民芸品

作品は、一人の職人または職人チームによって制作されます。職人は確立された文化的枠組みの中で作業します。民芸品には、作品の制作において認識可能な様式と方法があり、それによって製品が認識され、特定の個人または工房に帰属させることができます。これは、 1894 年に出版されたAlois Rieglの研究「民芸、家屋の鍛冶、家内工業」で最初に明確にされました。「Riegl は 、民芸の創造性においても、芸術家の個々の手と意図が重要であることを強調しました。確かに、芸術家は集団の期待により、伝承された形式や慣習の規範の中で作業することを強いられたかもしれませんが、個人の創造性（個人の美的選択と技術的な熟練を意味する）は、受け継がれた伝統が停滞するのを防ぎ、各世代でそれらを刷新することを可能にしました。」^{[ 5 ]}制作過程における個人の革新は、これらの伝統的な形式の継続において重要な役割を果たします。キルティング、装飾的な額縁作り、デコイ彫刻など、多くの民俗芸術の伝統は今もなお受け継がれており、新たな形態も次々と生まれている。

現代のアウトサイダー・アーティストは独学であることが多く、彼らの作品は通常、孤立した環境や全国各地の小さなコミュニティで制作されている。スミソニアン・アメリカ美術館には、70人以上のフォークアーティストや独学のアーティストの作品が収蔵されている。^{[ 6 ]}

民芸品は通常、一点ものの製作工程で作られます。一度に1つの品物だけが、手作業または手作業と機械を組み合わせた方法で作られ、大量生産されることはありません。手作業で製作されるため、個々の品物はユニークであると考えられ、通常は同じ種類の他の品物と区別できます。民俗学者のサイモン・ブロンナーは、エッセイ「民芸品」の中で産業革命以前の生産様式に言及していますが、民芸品は民芸職人によってユニークな手作りの品物として作られ続けています。「民芸品の概念は、機械製造よりも手作りを強調する傾向があります。民芸品は、知識と技能が個人的で伝統的なものであった産業革命以前の共同体社会に共通する生産様式を意味します。」^{[ 7 ]}民芸品は古いものである必要はなく、今日でも世界中の多くの地域で手作りされ続けています。

民芸のデザインと制作は、非公式または公式に学習され、教えられます。民芸家は独学ではありません。 民芸は個人主義的な表現を目指していません。むしろ、「集団芸術の概念は、芸術家が手作業と知性の両方において、少なくとも部分的には他者とのコミュニケーションから能力を獲得することを暗示し、実際に要求します。コミュニティは、受け入れられる民芸品として通用するものについて、通常は非常に多くのことを語ります。」^{[ 8 ]}歴史的に、手工芸の訓練は、鍛冶屋や石工などの地元の職人との徒弟制度で行われていました。必要な設備や道具がコミュニティで容易に入手できなくなったため、これらの伝統的な工芸は技術学校や応用芸術学校に移りました。

制度外での非公式な手段による工芸の指導は、他の分野では参入障壁に直面する可能性のあるアーティストにこのジャンルを開放した。例えば、カナダのフォークアーティスト、モード・ルイスは、診断されていない先天性の病気を患っていたため、正式な美術教育を受けることは困難だった。 ^{[ 9 ]}正式な教育を受ける上での障壁にもかかわらず、ルイスはカナダで最も有名なフォークアーティストの一人となり、ノバスコシアでの生活を描いた数千点の絵画を制作した。^{[ 9 ]}

その対象物は、その文化的な枠組みの中で、既知のタイプとして認識できます。この対象物に似た、他の人が作った類似のものが、その環境で見つかります。個々の民芸品は、その形やデザインにおいて卓越した個々の技量を示していても、その文化の他の作品を参照します。この対象物の先例が見つからない場合、それは芸術作品である可能性はありますが、民芸品ではありません。「伝統的な社会はエゴを消し去るわけではありませんが、個人が許容できる選択に焦点を当て、方向付けます…社会化が進んだ人は、その制限が阻害的ではなく、役に立つことに気づくでしょう…伝統が健全な場合、異なる芸術家の作品は、異なるよりも類似しており、個人的というよりは均一です。」^{[ 10 ]}民芸品の伝統は、情報が世代から世代へと受け継がれることによって生まれます。家族の系譜を通じて、家族は、民芸品の制作を続けるために必要な知識、情報、技能、道具を伝承します。例としては、ミシシッピ州の籠職人であるレオン「ペック」クラークが挙げられます。彼はコミュニティのメンバーから技術を学びました。ニューメキシコ州コルドバのジョージ・ロペスは、6代続くサントス彫刻家で、彼の子供たちも彫刻をしています。また、ヨロク・カロク族の籠編み職人たちは、親戚から一般的に編み方を教わったと説明しています。^{[ 11 ]}

既知の種類の物体は、実用的であるか、元々は実用的であったに違いない。それは、家庭やコミュニティの日常生活で何らかの機能を果たすために作られた。これが、そのデザインが作られ続けている理由である。形自体に機能と目的があったため、さまざまな場所でさまざまな個人によって時を経て複製された。美術史に関する本には、「すべての人工物は、目的のある解決策として問題から生じる」とある。^{[ 12 ]}ジョージ・クブラーが1962年に執筆し出版した『時間の形：物の歴史についての考察』は、物やイメージの歴史をより大きな時間の連続体の中に位置づける歴史的変化へのアプローチを説明している。民芸品の目的は、純粋に装飾的であったり、手工芸品を複製することを目的としているわけではない。しかし、形自体が機能と目的を持つ独特のタイプであったため、民芸品はさまざまな個人によって時を経てコピーされ続けている。

その作品は、その形状と装飾モチーフにおいて卓越していると認識されている。コミュニティの一員である職人は、コミュニティの文化的美意識を反映し、工芸品に対するコミュニティの反応を考慮に入れるかもしれない。作品はコミュニティの期待に沿うように作られ、アーティストは暗黙の文化的偏見を反映させてこの目的を反映するように製品をデザインするかもしれない。^{[ 13 ]}共通の形状は共通の文化を示しているが、革新によって個々の職人は自身のビジョンを具現化することができる。これは、伝統的な民芸品の制作において、集団的文化と個人的文化を操作することの表れである。「芸術が進歩するためには、その統一性を解体し、その側面の一部が探求のために解放され、他の側面は注目から遠ざかる必要がある。」^{[ 14 ]}この文化の二分法的な表現は、通常、最終製品に見られる。^{[ 15 ]}