民芸品

フォークアートは、民俗文化の文脈で作られたあらゆる形態の視覚芸術を網羅しています。定義はさまざまですが、一般的には装飾のみを目的とするものではなく、何らかの実用的な用途を持つものです。フォークアートの製作者は、その文化の美術の伝統ではなく、大衆的な伝統の中で訓練を受けているのが一般的です。「素朴芸術」と重複したり、論争の的となる領域^{[1]がしばしばあります。「フォークアート」は、}民族学芸術が作り続けられている伝統的な社会に関しては使用されません。

「フォークアート」という用語でカバーされる対象の種類は多岐にわたります。この芸術形態は、「この用語が生まれたヨーロッパと、大部分が非常に異なる方向で発展した米国での使用法によって理解される、文化的生産の多様な」ものとして分類されます。^[2]

ヨーロッパの観点から、エドワード・ルーシー・スミスはそれを「素朴な人々の集合意識に根ざした、洗練されていない芸術であり、美術と応用の両方である。フォークアートの概念は明らかに19世紀のものである。今日では、それは産業化以前の社会への郷愁を帯びている。」と表現した。^[3]

民俗芸術には、パフォーマンス芸術と有形芸術の両方が含まれており、民俗学や文化遺産の分野に関連するコミュニティの文化生活を反映しています。有形の民俗芸術には、伝統的なコミュニティ内で歴史的に作られ、使用されてきた物が含まれます。無形の民俗芸術には、音楽やアートギャラリー、ダンス、物語構造などの形式が含まれます。

民芸品の特徴

民俗芸術品は物質文化の一部であり、視覚や触覚など感覚を通して体験されるものが含まれます。芸術における物質文化の典型として、これらの有形の物は、手で触れたり、繰り返し体験したり、時には壊したりすることができます。それらは、既存の形状とデザインを技術的に実行しているため、芸術作品と見なされます。その技術は、形状の精度、表面の装飾、または完成品の美しさに見られるかもしれません。^[4]民俗芸術として、これらの物は、他の物質文化の工芸品とは異なるいくつかの特徴を共有しています。

フォークアーティスト

作品は一人の職人または職人チームによって作られる。職人は確立された文化的枠組みの中で作業する。民俗芸術には作品を作る際に認識可能なスタイルと手法があり、それによって製品は一人の個人または工房に帰属するものとして認識される。これはもともと、 1894年に出版された『民族芸術、家屋、家屋産業』の研究でアロイス・リーグルによって明確に述べられた。「リーグルは…民俗的創造性においても、芸術家の個々の手と意図が重要であると強調した。確かに、芸術家は集団の期待によって、伝えられた形式や慣習の規範の範囲内で作業することを余儀なくされたかもしれないが、個人の美的選択と技術的な巧妙さを意味する個人の創造性は、受け継がれた伝統を停滞から救い、各世代で伝統を刷新することを可能にした。」^[5]生産プロセスにおける個人の革新は、これらの伝統的な形式の存続において重要な役割を果たしている。キルティング、装飾的な額縁、おとりの彫刻など、多くの民俗芸術の伝統が今も実践され、新しい形が生まれ続けています。

現代のアウトサイダー・アーティストは独学で学んだ人が多く、作品は孤立した状態か、国内の小さなコミュニティで制作されることが多い。スミソニアン・アメリカ美術館には70人以上のフォーク・アーティストや独学アーティストの作品が収蔵されている。^[6]

手作り

民芸品は通常、一回限りの生産工程で作られる。一度に作られるのは 1 つの品のみで、手作業または手作業と機械の組み合わせで作られ、大量生産はされない。手作業で作られるため、個々の作品はユニークであると考えられ、通常は同じ種類の他の品と区別できる。民俗学者サイモン・ブロナーは「民芸品」に関するエッセイで、産業革命以前の生産様式に言及しているが、民芸品は今でも民芸職人によってユニークな工芸品として作られている。「民芸品という概念は、機械で作られたものよりも手作りを強調する傾向がある。民芸品は、知識とスキルが個人的で伝統的であった産業革命以前の共同体社会に共通した生産様式を暗示している。」^[7]民芸品は古いものである必要はなく、今日でも世界中の多くの地域で手作りされ続けている。

