）は壁面の構成を正確にトレースし、それぞれの作品が占めていた空間の正確な複製を持ち運び可能な形で作成し、現存するオリジナルの切り抜き部分をそれぞれに貼り付けた。これらの持ち運び可能なモンドリアン作品は、「壁面作品」として知られるようになった。モンドリアンの死後、彼の作品はマンハッタンの近代美術館で2回（1983年と1995～96年）^{[ 34 ]} 、ソーホーのカーペンター＋ホックマン・ギャラリーで1回（1984年）、東京のギャラリー所で1回（1993年）、サンパウロ第22回ビエンナーレで1回（1994年）、ミシガン大学で1回（1995年）、そしてヨーロッパで初めてベルリンの芸術アカデミー（2007年2月22日～4月22日）で展示された。また、1955年8月から9月にかけてロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで開催された回顧展でも彼の作品が展示された。