撮影

映画撮影法（古代ギリシャ語の κίνημα ( kínēma )  「動き」とγράφειν ( gráphein )  「書く、描く、描くなど」に由来）は、映画（最近では電子ビデオカメラ）撮影の芸術です。

映画撮影技師はレンズを使って物体からの反射光を実像に焦点を合わせ、それが映画カメラ内のイメージセンサーまたは感光材に転送される。^[1]これらの露出は連続的に作成され、後で処理して映画として見るために保存される。電子イメージセンサーで画像を撮影すると、画像の各ピクセルに電荷が生成され、それが電子的に処理されてビデオファイルに保存され、その後の処理や表示に使われる。写真乳剤で撮影された画像は、フィルムストック上に一連の目に見えない潜像となり、化学的に「現像」されて目に見える画像になる。フィルムストック上の画像は、同じ映画で見るために 投影される。

映画撮影は、娯楽やマスコミュニケーションだけでなく、科学やビジネスの多くの分野でも使用されています。

1830 年代には、回転ドラムとディスクの概念に基づいて、オーストリアのシモン・フォン・スタンファーによるストロボスコープ、ベルギーのジョセフ・プラトーによるフェナキストスコープ、イギリスのウィリアム・ホーナーによるゾーエトロープという 3 つの異なる動画ソリューションが発明されました。

1845年、フランシス・ロナルズは気象観測機器や地磁気観測機器のさまざまな表示を継続的に記録できる初のカメラを発明した。このカメラは世界中の多くの天文台に供給され、20世紀に入っても使われ続けたものもあった。^{[2] [3] [4]}

ウィリアム・リンカーンは 1867 年に、「生命の輪」または「ズープロキシスコープ」と呼ばれる動く絵を表示する装置の特許を取得しました。この装置では、動く絵や写真がスリットを通して観察されました。

1878 年 6 月 19 日、エドワード・マイブリッジは24 台の立体カメラを使用して、「サリー・ガードナー」という名の馬を高速で撮影することに成功しました。カメラは馬の軌道と平行に配置され、各カメラのシャッターは馬の蹄で作動するトリップワイヤーによって制御されました。カメラは 21 インチ間隔で配置され、馬の歩幅 20 フィートをカバーし、1000 分の 1 秒で写真を撮影しました。^[5] 10 年後には、マイブリッジは一連の写真を動物プロキシスコープに適応させて、短くて原始的な投影された「映画」にし、1879 年または 1880 年までに講演旅行でセンセーションを巻き起こしました。

4年後の1882年、フランスの科学者エティエンヌ・ジュール・マレーは、1秒間に12枚の連続した写真を撮影し、同じ写真のすべてのフレームを記録することができるクロノ写真銃を発明しました。

19 世紀後半から 20 世紀初頭にかけて、映画は娯楽目的だけでなく、科学的な探究にも利用されるようになりました。フランスの生物学者で映画製作者のジャン・パンルヴェは、新しいメディアが肉眼よりも微生物、細胞、細菌の行動、動き、環境を捉えて記録するのに効果的だったため、科学分野での映画の使用を強く訴えました。^[6]科学分野への映画の導入により、「細胞や自然物などの新しい画像や物体だけでなく、それらをリアルタイムで見る」ことが可能になりました。^[6]一方、動画が発明される前は、科学者も医師も、人体構造や微生物の手描きのスケッチに頼らざるを得ませんでした。これは科学界や医学界にとって大きな不便でした。映画の発達とカメラの使用増加により、医師や科学者はプロジェクトに対する理解と知識を深めることができました。^[要出典]

今日の映画の起源は、 1895年に動く画像を撮影して表示する機能を持つシネマトグラフと呼ばれる機械を開発したオーギュストとルイのリュミエール兄弟にまで遡ります。映画の初期の時代は急速な革新が見られました。映画製作者は、編集、特殊効果、クローズアップなどの新しい方法を発見して適用しました。ハリウッドは映画産業のメッカとして浮上し始め、ワーナーブラザーズやパラマウントピクチャーズなど、今日の有名なスタジオの多くが映画界を支配し始めました。時とともに、映画と映画撮影法は劇的に変化しました。20世紀初頭の無声映画から、1920年代の映画へのサウンド追加機能、50年代のワイドスクリーンとカラー映画まで、一般的な創造性と方法論に大きな進歩が見られました。

実験映画『ラウンドヘイの庭のシーン』は、1888年10月14日にイギリスのリーズのラウンドヘイで ルイ・ル・プランスによって撮影されたもので、現存する最古の映画である。^[7]この映画は紙フィルムで撮影された。^[8]

実験的なフィルムカメラは、英国の発明家ウィリアム・フリーズ・グリーンによって開発され、1889年に特許を取得しました^。[9] トーマス・アルバ・エジソンの指導の下で働いていたWKLディクソンは、キネトグラフと呼ばれる成功した装置を設計した最初の人物であり、^[10] 1891年に特許を取得しました。 ^{[11]このカメラは、幅35mmの透明な}セルロイドストリップに塗布された標準的なイーストマン・コダックの写真乳剤上で、一連の瞬間写真を撮影しました。この研究の結果は、ディクソンによって設計された視聴装置であるキネトスコープを使用して、1893年に初めて公開されました。大きな箱の中に収められており、のぞき穴から一度に1人だけが映画を見ることができました。

翌年、チャールズ・フランシス・ジェンキンスと彼の映写機ファントスコープ[ ^12]は観客に上映会を開き、ルイとオーギュスト・リュミエールは1895年12月にパリでフィルムを撮影、印刷、映写する装置シネマトグラフを完成させた。 ^[13]リュミエール兄弟は、映写された動く写真画像を複数の観客に有料で上映した初めての兄弟であった。

