篠原有司男

篠原有司男（しのはら うしお、1932年1月17日生まれ）は、「ギュウちゃん」の愛称で親しまれ、ニューヨークを拠点に活動する日本の現代画家、彫刻家、パフォーマンスアーティストです。力強く描かれた大規模でダイナミックなボクシング絵画シリーズで最もよく知られ、多様で学際的な実践において、身体化されたジェスチャー、流用とアサンブラージュ、大衆文化と伝統芸術の図像、鮮やかな色調を使用しています。

短命に終わった前衛芸術集団ネオ・ダダ・オーガナイザーズの創設メンバーである篠原は、幼少期を東京で過ごした後、1969年にニューヨークへ移り、現在もそこで生活と制作を行っています。アメリカ占領後の急速な政治的変化、社会的激変、そしてアメリカ化と近代化が進む日本で育った篠原の作品は、周囲でぶつかり合う力によって形作られ、それに反応するものでした。伝統的および現代的な芸術規範の慣習に対する彼の精力的な対決は、ポップな感性と、芸術制作を結果重視のプロセスではなく、一連のはかない行為と捉える理解を通してフィルタリングされています。

篠原の作品は、原美術館、ポンピドゥー・センター、ソーホー・グッゲンハイム美術館、東京国立近代美術館、京都国立近代美術館、レオ・カステッリ・ギャラリー、ロサンゼルス現代美術館、ジャパン・ソサエティなど、国際的に展示されている。^[1]篠原と妻の紀子は、ザカリー・ハインツァーリング監督のドキュメンタリー映画『キューティーとボクサー』（2013年）の主題となっている。 ^[2]

篠原有司男は1932年1月17日、東京都心麹町に生まれた。^[3]父は若山牧水に師事した歌人、 [ ^4]母は東京の私立女子美術学校（現女子美術大学）で学んだ日本画家および人形師^[5]であった。

篠原は、番町小学校、麻布中学校・高等学校に通い、1952年に東京美術大学（現在の東京藝術大学）に入学し、著名な画家である林武司に師事してヨガを^{学んだ。 [6] [3]}同級生には、ネオダダ・オルガナイザーズのメンバーとなる工藤哲美、高松次郎、中西夏之らがいた。^{[7] : 114}篠原は学校の指導に不満を持ち、1957年に学位を取得せずに退学した。^{[3] [8]}

第二次世界大戦とそれに続くアメリカ占領下で育った篠原の初期の作品は、戦後の都市復興の状況、伝統の再解釈の危機、そしてアメリカのマスメディアと消費文化の広範かつ魅力的な存在に鋭く反応していました。

1955年、篠原は審査員のいない前衛的な読売アンデパンダン展に作品を出品し始め、1963年まで毎年開催されるほぼすべてのフェアに参加し続けました。^[8]読売新聞が主催したこの自由な展覧会は、審査員なしで誰でも参加でき、新しい形の「反芸術」「非芸術」「ジャンクアート」への道を開いた芸術実験の場となりました。^[9]

当時の日本には画商やコレクター、確立されたギャラリーがほとんどなかったため、アーティストが主催するグループ展やメディアが主催するショーが、前衛的な現代美術を展示し、交流するための最も人気のあるプラットフォームでした。^[10]篠原は自分のパブリックイメージを強く意識しており、メディアでの描写を通じてペルソナを作り出そうとし、週刊サンケイに（自称）「ロカビリー画家」として特集するよう説得しました。^{[11] : 12}

1958年3月、篠原は新宿に新築された吉村益信のアトリエを訪れた。磯崎新が設計した、大きなガラス扉と白いモルタル仕上げのオープンプランの空間だった。^{[12] : 56–57}モダンでオープンなインテリアの可能性に衝撃を受けた篠原は、「ここで何かできる！」と宣言した。^{[12] : 56}アトリエのアトリウムは、 1960年に篠原、吉村、そして読売アンデパンダンで作品を展示していた赤瀬川原平、荒川修作、工藤哲美などの若い芸術家たちによって結成された短命の芸術集団、ネオダダ・オルガナイザーズの定期的な会合の場となった。

ネオダダの主催者は、1960年に3回の公式展覧会を開催したほか、従来の芸術形態を嘲笑し、解体し、多くの場合物理的に破壊しようとする奇妙な「アクション」、「イベント」、「ハプニング」を数多く開催した。 ^[13]例としては、ギャラリーをゴミの山で埋め尽くしたり、ジャズ音楽のビートに合わせて家具を壊したり、さまざまな服装や脱ぎ姿で東京の街を跳ね回ったりすることなどが挙げられる。 ^[13]人体を芸術の媒体として使った彼らの暴力的なパフォーマンスは、当時の日本の芸術界の制約的な環境に対する不満と、当時の社会情勢、特に1960年の日米安全保障条約に対する大規模な安保闘争を反映していた。^[14]

