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| キャンベルスープ缶 | |
|---|---|
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| アーティスト | アンディ・ウォーホル |
| 年 | 1962 |
| カタログ | 79809 |
| 中くらい | キャンバスに合成ポリマー塗料 |
| 寸法 | 20×16インチ（51cm×41cm）のキャンバス32枚 |
| 位置 | ニューヨーク近代美術館。1996年にアーヴィング・ブラムから入手 （32のキャンバスシリーズが導入年ごとに展示） |
| 加入 | 476.1996.1–32 |
キャンベルスープ缶[1] （ 32個のキャンベルスープ缶と呼ばれることもある） [2]は、アメリカの芸術家アンディ・ウォーホルによって1961年11月から1962年6月[3] [4]にかけて制作された芸術作品である。この作品は32枚のキャンバスから成り、各キャンバスは縦20インチ（51cm）×横16インチ（41cm）の大きさで、それぞれキャンベルスープ缶（当時同社が販売していた缶入りスープ各種のうち1種類）を描いたものである。 [1]この作品は、ウォーホルが商業製品や大衆文化から派生した印刷されたイメージを手描きで描いたもので、ポップアート運動に属するもの。
ウォーホルは絵画を始める前は商業イラストレーターだった。キャンベルスープ缶は1962年7月9日、カリフォルニア州ロサンゼルスのフェラス・ギャラリーで行われたウォーホル初の個展[5] [6]で展示され、アーヴィング・ブラムがキュレーターを務めた。この展覧会は西海岸でのポップアートのデビューとなった。[7]ブラムは1987年に数年間ナショナル・ギャラリーに貸し出し、その後1996年にニューヨーク近代美術館に売却するまで、この絵画シリーズを所有していた。この主題は当初、抽象表現主義という初期の芸術運動の技法や哲学を侮辱するものであったこともあり、不快感を招いた。アーティストとしてのウォーホルの動機が疑問視された。この主題との関連から、ウォーホルの名前はキャンベルスープ缶の絵画と同義となった。
ウォーホルは、そのキャリアの3つの異なる時期にキャンベルスープ缶を描いた多種多様なアート作品を制作し、商業やマスメディアの世界からのさまざまなイメージを使用して他の作品も制作しました。訴訟を考慮した後、キャンベルスープ社はウォーホルのキャンベルスープ缶のテーマを採用しました。今日、キャンベルスープ缶のテーマは、通常、オリジナルのキャンバス32枚セットを参照して使用されますが、ウォーホルの他の作品も指します。1960年代初期に作成された約20の同様のキャンベルスープ絵画のバリエーション、1965年の3フィート（91センチメートル）× 2フィート（61センチメートル）のマルチカラーキャンバス20枚、長年にわたるキャンベルスープの関連するドローイング、スケッチ、ステンシル、1968年と1969年に制作された2つの異なる250カウント10要素のスクリーンプリントのセット。 1970年代には、キャンベルスープ缶を逆さにした絵のバリエーションを多数制作した。同様のテーマの作品シリーズ全体が人気を博したことにより、ウォーホルの名声は最も有名なアメリカのポップアートのアーティストというだけでなく、[8]存命のアメリカ人アーティストの中で最も高額な作品を生み出すまでに成長した。[9]
後から制作されたスクリーンプリントのセットがキャンベルスープ缶のセットであるかのように言及されたり、オリジナルのキャンバスの絵画のセットがスクリーンプリントのセットであるかのように言及されたりするため、混乱が生じることがある。さらに、元従業員との不和の結果として、法的にはウォーホルの知的財産であるスクリーンプリントの無許可の制作と販売が継続している。このテーマについてもさまざまな説明がある。キャンベルスープ缶のテーマをウォーホルが選んだ一般的な説明は、ある芸術家の知人が、彼を自分のルーツに近づける提案で元のシリーズにインスピレーションを与えたというものである。このテーマの追求に影響を与えたと言われている他の芸術家もいる。
初期のキャリア
ニューヨークのアートシーン
ウォーホルは1949年にカーネギー工科大学美術学部から直接ニューヨークにやって来て[10]、すぐに商業イラストレーターとして成功を収めた。彼の最初の出版された絵は、1949年夏号のグラマー誌に掲載された。[11] 1952年、彼はボドリー・ギャラリーでトルーマン・カポーティに触発された作品を展示し、初めての美術館展を開催した。 [12] 1955年までに、ネイサン・グラックの助けを借りて、ウォーホルはニューヨーク公共図書館の写真コレクションから借りた写真をトレースし、カーネギー工科大学の学生時代に以前に開発した手法でそれらを再現していた。彼の後の作品の前兆となる手法は、湿ったインクのイラストを隣接する紙に押し付けるというものだった。[13] 1950年代には、彼は自分の絵を定期的に展示し、近代美術館で展示した（Recent Drawings、1956年）。[10]
ポップアート
1960年、ウォーホルは最初のキャンバス作品の制作を開始した。これは漫画を題材にしたものである。 [14]ウォーホルは漫画やその他のポップアートの題材のシルクスクリーンを制作していたが、当時はロイ・リキテンスタインのより完成度の高いスタイルの漫画と競合することを避けるため、題材をスープ缶に限定していたとされている。[15]ウォーホルはかつて「リキテンスタインやジェームズ・ローゼンクイストとは十分に異なる、非常に個人的な、彼らと全く同じことをしているようには見えない、本当に大きなインパクトを与える何かをやらなければならない」と語った。[16]
1961年、ウォーホルは、滴りや筆遣いを用いた抽象表現主義のアクションペインティングと、より直接的なポップアートのスタイルの間で揺れ動いていた。彼の初期のスープ缶作品のほとんどは後者の傾向があった。彼は、ステンシルの切り抜きによる手描きやスプレーペインティング、ゴムスタンプによるイメージの実験を行った。1962年1月、彼はアクリル絵の具を使用して、キャンバスや紙に彫刻アートの消しゴムでスタンプし始めた。[17]