ワークショップと研修生

民俗芸術のデザインと制作は、非公式または公式に学習および指導されます。民俗芸術家は独学ではありません。 ^[要出典]民俗芸術は個人主義的な表現を目指していません。代わりに、「グループアートの概念は、芸術家が少なくとも部分的には他者とのコミュニケーションから手作業と知性の両方の能力を獲得することを暗示し、実際に要求します。コミュニティは、受け入れられる民俗芸術として通用するものについて、通常は非常に多くのことを言うことができます。」^[8]歴史的に、手工芸の訓練は、鍛冶屋や石工などの地元の職人への徒弟制度として行われました。必要な機器やツールがコミュニティで容易に入手できなくなったため、これらの伝統工芸は技術学校または応用芸術学校に移行しました。

機関外での非公式な手段による工芸の指導は、他の分野では参入障壁に直面しているかもしれない芸術家たちにこのジャンルへの門戸を開いた。例えば、カナダのフォークアーティスト、モード・ルイスは、診断されていない先天性の病気を患っていたため、正式な美術学校に通うことは困難だった。^[9]正式な教育への障壁にもかかわらず、ルイスはカナダで最も有名なフォークアーティストの一人となり、ノバスコシア州の生活を描いた何千もの絵画を制作した。^[9]

コミュニティが所有

そのオブジェクトは、その文化的枠組みの中で、既知のタイプとして認識できる。環境内には、このオブジェクトに似た、他の個人が作った類似のオブジェクトが見つかる。個々のフォークアート作品は、形やデザインにおいて並外れた個々の成果を示している場合でも、その文化の他の作品を参照する。このオブジェクトの先例が見つからない場合、それはまだ芸術作品であるかもしれないが、フォークアートではない。「伝統的な社会は自我を消し去ることはないが、個人が受け入れられる選択に焦点を当て、方向付ける…十分に社会化された人は、制限が妨げではなく役立つことに気付くだろう…伝統が健全な場合、さまざまなアーティストの作品は、異なるよりも類似している。それらは個人的というより均一である。」^[10]フォークアートの伝統は、世代から世代へと情報が受け継がれることによって生まれる。家族の系統を通じて、家族のメンバーは、フォークアートの創作を継続するために必要な知識、情報、スキル、ツールを受け継ぐ。例としては、コミュニティのメンバーからスキルを学んだミシシッピのバスケット職人、レオン・「ペック」・クラークが挙げられる。ニューメキシコ州コルドバのジョージ・ロペスは6代目サントス彫刻家で、その子供たちも彫刻をしています。また、ヨロック・カロック族のバスケット織り職人は、一般的に親戚から編み方を教わったと説明しています。」^[11]

オブジェクトの有用性

知られているオブジェクトのタイプは、実用的であるか、または元々実用的であったに違いありません。つまり、家庭やコミュニティの日常生活で何らかの機能を果たすために作成されたものです。これが、デザインが作られ続けている理由です。形状自体に機能と目的があるため、時間の経過とともにさまざまな場所でさまざまな個人によって複製されました。美術史に関する本には、「すべての人工物は、問題から目的のある解決策として生まれた」と書かれています。^[12]ジョージ・キューブラーによって書かれ、1962年に出版された「時間の形：事物の歴史に関する注釈」では、オブジェクトとイメージの歴史をより大きな時間の連続体に位置付ける歴史的変化へのアプローチについて説明しています。フォークアートの目的は、純粋に装飾的でも、手工芸品を複製することを目指したものでもありません。しかし、形状自体が機能と目的を備えた明確なタイプであるため、フォークアートは時間の経過とともにさまざまな個人によってコピーされ続けています。

ジャンルの美学

その作品は、その形と装飾モチーフにおいて並外れたものであるとして認識されている。コミュニティの一員である職人は、コミュニティの文化的美学を反映しており、その手工芸品に対するコミュニティの反応を考慮するかもしれない。作品はコミュニティの期待に合うように作られ、芸術家はこの目的を反映するために暗黙の文化的偏見を持って製品をデザインするかもしれない。^[13]共通の形は共通の文化を示しているが、革新は個々の職人が自分のビジョンを体現することを可能にする。これは、伝統的な民芸品の制作において、集団文化と個人文化を操作することの表現である可能性がある。「芸術が進歩するためには、その統一性を解体して、その特定の側面を自由に探求できるようにし、他の側面は注目されないようにする必要がある。」^[14]この文化の二分法的な表現は、通常、最終製品に見られる。^[15]

