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『レッド・ツェッペリン』 （Led Zeppelin、または『レッド・ツェッペリン I 』とも呼ばれる）は、イギリスのロックバンド、レッド・ツェッペリンのデビュー・スタジオ・アルバムである。1969年1月にアメリカで、同年3月31日にイギリスでアトランティック・レコードよりリリースされた。
このアルバムは、バンド結成直後の1968年9月と10月にロンドンのオリンピック・スタジオで録音された。収録曲は、最初のリハーサルで練り上げられたオリジナル曲と、当時のブルースやフォークソングのリメイクやアレンジが混在している。レコーディングは、バンドがレコード契約を結ぶ前に行われ、合計36時間に及んだ。費用は、バンドの創設者でありリーダー兼ギタリストのジミー・ペイジとレッド・ツェッペリンのマネージャーであるピーター・グラントが直接支払い、完成までに1,782ポンド（2025年換算で25,900ポンド）かかった。プロデューサーはペイジで、ミュージシャンとして参加したほか、バンドメンバーのロバート・プラント（リードボーカル、ハーモニカ）、ジョン・ポール・ジョーンズ（ベース、キーボード）、ジョン・ボーナム（ドラム）も参加している。パーカッショニストのヴィラム・ジャサニが1曲にゲスト参加している。収録曲のミキシングはペイジの幼馴染であるグリン・ジョンズが担当し、ヒンデンブルク号の事故を描いた象徴的なアルバムジャケットはジョージ・ハーディーがデザインした。
レッド・ツェッペリンはブルースとロックの融合を披露し、新興ハードロック・サウンドに対する彼らの解釈は、イギリスとアメリカの両国で即座に商業的に成功を収め、両国を含む多くの国でアルバム・チャートのトップ10入りを果たした。多くの曲は長尺で、ラジオ放送用のシングルとしてリリースするには適していなかった。ペイジはシングルをリリースすることに消極的だったため、イギリス国外では「Good Times Bad Times」と「Communication Breakdown 」のみがリリースされた。しかし、アルバム中心のロック・ラジオ局での露出とバンドの人気上昇により、アルバムの多くの曲はクラシック・ロック・ラジオの定番曲となった。
1968年7月、イギリスのロックバンド、ヤードバーズは、創設メンバーのキース・レルフとジム・マッカーティがグループを脱退してルネッサンスを結成し、 3人目のメンバーであるクリス・ドレヤもその後まもなく写真家になるために脱退したことで解散した。[ 2 ] 4人目のメンバーであるギタリストのジミー・ペイジは、バンド名の使用権とスカンジナビアでの一連のコンサートの契約上の義務を負うことになった。ペイジはベテランのセッションミュージシャン兼アレンジャーのジョン・ポール・ジョーンズにベーシストとして加入するよう依頼し、テリー・リードをボーカルに、プロコル・ハルムのBJ・ウィルソンをドラマーとして迎え入れたいと望んだ。ウィルソンはまだプロコル・ハルムに所属しており、リードは加入を断ったが、ロバート・プラントを推薦した。プラントは8月にバークシャー州パングボーンにあるペイジのボートハウスでペイジと会い、音楽について話し合い、新曲に取り組んだ。[ 2 ] [ 3 ]
ペイジとプラントは音楽的に相性が良いことに気づき、プラントは友人でありバンド・オブ・ジョイのバンドメイトでもあるジョン・ボーナムに新グループのドラムを叩いてくれるよう頼んだ。ペイジ、プラント、ジョーンズ、ボーナムのラインナップは、1968年8月19日（プラントの20歳の誕生日の前日）に初めてリハーサルを行い、「ニュー・ヤードバーズ」としてスカンジナビアツアーに出発し、ヤードバーズの古い曲のほか、「Communication Breakdown」、「I Can't Quit You Baby」、「You Shook Me」、「Babe I'm Gonna Leave You」、「How Many More Times」などの新曲を演奏した。[ 4 ]ツアー後ロンドンに戻ったペイジはバンド名をレッド・ツェッペリンに変更し、グループは1968年9月25日午後11時にオリンピック・スタジオに入り、デビュー・アルバムを録音した。 [ 2 ] [ 3 ]