いくつかの情報源は、オリジナルの32個のキャンベルスープ缶セットはシルクスクリーン作品のセットだったと誤って主張している。[18]キャンベルスープ缶が何であるかについては混乱があまりにも多く、オンタリオ美術館がキャンベルスープIのセットを入手したとき、グローブ・アンド・メール紙はそれを「象徴的なシリーズ全体」と表現した。[19]現在32個のキャンベルスープ缶と、キャンベルスープIおよびキャンベルスープ缶IIの完全なセットを所有している近代美術館は、前者を絵画セット（「キャンバスにメタリックエナメル塗料を使用したアクリル、32枚のパネル」）[1]、後者の2つをスクリーンプリントのセット（「10枚のスクリーンプリントのポートフォリオ」）と表現している。[20] [21]オリジナルの32個のスープ缶作品は、スープ缶の投影をキャンバスにトレースし、その後に手で筆で描くことで制作された。[22]このプロセスはスタンプとステンシルに依存しており、ウォーホルが絵画技法からシルクスクリーン技法へと移行する中間段階であった。[23]これらは「アーティストとしての彼の名声の基盤となった作品の一つ」[24]とみなされており、「彼の作品の真の回顧展」には欠かせないものでもある。[25]
ウォーホルは、1961年4月にボンウィット・テラーのウィンドウデザインの背景にコミック・ストリップ（および新聞広告）の絵画を使用することで、それらの作品を世に出すことができた。[26] レオ・カステッリは1961年にウォーホルのギャラリーを訪れ、そこで見た作品はリヒテンシュタインの作品にあまりにも似ていると述べた。 [27] [28]ウォーホルとリヒテンシュタインのコミック作品は主題と技法が異なっていた（例えば、ウォーホルのコミック・ストリップの人物はポパイのようなユーモラスなポップカルチャーの戯画であったが、リヒテンシュタインのものは一般的にステレオタイプのヒーローとヒロインであり、冒険とロマンスを扱ったコミック・ストリップに触発されていた）。[29]カステッリは当時、両アーティストの代理を務めないことを選択した。 （彼は1964年11月にウォーホルと彼の花の絵画を展示し、その後1966年に再びウォーホルを展示した。 [30] ）1962年2月、リヒテンシュタインはカステリの同名ギャラリー、レオ・カステリで完売した漫画絵画の展覧会に出展し、ウォーホルが自身の漫画絵画を展示する可能性を終わらせた。[31]リヒテンシュタインの1962年の展覧会の直後、 1962年4月17日、アラン・ストーン・ギャラリーでウェイン・ティーボーの個展が開催された。この展覧会ではオールアメリカンな食べ物が取り上げられたが、ウォーホルはそれが自分の食べ物関連の作品を危険にさらすと感じて苛立った。[32]ウォーホルはボドリー・ギャラリーに戻ることを考えていたが、ボドリーのディレクターは彼のポップアート作品を気に入らなかった。[16] 1961年、ウォーホルはアラン・ストーンから、イースト82丁目18番地のギャラリーでローゼンクイスト、ロバート・インディアナとの三人展を開くよう提案されたが、3人ともこの提案に侮辱を感じた。[33]
1962年3月までに、美術評論家のデイヴィッド・ボードンは、ニュースレターでウォーホルのスープ缶のイラストを見た後、彼の社交スペース/スタジオを訪れた。[34]アーヴィング・ブラムは、ウォーホルのスープ缶の絵を展示した最初のディーラーであった。[5] 1961年12月、彼はたまたまウォーホルのレキシントン・アベニュー1342番地のアパート/アートスタジオを訪ねていた。[35] [36]そして、1962年5月、ウォーホルが1962年5月11日のタイム誌の記事「スライス・オブ・ケーキ派」[37]で、リヒテンシュタイン、ローゼンクイスト、ティーボーと共に特集されていた時期であった。[38]その記事には、キャンベルスープ缶の絵の人間サイズのキャンバスの横に立って、逆さまにした缶から直接キャンベルスープを食べているウォーホルの1962年4月の写真が含まれていた。[39] [40] 4月24日にインタビューを受けたウォーホルは[40] 、実際に記事に写真が掲載された唯一のアーティストであり、マスメディアを操作する彼の才能を示しています。[41]彼はまた、すでにレビューされたポップアートショーを開催していたクレス・オルデンバーグ、ジム・ダイン、トム・ウェッセルマン、ジョージ・シーガルよりも少し意外な選択でした。 [40]その日、ブラムは100個のスープ缶のグリッドを含むキャンベルスープ缶のバリエーションを数十個見ました。[15]ブラムの1962年5月の訪問までに、ウォーホルは32缶シリーズの16番目の個別の写実的なスープ缶の肖像画に取り組んでいました。 5月のタイム紙の記事では、ウォーホルは「現在、キャンベルのスープ缶を生き生きとした色彩で描いた一連の『肖像画』に取り組んでいる」と記されており、ウォーホルは「私はいつも美しいと思っていたもの、毎日使っていて決して考えることのないものを描くだけです...スープを描いています...ただ好きだから描いているだけです」と語っている。[4]キャンベルスープ缶の絵のうち3枚は、ウォーホルの寄木細工の床に並べられた。[42]ウォーホルのより大きなキャンベルスープ缶の作品のいくつかがすでにニューヨークのアートディーラーによって販売されていることを知っていたブルームは、[42]ウォーホルがギャラリーの手配をしていないことに驚き、ロサンゼルスのフェラスギャラリーで7月にショーを開催することを提案した。これはウォーホルにとってポップアートの初の個展となる。[5] [6]ウォーホルは、新しく設立されたアートフォーラムが、2018年11月1日に開催されることをブルームから保証された。ギャラリーの上にオフィスを構えていた雑誌が展覧会を取材する予定だった。この展覧会はウォーホルにとって初のギャラリー個展だっただけでなく、ポップアートの西海岸初公開とみなされていた。[7]また、ブラムは、ウォーホルがニューヨークの美術界に興味を持っていたにもかかわらず、ハリウッドの有名人の魅力を利用してウォーホルを西海岸で展覧会に誘った。[43]ウォーホルのファンであるデニス・ホッパーとブルック・ヘイワード（当時のホッパーの妻）は、ウォーホルが西海岸のアーティストや有名人と会えるよう、このイベントのために歓迎会を開いた。[44] [45] 1962年6月9日付のブラムからウォーホルへの手紙には、展覧会の開幕が7月9日に定められていた。[46]
プレミア
723ラ シエネガ ブルバード
1962年フェラスギャラリーの展示場所、ロサンゼルスのビバリーグローブ地区（2023年）
ウォーホルは、キャンベルスープ缶の肖像画を描いた20×16インチ（510 mm×410 mm）のキャンバス32枚をブラムに送った。それぞれの絵は、当時販売されていたキャンベルスープの特定の種類を表していた。[1]アーヴィング・ブラムが送った1962年6月26日付のポストカードには、「32点が無事に到着し、美しいです。ここでの最初の展示期間中は、低価格を維持することを強くお勧めします」と書かれている。[47] 32点のキャンバスは非常によく似ており、それぞれが、象徴的な、主に赤と白のキャンベルスープ缶を白い背景にシルクスクリーンでリアルに表現している。[48]これらが永続的なものになれば、キャンベルがちょうど32種類あった1962年を思い起こさせるだろう。「つまり、それはある意味、時代を象徴するものなのです」とウォーホルは言う。[49]
