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SF（サイエンス・フィクション）は、1930年代後半、いわゆるSF黄金時代にテレビ番組に初めて登場しました。特殊効果をはじめとする様々な制作技術によって、制作者は現実の制約にとらわれない、生き生きとした想像上の世界を視覚的に表現することが可能になりました。
現実にはあり得ない特性や能力を持つ架空の設定や登場人物を描写する必要性から、制作者はテレビ制作における特殊な技術を幅広く活用せざるを得ない。
20世紀の大半において、これらの技術の多くは高価で、少数の熟練した職人しか必要としなかった。一方、小道具、模型、特殊効果、アニメーション技術の再利用性の高さは、それらを継続的に使用することを容易にした。初期費用が高い一方で維持費が低いというこの特性が、制作者にこれらの技術をシリーズの基本コンセプトに組み込むよう促し、あらゆる芸術的選択に影響を与えた。
1990年代後半になると、技術の向上と業界内での研修や異業種研修の普及により、これらの技術はすべて使いやすくなり、各エピソードの監督が1つまたは複数の手法を選択することが可能になったため、こうした芸術的な選択をシリーズのコンセプトに組み込む必要がなくなった。
特殊効果（または「SPFX」）は、テレビのSFの歴史を通じて不可欠なツールでした。さまざまな光線銃の効果をシミュレートするための小型爆発物、ホラーシリーズの怪物や犠牲者をシミュレートするための血しぶきやグロテスクな義肢、そしてスーパーマン役のジョージ・リーブスのワイヤーを使った登場と退場などです。
「特殊効果」という広い用語には、ここで挙げたすべての技術が含まれますが、一般的には2つのカテゴリーに分けられます。視覚効果（VFX）は、通常ポストプロダクションで行われる、画面上の画像の写真またはデジタル操作です。機械的または物理的効果は、撮影中に使用される小道具、花火、その他の物理的な方法を指します。効果によっては、複数の技術を組み合わせる場合もあります。例えば、光線銃の場合、撮影中に花火を使用し、ポストプロダクションで映像に光学的な発光線を追加するといった具合です。スタントも、物理的効果の重要なカテゴリーです。一般的に、あらゆる種類の特殊効果は、プリプロダクション中に綿密に計画する必要があります。
『バビロン5』は、宇宙服を着たキャラクターが登場するシーンも含め、すべての屋外宇宙シーンにコンピュータグラフィックス（CGI）を使用した最初のシリーズでした。技術の進歩により、CGIはより実用的になり、今日では模型が使われることはほとんどありません。1990年代には、CGIには高価なプロセッサと専用アプリケーションが必要でしたが、2000年代には、コンピュータの処理能力が向上し、様々なソフトウェアを実行できる個人用ノートパソコンでもCGIが利用できるようになりました。
バック・ロジャースがマットな背景の空を横切る火花を散らす宇宙船で飛び回っていた時代から、模型はSFテレビ番組にとって不可欠なツールでした。オリジナルのスタートレックでは膨大な数の模型が必要とされ、USSエンタープライズ号は様々な用途に合わせて複数の異なるスケールで製作されました。1990年代にはCGIがより手頃で実用的になったため、模型は撮影現場では使われなくなりましたが、今日でもデザイナーは縮尺模型を製作し、それをデジタル化してアニメーションソフトウェアで使用することがあります。
キャラクターのモデルは人形です。ジェリー・アンダーソンは、模型やミニチュアセットの世界で生きる人形を使った一連の番組を制作しました。特に『サンダーバード』が有名です。『ALF』では、家族と暮らすエイリアンが描かれ、『ファースケープ』では2体の人形がレギュラーキャラクターとして登場します。『スターゲイト SG-1』では、アスガードのキャラクターは、座ったり、立ったり、横になったりするシーンで人形です。『ミステリー・サイエンス・シアター3000』では、番組の主要キャラクター（そして最も象徴的なキャラクター）であるクロウ・T・ロボットとトム・サーボは、身近な日用品で作られた人形です。
