モーリー・イェストン

イェストンはニュージャージー州ジャージーシティで生まれた。彼の父デイビッドはイギリスのロンドンで生まれ、輸入輸出会社ダイアル・インポート・コーポレーションを設立し、彼の母フランシス（旧姓ハール）が経営を手伝った。イェストンは1997年のインタビューで次のように述べている。「私の母はクラシックピアノの訓練を受けており、彼女の父はシナゴーグの聖歌隊員でした。多くのミュージカル作家には共通点があります。アーヴィング・バーリン、ハロルド・アーレン、クルト・ヴァイル――それぞれ家族に聖歌隊員がいました。感受性の強い幼い子供を3歳でシナゴーグの真ん中に連れて行き、その子供が衣装を着て、一種の舞台に劇的に持ち上げられ、熱狂的な会衆に向かって全身全霊を込めて歌う男を見たら、それは永続的な印象を残します。」^{[ 5 ]} 5歳でイェストンは母親からピアノのレッスンを受け始め、7歳で作曲の賞を受賞した。彼はハドソン郡のイェシーバーに8年生まで通った。イェストンのミュージカルへの興味は、10歳の時に母親に連れられてブロードウェイで『マイ・フェア・レディ』を観に行ったことから始まった。ジャージーシティにある小さな私立高校、ジャージー・アカデミーで、イェストンはクラシック音楽や宗教音楽、ブロードウェイのショーチューンだけでなく、ジャズ、フォーク、ロックンロール、古楽など、音楽の勉強の幅を広げた。彼はフォークギターを始め、ジャズグループでヴィブラフォンを演奏し、マドリガルの歌唱にも参加した。^{[ 6 ]}

イェストンはイェール大学の学部生時代に音楽理論と作曲を専攻し、ピアノのための無調ソナタ、ブレヒトの『ガリレオの生涯』の公演のための付随音楽、イェール大学の音楽友の会賞を受賞したチェロ協奏曲を作曲し^{[ 7 ]}、哲学と文学、特にフランス語、ドイツ語、イタリア語、日本語を副専攻した。イェストンは「私は作曲家であると同時に作詞家でもあり、ミュージカルは歌詞が音楽と同じくらい重要な唯一のジャンルだと私は知っている」と述べている^{[ 6 ]。} 1967年にイェール大学を優等（マグナ・クム・ラウデ）で卒業し、ファイ・ベータ・カッパに選ばれた後、イェストンはケンブリッジ大学クレア・カレッジに2年間のメロン奨学金で入学し、音楽学と作曲の研究を続けた。そこで彼はケンブリッジ・フットライツ・ドラマティック・クラブに所属し、ソプラノのための無調歌曲集や室内楽曲（3つの弦楽四重奏のための三部作）などの古典作品を数点作曲したほか、ミュージカル版『不思議の国のアリス』も作曲し、1971年にコネチカット州のロング・ワーフ劇場で上演された。ケンブリッジでは、彼は音楽の目標を絞り込み、古典作曲から劇場の楽曲制作へと移行した。^{[ 8 ]}修士号を取得後、イェストンは米国に戻り、ウッドロー・ウィルソン・フェローシップを受けて、米国最古の伝統的な黒人大学であるペンシルベニア州のリンカーン大学で1年間教鞭を執った。リンカーン大学では、イェストンは音楽、美術史、哲学、西洋文明を教え、リンカーン大学のアフリカ系アメリカ人音楽史講座を創設した。^{[ 8 ]}

その後、彼はイェール大学で音楽学の博士号取得を目指し、リンカーン大学で教えていたのと同じアフリカ系アメリカ人の音楽史のコースをそこで教えた。在学中、彼はBMIリーマン・エンゲル・ミュージカル・シアター・ワークショップに参加し、毎週ニューヨーク市へ通い、エド・クレバン、アラン・メンケン、ハワード・アシュマン[ ^{9 ]など}の他の作曲家/作詞家志望者たちと共に、ブロードウェイの著名なプロデューサーやディレクターに自分の作品を試してもらうことができた。彼は1974年にイェール大学で博士号を取得し、博士論文はイェール大学出版局から『音楽のリズムの階層化』（1976年）として出版された^{[ 10 ]。}その後まもなく、彼のチェロ協奏曲はヨーヨー・マとノーウォーク交響楽団によってギルバート・レヴィンの指揮で初演された^{[ 11 ]}。その後、彼はイェール大学音楽学部の教員となり、8年間教鞭を執り、最終的にはイェール大学の音楽学部の学部長となった。^{[ 12 ]}彼はその後、イェール大学出版局から別の理論書『シェンカー分析とその他のアプローチに関する読本』（編著、1977年）を出版した^{[ 13 ]} （彼の著書はどちらもリズム構造とシェンカー分析に関する議論で知られている）^{[ 14 ]。}また、学生たちからイェール大学の優秀な教授10人の一人として2度挙げられた^{[ 6 ] 。}