ペイジは、アルバムの制作にはスタジオで約36時間（数週間にわたって）しかかからなかった（ミキシングを含む）と述べ、スタジオの請求書に記載された金額からそれが分かったと付け加えた。[ 5 ]レコーディング時間が短かった主な理由の1つは、アルバム用に選ばれた楽曲がスカンジナビアツアー中にバンドによって十分にリハーサルされ、事前にアレンジされていたことだった。[ 6 ] [ 7 ]
バンドはまだ契約を結んでおらず、レコード会社の資金をスタジオの過剰な時間に浪費することもできなかった。ペイジとレッド・ツェッペリンのマネージャーであるピーター・グラントがセッションの費用を自費で支払った。[ 6 ]報告されているスタジオの総費用は1,782ポンドだった。[ 8 ]自費で制作できたことは、レコード会社の干渉を受けずに自分たちが本当にやりたいことを録音できたという意味で重要だった。[ 9 ]
レコーディングでは、ペイジはサイケデリックにペイントされたフェンダー・テレキャスターを演奏した。これは、1965年にペイジがヤードバーズにエリック・クラプトンに代わってリードギターとして加入するようジェフ・ベックを推薦した後に、友人のベックから贈られたものだった。 [ 10 ] [ 11 ] [ a ]ペイジはテレキャスターをSuproアンプを通して演奏し、アルバムのアコースティックトラックにはギブソンJ-200を使用した。「 Your Time Is Gonna Come」では、フェンダーの10弦ペダルスチールギターを使用した。[ 11 ] [ 12 ]
レッド・ツェッペリンのエンジニアリングはグリン・ジョンズが担当し、プロデュースはペイジとジョンズが担当した（ジョンズはアルバムジャケットにクレジットされていない）。[ 13 ] [ 14 ]二人はエプソム郊外で十代の頃から知り合いだった。ペイジによると、アルバムのほとんどはライブ録音で、後からオーバーダブが加えられたという。[ 15 ]
ペイジは「距離が深みを生む」というアプローチで制作を行った。彼は自然な部屋のアンビエンスを利用して、レコードのリバーブと録音の質感を高め、セッション時代に学んだサウンドレコーディングの革新性を実証した。当時、ほとんどの音楽プロデューサーはアンプとドラムの真前にマイクを置いていた。[ 9 ]レッド・ツェッペリンのために、ペイジはアンプから少し離れた場所（最大20フィート（6メートル））にもう1本のマイクを設置し、2つのバランスを録音するというアイデアを開発した。ペイジはバンドの「アンビエントサウンド」、つまり部屋の一方の端からもう一方の端までの音のタイムラグの距離を録音した最初のプロデューサーの1人となった。[ 16 ] [ 17 ]
一部のトラックでは、プラントのボーカルが他のトラックに漏れ出している。ペイジは後に、これはプラントの力強い声の自然な結果だと述べたが、漏れは「意図的なサウンド」だと付け加えた。[ 16 ]「You Shook Me」では、ペイジは「リバースエコー」テクニックを使用した。これは、メインサウンドの後ではなく前にエコーを聞くもので、テープを裏返して予備のトラックにエコーを録音し、テープを再び裏返して信号の前にエコーを録音することで実現される。[ 16 ]
これはステレオのみでリリースされた最初のアルバムの1つでした。これ以前は、アルバムはモノラル版とステレオ版が別々にリリースされていました。[ 6 ]
レッド・ツェッペリンの楽曲は、最初のグループリハーサルから生まれ、その後スカンジナビアツアーで磨き上げられた。レコーディングを開始するためにオリンピック・スタジオに入った時点で、グループは楽曲に精通していたため、アルバムはすぐに完成した。プラントは作曲に参加したが、CBSレコードとの契約上の義務が残っていたためクレジットされなかった。[ 18 ]彼は「Good Times Bad Times」[ 19 ] 、 「Your Time Is Gonna Come」[ 20 ]、「Communication Breakdown」[ 21 ] 、 「Babe I'm Gonna Leave You」[ 22 ]、および「How Many More Times」[ 23 ]で遡及的にクレジットされた。