1896 年には、フランス (パリ、リヨン、ボルドー、ニース、マルセイユ)、イタリア (ローマ、ミラノ、ナポリ、ジェノバ、ヴェネツィア、ボローニャ、フォルリ)、ブリュッセル、ロンドンに映画館がオープンしました。映画という媒体の進歩を時系列で簡潔に列挙すると、1896 年にエジソンが改良したバイタスコープ映写機を発表しました。これは米国で初めて商業的に成功した映写機でした。1905 年、クーパー ヒューイットが水銀灯を発明し、太陽光のない屋内で映画を撮影できるようになりました。1906 年には、最初のアニメ映画が制作されました。1911 年には、映画の冒頭でクレジットが表示されるようになりました。1915 年に発明されたベル アンド ハウエル 2709 映画カメラにより、監督は物理的にカメラを動かさずにクローズアップを撮影できるようになりました。1920 年代後半までには、制作される映画のほとんどがサウンド フィルムになりました。ワイドスクリーン形式は、1950 年代に初めて試されました。1970 年代までには、ほとんどの映画がカラー映画になりました。IMAX やその他の 70mm 形式が人気を博しました。映画の広範な配給が当たり前になり、「大ヒット映画」の土台ができました。映画産業は、その始まりから 2010 年代にデジタル映画が主流になるまで、フィルム撮影が主流でした。一部の監督は、特に特定の用途や形式への愛着から、フィルム撮影を今でも使用しています。^{[引用が必要]}

1880 年代に誕生して以来、映画は主にモノクロームでした。一般に信じられているのとは異なり、モノクロームは必ずしも白黒を意味するわけではなく、単一のトーンまたはカラーで撮影された映画を意味します。着色フィルムベースのコストが大幅に高かったため、ほとんどの映画は白黒モノクロームで制作されました。初期のカラー実験の出現にもかかわらず、カラーのコストが高かったため、1950 年代に安価なカラー処理が導入されるまで、映画はほとんど白黒で作られ、カラーフィルムで撮影された映画の割合が 51% を超える年もありました。1960 年代までには、カラーが圧倒的にフィルムストックの主流になりました。その後の数十年間で、カラーフィルムの使用が大幅に増加し、モノクロームフィルムは少なくなってきました。

白黒撮影は、映画制作で使用される技術で、画像はカラーなしでグレーの色合いで撮影され、表示されます。この芸術的なアプローチには豊かな歴史があり、映画の進化を通じてさまざまな映画で採用されてきました。これは、映画制作者がコントラスト、テクスチャ、照明を強調し、視覚的なストーリーテリング体験を向上させることができる強力なツールです。白黒撮影の使用は、カラーフィルムがまだなかった映画の初期の時代にまで遡ります。映画制作者は、視覚的に印象的で雰囲気のある映画を作成するためにこの技術に依存していました。カラーフィルム技術の出現後も、白黒撮影は芸術的およびテーマ的な目的で引き続き使用されました。

ケン・ダンシーガーの著書『映画とビデオ編集のテクニック: 歴史、理論、実践』は、白黒映画撮影の歴史的および理論的側面に関する貴重な洞察を提供します。ダンシーガーは、このテクニックが映画の歴史を通じてどのように使用されてきたかを探り、ストーリーテリング、雰囲気、視覚的美学にどのような影響を与えたかを検証します。この本は、魅力的な白黒画像を作成するための芸術的な選択と技術的な考慮事項を詳しく調べ、このテクニックの包括的な理解を提供します。

白黒撮影法では、映画製作者は光と影の相互作用に焦点を当て、シーン内のさまざまな要素のコントラストを強調することができます。この技法は、郷愁や特定の時代を想起させたり、時代を超えたクラシックな雰囲気を醸し出したりすることができます。色を削ぎ落とすことで、映画製作者はフレーム内の構成、形状、テクスチャを強調し、視覚的なインパクトを高めることができます。白黒撮影法を採用した有名な映画には、カサブランカ（1942年）、レイジング・ブル（1980年）、シンドラーのリスト（1993年）などの名作があります。これらの映画は、感情に訴える映像を作り出す白黒撮影法の威力と汎用性を示しています。白黒撮影法は、現代の映画製作において依然として関連性があり、広く使用されている技法です。映画製作者は、特定のムードを呼び起こし、時代を超えた感覚を伝え、ストーリーの芸術的表現を高めるために、この技法を採用し続けています。

映画の登場後、自然色の写真制作に多大な労力が費やされました。^[14]トーキーの発明により、カラー写真の使用需要がさらに高まりました。しかし、当時の他の技術進歩と比較すると、カラー写真の登場は比較的遅いプロセスでした。^[15]

初期の映画は実際にはカラー映画ではなかった。モノクロで撮影され、その後手作業または機械で着色されたからである（このような映画はカラーではなくカラーと呼ばれる）。最も古い例は、1895 年にエジソン製造会社が手作業で着色した『アナベル サーペンタイン ダンス』である。機械による着色は後に普及した。着色は 1910 年代に自然色の映画撮影法が登場するまで続いた。最近では、多くの白黒映画がデジタル着色を使用してカラー化されている。これには、両世界大戦、スポーツ イベント、政治宣伝の撮影映像が含まれる。^{[出典が必要]}

1902年、エドワード・レイモンド・ターナーはカラー化技術を使わず、自然な色彩処理で最初の映画を制作しました。^[16] 1909年、キネマカラーが初めて公開されました。^[17]

1917 年にテクニカラーの最も初期のバージョンが導入されました。コダクロームは1935 年に導入されました。イーストマンカラーは 1950 年に導入され、その世紀の残りの期間のカラー標準となりました。^{[引用が必要]}

2010 年代には、カラー映画はカラーデジタル映画撮影に大きく取って代わられました。^{[引用が必要]}

デジタル映画撮影では、映画はフラッシュストレージなどのデジタルメディアで撮影され、ハードドライブなどのデジタルメディアを通じて配布されます。

デジタルカメラの基礎は、金属酸化膜半導体（MOS）イメージセンサーです。^[18]最初の実用的な半導体イメージセンサーは、MOSコンデンサ技術に基づいた電荷結合素子（CCD）でした。 ^{[ 18]} 1970年代後半から1980年代前半にかけてCCDセンサーが商品化された後、エンターテインメント業界は次の20年間でゆっくりとデジタルイメージングとデジタルビデオに移行し始めました。 ^{[20] CCDに続いて、1990年代に開発された}CMOSアクティブピクセルセンサー（CMOSセンサー）^[21]が続きました。^{[22] [23]}