ナインとラ・ケージ

イェストンはイェール大学で教鞭を執る傍ら、主に1973年に着手したフェデリコ・フェリーニの1963年の映画『8½』に触発されたミュージカルの作曲プロジェクトに取り組むため、BMIのワークショップに通い続けた。^{[ 15 ]} 10代の頃、イェストンはこの映画を見て、そのテーマに魅了された。イェストンは1982年にニューヨーク・タイムズ紙に次のように語っている。

「スクリーンを見て『あれは私だ』と思った。私はまだアーティストであることの夢や理想を信じていたのに、目の前にあったのは…困っているアーティストについての映画だった。それは私の執着になった」。イェストンはこのミュージカルをナイン（回想シーンでの監督の年齢）と名付け、8.5に音楽を加えると「半数増えるようなものだ」と説明した。^{[ 6 ]}

1978年、オニール会議で、イェストンと演出家のハワード・アシュマンは『ナイン』の朗読劇を上演した。イェストンは知らなかったが、キャサリン・ヘプバーンが観客席にいて、それを見て気に入った後、フェリーニに手紙を書き、彼の映画を基にした素晴らしいショーを見たと伝えた。イェストンがショーをミュージカルにする許可を求めに行ったとき、フェリーニはヘプバーンからすでに手紙を受け取っていて許可を与えたと彼に告げた。マリオ・フラッティが脚本を書いたが、プロデューサーと演出家のトミー・チューンは彼の脚本がうまくいかないと判断し、 1981年にアーサー・コピットを招いて新しい脚本を書かせた。ショーは当初、男性と女性の役があったが、イェストンはラウル・ジュリアを除いてオーディションを受けた男性に満足しなかった。オーディションを受けた女性の多くは気に入ったので、チューンは全員をキャスティングすることを提案した。イェストンは24人の女性のための合唱編曲に取りかかった。イェストンは、序曲を楽団に演奏させる代わりに、女性全員に歌わせることにした。リリアーネ・モンテヴェッキがキャストに加わると、イェストンはその歌声に感銘を受け、彼女のためだけに『フォリー・ベルジェール』を作曲した。また、アニタ・モリスがハイCを歌えることを知ると、彼女のために『バチカンからの呼び声』を拡張した。^{[ 16 ]}

1981年、チューンは『ナイン』の制作に携わっていた際、キャリル・チャーチルの戯曲『クラウド・ナイン』のアメリカ公演のために付随音楽を作曲するようイェストンに依頼した。^{[ 17 ]}チューンはまた、1978年の同名の映画を原作としたミュージカル『ラ・カージュ・オ・フォール』の制作にも携わっており、プロデューサーのアラン・カーは作曲家を探していた。イェストンは音楽と歌詞の作曲を依頼され、ジェイ・プレッソン・アレンが脚本を担当した。映画の舞台版は『ベイシン・ストリートの女王』というタイトルで、ニューオーリンズを舞台とし、1981年に上演される予定だった。マイク・ニコルズが演出、トミー・チューンが振付を担当することになっていた。イェストンはイェール大学を休学してこのプロジェクトに取り組み、すでにジャズ風の曲をいくつか書いていたが、カーは公演の資金を調達できず、プロジェクトは延期された。^{[ 17 ]}カーはエグゼクティブプロデューサーを探し、フリッツ・ホルトとバリー・ブラウンを見つけたが、彼らはすぐにカーが集めたクリエイティブチーム全員を解雇した。ただし、後にプロジェクトから離脱したイェストンは例外だった。^{[ 18 ]}イェストン以外のこれらのクリエイターは最終的に訴訟を起こしたが、ラ・カージュからロイヤリティを受け取ったのはイェストンだけだった。^{[ 19 ] [ 20 ]}

一方、イェストンとチューンは『ナイン』に再び取り組み、1982年5月9日にブロードウェイの46thストリート・シアターで初演され、729回の公演が行われた。キャストにはグイド役のラウル・ジュリアが含まれていた。このミュージカルは最優秀ミュージカル賞を含む5つのトニー賞を受賞し、イェストンは最優秀作曲賞を受賞した。2003年にはロンドン公演とブロードウェイでの『ナイン』のリバイバル公演が成功し、アントニオ・バンデラスが主演を務め、最優秀ミュージカル・リバイバル賞のトニー賞を受賞した。2009年には、ロブ・マーシャル監督、ダニエル・デイ＝ルイス、ジュディ・デンチ、ソフィア・ローレン、マリオン・コティヤール主演の映画版『ナイン』が公開された。イェストンはこの映画のために3曲の新曲を書き、2009年のアカデミー歌曲賞に「テイク・イット・オール」で、2009年のゴールデングローブ歌曲賞に「シネマ・イタリアーノ」でノミネートされた。^{[ 21 ]}