アニメーションは重力、運動量、物理的現実の制約から完全に解放されているため、テレビにおけるSFやファンタジーにとって理想的な手法です。ある意味では、ほぼすべてのアニメシリーズはキャラクターや物体が非現実的な動きをすることを許容しているため、それらはほぼすべて、最も広い意味でのスペキュラティブ・フィクションのカテゴリーに当てはまると考えられています（賞、批評、マーケティングなどの文脈において）。アニメーションとコミックブックの芸術的な親和性により、スーパーヒーローをテーマにしたアニメーションが大量に制作され、その多くはコミックシリーズを原作としています。また、アニメーションで可能な非現実的なキャラクターや設定は、ファンタジーと若い視聴者を対象としたシリーズの両方にとって好ましい媒体となっています。
元々アニメーションはすべてアーティストによる手描きだったが、1980年代に入り、『キャプテン・パワー』を皮切りに、コンピューターが繰り返し画像を作成する作業を自動化し始め、1990年代までには手描きアニメーションは廃れていった。
近年、技術の進歩に伴い、こうした手法はより一般的になってきている。特に、Massiveソフトウェアアプリケーションの開発により、制作者は都市や宇宙ステーションを襲撃する非人間キャラクターの大群を登場させることができるようになった。新バージョンの『バトルスター・ギャラクティカ』に登場するロボットのサイロンは通常アニメーションキャラクターであり、『スターゲイト SG-1』のアスガードは、歩き回るシーンや複数体が同時に画面に映るシーンではアニメーションで表現されている。
一般的に、SFシリーズは他のテレビ番組と同様の財政的制約を受けます。しかし、制作費が高いと財政的リスクが高まり、視聴者数が限られていると制作継続のビジネスケースがさらに複雑になります。スタートレックの1話あたりの予算は17万5000ドルから19万ドルでしたが[ 2 ]、スタートレック：ネクストジェネレーションの1話あたりの予算は130万ドルで、当時としては最高額の1つでした[ 3 ] 。
メディアファンダムの最も初期の形態の1つがスタートレックのファンダムでした。このシリーズのファンは、SFファンダムを通じて互いに知り合いました。1968年、NBCはスタートレックの打ち切りを決定しました。ビョー・トリンブルは、全米ファンタジーファン財団の連絡先に手紙を書き、地元の友人たちを組織してネットワークに手紙を書き、番組の放送継続を要求するよう呼びかけました。ネットワーク幹部は前例のない数の手紙に圧倒され、番組の放送を継続しました。シリーズは低視聴率に苦しみ、1年後に打ち切りとなりましたが、シリーズの根強い人気により、パラマウントは一連の映画を制作し、その後、新しいシリーズ「スタートレック: 新スタートレック」を制作しました。このシリーズは1990年代初頭までにアメリカのテレビで最も人気のあるドラマの1つとなりました。
スタートレックのファンは増え続け、1970年代には初めてコンベンションを開催し始めた。1990年代になるまで、これほど大規模な組織的なファン層を獲得した番組は他になかった。1990年代になると、『バビロン5』がスタートレックのファンだけでなく、それまでメディアのファン活動に関わっていなかった多くのSFファンをも惹きつけた。他のシリーズも徐々にファンを増やしていった。イギリスのシリーズ『ドクター・フー』も同様に熱心なファンを獲得している。
1990年代後半、eBayで有名人のサイン市場が出現し、俳優にとって新たな収入源が生まれました。それまで無料でサインをしていた俳優たちは、お金をもらってサインをするようになったのです。この市場は、あまり知られていない俳優が、出演料を一切請求せず、自分のサイン（主に宣伝写真に）を販売するためだけにコンベンションに参加するほど大きな規模になりました。現在、俳優が出演するイベントのほとんどは商業プロモーターによって企画されていますが、トロント・トレックやショア・リーブなど、ファンが運営するコンベンションも数多く存在します。
1985年のシリーズ『ロボテック』は、西洋におけるアニメへの関心のきっかけとなった作品として最もよく知られています。このシリーズは『プロトカルチャー・アディクツ』や『アニマグ』といったファンジンを生み出し、それらがアニメ全般への関心を高めることにつながりました。SFやコミックのコンベンションでアニメが初めて注目を集めたのは、人気アニメのビデオ上映という形でしたが、翻訳されておらず、画質も低いVHSの海賊版が上映されることが多かったのです。1990年代に入ると、アニメファンがコンベンションを組織し始めました。これらのコンベンションは、同じ地域で開催される他のSFやメディアのコンベンションよりもはるかに大規模になり、現在では多くの都市で5,000人から10,000人の参加者を集めるアニメコンベンションが開催されています。多くのアニメコンベンションは、非営利と商業イベントのハイブリッドであり、ボランティアの主催者が多額の収益を管理し、商業サプライヤーやプロのマーケティングキャンペーンに対応しています。
