バレエ

クラシックバレエは、伝統的なバレエのテクニックと語彙に基づいています。^{[ 23 ]}フランスバレエ、イタリアバレエ、イギリスバレエ、ロシアバレエなど、さまざまな国でさまざまなスタイルが生まれました。^{[ 24 ]}クラシックバレエのスタイルのいくつかは、特定のトレーニング方法と関連付けられており、通常はその考案者の名前が付けられています（下記参照）。ロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッドは、さまざまなバレエダンサーのグループによって設立されたバレエのテクニックとトレーニングシステムです。彼らはそれぞれのダンス方法（イタリア、フランス、デンマーク、ロシア）を融合させて、組織独自の新しいスタイルのバレエを作り出し、国際的にイギリススタイルのバレエとして認識されています。^{[ 11 ]}クラシックバレエ作品の例としては、白鳥の湖、眠れる森の美女、くるみ割り人形などがあります。^{[ 25 ]}

ロマンティック・バレエは、クラシック・バレエの芸術運動であり、今日でもいくつかの作品がクラシック・レパートリーに残っています。ロマンティック時代は、ポワント・ワークの出現、女性ダンサーの優位、そして柔らかさと繊細なオーラを表現しようとする長く流れるようなチュチュによって特徴づけられました。^{[ 6 ]}この運動は19世紀初頭から中頃（ロマンティック時代）に起こり、美的体験の源泉として強烈な感情を強調するテーマが特徴でした。多くのロマンティック・バレエの筋書きは、人間の男性の心と感覚を奴隷にする精霊の女性（シルフィード、ウィリ、幽霊）を中心に展開しました。1827年のバレエ『ラ・シルフィード』は最初のものとして広く考えられており、1870年のバレエ『コッペリア』は最後のものとして考えられています。^{[ 5 ]}ロマンティック時代の有名なバレエダンサーには、マリー・タリオーニ、ファニー・エルスラー、ジュール・ペローなどがいます。ジュール・ペローは振付家としても知られており、特に『ジゼル』の振付は、最も広く称賛されているロマンティック・バレエの一つと考えられている。^{[ 6 ]}

新古典バレエは通常抽象的で、明確な筋書き、衣装、舞台装置はありません。音楽の選択は多様で、新古典派の音楽（ストラヴィンスキー、ルーセルなど）が含まれることもよくあります。『プティパからバランシンまで』の著者であるティム・ショールは、1928年のジョージ・バランシンの『アポロ』を最初の新古典バレエと考えています。 『アポロ』は、セルゲイ・ディアギレフの抽象バレエへの反動として、形式への回帰を表していました。バランシンは、モダンダンスの振付家マーサ・グラハムと協力し、 1959年にバランシンの『エピソード』に出演したポール・テイラーなどのモダンダンサーをカンパニーに迎え入れました。^{[ 26 ]}

バランシンは新古典バレエの代表的人物として広く知られているが、他にも重要な貢献をした振付家がいた。フレデリック・アシュトンの『シンフォニック・ヴァリエーションズ』（1946年）は、この振付家にとって重要な作品である。セザール・フランクの同名の楽曲に合わせて作られたこの作品は、楽曲を純粋にダンスで表現したものである。^{[ 6 ]}

もう一つの形式であるモダンバレエも、新古典主義の派生として登場しました。この形式の革新者には、グレン・テトリー、ロバート・ジョフリー、ジェラルド・アルピーノなどがいます。モダンバレエと新古典主義を明確に区別することは難しいものの、これらの振付家の作品は、バレエの繊細さから離れた、より運動能力の高い動きを重視していました。身体表現はより大胆で、雰囲気、主題、音楽もより強烈でした。その一例として、ジョフリーの『アスタルテ』（1967年）が挙げられます。この作品はロック調の楽曲と、振付における性的なニュアンスを特徴としていました。^{[ 11 ]}

このバレエスタイルはしばしば裸足で踊られます。^{[ 27 ]}コンテンポラリーバレエにはマイムや演技が含まれることもあり、通常は音楽（典型的にはオーケストラですが、時折ボーカルも）に合わせて踊られます。この形式を新古典主義バレエやモダンバレエと区別するのは難しい場合があります。コンテンポラリーバレエは、コンテンポラリーダンスにも近いと言えます。なぜなら、コンテンポラリーバレエの多くの概念は、床を使った動きや脚の内旋など、20世紀のモダンダンスのアイデアや革新から来ているからです。主な違いは、コンテンポラリーバレエを踊るにはバレエのテクニックが不可欠であるということです。

ジョージ・バランシンは、現代バレエの先駆者とみなされている。同じく初期の現代バレエ振付家であるトワイラ・サープは、 1976年にアメリカン・バレエ・シアターのために『プッシュ・カムズ・トゥ・ショヴ』を振り付け、1986年には自身のカンパニーのために『イン・ザ・アッパー・ルーム』を創作した。これらの作品はどちらも、現代的な動きとポワントシューズの使用、そしてクラシックバレエの訓練を受けたダンサーを融合させた点で革新的と評価された。