「Good Times Bad Times」は、イギリスではバンドのデビューシングルとみなされ、アメリカでもそのようにリリースされた、商業的なサウンドのトラックだった。バンド全体と彼らの新しいヘヴィなスタイルを披露するだけでなく、キャッチーなコーラスとさまざまなギターのオーバーダブが特徴だった。[ 24 ]強力なトラックであるにもかかわらず、レッド・ツェッペリンがライブで演奏することはほとんどなかった。演奏された数少ない機会の1つは、2007年のアーメット・アーティガン追悼コンサートだった。 [ 25 ]
「Babe I'm Gonna Leave You 」は、1950年代にアン・ブレドンが作曲した曲のアレンジである。ペイジは、ジョーン・バエズが1962年のアルバム『Joan Baez in Concert』でこの曲を録音しているのを聴いていた。1968年8月にパングボーンで初めて出会ったとき、ペイジがプラントと取り組んだ最初の曲の1つだった。ペイジはこの曲でギブソンJ-200アコースティックギターとテレキャスターの両方を演奏した。プラントは当初、アルバムの他の演奏と同様に、より重厚なスタイルでこの曲を歌っていたが、曲に明暗のコントラストを持たせるために、ペイジに説得されて再録音した。[ 26 ] [ 25 ]
「You Shook Me 」はウィリー・ディクソン作詞のブルース曲で、アルバム録音当時盛んだったイギリスのブルースブームに合致していた。ジョーンズ、プラント、ペイジはそれぞれハモンドオルガン、ハーモニカ、ギターでソロを演奏した。ペイジは曲の終盤、ボーカルとギターの掛け合いに逆再生エコーをかけたが、これは当時としては斬新な制作手法だった。この曲はジェフ・ベックがアルバム『Truth』 （1968年）で録音しており、ベックは後にレッド・ツェッペリンが自分のアレンジをコピーしたことに不満を表明した。[ 12 ]
「Dazed and Confused 」は、1967年にジェイク・ホームズによって作詞・作曲・録音された。オリジナル・アルバムではペイジが唯一の作曲者としてクレジットされていたが、ホームズは2010年に著作権侵害で訴訟を起こし、翌年に示談が成立した。ヤードバーズは1968年にこの曲をコンサートで定期的に演奏し、ラジオやテレビのセッションにも何度か出演した。彼らのアレンジには、ペイジがバイオリンの弓でギターを演奏するセクションが含まれており、これはセッション中にペイジが出会ったデヴィッド・マッカラム・シニアのアイデアだった。ペイジは、ヤードバーズの最後のレコーディングの1つである「Think About It」でもギターソロを使用した。レッド・ツェッペリンの「Dazed and Confused」のアレンジでは、歌詞が一部異なっており、ジョーンズとボンハムは自分たちの演奏スタイルに合わせてアレンジを改良した。[ 12 ] [ 27 ]
この曲はレッド・ツェッペリンの初期のキャリアを通してライブショーの重要な一部であり、グループ即興演奏の場となり、最終的には30 分を超える長さにまで及んだ。即興演奏には、グループの「The Crunge」や「Walter's Walk」（それぞれ後に『Houses of the Holy』と『Coda』に収録）、ジョニ・ミッチェルの「Woodstock」、スコット・マッケンジーの「San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)」など、他の曲の一部が含まれることもあった。1975年にペイジが指を負傷したため、一時的にライブセットから外されたが、ツアーの残りの期間で復活した。レッド・ツェッペリンの主要なキャリアにおける最後のフルライブパフォーマンスは、同年後半にロンドンのアールズ・コートで行われたもので、その後、この曲のギターソロのヴァイオリン弓の部分が独立した曲として演奏された。 2007年のアフメット・エルテガン追悼コンサートで、完全な楽曲として復活した。[ 12 ] [ 27 ]
「Your Time Is Gonna Come」は、ジョーンズが伴奏なしのオルガンソロを演奏し、ヴァースへと続くところから始まる。ペイジはアコースティックギターとペダルスチールギターを演奏する。この曲は、バート・ヤンシュが伝統的なフォークソング「Black Water Side 」をアレンジしたものを基にしたアコースティックインストゥルメンタル曲「Black Mountain Side」へとクロスフェードする。この曲は、ヤンシュとジョン・レンボーンのフォーク演奏の影響を受けている。この曲は、ヤードバーズのソロギターナンバー「 White Summer 」とのメドレーとしてライブでよく演奏された。[ 12 ]