数十年にわたり、SFメディアのファン層の大部分はあらゆる年齢の男性で構成されており、現代においては人種的にかなり多様な層が存在します。SFファンの最もよく知られた層は10代の男性で、アメリカンコミックのファン層とほぼ同じです。女性ファンは常に存在していましたが、その数ははるかに少なく、ファン層の中で目立った存在ではありませんでした。ファンジンの人気が高まるにつれ、女性ファンはますます声を上げるようになりました。2000年代に入ると、ジャンルシリーズでより目立つ女性キャラクターが登場するようになりました。多くのシリーズでは、女性が主人公で男性が脇役となっています。トゥルーブラッドはその一例です。また、こうした番組の前提は、英雄的なアクションアドベンチャーから離れ、キャラクターとその関係性に重点を置くようになりました。これがファンフィクションの人気上昇につながり、その大部分はスラッシュファンフィクションに分類されます。ファンフィクション作家の大多数は女性ファンです。
アメリカのテレビSFは、 『宇宙家族ロビンソン』、『スタートレック』、『トワイライト・ゾーン』、『X-ファイル』などを生み出してきた。
イギリスのテレビSFは、放送メディアが黎明期にあった1938年、カレル・チャペックの戯曲『RUR』の一部を脚色した作品の放送から始まった。時折波乱に満ちた歴史を辿ってきたものの、このジャンルの番組はBBCと最大手の民放局であるITVの両方によって制作されてきた。
ナイジェル・ニールの『クォーターマス実験』（1953年）とその続編は「BBCテレビの初期の視聴者成功作の一つ」と呼ばれ、ニールは「1950年代に登場した最も影響力のあるテレビおよび映画脚本家の一人」となった。[ 4 ] 1963年に放送開始され、1989年まで続き、2005年に復活した『ドクター・フー』は、2006年にギネス世界記録に世界で最も長く続いているSFテレビ番組[ 5 ]、そして史上「最も成功した」SFシリーズとして登録された。[ 6 ] SFジャンルの他のカルト的な英国シリーズには、『トゥモロー・ピープル』、『スペース1999』、『ブレイクス7』、『スター・コップス』、『レッド・ドワーフ』などがある。
カナダにおけるSF作品は、早くも1950年代にはCBCによって制作されていた。1970年代には、 CTVが『スターロスト』を制作した。1980年代には、ネルバナをはじめとするカナダのアニメーションスタジオが、世界のアニメーション市場においてますます大きな割合を占めるようになった。
1990年代、カナダはテレビにおける実写SF作品の重要なプレーヤーとなり、『フォーエバー・ナイト』、『ロボコップ』、そして特に『X-ファイル』や『スターゲイト SG-1』など、数多くのシリーズが制作された。また、 『ディープウォーター・ブラック』や『ミスクエスト』など、青少年や子供向け市場向けに制作されたシリーズも多数存在する。
21世紀最初の10年間、州の税制改正により、多くの制作会社がトロントからバンクーバーへ移転した。バンクーバーで制作された最近の人気シリーズには、 『デッド・ゾーン』、『ヤング・スーパーマン』 、『アンドロメダ』、『スターゲイト アトランティス』、『スターゲイト ユニバース』、『ザ・4400』、『サンクチュアリ』 、そしてリメイク版『バトルスター・ギャラクティカ』などがある。
カナダの国内テレビ市場は規模が小さいため、カナダの番組制作のほとんどは、米国やヨーロッパに拠点を置く制作会社との提携によって行われている。しかし近年、新たな提携形態により、カナダの投資家はカナダ国内外で制作されるプロジェクトにおいて、より大きな支配権を握るようになっている。