篠原は、赤瀬川が後に「創造的破壊」と呼ぶものを中心にグループの方向性を形作る上で重要な役割を果たした。^[15] 1960年6月、安保闘争の真っ最中、篠原はグループが「マニフェスト」とみなした短い声明文を書き、次のように書いている。

1960年にどれだけ生殖を夢想しても、原子爆弾一発ですべてが解決してしまうのと同じように、ピカソの闘牛も、轢かれた野良猫の血しぶきほどしか私たちの心を動かさない。誠実な芸術作品を踏みにじってきた20.6世紀の血まみれのリングに上がるとき、私たちが虐殺されるのを避ける唯一の方法は、私たち自身が屠殺者になることだ。^[15]

抵抗し、挑発し、耽溺し、スキャンダルと畏怖を生み出す無分別なエネルギーに突き動かされたネオ・ダダ・オルガナイザーたちは、理論的または政治的というよりも、芸術を制作し展示するという直感的で本能的な側面に根ざしていた。^{[12] : 58}篠原が集団の一員として制作した作品、「ごきげんな4次元」や「雷彫刻」などは、市販の風船、竹竿、釘などの一般的な素材を大量に使用し、過剰とスペクタクルの快楽に耽溺する破壊的なパフォーマンスを生み出した。^{[12] : 61}篠原はまた、マスメディア時代における自己宣伝と即時性の芸術的価値を痛感しており、銀座の街を展覧会の告知を体中に貼り付けて歩き回るという、パフォーマンスと宣伝の境界を曖昧にする行為も行っていた。^{[12] : 63}

1960年9月に開催されたネオダダのイベント「ビザール・アセンブリ」で、篠原はトレードマークのモヒカン刈りの髪型で、今では有名となった「ボクシング・ペインティング」を披露した。これは、何度もインクに浸したボクシンググローブで大きな紙を殴りつけるというものである。^{[16] : 176–177}篠原のアクション・ペインティングの実践はこの頃に始まり、ジェスチャー抽象化における当時の先例を参考にしながらも、同時に、結果として生じる絵画ではなくアクション自体が作品を構成するべきだと主張した。^{[17] : 32}篠原は自身の公的なペルソナを強く意識しており、雑誌、新聞、映画製作者から、自身のアート制作過程を撮影してほしいというメディアの依頼を受けた。1960年、小説家の大江健三郎は毎日グラフ紙から日本のビートに関する特集記事の執筆を依頼され、その中で篠原は墨とクラフト紙を使い、手首にぼろ布を巻いてアクション・ペインティングを行っている。 ^{[17] : 30}

1961年、著名な写真家ウィリアム・クラインが篠原の「ボクシング・ペインティング」をフィルムに収め、1964年に出版した有名な写真集『東京』に収録した。^[18]クラインの写真は、篠原のパフォーマンス、そしてより広い意味ではネオ・ダダ・グループの作品の数少ない記録である。彼らの型破りな素材と一時的な行為は、アーカイブの慣習を無視していたからだ。彼らの作品は批評家から真剣に受け止められることはほとんどなく、彼らは反体制的な遊びにふける下品で甘やかされた反知性主義の少年としか見られなかった。^{[19] : 52–53}

1965年、篠原は花魁シリーズを制作し始めた。タイトルは江戸時代の高級遊女を指し、作品は特に月岡芳年の有名な無残絵シリーズ『二十八名人斬り詩文』（1866-7年）から影響を受けている。^{[7] : 14}篠原は、このジャンルの認識可能な慣習に倣いながら、同時にこれらの暴力シーンをマスメディアから集めたベトナム戦争の惨禍のイメージと組み合わせ、形態を解体し、ポップアートの感性に沿った蛍光色の平坦な帯と派手なパターンを使用した。^{[11] : 14}このシリーズの作品は、当時現代美術に焦点を当てた数少ない商業ギャラリーの一つであった東京画廊で1966年2月に開催された個展「ひな祭り」で展示された。 ^{[11] : 15}この展示は3月3日のひな祭りに合わせて開催され、花魁とともに、日本の古典的な女性らしさや伝統的な日本の他のモチーフを覆した。インスタレーションのために、篠原はアルミニウムで等身大のひな人形を制作し、皇后の姿を派手なかんざしで飾り、皇后のアイデンティティを花魁と融合させ、天皇を、スイッチを入れると頭が高速で回転し大きな音を発する不穏な機械に変えた。^{[11] : 17}