1980 年代後半から、ソニーはアナログのソニー HDVSプロフェッショナル ビデオ カメラを使用して、「電子映画撮影」というコンセプトのマーケティングを開始しました。この取り組みはほとんど成功しませんでした。しかし、これがデジタルで撮影された最初の長編映画の 1 つである「Julia and Julia (1987)」につながりました。^{[引用が必要]} 1998 年には、HDCAMレコーダーとCCD 技術に基づく1920×1080ピクセルのデジタル プロ ビデオ カメラが導入され、このアイデアは現在「デジタル映画撮影」として再ブランド化され、注目を集め始めました。^{[引用が必要]}

1998年に撮影・公開された『ラスト・ブロードキャスト』は、一般消費者向けのデジタル機器のみで撮影・編集された初の長編ビデオであると考える者もいる。^[24] 1999年5月、ジョージ・ルーカスは『スター・ウォーズ エピソード1/ファントム・メナス』に高解像度デジタルカメラで撮影した映像を盛り込むことで、映画製作媒体としてのフィルムの優位性に初めて挑戦した。2013年後半、パラマウントは35mmフィルムを完全に廃止し、映画をデジタル形式で劇場に配給する初の大手スタジオとなった。それ以来、35mmではなくデジタル形式で現像される映画の需要が大幅に増加した。^[要出典]

デジタル技術の進歩に伴い、映画スタジオはデジタル撮影へと移行し始めました。2010 年代以降、デジタル撮影はフィルム撮影に取って代わり、撮影の主流となりました。^[要出典]

映画撮影の芸術には、次のようなさまざまな側面が貢献しています。

最初の映画用カメラは、当時のスチールカメラの三脚ヘッドのように、三脚またはその他の支持台のヘッドに直接固定され、最も粗雑なレベルの調整装置のみが備えられていました。したがって、最も初期の映画用カメラは、撮影中は事実上固定されており、したがって、最初のカメラの動きは、移動する車両にカメラを取り付けた結果でした。これらの最初のものとして知られているのは、1896 年にエルサレムを出発する列車の後方プラットフォームからリュミエールのカメラマンが撮影した映画であり、1898 年までに、走行中の列車から撮影された映画が多数ありました。当時の販売カタログでは「パノラマ」という一般的な見出しの下にリストされていましたが、鉄道機関車の真正面から撮影された映画は、通常、特に「ファントム ライド」と呼ばれていました。

1897 年、ロバート W. ポールは、三脚に取り付けられる最初の本格的な回転式カメラ ヘッドを製作しました。これにより、ビクトリア女王即位 60 周年記念の行進を1 回の撮影で途切れることなく追うことができました。この装置では、カメラが垂直軸に取り付けられ、クランク ハンドルを回すことでウォーム ギアが回転します。ポールは翌年、この装置を一般販売しました。このような「パン」ヘッドを使用して撮影されたショットは、映画が誕生した最初の 10 年間の映画カタログでは「パノラマ」とも呼ばれていました。これが最終的にパノラマ写真の誕生にもつながりました。

初期の映画スタジオの標準的なパターンは、ジョルジュ・メリエスが 1897 年に建設したスタジオによって提供されました。このスタジオは、スチール写真用の大型スタジオをモデルにガラスの屋根と 3 つのガラスの壁を備え、晴れた日の直射日光を拡散させるために屋根の下に張ることができる薄い綿の布が取り付けられていました。この配置によって生み出される、影のない柔らかい全体的な光は、薄曇りの日にも自然に存在し、次の 10 年間の映画スタジオの映画照明の基礎となりました。

白黒撮影法は、映画制作で使用される技法で、画像はカラーなしでグレーの濃淡で撮影され、表示されます。この芸術的なアプローチには豊かな歴史があり、映画の進化を通じてさまざまな映画で採用されてきました。これは、映画制作者がコントラスト、テクスチャ、照明を強調し、視覚的なストーリーテリング体験を向上させることができる強力なツールです。白黒撮影法の使用は、カラーフィルムがまだ利用できなかった映画の初期の時代にまで遡ります。映画制作者は、視覚的に印象的で雰囲気のある映画を作成するためにこの技法に頼っていました。カラーフィルム技術の出現後も、白黒撮影法は芸術的およびテーマ的な目的で引き続き使用されていました。ケン・ダンシガーの著書「映画とビデオ編集のテクニック：歴史、理論、および実践」は、白黒撮影法の歴史的および理論的側面に関する貴重な洞察を提供します。ダンシガーは、この技法が映画の歴史を通じてどのように使用されてきたかを探り、ストーリーテリング、ムード、視覚的な美学への影響を調べています。この本では、魅力的な白黒画像を作成するための芸術的な選択と技術的な考慮事項を詳しく説明し、その技術を総合的に理解できるようにします。

白黒撮影法では、映画製作者は光と影の相互作用に焦点を当て、シーン内のさまざまな要素のコントラストを強調することができます。この技法は、郷愁や特定の時代を想起させたり、時代を超えたクラシックな雰囲気を醸し出したりすることができます。色を削ぎ落とすことで、映画製作者はフレーム内の構成、形状、テクスチャを強調し、視覚的なインパクトを高めることができます。白黒撮影法を採用した有名な映画には、カサブランカ（1942年）、レイジング・ブル（1980年）、シンドラーのリスト（1993年）などの名作があります。これらの映画は、感情に訴える映像を作り出す白黒撮影法の威力と汎用性を示しています。白黒撮影法は、現代の映画製作において依然として関連性があり、広く使用されている技法です。映画製作者は、特定のムードを呼び起こし、時代を超えた感覚を伝え、ストーリーの芸術的表現を高めるために、この技法を採用し続けています。

映画撮影法には多くの種類があり、それぞれ制作目的やプロセスによって異なります。これらの異なる種類の映画撮影法は、特定の感情、ムード、または感覚を伝えるという目標があるという点で似ています。ただし、スタイルが異なれば、伝える感情や目的も異なります。異なる種類の映画撮影法の例として、リアリズムがあります。このスタイルの映画撮影法は、世界をリアルに描写することを目的としており、自然光、手持ちカメラ、ドキュメンタリーのような撮影手法がよく使用されます。クラシック ハリウッドは、洗練されたスタジオ制作の映画を使用し、華やかなセット、明るい照明、ロマンチックな物語を特徴とする映画撮影法のスタイルです。フィルム ノワールは、鮮明なコントラストと明暗法の照明、控えめな照明、暗く陰鬱な雰囲気を特徴とする映画撮影法のスタイルです。犯罪、ミステリー、道徳的に曖昧な登場人物が登場することが多いです。