「Communication Breakdown」はペイジのギターリフを中心に作られ、グループが最初に取り組んだ曲の1つです。彼らはライブで演奏するのが好きで、その結果、セットリストの定番曲となりました。グループの活動期間を通して断続的に演奏され、アンコールとして演奏されることもよくありました。[ 28 ] [ 29 ]
「I Can't Quit You Baby」は、ウィリー・ディクソンが作詞作曲したブルースナンバーです。スタジオでライブ録音され、アルバムに収録されている他の曲と比べて、よりスローでゆったりとしたスタイルにアレンジされています。[ 18 ]
「How Many More Times」は、グループが初期のキャリアで最後に演奏したライブナンバーだった。この曲は、ハウリン・ウルフの古い曲「How Many More Years」とペイジのギターリフを基に即興で作られ、自然発生的にジャムセッションへと発展した。この曲には、ジェフ・ベックの「Beck's Bolero」（ペイジが作詞作曲し、フィーチャリングもしている）に似たボレロのセクションがあり、レコーディング中に即興で作られた「Rosie」と「 The Hunter」へと繋がる。ペイジは、曲の中間部分で「Dazed and Confused」のようにバイオリンの弓でギターを演奏している。[ 18 ] [ 30 ]
オリンピックセッションから生まれた他の2曲、「Baby Come On Home」と「Sugar Mama」はアルバムには収録されなかった。これらは2015年に再発された回顧アルバム『Coda』に収録された。[ 31 ]
レッド・ツェッペリンの表紙は、ペイジが選んだもので、 1937年5月6日にサム・シェールが撮影したドイツの飛行船ヒンデンブルクの白黒写真に基づいている。この飛行船はニュージャージー州レイクハーストに着陸中に炎上した。[ 32 ]この写真はバンド名の由来にも関係している。ペイジ、ベック、ザ・フーのキース・ムーン、ジョン・エントウィッスルがグループ結成について話し合っていたとき、ムーンが「鉛の風船みたいに失敗するだろうね」と冗談を言うと、エントウィッスルは「鉛の飛行船だ！」と答えたと言われている。[ 17 ]
裏表紙には、ドレヤが撮影したバンドの写真が掲載されている。アルバムのスリーブ全体のデザインはジョージ・ハーディが担当し、バンドはその後も彼とスリーブ制作で協力し続けた。[ 6 ]ハーディ自身も表紙のイラストを制作し、有名なオリジナルの白黒写真をラピッドグラフ製図ペンとメゾチント技法を用いてインクで切り抜き、レンダリングした。[ 32 ]
ハーディは、サンフランシスコの古いクラブの看板を基にしたデザインをバンドに提案したことを回想している。それは雲の上に浮かぶツェッペリン飛行船の連続したイメージだった。ペイジは断ったが、それはレッド・ツェッペリンの最初の2枚のアルバムの裏ジャケットと初期のプレス広告のロゴとして残された。[ 32 ]イギリスでの最初のプレスでは、バンド名とアトランティックのロゴがターコイズ色で印刷されていた。その年の後半にオレンジ色の印刷に変更されたとき、ターコイズ色の印刷のスリーブはコレクターズアイテムとなり、数千ポンドで売られたことが知られている。[ 33 ] [ 6 ]
アルバムのジャケットは、1970年2月にコペンハーゲンで行われたライブで、貴族のエヴァ・フォン・ツェッペリン（ツェッペリン飛行船の発明者の親戚）からの法的脅迫により、バンドが「ザ・ノブス」として宣伝されたことで、さらに広く注目を集めた。フォン・ツェッペリンは、ヒンデンブルク号が炎上して墜落するロゴを見て、コンサートの開催に対して法的措置を取ると脅迫した。[ 34 ] [ 35 ] 2001年、グレッグ・コットはローリング・ストーン誌で、「レッド・ツェッペリンのジャケットは、ヒンデンブルク 飛行船が男根の栄光をまとって炎上して墜落する様子を描いている。このイメージは、セックス、大惨事、爆発といった音楽の本質をかなりうまく表現している」と書いた。[ 36 ]