オーストラリア初の国内制作SFシリーズは、オーストラリア放送協会が制作・放映した『ザ・ストレンジャー』 （1964～65年）でした。1960年代に制作された後続シリーズには、 『ジ・インタープリタリス』 （1966年） 、 『ベガ4』（1967年）、『フェニックス・ファイブ』（1970年）などがあります。オーストラリアで最も有名なSFシリーズは、アメリカとの共同制作で1999年から2003年まで放送された『ファースケープ』です。オーストラリア制作のSF番組のかなりの部分は、10代/若者向けで、 『ザ・ガール・フロム・トゥモロー』、長寿番組の『ミスター・スクイグル』、 『ハーフウェイ・アクロス・ザ・ギャラクシー』、『ターン・レフト』、 『オーシャン・ガール』 、 『クラッシュ・ゾーン』、『ウォッチ・ディス・スペース』 、 『スペルバインダー』などがあります。
『タイム・トラックス』、『ロアー』、『スペース：アバブ・アンド・ビヨンド』などの他のシリーズはオーストラリアで撮影されたが、主にアメリカ人のスタッフと俳優が使われた。[ 7 ]
日本はテレビ向けSFシリーズを制作してきた長い歴史を持つ。中でも有名なものとしては、手塚治虫の『鉄腕アトム』のようなアニメ、横山光輝の『鉄人28号（ギガントール）』や永井豪の『マジンガーZ』のようなスーパーロボット、そして富野由悠季の『ガンダム』シリーズや河森正治の『マクロス』シリーズのようなリアルロボットなどが挙げられる。
日本のSFテレビ番組のその他の主要な要素としては、特撮（文字通り「特殊効果」を意味する用語）シリーズがあり、『月光仮面』や『惑星プリンス』などの番組がその先駆けとなった。スーツアタック技術は、円谷英二の『ウルトラ』シリーズ、石ノ森章太郎の『仮面ライダー』シリーズ、そして『スーパー戦隊』シリーズといった長期にわたるフランチャイズで使用されている。
さらに、いくつかのドラマはSF要素を枠組みとして利用しているが、全身スーツを着た俳優やその他の特殊効果を使用していないため、「特撮」とは呼ばれていない。
注目すべきドイツ語作品には以下のようなものがある。
デンマークのテレビ局は1984年に、自分の部屋が宇宙船だと気づいた少年を描いた子供向けテレビシリーズ「クラッシュ」を放送した。
初期のオランダのテレビシリーズには、1957年から1959年に放送されたオランダの宇宙探検隊とその冒険を描いた『Morgen gebeurt het 』（明日起こるだろう）、1963年から1964年に放送された地球の中心へと続く洞窟の地図を発見した科学者を描いた『De duivelsgrot』 （悪魔の洞窟）、そして人類を再現しようとするロボットによって未来に連れて行かれた2人の幼い子供を描いた『Treinreis naar de Toekomst』（未来への列車の旅）がある。これらのテレビシリーズはいずれも主に子供向けだった。
その後制作されたテレビシリーズには、植物に言葉を話させようとする奇妙な教授を描いた『Professor Vreemdeling』 （1977年）や、オランダ全土が住宅で埋め尽くされ、高速道路が渋滞で麻痺した終末世界を描いたナショナリズム的なシリーズ『 Zeeuws Meisje』（1997年）などがある。主人公は女性スーパーヒーローで、伝統的な民族衣装を身にまとい、工場経営者からオランダ社会の伝統的な要素を守ろうとする。
イタリアのテレビ番組には、 1962年のBBC連続ドラマ「A for Andromeda」（ホイルとエリオットの小説に基づく）のリメイクである「 A come Andromeda」 （1972年）、 「Geminus」（1968年）、 「 Il segno del comando」（1971年）、「Gamma」（1974年）、「La traccia verde」（1975年）などがある。
フランスのテレビシリーズとしては、ハイランダー：ザ・シリーズ、フランスのSF/ファンタジーテレビシリーズ（どちらもカナダとの共同制作）のほか、 1971年のタン（新しい超兵器で世界を支配しようとする秘密組織を描いた作品）、「レ・アトミスト」、1970年のミニシリーズ「ラ・ブリガード・デ・マレフィス」など、数多くの小規模なフィクション/ファンタジーテレビシリーズがある。
Another French-produced science fiction series was the new age animated series Il était une fois... l'espace (English: Once upon a time...space). Anime-influenced animation includes a series of French-Japanese cartoons/anime, including such titles as Ulysses 31 (1981), The Mysterious Cities of Gold (1982), and Ōban Star-Racers (2006).