ショット内のムード、感情、物語、その他の要素を伝えるために、映画撮影は映画内のさまざまな側面を使用して実行されます。シーンの照明は、シーンや映画のムードに影響を与える可能性があります。自然光が少ない暗いショットは、陰鬱で、恐ろしく、悲しく、激しいものになります。明るい照明は、より幸せで、刺激的で、よりポジティブなムードにつながります。カメラアングルは、視点を設定することでシーンに影響を与えます。キャラクターや観客が何かをどのように、どの角度から見ているかを伝えます。カメラアングルは、クローズアップの詳細または背景の設定を強調することで重要な役割を果たすこともあります。クローズアップアングルは、誰かの顔の詳細を強調できますが、広角レンズはショットの背景で発生する重要な情報を提供できます。カメラの距離は、映画のショットにとって重要な特定の詳細を強調できます。非常に遠くから見ると、人々のグループは皆同じように見えますが、非常に近くにズームインすると、視聴者は顔の表情やボディランゲージなどの細部を通じて、集団内の違いを見ることができます。色彩は、ショット全体のムードと感情を設定する上で重要な役割を果たすという点で、照明に似ています。緑のような色は、自然の風景を通してバランスと平和を伝えることができます。赤を多く使ったショットは、怒り、激しさ、情熱、愛を表現することができます。これらの感情の一部は、色を見ているときに意図的に表れないかもしれませんが、映画撮影において色が大きな影響を与えることは無意識の事実です。スピードは、アクションや動きの感覚の創出など、さまざまな方法で使用できる映画撮影の重要な要素です。スピードはさらに、時間を遅くしたり、重要な瞬間を強調したり、多くの場合、映画にサスペンス感を醸し出すために使用できます。スローモーションは、より高いフレームレートで撮影し、その後通常の速度で映像を再生する手法です。これにより、映画にスローダウン効果が作成され、シーンを強調したり、シーンに流動性を追加したりできます。一方、ファーストモーションはスローモーションの反対で、より低いフレームレートで撮影し、その後通常の速度で映画を再生します。これにより、時間の経過を強調したり、緊迫感を演出したりできるスピードアップ効果が作成されます。タイム ラプスとは、長期間にわたって一定の間隔で一連の静止写真を撮影することです。そこから連続して再生すると、スピード アップした効果が表示されます。タイム ラプスは、日の出、自然の動き、成長などを示すのに最も効果的に使用されます。これらは通常、時間の経過を短いシーケンスで示すために使用されます。リバース モーションとは、シーンを通常どおりに撮影し、フィルムを逆方向に再生することです。これは通常、珍しい/シュールな効果を生み出し、珍しいシーンを作成するために使用されます。速度に関連するさまざまなテクニックはすべて、映画の強度、雰囲気を高め、時間の経過を示し、その他多くの効果をもたらします。映画内のカメラの動きは、映画の視覚的な品質とインパクトを高める役割を果たします。これに貢献するカメラの動きのいくつかの側面は次のとおりです。

• ズーム: この動きでは、レンズの焦点距離を変更して、被写体を近づけたり遠ざけたりします。被写体との親密感や距離感を表現するために使用できます。
• 傾斜: 固定位置からカメラを垂直に回転させます。被写体の高さを示したり、シーン内の特定の要素を強調したりするために使用できます。
• パンニング: 固定位置からカメラを水平に回転させます。動いている被写体を追ったり、シーンの広い範囲を表示したりするために使用できます。
• ペデスタル/ブーム/ジビング: カメラ全体を垂直に動かす。フレーム内の被写体に対する垂直方向の動きを表現するために使用できます。
• トラッキング：カメラ全体を水平方向に動かす。フレーム内の被写体に対する水平方向の動きを表現するために使用できます。
• ローリング: カメラ全体を水平方向に回転します。

映画撮影は、デジタル画像センサーまたはフィルムロールから始めることができます。フィルム乳剤と粒子構造の進歩により、幅広い種類のフィルムストックが利用可能になりました。フィルムストックの選択は、典型的な映画制作の準備において最初に行う決定事項の 1 つです。

フィルム ゲージの選択 ( 8 mm (アマチュア)、16 mm (セミプロ)、35 mm (プロ)、65 mm (壮大な写真、特別なイベント会場以外ではほとんど使用されない))の他に、撮影監督は、リバーサル(現像するとポジ画像が作成される) とネガ形式のストック、ISO 50 (低速、光に対する感度が最も低い) から800 (非常に高速、光に対する感度が非常に高い) までの幅広いフィルム速度(光に対する感度が異なる)、色 (低彩度、高彩度) とコントラスト (純粋な黒 (露出なし) と純粋な白 (完全な露出オーバー) の間のさまざまなレベル) に対するさまざまな反応を持つ。ほぼすべてのフィルム ゲージの進歩と調整により、「スーパー」形式が生まれ、フィルムの物理的なゲージは同じままで、画像の 1 フレームをキャプチャするために使用されるフィルムの領域が拡大されます。スーパー 8 mm、スーパー 16 mm、スーパー 35  mm はすべて、スーパーではない「通常の」フィルムよりも、画像にフィルム全体の面積をより多く利用します。フィルム ゲージが大きいほど、画像全体の解像度の鮮明度と技術的品質が高くなります。フィルム ラボでフィルム ストックを処理するために使用する技術によっても、生成される画像に大きな違いが生じる可能性があります。温度を制御し、フィルムを現像薬品に浸す時間を変え、特定の化学処理を省略する (または部分的にすべてを省略する) ことで、撮影監督はラボで 1 つのフィルム ストックから非常に異なる外観を実現できます。使用できる技術には、プッシュ処理、ブリーチ バイパス、クロス処理などがあります。

現代の映画のほとんどはデジタル撮影法を採用しており、フィルムストックは使用されていない^[要出典]が、カメラ自体は、特定のフィルムストックの能力をはるかに超える方法で調整できる。カメラは、さまざまなレベルの色感度、画像コントラスト、光感度などを提供できます。1 台のカメラで、さまざまな乳剤のさまざまな外観をすべて実現できます。ISO やコントラストなどのデジタル画像調整は、実際のフィルムが使用されている場合に行われるのと同じ調整を推定して実行されるため、カメラのセンサー設計者のさまざまなフィルムストックと画像調整パラメータの認識に左右されます。