材料、形状、工芸

民俗芸術は、さまざまな形、大きさ、形態でデザインされています。伝統的に、その地域で手に入る材料を使用し、馴染みのある形や形態を再現しています。スミソニアン民俗文化遺産センターは、毎年開催される民俗祭で使用された物語のある品々をまとめたページを作成しています。以下のリストには、日常品や民俗芸術品の制作に携わったさまざまな材料、形態、職人のサンプルが含まれています。^[16]

主流アートへの影響

民俗芸術、様式、モチーフは様々な芸術家にインスピレーションを与えてきました。例えば、パブロ・ピカソはアフリカの部族の彫刻や仮面からインスピレーションを得ました。ナタリア・ゴンチャロワらはルボークと呼ばれるロシアの伝統的な大衆版画からインスピレーションを得ました。^[18]

1951年、芸術家、作家、キュレーターのバーバラ・ジョーンズは、英国フェスティバルの一環として、ロンドンのホワイトチャペルギャラリーで「ブラック・アイズ・アンド・レモネード」展を開催した。この展覧会は、彼女の出版物「The Unsophisticated Arts」とともに、現代美術と並んで民俗芸術や大量生産された消費財を展示し、英国におけるポップアートの大衆化の初期の事例となった。 ^[19]

支援団体

国連は世界中の文化遺産を認定し、支援しており、 ^[20]特にユネスコは国際民俗芸術機構（IOV）と提携している。彼らの宣言された使命は、「ダンス、民俗音楽、民謡、民俗芸術に重点を置いた祭りやその他の文化イベントの開催を通じて、世界中の民俗芸術、習慣、文化を促進すること」である。^[21]民俗芸術グループの国際交流や祭りやその他の文化イベントの開催を支援することで、国際理解と世界平和を促進することを目標としている。

米国では、全米芸術基金が、研究、教育、地域貢献を通じて、米国および世界中で文化遺産への理解と持続可能性を高める活動を行っています。その一環として、キルティング、鉄細工、木彫、陶芸、刺繍、籠細工、織物、およびその他の関連する伝統芸術の分野で NEA フォークアートフェローを発掘し、支援しています。NEA のガイドラインでは、この賞の基準として、選ばれたアーティストの「特定の伝統における真正性、卓越性、重要性」の発揮を定義しています。(NEA ガイドライン) 。」 NEA の資金提供初年度である 1966 年には、全国および地域のフォークフェスティバルへの支援が優先事項として特定され、1967 年に全米フォークフェスティバル協会に最初の助成金が支給されました。フォークライフフェスティバルは、多様な民族コミュニティの教育と地域貢献を奨励および支援するために世界中で祝われています。

地域の民俗芸術

アパラチア地方の民芸品

協会

アメリカフォークアート協会
IOV 国際民俗芸術機構、ユネスコと提携
国立芸術基金
CIOFF: 国際民俗祭典・民俗芸術団体協議会
ペンシルバニアフォークロア：織物芸術に関するテレビ番組
国立フォーク組織

博物館コレクション

引用

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参照

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外部リンク

CIOFF: 国際民俗祭典・民俗芸術団体協議会
コレクション:ミシガン大学美術館の「フォークアート、独学アート、アマチュアアート、そしてビジョナリーアート」

[1] (ワートキン 2004、p. xxxiv-xxxvi)

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[3] ルーシー・スミス、エドワード、『テムズ＆ハドソン美術用語辞典』、p. 95、2003年（第2版）、テムズ＆ハドソン、ワールド・オブ・アート・シリーズ、ISBN 0500203652

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[20] 「『メキシコの民芸品の巨匠たち』展が4月10日に国連本部で開催 | 会議報道とプレスリリース」www.un.org 。 2019年4月8日閲覧。

[21] ユネスコの使命宣言