花魁のモチーフは彼の他の作品にも登場し、特にオートバイ彫刻シリーズではライダーとして登場しています。

篠原はポップアートとアメリカの視覚文化の流用に興味を持ち、その流用戦略に惹かれて「最初に模倣した者が勝つ」と宣言した。^{[11] : 13}彼はロバート・ラウシェンバーグ、ジョージ・シーガル、ジャスパー・ジョーンズなどのアメリカ人アーティストの作品を模写し始めた。 「Drink More」（1964年）（当初のタイトルは「Lovely, lovely America 」）には、ジョーンズの代表的なモチーフを直接引用した明るいオレンジと黄色のアメリカ国旗を背景に、コカコーラの瓶を持った石膏の手が浮かび上がっている。 ^[20] 1960年代初頭に篠原のスタジオを訪れたジョーンズは、このシリーズに魅了され、作品のうち1つを自宅に持ち帰った。^[20] 1965年、ジョンズはこの作品を基に明るいオレンジと緑で描かれた旗の絵画を制作し、ポップの概念的基盤を形成した模倣と再利用のサイクルを維持した。^[20]

池上弘子が主張するように、篠原のジェスチャーは、西洋の独創性と作者性の慣習を、同じ複製戦略を再び書き記すことで批判しただけでなく、独創性と差異に依存しながらも同時に欧米のモダニズムから借りた先例に依存していた日本の近代美術の思想的危機に注意を喚起した。^{[11] : 13}

1969年、篠原はジョン・D・ロックフェラー3世基金の1年間の奨学金を得てニューヨークに移住した。^[21]ホテル・チェルシーに滞在した後、チャイナタウンにある仲間のアーティスト、靉嘔のロフトに移った。その建物はナム・ジュン・パイクを含む数人のフルクサス・アーティストが入居していた。^{[7] : 117}ニューヨークのざらついたエネルギー、アメリカで働くことの解放感、そしてニューヨークのアートシーンに魅了された篠原は、1970年にグリーンカードを取得し、ニューヨークに留まり、今日までそこで暮らしながら仕事をしている。^{[7] : 118}

篠原は1972年に、マンハッタンのダウンタウンで観察したヘルズ・エンジェルスのバイカーに一部触発されて、現在も続いているオートバイ彫刻シリーズを始めた。アーティストは、バイカーの荒々しい男らしさ、信号や慣習を無視する態度、そして彼らが醸し出す暴力的なエネルギーに魅了された。彼は、これらの特徴を当時の日本には見られなかった一種のアメリカ精神と関連付けた。^{[22]篠原はまた、日本滞在中に1953年の}マーロン・ブランドの映画『乱暴者』を観たことを思い出し、これもインスピレーションの源として挙げている。^[22]

作品は主に見つけた段ボール箱から作られ、ガムテープやホットグルーなどの接着剤で組み立てられ、ポリエステル樹脂、ジェリービーンズ、篠原自身が作ったモザイクタイル、針金、アイスクリームコーン、かんざしなどのさまざまな素材で装飾されている。 [ ^{11] : 21–22}オートバイの形状はカスタマイズされたチョッパーに似ており、篠原自身は、ホンダやカワサキなどの日本製のバイクよりもハーレーダビッドソンのバイクが「モダンすぎる」と感じたと述べている。^{[23] : 39}マイケル・ローベルは、典型的なアメリカブランドに対する篠原の関心は、1970年代の米国と日本の間で高まる貿易摩擦の文脈でも解釈できると示唆している。アメリカでオートバイの人気が高まるにつれ、ハーレーダビッドソンや他のアメリカメーカーを追い抜く日本からの輸入台数も増加し、経済的な競争相手としての日本の地位に対する不安が広がり、1971年のニクソンショック後には日本からの自動車輸出が制限されることになった。 ^{[23] : 41}このようにオートバイは、自立、機動性、個人主義の意味合いを帯びたシンボルであるだけでなく、特にアメリカで活動する日本人アーティストとしての篠原の立場を考えると、国境を越えた社会経済的意味合いも帯びていた。

1982年、篠原はギャラリーディレクターのランド・カスティールの勧めで、ジャパン・ソサエティ・ギャラリーでアメリカ初の個展を開催した。 ^{[6]この展覧会は、}茶道や生け花などの伝統芸術に焦点を当てた同ギャラリーの典型的な展示とは大きく異なるものであり、批評家から大きな注目を集めた。^[8]

1991年、篠原は国立国際美術館で開催された「日本の反芸術の今と昔」展に招待され、一般公開された「ボクシング・ペインティング」を制作した。同展は展覧会終了後、同美術館のコレクションに収蔵された。^{[17] : 32}これは、1960年代以降手がけていなかったこのシリーズへの篠原の復帰を意味し、それ以来、篠原にと​​って継続的な制作活動となり、世界中のアート会場で「ボクシング・ペインティング」を制作してきた。 ^{[17] : 32  [24]}初期の作品は白黒で描かれていたが、篠原は1998年から絵の具とキャンバスの地の両方に色を加え始めた。^{[17] : 32}