拡散フィルターや色彩効果フィルターなどのフィルターも、ムードやドラマチックな効果を高めるために広く使用されています。ほとんどの写真用フィルターは、2 枚の光学ガラスを接着したもので、その間に何らかの画像または光操作素材が挟まれています。カラー フィルターの場合、2 枚の光学ガラスの間に半透明の色媒体が押し付けられていることがよくあります。カラー フィルターは、特定の色の波長の光がフィルムに届かないようにブロックすることで機能します。カラー フィルムの場合、これは非常に直感的に機能し、青色フィルターは赤、オレンジ、黄色の光の通過を減らし、フィルムに青みがかった色合いを作り出します。白黒写真では、カラー フィルターは直感に反する形で使用されます。たとえば、青色の波長の光を減らす黄色のフィルターは、昼間の空を暗くするために使用できます (青色光がフィルムに当たらないようにすることで、ほとんどが青い空が大幅に露出不足になります)。ただし、ほとんどの人間の肌の色調は偏りません。フィルターは、さまざまな効果を得るために、レンズの前または場合によってはレンズの後ろに使用できます。

クリストファー・ドイルなどの特定の撮影監督は、フィルターの革新的な使用法でよく知られています。ドイルは映画におけるフィルターの使用を増やした先駆者であり、映画界全体で高く評価されています。

レンズをカメラに取り付けると、焦点、色などによって、特定の外観、感触、または効果を与えることができます。人間の目と同様に、カメラは世界の他の部分との遠近感と空間関係を作り出します。しかし、人間の目とは異なり、撮影監督はさまざまな目的に合わせてさまざまなレンズを選択できます。焦点距離のバリエーションは、主な利点の 1 つです。レンズの焦点距離によって、画角、つまり視野が決まります。撮影監督は、広角レンズ、標準レンズ、長焦点レンズ、マクロレンズ、ボアスコープレンズなどのその他の特殊効果レンズシステムから選択できます。広角レンズは焦点距離が短く、空間的な距離がより明確になります。遠くにいる人ははるかに小さく表示され、前にいる人は大きく表示されます。一方、長焦点レンズはそのような誇張を減らし、遠くにある物体が一見近くに見え、遠近感が平坦になるように描写します。遠近感のレンダリングの違いは、実際には焦点距離自体によるものではなく、被写体とカメラの距離によるものです。したがって、異なる焦点距離と異なるカメラから被写体までの距離を組み合わせて使用​​すると、これらの異なるレンダリングが作成されます。カメラの位置を同じにしたまま焦点距離のみを変更しても、遠近感には影響せず、カメラの視野角のみに影響します。

ズームレンズを使用すると、カメラ オペレーターはショット内またはショットのセットアップ間で焦点距離をすばやく変更できます。プライム レンズはズーム レンズよりも光学品質が高く、「高速」(絞りが大きく、光が少ない場所でも使用可能) であるため、プロの映画撮影ではズーム レンズよりもよく使用されます。ただし、特定のシーンや映画制作の種類では、スピードや使いやすさのためにズームの使用が必要になる場合があり、またズーム移動を伴うショットも必要になる場合があります。

他の写真撮影と同様に、露出画像の制御はレンズの絞りの調整によって行われます。適切な選択を行うには、撮影監督はすべてのレンズにFストップではなくTストップが刻印されている必要があります。これにより、通常のメーターを使用して設定するときに、ガラスによる最終的な光損失が露出制御に影響を及ぼさなくなります。絞りの選択は、画像品質 (収差) と被写界深度にも影響します。

焦点距離と絞りは、シーンの被写界深度、つまり、背景、中景、前景がフィルムまたはビデオ ターゲット上で「許容可能なフォーカス」 (画像の 1 つの正確な平面のみが正確にフォーカスされている) でどの程度レンダリングされるかに影響します。被写界深度 (焦点深度と混同しないでください) は、絞りのサイズと焦点距離によって決まります。大きな被写界深度または深い被写界深度は、非常に小さな絞りを使用して遠くの点に焦点を合わせることで生成されますが、浅い被写界深度は、大きな (開いた) 絞りを使用してレンズに焦点を合わせることで実現されます。被写界深度は、フォーマットのサイズによっても決まります。視野と画角を考慮すると、画像が小さいほど、同じ視野を維持するために焦点距離を短くする必要があります。次に、画像が小さいほど、同じ視野でより深い被写界深度が得られます。したがって、特定の視野では、70mm は 35mm よりも被写界深度が浅くなり、16mm は 35mm よりも被写界深度が深くなります。また、初期のビデオ カメラや、最近のほとんどの消費者向けビデオ カメラでは、16mm よりもさらに被写界深度が深くなります。

市民ケーン（1941年）では、撮影監督のグレッグ・トーランドと監督のオーソン・ウェルズは、セットの前景と背景の細部まで鮮明に撮影するために、絞りを絞った。この手法は、ディープフォーカスと呼ばれる。ディープフォーカスは、1940年代以降、ハリウッドで人気の映画撮影装置となった。今日では、より浅いフォーカスがトレンドとなっている。ショット内のあるオブジェクトまたはキャラクターから別のオブジェクトまたはキャラクターに焦点の面を変更することは、一般にラックフォーカスと呼ばれる。

デジタル映画撮影への移行の初期には、デジタル ビデオ カメラはイメージ センサーが小さいため、浅い被写界深度を簡単に実現できないという問題がありました。これは、35 mm フィルムの外観を模倣しようとする映画製作者にとって当初は悩みの種でした。この問題は、被写界深度を維持したまま、より大きなフォーマットのサイズで画像をグラウンド ガラス スクリーンに投影する、より大きなフォーマットのレンズを取り付けることで解決しました。次に、アダプターとレンズを小さなフォーマットのビデオ カメラに取り付け、グラウンド ガラス スクリーンに焦点を合わせました。

デジタル一眼レフカメラのセンサーサイズは 35mm フィルムのフレームとほぼ同じで、被写界深度もほぼ同じです。これらのカメラにビデオ機能が搭載されたことで、デジタル映画撮影に革命が起こり、フィルムのような画質を得られることから、映画製作者がビデオ撮影にスチルカメラを採用するようになりました。最近では、35mm フィルムのような被写界深度を実現できる大型センサーを搭載した専用ビデオカメラが増えています。