The first Spanish SF series was Diego Valor, a 22 episode TV adaption of a radio show hero of the same name based on Dan Dare, aired weekly between 1958 and 1959. Nothing has survived of this series, not a single still; it is not known if the show was even recorded or just a live broadcast.[8][9][10]
The 60s were dominated by Chicho Ibáñez Serrador and Narciso Ibáñez Menta, who adapted SF works from Golden Age authors and others to a series titled Mañana puede ser verdad. Only 11 episodes were filmed. The 70s saw three important television films, Los pajaritos (1974), La Gioconda está triste (1977), and La cabina (1972), this last one, about a man who becomes trapped in a telephone booth, while passersby seem unable to help him, won the 1973 International Emmy Award for Fiction.[11]
The series Plutón B.R.B. Nero (2008) was a brutal SF comedy by Álex de la Iglesia, in the line of The Hitchhiker's Guide to the Galaxy, Red Dwarf, or Doctor Who, with 26 episodes of 35 minutes.[12][13][14] Other series of the 2010s were Los protegidos (2010–2012), El barco (2011–2013), and El internado (2007–2010), all three inspired by North American productions, with minor SF elements.[15][16]
最新の成功作は、2015年2月24日にTVEのメインチャンネルLa 1で初放送されたEl ministerio del tiempo（時間の省）です。このシリーズは、タイムトラベルによって引き起こされる事件に対処する架空の時間の省の巡回隊の活躍を描いています。[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] 2015年にはOndas賞などいくつかの国内賞を受賞し、 los ministéricosと呼ばれる熱心なオンラインファンを獲得しています。[ 20 ] [ 21 ]
セルビアは、ゾラン・ジヴコヴィッチの物語を原作としたSFテレビシリーズ『コレクター』 （Sakupljač ）を制作した。この作品は世界幻想文学大賞を受賞した。
『Návštěvníci』（訪問者）は、1981年から1983年にかけてチェコスロバキア（および西ドイツ、スイス、フランス）で制作されたテレビシリーズである。この家族向け番組は、ヨーロッパの多くの国で放送された。
テレビで放送されている注目すべきSFシリーズや番組の一覧については、「SFテレビ番組一覧」を参照してください。
テレビのSFに影響を与えた人物には、以下のような人々がいる。
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