このアルバムは「レッド・ツェッペリン―飛ぶ唯一の方法」というスローガンで一部の音楽雑誌に宣伝された。 [ 6 ]当初は酷評された。ローリング・ストーン誌は辛辣な評価で、バンドは「3か月前に双子のジェフ・ベック・グループが同等かそれ以上にうまく言ったこと以上のものはほとんど提供していない…クリームの解散によって生じた空白を埋めるには、プロデューサー、エディター、そして彼らの才能に見合う素材を見つけなければならないだろう」と断言し、ペイジを「限られたプロデューサー」と呼び、彼の作曲能力を批判した。また、プラントを「ロッド・スチュワートと同じくらい気取っているが、それほど刺激的ではない」と評した。[ 37 ] [ 38 ]悪評のため、レッド・ツェッペリンはキャリアを通して彼らとの会話を避けた。最終的には、口コミでライブバンドとしての評判が回復した。[ 39 ]
ロックジャーナリストのキャメロン・クロウは数年後、「当時は『スーパーグループ』の時代で、大々的に宣伝されたバンドが実力不足だった。レッド・ツェッペリンは当初、自分たちの正統性を証明するために逆境に立ち向かわなければならなかった」と述べている。[ 40 ]
しかし、このアルバムに対する報道機関の反応は必ずしも否定的ではなかった。イギリスでは、このアルバムはメロディ・メーカー誌で絶賛された。クリス・ウェルチは「ジミー・ペイジの勝利―レッド・ツェッペリンは最高だ！」と題したレビューの中で、「彼らの楽曲は、明白なブルースのリフに頼っているわけではないが、演奏する時も、いわゆるイギリスのブルースバンドのほとんどに見られるような、痩せこけた弱々しさを避けている」と書いている。[ 41 ]オズ誌では、フェリックス・デニスがこのアルバムを「ロック音楽の転換点であることは明白なので、すぐに分類や説明ができない稀有なアルバムの一つであり、最終的にその評価が変わるのは時間だけがもたらす」と評した。[ 42 ]ロバート・クリストガウはヴィレッジ・ヴォイス紙で、デビュー作を後続の『レッド・ツェッペリン II』と比較して、「音楽的にはより繊細で野心的」だが、「繊細さが効果を損なったため、それほど良くはない。言い換えれば、音楽性はそのような音楽にとって実際には付随的なものだったが、音楽には真の力強さと妥当性があった。ショーマンシップと圧倒的な物理的力の組み合わせである」と書いている。[ 43 ]
このアルバムは商業的に大成功を収めた。バンド初の北米コンサートツアーに合わせて、1969年1月に米国で発売された。それ以前に、アトランティック・レコードは数百枚の先行ホワイトレーベル盤を主要なラジオ局や評論家に配布していた。その内容に対する好意的な反応と、バンドのオープニングコンサートに対する好反応が相まって、アルバムは5万枚の先行注文を獲得した。[ 44 ]このアルバムはビルボードチャートで10位にランクインした。[ 45 ]このアルバムは1969年7月に米国でゴールド認定を受けた。[ 46 ]
アルバムの成功と影響力は、当初は懐疑的だった出版物でさえも広く認められている。2006年、ミカル・ギルモアはローリング・ストーン誌で、音楽の独創性とツェッペリンのヘヴィなスタイルについてコメントし、クリーム、ジミ・ヘンドリックス、MC5、ストゥージズと比較し、彼らが大衆にアピールしたことを指摘した。[ 17 ]スティーブン・トーマス・アールワインは、レッド・ツェッペリンを「ハードロックとヘヴィメタルの進化における重要な転換点」と評した。[ 54 ]芸術文化研究者のマイケル・ファロンによれば、それはメタルにおける「ラウドで生々しい新しい音楽ジャンルの出現を告げた」。[ 1 ] BBCのグレッグ・モフィットは、このバンドは「60年代の産物だが、彼らのしばしば大げさなスタイルは新しい10年と…新しいタイプのロックバンドを告げた」と述べた。[ 55 ] Consequence of Soundのシェルドン・ピアースは、このアルバムをツェッペリンの「ロックの漸進的変容への頌歌」であり、彼らの将来の業績の「最初のハードロック・ドミノ」と評した。「そのオーケストレーションは、ブルース調のアンダートーンを伴い、ハードロックとヘヴィメタルを冒険的に掘り下げており、まるで悪意に打たれたかのように、コードが痛切に泣き叫ぶことがしばしばある」。[ 56 ]