フェラス展は1962年7月9日に開幕したが、ウォーホルは欠席し、正式なオープニングも行われなかった。[50]しかし、オープニングはラ・シエネガ・ブールバードの「マンデー・アート・ウォーク」と重なり、これは人気のイベントだった。[51] 32枚のスープ缶キャンバスは、棚の上の商品のように一列に並べられ、それぞれが狭い個別の棚に展示されていた。[52]現代への影響はわずかだったが、歴史的な影響は今日では分水嶺だったと考えられている。ギャラリーの観客は、この展覧会をどう受け止めてよいか分からなかった。ジョン・コプランズ ・アートフォーラムの記事は、近くのギャラリーが数十個のスープ缶を3個60セント（2023年の価値で6.04ドル）で展示したこともあって、人々にウォーホルに対して立場を表明するよう促した。[53] [54]もう一つの批判者である近くのプリムス・スチュアート・ギャラリーは、本物のキャンベルスープ缶をピラミッド状に積み上げ、窓の下に「惑わされないでください。本物を手に入れてください。当店の低価格2—0.33セント」（2023年現在3.32ドル）と書かれた看板を掲げた。 [51] [55]ロサンゼルス・タイムズ紙は、2人の登場人物が絵画が与える芸術的な印象を嘲笑する漫画を掲載した。[55]ロサンゼルスの展示会やウォーホルのスタジオで実際に絵画を見た人はほとんどいなかったが、作品が製造された物体の外観を模倣しようとしているように見えることから、論争とスキャンダルとして噂が広まった。[56]このようなありふれた商業的で無生物に努力を集中することのメリットと倫理性に関する長期にわたる議論により、ウォーホルの作品はアート界の会話の中心に留まった。評論家たちは、アーティストがアートを地元の食料品店に行くのと同等に貶めるとは信じられなかった。ウォーホルにとって、この話は金銭的な成功にはつながらなかった。デニス・ホッパーは、キャンバス一枚に100ドル（2023年の価値で1007.26ドル）を支払ったわずか6人のうちの最初の人物だった。ブラムは32枚のキャンバスをセットのまま保管しようと決め、売れた数枚を買い戻した。持ち帰ったのは2枚だけで、4枚は取り置きされていた。[57]これはセットとして考えていたウォーホルを喜ばせ、彼はセットを毎月100ドルの分割払いでブラムに10回売ることに同意した。[58] [53]これらの支払いは、当時ブラムが支払っていた家賃の2倍だった。[59]ウォーホルは、これが彼にとって初の本格的なアートショーで節目を迎えた。[60] ブレイク・ゴプニックブルムは、その結果を「無名で奇妙に反復的なスタイルの過激な新しい絵画としては悪くない」と表現し、「知名度ゼロで地元とのつながりもないアーティストによる作品としては悪くない」としている。[59]ブルームのビジネスパートナーであるジョセフ・ヘルマンによる別の話では、ブルームはキャンバス1枚当たり200ドル（2023年時点で2014.52ドル）の値段に基づいてウォーホルに3000ドル（2023年時点で30217.82ドル）の手数料を支払うことを約束していたが、最終的に1000ドルが支払われたのは激しい再交渉の結果だったという。[59]
展覧会は1962年8月4日、マリリン・モンローの死の前日に閉幕した。ウォーホルはその後、映画『ナイアガラ』のモンローの宣伝用スチール写真を購入し、後にトリミングして彼の最も有名な作品の一つであるマリリンの絵画を制作した。ウォーホルはマーティンソンのコーヒー缶、コカコーラのボトル、S&Hグリーンスタンプ、その他のキャンベルスープ缶など、他のポップアートを描き続けたが、すぐに有名人を描くアーティストとして多くの人に知られるようになった。1963年10月、彼はブラムのギャラリーに戻り、『エルヴィスとリズ』を展示した。[5]
ブルームは、ウォーホルに完全なセットの代金を支払う前に、出所に応じて合計5〜6枚の絵画を買い戻さなければなりませんでした。[59] [61]彼は25年以上作品を所有し続け、自宅のダイニングルームに時折飾る以外は、通常はオリジナルの特別なスロット付き木箱に保管していました。[43]
このセットの当初の展示では、全ての作品が様々な壁に同じ高さで展示されていたが、ニューヨーク近代美術館（MoMA）は、2015年に開催したウォーホル展を除いて、一般的には単一の壁にグリッド状に展示していた（上記メイン画像を参照）。[62]ブラムは適切な間隔と遠近感で絵画を一直線に掛けることができなかったため、展示の間隔と配置を容易にするために棚を設置した。[63]ウォーホルはコレクションの明確な順序を示していなかったため、MoMAが常設コレクションから展示するために選んだ順序（この記事の右上の写真）は、キャンベルスープ社によってさまざまな種類が紹介された年代順を反映しており、 1897年にデビューしたトマトが左上に置かれています。[1] 2011年4月までに、MoMAの学芸員はさまざまな種類の順序を変更し、クラムチャウダーを左上に、トマトを4列の一番下に移動しました。[1]ブルームは、これらの絵画を一般公開する前に、自分のダイニングルームに4列のグリッド状に並べて展示していた。[43]
その後の宣伝
8月、ウォーホルのポップアートがコネチカット州ハートフォードのワズワース美術館で行われた回顧展で初めて美術館に展示された。この展覧会は、ニューヨークタイムズ紙にウォーホルの初めての美術評論が掲載された結果となった。ウォーホルのキャンベルスープ缶の絵画のいくつかについて、評論では「これらは単なる無秩序な事件ではなく、社会的に重要な芸術への大きな一歩である」と述べられた。[64]
初期のレビューではウォーホルがニューヨークでマーサ・ジャクソン（ウィレム・デ・クーニング、アドルフ・ゴットリーブ、オルデンバーグ、ダインと共に）とギャラリー契約を結ぶと発表されていたが、ジャクソンは約束していた12月の展覧会をキャンセルすると伝え、「あなたの絵画の展示はすでに我々に非常に悪い影響を及ぼしています」と指摘した。 [65]キャンセルの知らせはフェラスの展覧会が終了する前に届いた。[60]彼女が展覧会をキャンセルしたにもかかわらず、彼女のアシスタントのジョン・ウェーバーは彼女が委託していたウォーホルの絵画10点を販売した。[66]
8月にシドニー・ジャニスがウォーホルをシドニー・ジャニス・ギャラリーの10月下旬の展覧会「ニューリアリスト：事実に基づく絵画と彫刻の展覧会」の一部として展示するよう招待したとき、ジャニスにはウォーホルの好む指示対象がアンディなのかアンドリューなのかまだはっきりしていなかった。[67]ウォーホルは200個のスープ缶を描いたキャンバス（200 Soup Cans）と人間サイズのビーフヌードルスープを描いたキャンバス（Big Campbell's Soup Can）を展示したほか、19¢とDo It Yourself（Flowers）をオルデンバーグ、リヒテンシュタインなどの作品と並べて展示した。[68] [67] ニューヨーカー紙は、この展覧会が「ニューヨークのアート界に地震のような衝撃を与えた。1週間以内に揺れは国中のアートセンターに広がった」と述べた。カンザスシティの新聞は「現代アートはどちらへ向かうのか？息を止めてスープ缶を見よう」という見出しを掲げた。[67]