今日では、現代バレエ団や振付家が数多く存在します。例えば、アロンゾ・キング率いるLINES Ballet、マシュー・ボーン率いるNew Adventures、Complexions Contemporary Ballet、ナチョ・ドゥアト率いるCompañia Nacional de Danza、ウィリアム・フォーサイス率いるThe Forsythe Company、そしてNederlands Dans Theaterのイジー・キリアンなどが挙げられます。マリインスキー（キーロフ）バレエやパリ・オペラ座バレエといった伝統的な「古典」バレエ団も、定期的に現代作品を上演しています。

バレエという用語は、それに関連するすべての形式を含むように進化しました。バレエダンサーとして訓練を受ける人は、現在では新古典派、現代、コンテンポラリーの作品を踊ることが期待されています。バレエダンサーには、古典作品では威厳と風格、新古典派作品では自由で叙情的、現代およびコンテンポラリー作品では控えめで厳しく平凡な表現が求められます。さらに、ヒップレットのように、古典バレエのテクニックと現代ダンスを融合させたいくつかの現代的なダンスがあり、ダンサーは非西洋のダンススタイルを練習する必要があります。^{[ 28 ]}

フランス式メソッドは、すべてのバレエ訓練の基礎です。1661年にルイ14世が王立舞踊アカデミーを設立したとき、彼は、訓練方法に関係なく、今日でもこの職業に携わる人々が使用する体系化されたテクニックの確立に貢献しました。フランス式メソッドは、 1980年代にルドルフ・ヌレエフによって特に活性化されました。彼の影響により、このスタイルへの評価が再び高まり、バレエ全体を劇的に変化させました。^{[ 34 ]} 実際、フランス式メソッドは現在、ヌレエフ・スクールと呼ばれることもあります。フランス式メソッドは、技術的な正確さ、流動性と優雅さ、そしてエレガントでクリーンなラインが特徴です。このスタイルでは、パフォーマーが舞台上を軽やかに漂っているような印象を与えるために、速いフットワークがよく用いられます。^{[ 35 ]}この技法の重要な特徴は、腕の動きと肩の動きの仕方が独特で、ロシア風の踊りよりも丸みを帯びているが、デンマーク風の踊りほど丸みを帯びていないことである。^{[ 36 ]}

ワガノワ・メソッドは、アグリッピーナ・ワガノワによって創始された、ロシア・バレエから生まれたバレエ訓練法です。1916年にダンサーを引退した後、ワガノワは1921年にレニングラード振付学校で教えるようになりました。彼女の訓練法は現在国際的に認められており、彼女の著書『古典舞踊の基礎』（1934年）は古典的な参考書となっています。このメソッドは、フランスの古典様式、特にロマン主義時代の要素と、イタリア式メソッドの運動能力、そしてロシア・バレエの魂のこもった情熱が融合しているのが特徴です。^{[ 35 ]}彼女は著書『ロシア古典舞踊の基本原則』（1948年）の中で、非常に精密な指導法を開発しました。^{[ 37 ]}これには、生徒のバレエキャリアにおいて、いつ技術的な要素を教えるべきか、どのくらいの期間それに集中すべきか、生徒のキャリアの各段階で適切な集中度を示すことが含まれます。これらの教科書は、今日でもバレエの指導において非常に重要なものとなっています。

このメソッドは、バレエを正しく踊るために筋力、柔軟性、持久力の発達を重視している。彼女は、バレエを踊る際には腕と脚に等しく重要性を置くべきであり、そうすることで体全体に調和とより大きな表現がもたらされるという信念を提唱した。^{[ 38 ]}

エンリコ・チェケッティ（1850～1928）によって開発されたこのメソッドは、クラシックバレエに関連する解剖学の理解に強く依存していることで国際的に知られています。このメソッドの目標は、生徒が教師の模倣に頼る必要がないように、バレエのパフォーマンスに必要な重要な特性を生徒に植え付けることです。このメソッドの重要な要素は、バランス、高さ、バロン、ポイズ、および強さを重視することです。^{[ 39 ]}

このメソッドは、美しく優雅なラインを作り出すために体のすべての部分が一緒に動くことを認識することの重要性を提唱しており、そのため、バレエを腕、脚、首、胴体といった別々の部分として考えることに対して警告を発しています。このメソッドは、使用される8つのポート・ド・ブラでよく知られています。^{[ 35 ]}