ポピュラー音楽研究家のロナルド・ザルキンドは、このアルバムを「見事ながらやや強引なブルースロック攻撃」と評した。[ 57 ]マーティン・ポポフは、このアルバムは最初のヘヴィメタルレコードではないかもしれないが、おそらく最初のメタルソングである「Communication Breakdown」を収録しており、「数字の間にマシンガンのようなリフが繰り出される」と主張した。 [ 58 ] 2003年、VH1はレッド・ツェッペリンを史上最高のアルバム44位に選出した。同年、このアルバムはローリング・ストーン誌の「史上最高のアルバム500枚」で29位にランクインし（同リストで最も上位にランクインしたアルバム）、付随する解説文には「ヘヴィメタルは今もその影に隠れている」とあり[ 59 ]、 2012年の改訂リストでもその評価を維持し[ 60 ]、2020年の改訂リストでは101位にランクインした。[ 61 ] 2004年に、このアルバムはグラミー殿堂入りを果たした。[ 62 ]エアロスミスのジョー・ペリーは、ジミー・ペイジについて「彼は素晴らしいプロデューサーで、素晴らしい曲をたくさん書いた。最初のツェッペリンのアルバムをレコーディングしていたとき、彼は自分が何を求めているのか分かっていた。彼のビジョンはジェフ・ベックやエリック・クラプトンよりもはるかにグローバルだった。ギターを弾くことはパズルのほんの一部に過ぎなかった…私は常にレッド・ツェッペリンの最初の4枚のアルバムを持ち歩いている必要がある」と述べている。[ 63 ]
レッド・ツェッペリンのレコーディングとリリースは、バーナード・マクマホン監督、アリソン・マクガーティ製作の2025年の音楽ドキュメンタリー『ビカミング・レッド・ツェッペリン』で大々的に取り上げられ、レッド・ツェッペリンの結成と最初の1年間を記録した。[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ]
* は順不同リストを表します
グループの次の 2 枚のアルバム、Led Zeppelin IIとLed Zeppelin IIIと共に 、このアルバムは2014 年 6 月にリマスターされ再発売された。再発売版は、標準 CD 版、デラックス2 CD 版、標準 LP 版、デラックス 3 LP 版、ハードカバーブック付きスーパー デラックス 2 CD + 3 LP 版、高解像度 24 ビット/96 kHz デジタル ダウンロードの 6 つのフォーマットで発売されている。[ 80 ]デラックス版とスーパー デラックス版には、1969 年 10 月にパリのオランピアで録音されたコンサートのボーナス マテリアルが収録されており、以前はブートレグの形でしか入手できなかった。[ 81 ]再発売版は、ボーナス ディスクのカバーとして、オリジナル アルバムのアートワークを反転させた白黒バージョンでリリースされた。[ 80 ]
再発盤は批評家から広く絶賛された。主流メディアのレビューを100点満点で正規化した評価を与えるMetacriticでは、 10件のレビューに基づき、平均97点を獲得した。 [ 75 ] Q誌は、このアルバムの以前のリマスター盤よりも改善されていると評価し、リマスターにおけるペイジの貢献により、より詳細な部分が明らかになったと評価した。[ 78 ]アールワインはAllMusicのレビューでボーナスディスクを「特に刺激的」と評し、「タイトではないが、それが魅力であり、バンドがいかに活気に満ちた生きた獣であり、ステージ上ではスタジオとは異なる演奏をしていたかを示している」と書いている。[ 82 ] Paste誌のライアン・リードによれば、「長年、ツェッペリンファンは90年代のリマスター盤の不明瞭な音質を我慢してきた」が、今回の再発盤は「ついにファズで消えるのではなく、パンチと輝きを放つようになった」という。しかし彼はボーナスディスクを批判し、「それは依然として不必要であり、『完全主義者のみ』の定義そのものだ。…[それは]ツェッペリンが最も肥大化し、リズムの合図を雑にこなし、曲を限界まで引き延ばしている状態を示している」と述べた。[ 81 ]
ライナーノーツ[ 83 ] 、およびゲスドンとマルゴタン[ 85 ]から引用。
レッド・ツェッペリン
追加ミュージシャン
生産