ジャクソンがウォーホルを捨てた後、エミール・デ・アントニオがウォーホルと元恋人のエレノア・ウォードを引き合わせた。ウォードは、少し励ましてお酒を飲んだ後、ウォーホルが2ドル札を描いてくれればショーをやってあげると言った。[69]ウォーホルのニューヨークでの初の個展「ポップ」は、1962年11月6日にウォーズ・ステーブル・ギャラリーで開かれた。[70]この展覧会にはマリリン・ディプティクも含まれていたが、スープ缶は展示されていなかった。ゲストバッジにはスープ缶が付いていたにもかかわらずである。[71]ウォーホルの展覧会招待状には、ウォーホルのスープ缶の絵が伝えるメッセージに関する大学の美術学生の認識からの引用が含まれていた。「私はスープが大好きで、他の人もスープが好きなら、私も大好きです。そうすれば、みんな一緒にスープを愛し、お互いを同時に愛することができるからです。」 [ 72]ウォーホルはこの展覧会で重要な賞賛を得たが、その中には12年前には彼に辛辣だったマイケル・フリードもいた。 [70]
キャンベルスープカンパニー
缶とラベルの歴史
キャンベルスープ社は、ニュージャージー州ブリッジトンの果物商ジョセフ・A・キャンベルと、南ジャージーのアイスボックス製造業者エイブラハム・アンダーソンによって1869年に設立されました。[73]アンダーソンは1876年に会社を去りましたが、その息子キャンベル・スピールマンはクリエイティブディレクターとしてキャンベルに残り、オリジナルのキャンベルスープ缶をデザインしました。[74] 1894年、アーサー・ドーランスが社長になりました。[75] 1897年、社長ドーランスの甥のジョン・T・ドーランスが会社で働き始めました。[76] [77] 1897年、化学者のドレンスはスープを凝縮する商業的に実現可能な方法を開発し、1898年に有名なラベルが誕生しました。[73] [78] 21世紀になっても、ラベルは1898年のデザインの要素を保持し続けており、例えばSoupという単語の「O」の文字が奇妙に傾いていたり、1900年に追加された金メダルなどがあります。 [79] [80]オリジナルのラベルは、コーネル大学ビッグレッドフットボールチームのユニフォームに触発されました。[43]キャンベルのスープ缶が1962年に発表されたとき、キャンベルのスープ缶のラベルは過去50年間変更されていませんでした。[81]
ウォーホルの芸術との関係
ウォーホルをテーマにしたプロモーション
1962年5月のタイム誌で広く発表されたにもかかわらず、[4] 1962年3月になってもウォーホルはキャンベルスープのプロジェクトを秘密にするよう求め、「キャンベルスープ社がこれらの絵画について何も知らないことを望む。商業的なタイアップがあれば、そもそもの目的が失われる」と述べた。[82] 1962年7月のフェラスギャラリー展示会の最初の週に、キャンベルスープのCEO ウィリアム・マーフィーは「商標の使用と侵害」を評価するために法務チームを派遣した。[61]当初、キャンベルスープ社は法的措置を検討したが、まずは芸術に対する一般の反応を評価することにした。[83] 1962年の最初の展示会から数ヶ月以内に、キャンベルスープ缶に由来するプリント柄の衣装がマンハッタンの上流社会で流行した。[22]その年の後半、同社は、退任する取締役会長オリバー・G・ウィリッツへの贈り物として、キャンベルのトマトスープ缶の絵をウォーホルに2000ドル（2023年現在の価値で20145ドル）で依頼することを決定した。[83] 1964年、キャンベルは敬意の印としてウォーホルに無料の缶を送った。[84] 1967年1月、同社は、ボストン現代美術館の展覧会の告知にウォーホルが許可なくスープ缶のラベルを使用したとして訴訟を起こした。[85]また1967年、キャンベルは、ウォーホルの本を出版しようとしていたランダムハウスに、キャンベルの芸術に対する法的見解に関する手紙を送り、ウォーホルが実際のスープ缶にロゴを描かない限り、ウォーホルの作品は同社の知的財産と衝突するとはみなされないと述べた。 [86]この書簡には、キャンベルがウォーホルの芸術的主題にいかなる影響も及ぼしたことはないという正式な否定も含まれていた。[87]同年、同社はプロモーション用のSouper Dress（右の写真）を制作した。これは1ドル（2023年では9.14ドル）で購入でき、スープ缶のラベル2枚も付いていた。[43] 1985年には、当時新製品だったドライスープミックスの絵もウォーホルに依頼した。1993年には、ウォーホルのトマトスープ缶の絵を購入し、本社の役員会議室に飾った。2012年までに、同社はウォーホルの遺産管理団体とライセンス契約を結び、ウォーホルの作品をさまざまな商品に使用した。[83]同年、同社はターゲット・コーポレーションと提携してシリーズの50周年を祝った。ウォーホルにインスパイアされた濃縮トマトスープ缶の限定版デザイン4種類（左の写真）を米国の店舗で発売する。[88]
キャンベル社はウォーホルの作品について訴訟を起こさなかったが、米国最高裁判所の判事らはウォーホルが勝訴した可能性が高いと述べている。例えば、多数意見において、スティーブン・ブレイヤーはコンピュータコード事件で「例えば『芸術的な絵画』は、著作権のある『消費主義についてコメントするための広告ロゴ』を正確に複製しているとしても、フェアユースの範囲内に入る可能性がある」と指摘した。キャンベルスープ社の別の事件（[ルーサー]キャンベル対アカフ・ローズ・ミュージック社を引用したアンディ・ウォーホル・ビジュアル・アーツ財団対ゴールドスミス）に関して、ニール・ゴーサッチは「キャンベルスープは私には簡単なケースに思える。なぜなら、アンディ・ウォーホルにとっての使用目的はスーパーマーケットでトマトスープを販売することではなく、美術館やその他の場所で鑑賞者の反応を誘発することだったからだ」と述べた。[89]
インスピレーション