ブルノンヴィル・メソッドは、オーギュスト・ブルノンヴィルによって最初に考案されたデンマークのメソッドです。ブルノンヴィルは、父アントワーヌ・ブルノンヴィルや他の重要なフランスのバレエ・マスターから訓練を受けたため、初期のフランスのバレエ・メソッドから大きな影響を受けました。このメソッドには、今日教えられている他のバレエ・メソッドとは異なる多くのスタイルの違いがあります。^{[ 40 ]}重要な要素は、上半身を通常、作業足の方に回転させる斜めのエポールマンの使用です。このメソッドには、腕の非常に基本的な使用、低いデヴェロッペのポジションからセコンドへのピルエット、および動きの開始と終了に第5ポジションのブラ・アン・バを使用することも組み込まれています。

ブルノンヴィルメソッドは、美しいバロン（「計り知れない軽さの錯覚」）を持つダンサーを育成する。^{[ 41 ]}

英国式バレエとも呼ばれるロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッドは、1920年にジニー、カルサヴィナ、ベデルズ、E・エスピノーザ、リチャードソンによって設立されました。このメソッドの目標は、英国全土でクラシックバレエの学術的な訓練を促進することです。このスタイルは米国にも広まり、今日でも広く利用されています。このメソッドの訓練を完了するには、生徒が特定のグレードレベルを進級する必要があります。^{[ 42 ] [ 43 ]}この指導法の重要な原則は、基本的なバレエのテクニックをゆっくりとしたペースで教える必要があり、難易度の上昇は他のメソッドよりもはるかに遅いことが多いということです。この背後にある考え方は、生徒が基本的なステップを完璧にするために多大な努力をすれば、これらのステップで学んだテクニックによって、より難しいステップをはるかに容易に利用できるようになるということです。^{[ 35 ]}

ニューヨーク・シティ・バレエ団のジョージ・バランシンによって開発された。彼のメソッドは、ロシアでのダンサーとしての自身の訓練に大きく基づいている。このテクニックは、ルーティン全体を通して極めて速いスピード、ラインの強調、そして深いプリエで知られている。このスタイルの最もよく知られた違いの1つは、おそらく型破りな身体の姿勢である。^{[ 35 ]}このスタイルのダンサーは、しばしば手や足を曲げ、バランスを崩した姿勢をとる。このメソッドを教えている重要なバレエスタジオは、マイアミ・シティ・バレエ、バレエ・シカゴ・スタジオ・カンパニー、ニューヨークのスクール・オブ・アメリカン・バレエである。 ^{[ 44 ]}

バレエの起源はフランスとイタリアのルネサンス時代に遡り、宮廷衣装がバレエ衣装の始まりでした。バレエ衣装は15世紀初頭から存在していました。綿と絹を亜麻と混ぜて半透明のガーゼ^{[ 45 ]}に織り、精巧なバレエ衣装を作り上げました。

17世紀には、衣装をより華やかで目を引くものにするために、さまざまな種類の生地やデザインが使用されました。この世紀も、女性の宮廷服はそのまま残っていました。シルク、サテン、本物の金や宝石で刺繍された生地は、バレエ衣装に関連する華やかな装飾のレベルを高めました。^{[ 45 ]}女性の衣装はまた、重い衣服と膝丈のスカートで構成されていたため、動きや身振りを十分に表現することが困難でした。

18世紀の間、舞台衣装は宮廷衣装と非常によく似ていましたが、フランスのダンサーでありバレエマスターであったジャン＝ジョルジュ・ノヴェール（1727年～1810年）の影響で徐々に進歩しました。ノヴェールは、バレエの近代化に関する革新的な提言を著書『舞踊とバレエに関する書簡』（1760年）にまとめています。彼の著書は、舞台演出における重点を衣装からダンサーの身体の動きや感情へと移しました。

ヨーロッパのバレエはパリ・オペラ座を中心に発展した。^{[ 45 ]}この時代、スカートは地面から数インチ持ち上げられていた。花、フリル、リボン、レースがこの豪華な女性らしいスタイルを強調し、シトロン、ピーチ、ピンク、ピスタチオなどの柔らかなパステル調が色彩の主流だった。^{[ 45 ]}

19世紀初頭には、体にぴったりとフィットする衣装、花冠、コサージュ、宝石が用いられた。ロマン主義の理想は女性の運動を通して反映された。^{[ 45 ]}

バレリーナの体の曲線美を際立たせるため、コルセットが使われるようになると、衣装はよりタイトになった。宝石やきらびやかな装飾を施した衣装も、より人気が高まった。

20世紀に入ると、バレエの衣装は再びロシアバレエの影響を強く受けるようになった。バレリーナのスカートは膝丈のチュチュとなり、後に正確なポワントワークを際立たせるために用いられるようになった。舞台衣装に使われる色もより鮮やかになり、デザイナーたちは赤、オレンジ、黄色などの色を用いて、バレエダンサーが舞台上で踊る際に視覚的な表現力を高めた。