ファントムと次のプロジェクト

『ナイン』の成功後、イェストンはイェール大学の准教授の職を辞したが、その後も隔学期ごとに作曲とシューベルト歌曲の講義を交互に担当し続けた。そしてガストン・ルルーの小説『オペラ座の怪人』のミュージカル版の執筆に取り掛かった。このアイデアを持ちかけたのは、小説のアメリカでの権利を所有していた俳優兼監督のジェフリー・ホルダーだった。当初、イェストンはこの企画に懐疑的だった。「大笑いしました……。世界最悪のアイデアだ！なぜホラー物語を基にしたミュージカルを書こうとするんだ？……。それから、物語を少し変えれば……[怪人]はカジモドのような、エレファント・マンのような人物になるだろう。外見に欠点があっても、心の奥底では善良だと感じている人は多いのではないか？そういう人物には同情せずにはいられない。」^{[ 8 ]}

イェストンは『オペラ座の怪人』の大部分を完成させ、ブロードウェイ公演のための資金集めを進めていたが、アンドリュー・ロイド・ウェバーが自身のミュージカル版の制作計画を発表した。ロイド・ウェバーの作品が1986年にロンドンで大ヒットした後、イェストン版はブロードウェイ公演の資金を得ることができなかった。しかし、1991年にヒューストンのシアター・アンダー・ザ・スターズで初演され、以来世界中で1,000回以上上演されている。^{[ 4 ]}ヒューストン公演はRCAレコードからオリジナルキャストアルバムとして録音された。イェストンの『オペラ座の怪人』はロイド・ウェバー版よりもオペレッタ風のスタイルで、1890年代の時代を反映し、パリを舞台としているためフランスの雰囲気を醸し出そうとしている。^{[ 6 ]}

一方、イェストンのミュージカル『イン・ザ・ビギニング』は、聖書の最初の5巻を、そこに描かれている出来事を経験した普通の人々の視点から、ユーモラスに風刺したもので、1987年と1988年にマンハッタン・シアター・クラブでラリー・ゲルバートによる最初の脚本で『1-2-3-4-5』というタイトルでワークショップが行われた。 ^{[ 22 ]}さまざまな改訂と試演を経て、最終的に1998年にメイン州立音楽劇場で現在のタイトルで上演され、それ以来、地域的に再演されている。^{[ 23 ]}イェストンはアラン・ジェイ・ラーナーに『イン・ザ・ビギニング』の「ニュー・ワーズ」という曲を聴かせたところ、「ラーナーはその曲がとても素晴らしいと思ったので、2週間ごとに彼のオフィスに立ち寄ってアドバイスをくれるように誘ってくれた。オスカー・ハマースタインが自分にしてくれたように、私にもそうしたいと言ってくれた。それで、その曲を書いた結果、アラン・ジェイ・ラーナーとの一連のミーティングで、本当にコーチングのレッスン、つまり指導を受けることができた。」^{[ 17 ]}プラシド・ドミンゴはスペインの画家フランシスコ・デ・ゴヤについてのミュージカルに主演したいと考えており、プロデューサーのアラン・カーに、ドミンゴが『ナイン』を高く評価していたことから、イェストンがその作品を作るのにふさわしい人物だと提案した。イェストンは『ゴヤ：歌で綴る人生』という作品を書いた。ドミンゴの時間の制約のため、このミュージカルはコンセプトアルバムとして制作され、1988年に録音された。^{[ 8 ]}アルバムはフィル・ラモーンがプロデュースし、「 Till I Loved You 」という曲が収録されている（1988年にバーブラ・ストライサンドとドン・ジョンソンがカバーしたバージョンはビルボードホット100で25位にランクインした。^{[ 24 ]} ）。ドミンゴはまた、グロリア・エステファンと「Hasta amarte 」というタイトルのシングルを録音した（アルバムのスペイン語版「Goya Una Vida Hecha Cancion 」で使用）。この曲はビルボードのホットラテンソングチャートで8位にランクインした。^{[ 25 ]}ドミンゴはゴヤ役を歌い、ジェニファー・ラッシュ、グロリア・エステファン、ディオンヌ・ワーウィック、リッチー・ヘイヴンス、松田聖子が他の役を演じた。^{[ 8 ] [ 14 ]}