キャンベルのスープ缶はウォーホルの代表作と考えられている。[90]約1年間、彼はかつての恋人エドワード・ワロウィッチがあらゆる状態や角度で撮影したスープ缶の写真から絵画を制作した。この間、彼はリアリズムを追求するためにメディア（油性塗料と水性塗料）を混ぜたり、ステンシルを切ったりした。[91]ワロウィッチの写真は、1961年と1962年にキャンベルのスープ缶とドル紙幣の絵画やドローイングの多くを生み出すトレースやコピーのモデルとなった。 [92]ウォーホルは1961年11月から1962年にかけてキャンベルスープのキャンバスを合計で約50枚描いた。アンディ・ウォーホルのカタログ・レゾネ（ゲオルグ・フライとニール・プリンツ編）には、32枚のキャンバスのメインセット、3枚の大きなグリッドスタイルの絵画（200缶のうち1枚と100缶のうち2枚）、約12枚半の静物画が掲載されている。[93]ウォーホルは美術学校で静物画としてテーブルに置かれたフルーツボウルを描く訓練を受けていたが、幼少期の家のパントリーにあったキャンベルスープ（トマト）のお気に入りの種類を描きたいと切望していた。ウォーホルは「よく午後のランチタイムに母がキャンベルの缶を開けてくれた。それが私たちに買えるものすべてだったから。今でも大好きだ」と語ったと伝えられている。[48]
いくつかの逸話が、ウォーホルがポップアートの焦点としてキャンベルスープ缶を選んだ理由を説明していると思われる。理由の1つは、彼がコミック・ストリップを放棄した後、新しい主題が必要だったということである。この動きは、ロイ・リキテンスタインの洗練された作品に対する彼の尊敬の念から部分的に行われた。1950年代後半のウォーホルの商業美術アシスタントの1人であるテッド・ケアリーによると、スープ缶とウォーホルの初期の米ドル絵画の両方のアイデアを提案したのはミュリエル・ラトーだった。 [46]ゴプニックは、出来事について様々な矛盾したバージョンが語られていると指摘しているが、ラトーとケアリーが、コミックで主役を奪われているという苦境にあるウォーホルを慰めるために彼を訪ねていたと述べ、ラトーの回想から作り上げたバージョンを提示している。ウォーホルは彼らにアイデアを懇願し、考えを提供するのにラトーに金銭さえ支払った。[94]トニー・シャーマンとデイヴィッド・ダルトンは似たような起源の物語を語っているが、ジョン・マン（キャリーのボーイフレンド） [95]は別のバージョンを語っていると指摘している。そのバージョンでは、ラトーがウォーホルに影響を与えたという[ 96]。ウォーホルが嫌いなものは何かと尋ねたところ、それが食料品の買い物であることが判明し、それがウォーホルにA&Pでキャンベルスープ缶を買うことを想像させたという。[96]ラトーがウォーホルに与えた影響に関する別の説明では、彼女はウォーホルに一番好きなものは何かと尋ね、彼が「お金」と答えたので、彼女は米ドル紙幣を描くよう提案したという。[97]ラトーは当時、インテリア・デコレーターを目指しており、マンハッタンのイースト60sでラトー・アート・ギャラリーのオーナーだった。彼女はまたウォーホルに、「毎日目にするもの、そして誰もが認識できるもの。キャンベルスープ缶のようなもの」を描くように言った。キャリーによると、ウォーホルは「それは素晴らしいね」と叫んで応えたという。アンディ・ウォーホル美術館のアーカイブに保管されている1961年11月23日付の50ドル（2023年の価値で509.8ドル）の小切手は、彼女が彼にアイデアを与えるために料金を請求したという話を裏付けている。[98] [99]
キャリーによると、ある話では、ウォーホルは翌日スーパーマーケットに行き、「すべてのスープ」のケースを買った。キャリーは翌日ウォーホルのアパートに立ち寄ったときにそれを見たと述べている。1963年に美術評論家のG・R・スウェンソンがウォーホルにスープ缶を描く理由を尋ねると、アーティストは「昔は飲んでいたし、20年間毎日同じランチを食べていた」と答えた。[46] [100]別の話では、ウォーホルは母親に地元のA&Pでキャンベルスープの32種類の缶をそれぞれ1缶ずつ買うように指示したという。彼は一連の絵から始め、次にそれぞれのカラースライドを作り、スクリーンに映し出した。彼は寸法や種類を最もうまく組み合わせる方法を試行錯誤した。しかし、当時のスーパーマーケットの食品画像で一般的だったように組み合わせるのではなく、できるだけリアルに、白い背景に個別の肖像画を描くことにした。[48]
このスープはウォーホルに、大恐慌の時代にペンシルバニア州の炭鉱の町でチェコからの移民として彼を育てていた母親のジュリアを思い出させたと言われている。[101]時には、家族はキャンベルスープを買う余裕もなく、ケチャップで作ったスープを食べていた。[102] [103]キャンベルスープは高級品として販売されており、ジュリアはスープを作るのが得意で、一から料理することができたため、ウォーホル一家がキャンベルスープを頻繁に食べていたかどうかは疑わしいと考えられている。[94]缶詰のスープが労働者階級をターゲットにしたのは1950年代後半になってからだった。[104]
1985年、ロンドンのザ・フェイス紙のインタビューで、デイヴィッド・ヤリトゥはウォーホルに、ウォーホルの母親がブリキ缶で作った花について質問した。その返答で、ウォーホルはそれが彼の最初のブリキ缶の絵を描く理由の1つであると語っている。
- デビッド・ヤリトゥ：あなたのお母さんは、初期の頃、あなたを支えるために、小さなブリキの花を作って売っていたと聞きました。
- アンディ・ウォーホル：ああ、本当に、ブリキの花はフルーツの缶で作ったんだ。だから最初にブリキ缶の絵を描いたんだよ。ブリキ缶を用意するんだ。大きい缶のほうがいい。桃の半分が入っているファミリーサイズの缶みたいにね。それをハサミで切るんだ。すごく簡単で、花を作るだけさ。母はいつも缶をたくさん持っていたよ。スープ缶もね。[46]
いくつかの話では、ウォーホルがスープ缶を選んだのは、消費者としての彼自身のキャンベルスープへの熱烈な愛着を反映していると述べられている。ロバート・インディアナはかつてこう言った。「私はアンディをよく知っていた。彼がスープ缶を描いたのは、彼がスープが好きだったからだ。」[105]彼がスープ缶に焦点を当てたのは、それらが毎日の食事の主食を構成していたからだと考えられていた。[106]他の人は、ウォーホルは単に彼が心から大切にしていたものを描いただけだと観察した。彼はキャンベルスープを食べるのが好きで、コカコーラが好きで、お金が大好きで、映画スターを尊敬していた。したがって、それらはすべて彼の作品の主題となった。さらに別の話では、彼のスタジオでの毎日の昼食はキャンベルスープとコカコーラで構成されていたため、彼のインスピレーションは机の上に積み重なる空き缶や空き瓶を見ることから生まれたという。[107]
ウォーホルがキャンベルスープ社と何らかのビジネス関係を持っていたから缶を選んだわけではない。当時、同社は米国で調理済みスープ缶5缶のうち4缶を販売していたが、ウォーホルは同社が関与しないことを望んだ。「商業的な提携をすると、そもそもの目的が失われてしまうからだ。」[108]しかし、1965年までに同社はウォーホルをよく知っていたため、ウォーホルは展示会の招待状として実際の缶ラベルを同社から入手することができた。[109]同社はキャンバスの制作を依頼した。[110]