画像のアスペクト比は、画像の幅と高さの比率です。これは、4:3 などの 2 つの整数の比率、または 1.33:1 や単に 1.33 などの小数形式で表すことができます。比率が異なると、美的効果も異なります。アスペクト比の標準は、時代とともに大きく変化してきました。

無声映画の時代、アスペクト比は正方形の1:1から、極端にワイドな 4:1 のポリビジョンまで、幅広く変化しました。しかし、1910 年代から、無声映画のアスペクト比は一般的に 4:3 (1.33) に落ち着きました。サウンド オン フィルムの導入により、サウンド ストライプ用のスペースを確保するために、アスペクト比は一時的に狭くなりました。1932 年には、フレーム ラインを太くすることで、新しい標準であるアカデミー比1.37 が導入されました。

長年、主流の映画撮影技師はアカデミー比の使用に限定されていましたが、1950 年代にシネラマの人気により、観客を自宅のテレビから劇場に呼び戻すためにワイドスクリーン比が導入されました。これらの新しいワイドスクリーン形式により、映画撮影技師は画像を構成するためのより広いフレームを使用できるようになりました。

1950 年代には、ワイドスクリーン映画を制作するために、さまざまな独自の写真システムが発明され、使用されましたが、1 つのシステムが映画界で主流でした。それは、画像を光学的に圧縮して、水平方向の領域を 2 倍にして、垂直方向を標準の「球面」レンズと同じサイズにするアナモルフィック プロセスです。最初に一般的に使用されたアナモルフィック形式は CinemaScope で、アスペクト比は 2.35 でしたが、当初は 2.55 でした。CinemaScope は 1953 年から 1967 年まで使用されましたが、設計上の技術的な欠陥と Fox による所有権のために、 1950 年代のPanavisionの技術的改良を先頭に、いくつかのサードパーティ企業がアナモルフィック シネレンズ市場を独占しました。SMPTE 投影規格の変更により、1970年に投影比率が 2.35 から 2.39 に変更されましたが、写真のアナモルフィック規格に関しては何も変更されませんでした。アナモルフィック 35 mm 写真のアスペクト比に関するすべての変更は、カメラまたはプロジェクターのゲート サイズに固有のものであり、光学系によるものではありません。1950年代の「ワイドスクリーン戦争」の後、映画業界は米国と英国の劇場上映の標準として 1.85 を採用しました。これは 1.37 の縮小版です。ヨーロッパとアジアでは当初 1.66 が選択されましたが、ここ数十年で 1.85 がこれらの市場に広く浸透しました。一部の「叙事詩」または冒険映画では、アナモルフィック 2.39 (誤って「2.40」と表記されることが多い) が使用されました。

1990 年代にハイビジョン ビデオが出現すると、従来の CRT テレビ管を 1.85 の幅で製造することは現実的ではなかったため、テレビ技術者は劇場標準の 1.85 とテレビの 1.33 の間の妥協点として 1.78 (16:9) の比率を生み出しました。この変更が行われるまで、1.78 で開発されたものはありませんでした。現在、これはハイビジョン ビデオとワイドスクリーン テレビの標準となっています。

フィルムのフレームまたはデジタル ターゲット (CCD など) に画像を露出させるには、光が必要です。しかし、映画撮影における照明技術は、基本的な露出をはるかに超えて、視覚的なストーリーテリングの本質にまで及びます。照明は、映画を観る観客の感情的な反応に大きく貢献します。フィルターの使用が増えると、最終的な画像に大きな影響が及び、照明にも影響が及びます。

映画における照明の重要性 映画における照明は、視認性、構成、雰囲気という 3 つの主な理由から不可欠です。まず、照明は被写体やシーンが適切に照らされ、視聴者が詳細を認識して物語を理解できるようにします。照明は、フレーム内の特定の要素に観客の注意を向け、重要なキャラクターやオブジェクトを強調するのに役立ちます。次に、照明はショットの構成に貢献します。映画製作者は、フレーム内でバランス、奥行き、視覚的な興味を生み出すために、戦略的に照明を配置します。照明により、シーン内の視覚要素を制御し、特定の領域を強調し、他の領域を目立たなくすることができます。最後に、照明は映画の雰囲気と雰囲気に大きな影響を与えます。光の強度、色、方向を操作することで、映画製作者はさまざまな感情を呼び起こし、物語を強化することができます。明るく均一な照明は安全感や幸福感を呼び起こし、影のある控えめな照明は緊張感、謎、恐怖感を生み出すことができます。照明スタイルの選択は、フィルム ノワールでよく使用される高コントラストの照明など、映画のジャンルを反映することもできます。

照明テクニック

映画制作では、望ましい効果を得るためにさまざまな照明技術が採用されています。よく使われる技術をいくつか紹介します。 3 点照明: この古典的な技術では、キー ライト、フィル ライト、バックライトの 3 つのライトを使用します。キー ライトは主光源として機能し、被写体を片側から照らして奥行きと立体感を生み出します。フィル ライトはキー ライトによって生じる影を減らし、全体的な照明を和らげます。バックライトは被写体を背景から分離し、ハロー効果を生み出して奥行き感を高めます。 ハイ キー照明: ハイ キー照明は、明るく均一に照らされたシーンを生み出します。コメディや明るい映画でよく使用されます。影を最小限に抑え、明るく陽気な雰囲気を作り出します。 ロー キー照明: ロー キー照明では、単一のキー ライトまたは戦略的に配置されたいくつかのライトを使用して、強いコントラストと深い影を作り出します。この技術は、フィルム ノワールやホラーのジャンルでサスペンス、ミステリー、恐怖を喚起するためによく使用されます。

自然光:

映画製作者は、本物らしくリアルな外観を作り出すために、自然光を利用することがあります。この手法では、人工照明を追加せずに、太陽光や実用的なランプなどの既存の光源を使用します。これは、屋外のシーンや自然美を狙った映画でよく見られます。カラー照明: 色付きのライトやゲルを使用すると、シーンのムードや雰囲気を劇的に変えることができます。異なる色は異なる感情を呼び起こし、ストーリーテリングを強化できます。たとえば、赤やオレンジなどの暖色系は暖かさや情熱を感じさせ、青などの寒色系は悲しみや孤独感を伝えます。