グランドホテルと12月の歌

同じく1989年、映画『ナイン』を演出したトミー・チューンは、試演で不振だったミュージカル『グランド・ホテル』の楽曲を改善するようイェストンに依頼した。この作品は、1932年の同名映画と、ロバート・ライトとジョージ・フォレストが作曲した1958年のミュージカル『アット・ザ・グランド』を原作としている。イェストンは『グランド・ホテル』のために8曲の新曲を書き、1958年の既存の歌詞の多くを改訂した。 1989年11月にブロードウェイで『グランド・ホテル』が開幕すると、イェストンはライトとフォレストと共に、トニー賞とドラマ・デスク賞の最優秀楽曲賞にノミネートされた。この作品は1,077回上演された。

その後、イェストンはフランツ・シューベルトの「冬の旅」に触発された歌曲集「December Songs」（1991年）を作曲した。 「December Songs」は、ニューヨークのカーネギーホールの1991年の100周年記念のために委嘱された作品で、キャバレー歌手のアンドレア・マルコヴィッチによって初演された。^{[ 4 ]} この作品はクラシック音楽からブロードウェイ、キャバレーへと境界線を越えており^{[ 8 ]}、ピア・ドウエスによるドイツ語版（Dezemberlieder）^{[ 26 ]}、イザベル・ジョルジュによるフランス語版（Décembre ） ^{[ 27 ]} 、エディタ・クシェミエンによるポーランド語版（Opowieści Zimowe ）^{[ 28 ]} 、そしてヴィクトリア・クラークをソリストに迎え、ラリー・ホックマンがオーケストレーションを担当した「December Songs for Voice and Orchestra」（2022年）を含む英語版が6回録音されている。^{[ 29 ]}

タイタニック

1985年にRMSタイタニック号の残骸が発見されたことで、イェストンは有名な惨事を題材にしたミュージカルの制作に興味を持つようになった。「このプロジェクトに惹かれたのは、船が象徴するポジティブな側面だった。1) 悲劇的な失敗の可能性にもかかわらず、人類が偉大な芸術作品や同様の技術的偉業を追求してきたこと、そして2) 乗客の夢。3等客はより良い生活を求めてアメリカに移住すること、2等客は上流階級を真似て悠々自適な生活を送ること、1等客は特権的な地位を永遠に維持すること。氷山との衝突はこれらの夢をすべて同時に打ち砕き、その後の乗客と乗組員の性格の変化は、舞台上で大きな感情的、音楽的な表現の可能性を秘めているように思えた。」^{[ 6 ]} 台本作家のピーター・ストーンとイェストンは、このアイデアがミュージカルの題材としては異例であることを知っていた。 「そういう大胆不敵な、魚雷を恐れないような精神がなければ、この業界にいるべきではないと思う。安全策ばかりのショーは往々にしてうまくいかない。大胆にならなければならないし、私はミュージカルにおける表現の限界を本当に押し広げたいんだ」とイェストンは説明した。^{[ 30 ]} イェストンは、この物語を、厳格な社会階級制度と技術による進歩のロマン主義という、世紀末のイギリス文化に特有のものと捉えていた。「舞台上でそれを描くためには、これは本当にイギリス的なショーなので、エルガーやヴォーン・ウィリアムズといった当時の偉大な作曲家の音楽に見られるような色彩が必要だと分かっていた。これは私にとって、これまでミュージカルにはなかった交響曲の伝統の要素を取り入れる機会だった。それはとても刺激的だった」^{[ 30 ]}

タイタニック・ミュージカルの舞台セットの高額な費用のため、従来通り地方公演を行うことは不可能だった。 タイタニックは1997年にブロードウェイのラント＝フォンタン劇場で開幕したが、評価は賛否両論だった。ニューヨーカー誌は好意的な評価を下した。 「このショーが失敗に終わることは既定路線のように思われた。1500人もの命が失われた、歴史上最も悲劇的な処女航海を題材にしたミュージカルは、明らかに突飛なものだったからだ。…驚くべきことに、タイタニックは重厚でありながらも面白く、陰鬱でありながらも喜びにあふれている。少しずつ、あなたはアメリカのミュージカル界に真に新たな一ページが加わったことに気づくだろう。」^{[ 31 ]}このショーは、最優秀作曲賞と最優秀ミュージカル賞を含む、ノミネートされた5つの部門でトニー賞を受賞し、804回の公演と26回のプレビュー公演が行われ、3年間アメリカをツアーし、イギリス、日本、韓国、中国、オーストラリア、ドイツ、オランダ、ベルギー、ハンガリーなどを含む国際的なプロダクションがあり、アメリカ全土をツアーしました。^{[ 32 ]}