1961年、ウォーホルは20×15インチ（51cm×38cm）のキャンバスに「キャンベルスープ缶」を一枚描き、弟のポールの息子マーティの誕生を祝って贈った。ポールの子供たちは皆、学校でその絵を展示することができた。結局、家族は2002年11月13日にニューヨークのクリスティーズでその作品をオークションにかけることにした。この作品は、後の有名なセットのインスピレーションの1つと考えられている。[111]
アーティスト仲間
1960年代までに芸術界のエリートの一人となったウィレム・デ・クーニングは、抽象表現主義について比喩的にスープという言葉を使った芸術家の一人で、「すべてはすでに芸術の中にある、大きなボウルのスープのように。すべてがすでにそこに存在している...」と言っている。一方、他のニューヨークの芸術家たちは、自分たちの芸術について議論する方法としてこの言葉を俗語的に使っていた。[112]
ゴプニックによれば、ウォーホルがキャンベルスープ缶をほぼ同じように繰り返し描いたのは、イヴ・クラインの同じ青いモノクロームの絵画と関連があるという学者の意見がある。ゴプニックは、クラインが1962年初めにロートラウト・クライン＝モケイとの結婚式にウォーホルを招待しており、ウォーホルの作品にはインターナショナル・クライン・ブルーが取り入れられていたと指摘している。[113]
1961年5月、ウォーホルはフランク・ステラのベンジャミン・ムーア絵画シリーズのミニチュア版を6点購入した。このシリーズでは、ステラはベンジャミン・ムーアの全製品ラインを各色ごとに1枚の絵で表現した。シャーマンとダルトンは、これがキャンベルスープ缶セットの完全なセットのインスピレーションの一部になったのではないかと感じている。[114]
解釈
ウォーホルは、一般文化に対して肯定的な見方をしており、抽象表現主義者は近代性の素晴らしさを無視するために多大な努力を払ってきたと感じていた。[8]キャンベルスープ缶シリーズは、他のシリーズとともに、彼に近代文化に対する肯定的な見方を表現する機会を与えた。しかし、彼の無表情な態度は、感情的および社会的論評を排除しようと努めた。[8] [115]この作品は、個性や個人的な表現を排除することを意図していた。[116] [117]ウォーホルの見解は、タイム誌の「スライス・オブ・ケーキ派」の説明に要約されている。 [ 41 ] 「...画家のグループは、現代文明の最も平凡で下品な装飾でさえ、キャンバスに移されると芸術になるという共通の結論に達した。」[37]
ウォーホルのポップアート作品は、モネなどの芸術家による連続作品とは異なっていた。モネは、連続作品を使って識別力を表現し、画家が手と目で時間、光、季節、天候の変化を再現できることを示した。ウォーホルは、商業化と無差別な「同一性」の現代を代表すると現在では理解されている。ウォーホルが最終的に変化を見せたとき、それは「現実的」ではなかった。後年の色のバリエーションは、識別力の嘲笑に近いものだった。ウォーホルが採用した疑似工業用シルクスクリーンのプロセスは、繊細さを示すために連続作品を使用することに反対するものだった。ウォーホルは、作品が印刷されたように見えるようにすることで発明とニュアンスを拒否しようとし、[116] 不完全さを体系的に再現した。[97]彼の連続作品は、リヒテンシュタインの長くなる影から逃れるのに役立った。[118]彼のスープ缶は他の初期のポップアートほど衝撃的で下品なものではなかったが、それでも親密な感情を芸術的に表現するために発達した芸術界の感性を傷つけた。[116]
カラヴァッジョの官能的な果物籠、シャルダンの豪華な桃、セザンヌの鮮やかなリンゴの配置とは対照的に、ありふれたキャンベルスープ缶は芸術界に衝撃を与えた。さらに、ポップカルチャーのアイテムを際立って認識できるものだけを孤立させるというアイデアは芸術界にとってあまりにもばかげており、作品の価値と倫理性は、作品を見たことがない人にとってさえ、十分に議論の余地のあるトピックであった。[119]ウォーホルのポップアートは、最もシンプルですぐに認識できる形でオブジェクトを描写しようとするという意味で、ミニマルアートと関連して見ることができる。ポップアートは、そうでなければ表現に関連付けられるであろう倍音と陰影を排除する。[120]
ウォーホルは明らかに芸術鑑賞の概念を変えた。彼は調和のとれた三次元の物体配置の代わりに、パッケージに重点を置いた商業用イラストの機械的な派生物を選んだ。[108]たとえば、彼の複数のスープ缶のバリエーションは、反復のプロセスを高く評価される技法にした。「キャンベルのスープ缶を 50 回繰り返しても、網膜像には興味がない。マルセル・デュシャンによれば、興味があるのは、50 個のキャンベルのスープ缶をキャンバスに置きたいという概念だ」[121]統制された複数の缶の描写は、パノラマよりも細部が重要でない抽象化にほぼなっている。[122]ある意味では、表現は表現されたものよりも重要だった。[120]初期のポップアート時代のウォーホルの機械的な創造への関心は、機械化によって価値体系が脅かされていた芸術界の人々によって誤解された。[123]
ヨーロッパでは、観客はウォーホルの作品に対して全く違った見方をした。多くの人はそれをアメリカの資本主義に対する破壊的かつマルクス主義的な風刺と受け止めた。 [108]破壊的ではないとしても、少なくともポップカルチャーに対するマルクス主義的な批判と見なされた。[124]ウォーホルの一般的な非政治的な考え方を考えると、これは意図されたメッセージではない可能性が高い。作家のデイヴィッド・ボードンによると、ウォーホルのポップアートは彼の作品に注目を集めるための試みに過ぎなかったのかもしれない。[108]ゴプニックはウォーホルのプレゼンテーションを客観的で、宣伝の意図のない、まばたきのないものと表現している。[125]
バリエーション
キャンベルスープIとキャンベルスープ缶II