映画撮影では、動く被写体を描写できるだけでなく、観客の視点や観点を表すカメラを撮影中に動かすこともできる。この動きは、映画画像の感情表現や、アクションに対する観客の感情的な反応において、重要な役割を果たす。技術は、最も基本的な動きであるパンニング（固定位置からの視点の水平方向の移動。頭を左右に回すようなもの）やティルティング（固定位置からの視点の垂直方向の移動。頭を後ろに傾けて空を見たり、下に傾けて地面を見たりすること）から、ドリー（カメラを移動する台に乗せて被写体に近づけたり遠ざけたりすること）、トラッキング（カメラを移動する台に乗せて左右に動かすこと）、クレーン（カメラを垂直方向に動かすこと。固定されたベース位置からカメラを地面から持ち上げたり左右に振ったりできること）、およびこれらを組み合わせたものまで多岐にわたる。初期の映画撮影技師は、動きという要素のために、他のグラフィックアーティストには一般的ではない問題にしばしば直面した。^[25]

カメラは、考え得るほぼすべての輸送手段に取り付けられてきました。ほとんどのカメラは手持ち式で、カメラマンがアクションを撮影しながらある位置から別の位置へと移動するものです。個人用安定化プラットフォームは、1970年代後半にギャレット・ブラウンの発明によって誕生し、ステディカムとして知られるようになりました。ステディカムは、カメラに接続するボディハーネスと安定化アームで構成されており、カメラを支えながらオペレーターの体の動きから分離します。1990年代初頭にステディカムの特許が失効した後、他の多くの企業が個人用カメラスタビライザーのコンセプトを製品化し始めました。この発明は、今日では映画界全体でより一般的になっています。長編映画から夕方のニュースまで、ますます多くのネットワークが個人用カメラスタビライザーを使用し始めています。

映画における最初の特殊効果は、映画の撮影中に作成されました。これらは「インカメラ」効果として知られるようになりました。その後、編集者や視覚効果アーティストがポストプロダクションでフィルムを操作することで、プロセスをより厳密に制御できるように、光学的およびデジタル効果が開発されました。

1896 年の映画「メアリー スチュアートの処刑」では、エリザベス朝の衣装を着た少数の傍観者の前で、女王に扮した俳優が処刑台に首を置く場面が描かれています。死刑執行人が斧を振り下ろすと、生首になった女王の首が地面に落ちます。このトリックは、カメラを停止して俳優をダミーに置き換え、斧が落ちる前にカメラを再び起動することで実現しました。その後、2 本のフィルムを切り取って接着し、映画を上映したときにアクションが連続しているように見せました。こうして全体的な錯覚が生まれ、特殊効果の基礎がうまく築かれました。

この映画は、1895年に最初のキネトスコープ機械とともにヨーロッパに輸出された映画の中に入っており、当時パリのロベール・ウーダン劇場でマジックショーを上演していたジョルジュ・メリエスの目に留まった。1896年に映画製作を始めたメリエスは、エジソン、リュミエール、ロバート・ポールの映画の模倣をした後、『消えた女』を製作した。この映画では、エジソンの以前の映画と同じストップモーション技法を使って女性が消える様子が映し出されている。その後、ジョルジュ・メリエスは、このトリックを使ったワンショット映画を数年にわたって数多く製作した。

トリック映画のもう 1 つの基本的な技法は、カメラのフィルムを二重露光させるというものです。これは、1898 年 7 月に英国でジョージ アルバート スミスによって初めて実行されました。スミスの『コルシカの兄弟』（1898 年）は、1900 年にスミスの映画の配給を引き継いだワーウィック貿易会社のカタログで次のように説明されています。

「双子の兄弟の一人がコルシカの山での射撃から帰宅すると、もう一人の兄弟の幽霊が訪ねてくる。非常に注意深く撮影すると、幽霊は *完全に透明* に映る。剣で刺されて殺されたことを示し、復讐を訴えた後、幽霊は姿を消す。その後、雪の中での致命的な決闘を示す「幻影」が現れる。コルシカ人は驚いたことに、決闘と兄弟の死が幻影に鮮明に描かれ、感情に圧倒されて、母親が部屋に入ってくると、床に倒れる。」

ゴースト効果は、メインのアクションが撮影された後にセットを黒いベルベットで覆い、その後、ゴースト役の俳優が適切な部分でアクションを演じるネガを再露光することで実現しました。同様に、円形のビネットまたはマットの中に現れるビジョンは、セットの細部ではなく、シーンの背景の黒い領域に同様に重ね合わされ、画像を通して何も現れず、非常にしっかりしているように見えました。スミスは、サンタクロース（1898年）でもこの手法を使用しました。

ジョルジュ・メリエスは、 1898年に制作した『悪魔の洞窟』で初めて暗い背景にスーパーインポーズを使用し^[要出典]、その後『四つの厄介な頭』のワンショットで多くのスーパーインポーズを使用してそれをさらに発展させました。彼はその後の映画でさらにバリエーションを生み出しました。

映画映像は一定の速度で観客に提示されます。劇場では1 秒あたり 24 フレーム、NTSC (米国) テレビでは 1 秒あたり 30 フレーム (正確には 29.97)、PAL (欧州) テレビでは 1 秒あたり 25 フレームです。この提示速度は変わりません。

ただし、画像を撮影する速度を変えることで、より速いまたは遅い録画画像が一定の速度で再生されることがわかっているため、さまざまな効果を作成できます。これにより、撮影監督は創造性と表現をさらに自由に発揮できるようになります。

たとえば、タイムラプス写真は、非常に遅い速度で画像を露光することで作成されます。撮影監督がカメラを 4 時間にわたって 1 分ごとに 1 フレーム露光するように設定し、その映像を 1 秒あたり 24 フレームで投影すると、4 時間のイベントを 10 秒で表示でき、1 日 (24 時間) のイベントをわずか 1 分で表示できます。

これとは逆に、画像を表示する速度よりも速い速度で撮影すると、画像が大幅に遅くなります (スローモーション)。撮影者がプールに飛び込む人を 96 フレーム/秒で撮影し、その画像を 24 フレーム/秒で再生すると、表示には実際の出来事の 4 倍の時間がかかります。1 秒あたり何千フレームも撮影する超スローモーションでは、飛んでいる弾丸や媒体を伝わる衝撃波など、通常は人間の目には見えないものを表現できます。これは、潜在的に強力な映画撮影技術です。