篠原の作風は荒々しいエネルギーと活気にあふれ、一見混沌とした動作で知られているが、批評家たちはしばしば、篠原の絵画的表現への強い関心と形式的な構成へのこだわりを指摘してきた。ジュリア・カシムは、1993 年に尼崎のつかしんホールで開催された篠原の回顧展のレビューで次のように述べている。

「彼の万華鏡のような絵画は、空気圧のあるゴム製の乳首をした裸体、バイカー、コニーアイランドの派手な栄光を描いており、東京からボンベイまでのアジアのストリートフェアでよく見られる鮮やかな赤、緑、ピンクで描かれている。細部までこだわっている。一見、いい加減で急いで描かれたように見えるが、実際には、より形式的な作品と同じくらい注意深く構成されている。」^[25]

篠原のボクシングの絵画は国際的に広く評価され続けている。2003年のポカリスエットのCMでは、壁に向かって絵を描く篠原の姿が取り上げられた。^[26]

篠原さんは、彼の本名（牛男、「うしお」とも読む）が「牛」と「男」という漢字を使っていたことから、愛情を込めて「ギューチャン」という愛称で親しまれている。

篠原は1970年代初頭からアーティストの篠原紀子と結婚しており、2人の間には同じくアーティストの息子アレクサンダー・クウカイ・シノハラがいる。 ^[21] 2人が出会ったのは1973年、ウシオがニューヨークのアートシーンで地位を確立し始めた頃で、紀子はアート・スチューデンツ・リーグ・オブ・ニューヨークで学んでいた。^{[27] [28]彼らの波乱に満ちた家族生活は、2013年に}ザカリー・ハインツァリング監督のドキュメンタリー映画「キューティー・アンド・ザ・ボクサー」の題材となった。^{[21] [29]}家族はニューヨーク・ブルックリンのダンボ地区に住んでいる。[ 30 ]^篠原は以前、日本の女性と結婚しており、2人の息子がいる。^[28]

1982年、篠原はギャラリーディレクターのランド・カスティールの勧めで、ジャパン・ソサエティ・ギャラリーでアメリカ初の個展を開催した。 ^{[6]この展覧会は、}茶道や生け花などの伝統芸術に焦点を当てた同ギャラリーの典型的な展示とは大きく異なるものであり、批評家から大きな注目を集めた。^[8]

1990年、篠原の作品はニューヨーク近代美術館が主催する巡回展に出品された。作品「コカコーラ計画」（1964年）は、2012年11月から2013年2月までニューヨーク近代美術館で開催された「東京1955-1970：新たな前衛」展に展示された。^[31] 2012年には、ニューヨーク州立大学ニューパルツ校のサミュエル・ドースキー美術館で「篠原ポップス！」と題した回顧展が開催された。^[7]

篠原の作品は、ニューヨーク近代美術館（MoMA）^[32]、メトロポリタン美術館[ ^33]、^[34]、 原美術館[35] 、アジア美術館[ ^{36 ]}、ヒューストン美術館[37]、兵庫県立美術館の山村^{コレクション}[ ^10]など、複数の公立美術館のコレクションに収蔵されています。

• 1969年 –ジョン・D・ロックフェラー3世賞基金^[21]
• 2007年 – 第48回毎日芸術賞^[21]
• 2019年文化庁長官賞^[38]

• 池上弘子、富井玲子（2012年）『篠原ポップス！前衛の道 東京・ニューヨーク』ニューヨーク州立大学出版局、サミュエル・ドースキー美術館、
• 篠原さん、潮さん。げんこつで世界をかえろう！ （ザ・インタビューズ）。東京：サンポスト、2016年。
• カスティール、ランド（1982年）、篠原、ニューヨーク：ジャパン・ソサエティ。
• チョン、ドリュン。林道夫;吉武美香;ミリヤム・サス、光田有里。中島正敏ナンシー・リム (2012)。東京、1955-1970 : 新しい前衛。ニューヨーク: ニューヨーク近代美術館、アートブック/DAP
• シャイナー、エリック・C、富井玲子（2007年）。『Making a Home：ニューヨークの日本人現代アーティストたち』ニューヨーク、ニューヘイブン：ジャパン・ソサエティ、イェール大学出版局。
• コリンズ、ブレイディ、リウ、リョウ・ヘン、ヤン、ヤン（2013）。『ボディ／バイオレンス／シティ：1960年の東京におけるネオ・ダダのアートアクション』 Urban Humanities Initiative、UCLA。
• カプール、ニック（2018年）。『岐路に立つ日本：安保後の対立と妥協』ケンブリッジ、マサチューセッツ州：ハーバード大学出版局。ISBN 978-0674984424。

• 篠原有司男ボクシングペインティングパフォーマンス、ダラス美術館
• キューティー&ボクサー (2013) 公式予告編
• マルチェロ ファラベゴリ プロジェクト (旧 Galerie oko - 日本の現代美術)