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1961年後半、ウォーホルは1953年以来ティベル・プレスを経営していたフロリアーノ・ヴェッキ[16]からシルクスクリーンの製法を学び始めた。この製法は一般的にはステンシルによる描画から始まるが、写真を引き伸ばし、それを接着剤でシルクに転写することから発展することが多い。どちらの場合も、接着剤をベースにしたポジの2次元画像を作成する必要がある（ポジとは、残された空きスペースに絵の具が現れることを意味する）。通常、インクは接着剤ではなくシルクを通過するように媒体の上を転がされる。[126] 1961年のクリスマスシーズンが終わった後、ヴェッキは複数回にわたりウォーホルを訪問し、顔料の改良方法やより優れたスクイジー技術の使用法について助言した。[16] 1962年、ウォーホルのシルクスクリーン版画技術は、マンハッタンのグラフィックアート事業主マックス・アーサー・コーンからも影響を受けた。[127] [128]ウォーホルが多孔質スクリーンを通してゴム製のスキージーで絵の具を塗る技法を改良するのに1962年8月までかかった。[129]キャンベルスープ缶はウォーホルの最初のシルクスクリーン作品の一つで、最初は米ドル紙幣だった。作品はステンシルから作られ、各色ごとに1つずつだった。ウォーホルは、キャンベルスープ缶のオリジナルシリーズが制作されるまで、写真からシルクスクリーンへの変換を始めなかった。[58] 3ヶ月以内に、彼はキャンベルスープ缶を含む様々な主題でシルクスクリーンを大量生産していた。[130] 1967年、ウォーホルは版画と出版の会社、ファクトリー・アディションズを設立した。 [ 131]クリスチャン・サイエンス・モニターのクリストファー・アンドレアによると、ウォーホルはキャンベルスープ缶のスクリーンプリント10枚セットを250部制作しており、1968年と1969年にそれぞれ1セットずつ制作した。[132]
2016年4月7日、スプリングフィールド美術館からキャンベルスープ缶のプリント7枚が盗まれた。FBIは「キャンベルスープ缶I」セットの盗まれた美術作品に関する情報に2万5000ドルの報奨金を出すと発表した。[133]これらはウォーホルが1968年に発注した10枚組のスクリーンプリント250セットのうちの1つで、1985年に美術館に寄贈され（セントルイスのグリーンバーグギャラリーから）、2006年以来初めて展示された。Artnetの著者ブレイク・ゴプニックによると、スクリーンプリントの推定価値はそれぞれ3万ドル（2023年に換算すると3万8087ドル）だった。[134]ナショナル・パブリック・ラジオの情報筋は、これらの作品は一般的に45,000ドル（2023年の価値で57,130ドル）で売れると推定しているが、トマトスープバージョンは100,000ドル（2023年の価値で126,955ドル）で売れる可能性がある。これらはセットで保険がかけられており、美術館が残りの3枚のスクリーンプリントを引き渡した後、保険会社は750,000ドル（2023年の価値で952,163ドル）を支払った。[135]
2017年にオンタリオ美術館がキャンベルスープ缶Iのセット一式を入手した際、それはカナダで初めて公共コレクションに収蔵されたセットとなった。[19] 2022年11月8日、気候変動抗議者らはオーストラリア国立美術館に展示されていた「キャンベルスープ缶I」セットの別のバージョンに張り付いて破壊行為を行った。[136] [137] 2番目のセットのエディションであるキャンベルスープ缶IIは、シカゴ現代美術館のパーマネントコレクションの一部となっている。 [138] [139] [ 140] [ 141] [142] [143] [144] [145] [146] [147]近代美術館にもこれらのセットの1つが所蔵されている。[148] 2013年にこのセットのホットドッグビーンスープはウィーンで258,046ドル（2023年の価値で337,524ドル）で販売されました。[61]
色とりどりのスープ缶
1965年、ウォーホルはキャンベルスープ缶のテーマを再考し、オリジナルの赤と白の色をより多様な色調に恣意的に置き換えた。彼は、黒と白に加えて4色または5色を使用した、3×2フィート（91 cm×61 cm）のキャンバス20枚セットを制作した。このセットは、それ自体が美術展として巡回するほど重要であると考えられている。ニューヨークタイムズのケン・ジョンソンは、ウォーホルの通常の「機械的な繰り返し」とは対照的に、各絵画はユニークさで際立っていると指摘した。[149] 2011年に12点が展覧会で発表された時点で、20点のうち19点はまだ存在していた。[150] 2004年より前のどこかの時点で、ニューヨーク近代美術館はこれらのうちの1点を所蔵していた。[151]
許可されていないバージョン
1970年、ウォーホルはヨーロッパのスクリーン印刷制作のために写真のネガ、正確な色コード、スクリーン、フィルムマトリックスを提供することで、1960年代の作品の正確な複製を容易にする協力関係を結んだ。ウォーホルは250部限定のエディションに署名と番号を付け、その後、無許可の署名なしバージョンが制作された。[152] [153]無許可の作品は、ウォーホルとニューヨークのスタジオ従業員数名との不和の結果であり、彼らはブリュッセルに行き、「Sunday B Morning」や「ここに署名を追加してください」とスタンプされた作品を制作した。[154]無許可の作品の中には、「これはアンディ・ウォーホルの作品ではありません」というマークが付いていたものもあった。[153]アートギャラリーやディーラーは、キャンベルスープ缶セットのものを含むいくつかのスクリーン印刷作品の「Sunday B Morning」の複製を販売している。[155]
その他のバリエーション
ウォーホルは、オリジナルシリーズの成功に続いて、キャンベルスープ缶という同じテーマを取り入れたいくつかの関連作品を制作した。1982年までに、ウォーホルはキャンベルスープ缶のレンダリングを100点以上描いた。[ 156] これらの後続の作品は、オリジナルと合わせてキャンベルスープ缶シリーズと呼ばれ、単にキャンベルスープ缶と呼ばれることも多い。その後のキャンベルスープ缶の作品は非常に多様で、高さは20インチ（510 mm）から6フィート（1.8 m）までの範囲であった。[157]時折、ラベルが破れた缶、ラベルが剥がれた缶、缶の胴体が潰れた缶、蓋が開いた缶（右の画像を参照）を描くこともあった。[158] [17]
ザ・ブロードの移動式音声ツアーによると、ウォーホルはラベルが破れたキャンベルスープ缶の絵画を6点制作した。[159]このうち2点は記録的な売上となった。1970年までにウォーホルは、当時アメリカで最も著名なオークションハウスであったパーク・バーネット（後にサザビーズが買収）で行われたオークションで、『ラベルが破れた大きなキャンベルスープ缶（野菜入り牛肉）』（1962年）を6万ドル（2023年の価値で470,746ドル）で売却し、存命のアメリカ人アーティストによる絵画のオークション最高額を樹立した。[9]美術商のジェームズ・メイヤーによると、売り手は若き日のピーター・ブラントだった。[160]いくつかの報告によると、これはオークションではなく手配された販売だったという。[161]この記録は、数か月後にウォーホルのライバルで芸術界の注目と承認を争っていたリヒテンシュタインによって破られ、巨大な筆使いを描いた「ビッグ・ペインティングNo.6」（1965年）が7万5000ドル（2023年の価値で58万8432ドル）で落札された。[162]