映画では、時間と空間の操作は、物語を伝えるツールとしてかなり重要な要素です。この操作では、映画編集が大きな役割を果たしますが、元のアクションの撮影におけるフレーム レートの選択も、時間の変更に寄与する要素です。たとえば、チャーリー チャップリンの「モダン タイムス」は、「サイレント スピード」(18 fps) で撮影されましたが、「サウンド スピード」(24 fps) で上映されたため、ドタバタ アクションがさらに熱狂的に見えます。

スピード ランピング、または単に「ランピング」は、カメラのキャプチャ フレーム レートが時間の経過とともに変化するプロセスです。たとえば、10 秒間のキャプチャ中にキャプチャ フレーム レートが 60 フレーム/秒から 24 フレーム/秒に調整された場合、標準の映画レートである 24 フレーム/秒で再生すると、独自の時間操作効果が得られます。たとえば、ドアを押して開けて通りに歩いていく人は、最初はスローモーションで表示されますが、同じショットの数秒後には、その人が「リアルタイム」(通常の速度) で歩いているように見えます。マトリックスでは、ネオが初めてマトリックスに戻ってオラクルに会うときに、反対のスピード ランピングが行われます。ネオが倉庫の「ロード ポイント」から出てくると、カメラは通常の速度でネオにズームインしますが、ネオの顔に近づくにつれて、時間が遅くなるように見えます。これは、映画の後半でマトリックス内で時間自体が操作されることを予感させます。

GA スミスは逆モーションの技法を考案し、自己動機づけ画像の品質も向上させました。彼はこれを、逆さにしたカメラで撮影しながら動作を 2 回繰り返し、2 枚目のネガの末尾を 1 枚目のネガの末尾につなげることで実現しました。この技法を使用した最初の映画は、『Tipsy, Topsy, Turvy』と『The Awkward Sign Painter』で、後者では看板画家が看板に文字を書いてから、看板の絵が画家の筆で消えていく様子が描かれています。この技法の現存する最古の例は、1901 年 9 月以前に制作されたスミスの『The House That Jack Built』です。ここでは、小さな男の子が、女の子が子供用の積み木で作ったばかりの城を倒す様子が描かれています。次に「Reversed」というタイトルが表示され、動作が逆方向に繰り返され、男の子の打撃で城が元通りになります。

セシル・ヘップワースは、この技法を改良し、前進運動のネガをフレームごとに逆方向に印刷しました。そのため、印刷物の制作では、元のアクションが正確に逆になりました。ヘップワースは1900 年に「水浴者」を制作しました。この作品では、服を脱いで水に飛び込んだ水浴者が後ろ向きに水から飛び出し、服が魔法のように体に戻るように見えます。

異なるカメラ速度の使用も 1900 年頃に登場しました。ロバート ポールの「暴走するモーター カーでピカデリー サーカスを抜けて」 (1899 年) では、カメラの回転が非常に遅いため、映画が通常の 1 秒あたり 16 フレームで映写されているときに、風景が猛スピードで流れていくように見えました。セシル ヘップワースは「インディアンの酋長とザイドリッツの粉」 (1901 年) で逆の効果を使用しました。この作品では、無知なインディアンが大量の発泡性胃薬を摂取して胃が膨張し、風船のように飛び回ります。これは、カメラを通常の 1 秒あたり 16 フレームよりも速く回転させることによって実現され、最初の「スローモーション」効果を生み出しました。

関係するスタッフは、年功序列の降順で次のとおりです。

• 撮影監督、撮影監督とも呼ばれる
• カメラマンとも呼ばれるカメラオペレーター
• 第一アシスタントカメラマン、フォーカスプラーとも呼ばれる
• 第二補助カメラ（クラッパーローダーとも呼ばれる）

映画業界では、撮影監督は映像の技術的側面（照明、レンズの選択、構図、露出、フィルター、フィルムの選択）を担当していますが、監督と密接に協力して、芸術的な美学が監督のストーリー展開のビジョンをサポートしていることを確認します。撮影監督は、セットでのカメラ、グリップ、照明スタッフの責任者であり、このため、撮影監督またはDPと呼ばれることがよくあります。アメリカ撮影監督協会は、撮影を、物理的なイベントの単なる記録ではなく、オリジナルの芸術作品の著作者となる創造的かつ解釈的なプロセスと定義しています。撮影は写真のサブカテゴリではありません。むしろ、写真は、撮影監督が他の物理的、組織的、管理的、解釈的、および画像操作技術に加えて使用する1つの技術であり、1つの一貫したプロセスを実現します。^{[26]英国の伝統では、撮影監督が実際にカメラを操作する場合は、}撮影監督 と呼ばれます。小規模な制作では、1 人がこれらすべての機能を単独で実行することが一般的です。キャリアの昇進は、通常、セカンド、ファースト、そして最終的にはカメラ操作まで昇進していくことになります。

撮影監督は、プリプロダクションからポストプロダクションまで、仕事の過程で多くの解釈上の決定を下しますが、それらはすべて映画の全体的な雰囲気と見た目に影響します。これらの決定の多くは、写真家が写真を撮るときに注意する必要があるものと似ています。つまり、撮影監督はフィルムの選択自体（光と色に対する感度が異なるさまざまなストックから）、レンズの焦点距離の選択、絞り露出、フォーカスを制御します。ただし、映画撮影には、純粋に単一の静止画像である静止写真とは異なり、時間的な側面があります（視覚の残像を参照）。また、映画用カメラの取り扱いはより大きく、より骨の折れる作業であり、より複雑な一連の選択を伴います。そのため、撮影監督は、多くの場合、1 人の人物として機能する写真家よりも多くの人々と協力する必要があります。その結果、撮影監督の仕事には人員管理とロジスティック組織も含まれます。撮影監督は自身の技術だけでなく他の人の技術についても深い知識を必要とするため、アナログまたはデジタルの映画製作に関する正式な指導を受けることは有利となる可能性がある。^[27]

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ウィキメディア・コモンズには、映画撮影に関連するメディアがあります。

• 映画制作マニュアル: Wikibooks の撮影セクション
• コダックの映画撮影の歴史。
• バーンズ、ポール。映画撮影法の発見の歴史