『アメリカン・カンタータ：2000の声』、『死神は休暇を取る』、『トム・ソーヤー：3幕のバレエ』、そして後期の作品

1999年、イェストンはケネディ・センターからミレニアム記念のための3楽章の管弦楽曲「アメリカン・カンタータ：2000の声」 [ ^{33 ]の}作曲と編曲を依頼され、2000年7月にリンカーン記念堂でレナード・スラットキン指揮のナショナル交響楽団によって、2000人の合唱団とテノール独唱者のノーム・ルイスと共に演奏された。イェストンは「2000の声」を「この作品が作られた年を祝うために…108の地元のアンサンブルから選ばれた」^{[ 34 ]}に使用した。この作品はワシントン・ポスト紙に称賛され、その楽譜はコープランドやランドール・トンプソンと比較され、特にマーティン・ルーサー・キング・ジュニアが亡くなる前日にメンフィスで行った演説「私は山の頂上に行き、約束の地を見た」のテキストが使われている第2楽章が取り上げられた。 [ ^{35 ]イェストンが編曲したこの作品は}、個人の自由と平等の理念の進化、そしてそれに対する私たちの固有の普遍的な権利を、過去1000年間における私たちの文明の最大の知的成果として称えています。混声合唱団、児童合唱団、ゴスペル合唱団によって歌われ、歌詞にはマグナ・カルタやトーマス・ジェファーソンの著作からの抜粋、メンフィス演説、そして作曲家による歌詞が含まれています。^{[ 35 ]}

イェストンは、 2009年にブロードウェイで上演された『ロイヤル・ファミリー』のリバイバル公演の付随音楽を作曲した後、アルベルト・カゼッラの戯曲『ラ・モルテ・イン・ヴァカンツァ』 （後に映画『デス・テイクス・ア・ホリデー』となった）のミュージカル版『デス・テイクス・ア・ホリデー』の音楽と歌詞を、ピーター・ストーンとトーマス・ミーハンの脚本で書いた。この作品は、2011年の夏にオフ・ブロードウェイのローラ・ペルズ劇場で上演された。^{[ 36 ] [ 37 ]}このミュージカルは、2011～12年のドラマ・デスク賞で最優秀ミュージカル賞、音楽賞、歌詞賞を含む11部門にノミネートされた。^{[ 38 ]}また、アウター・クリティクス・サークル賞の最優秀ミュージカル賞とスコア賞にもノミネートされ、^{[ 39 ]}タイム誌の2011年シーズンのトップ10の戯曲とミュージカルの1つに挙げられた。^{[ 40 ]} 2017年にロンドンのチャリングクロス劇場で上演されたオフ・ウエストエンド作品。^{[ 41 ]}

2011年、イェストンのバレエ『トム・ソーヤー：3幕のバレエ』が、カンザスシティ・バレエ団によりミズーリ州カンザスシティのカウフマン舞台芸術センターで初演された。^{[ 42 ] [ 43 ]}アラステア・マコーレーはニューヨーク・タイムズ紙で次のように評した。

「これはおそらく、完全にアメリカ発の初の新作三幕バレエでしょう。アメリカ文学の古典を原作とし、アメリカ人作曲家によるオリジナル楽曲で、アメリカ人振付家とカンパニーによって初演されました。…楽曲も振付も、エネルギッシュで力強く、温かみがあり、意図的に素朴（頑固さと無邪気さの両方を兼ね備えている）で、まさにマーク・トウェインにふさわしいものです。」^{[ 44 ]}

2019年、ジェラール・アレッサンドリーニがマンハッタンのヨーク劇場で、イェストンの歌をフィーチャーしたレビュー「Anything Can Happen In the Theater – The Musical World of Maury Yeston」を制作・演出した。^{[ 45 ] [ 46 ]} 2020年10月、イェストンはPS Classicsレーベルから、自身の代表的なデモ40曲をボーカル録音した作品集「Maury Sings Yeston: The Demos」をリリースした。 ^{[ 47 ]} 2025年、イェストンは、18世紀の日本の俳句詩人小林一茶と、1767年から1777年にかけての一茶の謎の失踪の真相を解明しようとする現代の劇作家の旅を描いたミュージカル「 Issa in Paris 」の楽譜を完成させた。脚本と歌詞は高橋千佳による。^{[ 48 ]} 2026年1月に東京都千代田区ニッセイ劇場で初演された。 ^{[ 49 ]}

イェストンはジュリアンヌ・ヴァルトヘルムと結婚している。^{[ 4 ]}