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2006年5月、ウォーホルの「小さな破れたキャンベルスープ缶（ペッパーポット）」（1962年）が11,776,000ドル（2023年に1780万ドル）で落札され、キャンベルスープ缶シリーズの絵画の現在のオークション 世界記録を樹立した。 [164] [165]この絵画はイーライ・ブロードのコレクションとして購入されたが、[166]彼はかつてアメリカン・エキスプレス・カードでリヒテンシュタインの「I ... I'm Sorry」を250万ドルで購入し、クレジットカード取引史上最高額の記録を樹立した人物である。[167] この作品はザ・ブロード美術館のコレクションに収められている。[168] 1180万ドルのウォーホルのオークションは、 2006年春のクリスティーズ印象派、近代美術、戦後美術、現代美術のオークションの一環として行われた。オークションが行われた当夜の総売上高は1億4318万7200ドル（2023年現在の価値で2億1641万ドル）で、当時のオークション史上2番目に高い売上高となった。[164]
ウォーホルは、1964年にビアンキーニ・ギャラリーで開催されたアメリカン・スーパーマーケット展グループショーに（リヒテンシュタイン、ウェッセルマン、メアリー・インマンとともに）出展した際、キャンベルスープ缶のスクリーンプリントと、サイン入りのキャンベルスープ缶を展示した。ウォーホルはこれを「デュシャン・ナンバー」と呼んでいた。[169]ウォーホルは展覧会のために数個のスープ缶にサインした。[170]ファンからスープ缶にサインを求められると、ウォーホルかアシスタントが缶にサインを入れた。[171]
ジョン・パワーズとキミコ・パワーズ夫妻の個人コレクションにある「200 Campbell's Soup Cans」（1962年、キャンバスにアクリル、72×100インチ（182.9 cm × 254.0 cm））は、キャンベルスープ缶の絵画の中で最大の一枚のキャンバスである。これは、10行20列で構成され、さまざまな味のスープが描かれている。専門家は、この作品をポップアートの最も重要な作品の1つであると指摘しており、ポップな表現として、また、ジャスパー・ジョーンズなどの直前の先駆者や、ミニマルアートやコンセプチュアルアートの後継運動と関連している。[172]これは、ウォーホルが手描きの絵画やドローイングに代わる技術を開発していたときに制作され、スタンプとステンシルで反復的なシリーズを制作した。[173]ある情報源によると、その媒体はキャンバスに合成ポリマー塗料とシルクスクリーンインクであった。[174]スタンプやステンシルへの移行により欠陥は減少し、その後シルクスクリーンに移行した結果、一貫性のないメカニズムによる変化のみが工程に現れた。「スクリーンの底に残ったインクが固まったり、スクリーンから不規則に染み出したり、スクリーンがキャンバス上に不正確かつ一貫性なく配置されたりした」。[23]最も古いスープ缶の絵画は、1961年にインク、テンペラ、クレヨン、油彩キャンバスで描かれた「キャンベルのスープ缶（トマトライス）」と思われる。 [175]
ウォーホルの作品の多くは、オリジナルシリーズも含め、キャンベルスープ缶に描かれている金のメダルを大幅に簡略化しており、一対の寓意的な人物像を平らな黄色の円盤に置き換えている。[108]ほとんどのバリエーションにおいて、三次元性を感じさせるのは缶の蓋の陰影のみで、それ以外は平面的なイメージだった。ラベルが破れた作品は、包装された食品でさえも寿命を迎えるという意味で、人生のメタファーとして捉えられている。それらは表現主義的であるとよく言われる。[176]
多くの協力者と半機械化された工程で制作された作品の多様性、ウォーホルの人気、作品の価値、そして様々なジャンルや媒体にわたる作品の多様性により、アンディ・ウォーホル美術品認証委員会がウォーホルの作品の真正性を証明する必要性が生まれました。[177]
アンディ・ウォーホル近代美術館からキャンベルスープ缶の絵画が1点盗まれた。その価値は3万5000ユーロ（2023年の価値で4万3011ユーロ）と推定された。盗難は2015年3月に発生したが、2015年8月まで公表されなかった。[178] 2021年3月、マンハッタンで、数万ドル相当のキャンベルスープ缶の リトグラフが美術学芸員のギル・トラウブから盗まれた。防犯カメラの映像で犯人が特定されたが、作品は回収されなかった。[179]
結論
ウォーホルのキャンベルスープ缶作品の制作は、3つの異なる段階を経た。最初の段階は1962年に行われ、その間に彼は写実的なイメージを作成し、その主題の鉛筆画を多数制作した。[118] 1965年、彼の第二段階は多色のスープ缶に関係していた。[149] 1970年代後半、彼は再びスープ缶に戻り、イメージを反転させたり反転させたりした。 [175]最も記憶に残るウォーホルのキャンベルスープ缶作品は、第一段階のものである。ウォーホルは、 1962年から1964年のシルクスクリーン段階で制作された、エルヴィス・プレスリー、マリリン・モンロー、リズ・テイラーなどの有名人の象徴的な連続シルクスクリーンでもさらに評価されている。彼が最も頻繁に繰り返し描いた絵画の主題は、テイラー、モンロー、プレスリー、ジャッキー・ケネディ、その他の有名人である。[180]
アーヴィング・ブラムは、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーとの取り決めにより、ウォーホルの死の2日前の1987年2月20日にオリジナルのキャンバス32点を永久貸出として一般に公開した。[97] [181]ナショナル・ギャラリーでは、作品は4行8列のグリッドに設置されていた。[182]作品は、 1996年10月9日にニューヨーク近代美術館が約1500万ドル（2023年に換算すると2914万ドル）で取得した際にナショナル・ギャラリーに貸出されていた。[183] ニューヨーク近代美術館は、この購入資金の出所を次のように多岐にわたっている。「アーヴィング・ブラム氏からの一部寄付、ネルソン・A・ロックフェラー遺贈、ウィリアム・A・M・バーデン夫妻からの寄付、アビー・アルドリッチ・ロックフェラー基金、ニーナとゴードン・バンシャフトからの寄付、リリー・P・ブリス遺贈、フィリップ・ジョンソン基金、フランシス・R・キーチ遺贈、ブリス・パーキンソン夫人からの寄付、フローレンス・B・ウェスリー遺贈（すべて交換による）による追加資金。」[184]
参照
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外部リンク
- キャンベルのスープ缶、1962年 – ニューヨーク近代美術館