日本の衣服

日本で着用される衣服には、一般的に2つの種類があります。日本の民族衣装である着物を含む和服と呼ばれる伝統的な衣服と、民族衣装や他の国の衣装として認識されていないものすべてを網羅する洋服 です。

日本の伝統的なファッションは、平安時代に発達した色彩、唐代の衣服や文化的伝統から取り入れたシルエット、日本文化、自然、伝統文学から取り入れたモチーフ、一部の衣服に使用されている絹の種類、そして主に江戸時代末期までに完全に発達した着こなしのスタイルなど、長い伝統文化の歴史を表しています。日本の伝統的なファッションの中で最もよく知られているのは着物で、着物という言葉は文字通り「着るもの」または「肩に着るもの」と翻訳されます。^[1]その他のタイプの伝統的なファッションには、アイヌの人々の衣服（アットゥシとして知られる）^[2]や琉球の人々の衣服（琉装）^{[3] [4]}があり、最も有名なのは琉球諸島で生産されている紅型や芭蕉布^[2]などの伝統的な織物です。

現代の日本のファッションは主に洋服ですが、三宅一生、山本耀司、川久保玲など多くの有名な日本のファッションデザイナーが伝統的なファッションからインスピレーションを得たり、時には影響を受けた服をデザインしたりしています。彼らの作品は世界のファッション業界に複合的な影響を与えており、多くの作品が世界中のファッションショーで展示されています。^{[5]また、多くのデザイナーが}日本のストリートファッションを参考にしたり、それに貢献したりするなど、日本のファッション業界自体にも影響を与えています。

前の世代はほぼ常に伝統的な衣服を着用していたが、第二次世界大戦の終結後、西洋の衣服やファッションがますます入手しやすくなり、時間の経過とともに価格が安くなったため、ますます人気が高まった。^{[6] [検証必要]}現在、伝統的な衣服を日常着として着用する人はますます少なくなっており、時間の経過とともに、日本国内の伝統的な衣服は着用が難しく高価であるというイメージが定着した。そのため、伝統的な衣服は現在、主に儀式や特別なイベントで着用されており、伝統的な衣服を着る最も一般的な機会は浴衣が最も適した夏祭りである。これ以外で伝統的な衣服を着用する可能性が高い主な人々のグループは、職業上伝統的な衣服の着用が求められる 芸者、舞妓、相撲取りである。

日本の伝統的な衣服は、異文化の表現として西洋世界で注目を集めています。1860年代に人気が高まり、ジャポニスムでは、輸出専用に生産され、日本人が普段着ている衣服とは構造が異なる伝統的な衣服が西洋に輸出され、すぐに芸術家やファッションデザイナーに人気の衣服となりました。日本人の衣服への関心は第二次世界大戦中も続き、 「芸者」などの日本文化のステレオタイプが広まりました。時が経つにつれ、日本の伝統的な衣服や現代の衣服に対する描写や関心が、文化の盗用や、衣服が文化をステレオタイプ化するためにどのように使用されるかについての議論を引き起こしました。2016年にボストン美術館で開催された「Kimono Wednesday」イベントは、その重要な例となりました。^[7]

弥生時代の衣服についてはほとんど知られていない。3世紀の『魏志倭人伝』（中国の学者陳寿が編纂した三国志の一部）[ ^{8] [より正確な出典が必要]}には、日本で着用されていた衣服についての記述がある。そこには、幅広の布（おそらく二重幅）が腰や肩に巻かれて形の定まらない衣服にされたことが記されている。^[9]

5世紀まで、日本で着用されていた衣服に関する芸術的証拠はほとんどありません。^[10] 古墳時代の衣服は、埴輪の供物筒の上に使われた粘土の彫刻から知られています。 ^[11]これらは5世紀と6世紀に使用されましたが、^{[10]ほとんどの}埴輪には上部に彫刻がありません。^[11]これらの像はおそらく日常の服装を表しているのではなく、乗馬服を表している可能性があります。多くは鎧を着ています。^[10]

古墳時代は、中国とは異なり、右側を左側に巻き付け、重なった端を右側の紐で固定していました。袖とズボンは筒状でした。女性の像はスカートをはくことが多く、男性の像はズボンをはき、ふくらはぎのすぐ上にガーターで結んで膝の上に膨らませ、動きを自由にしていました。^[10] 裳と呼ばれる巻きスカートは、男性も女性も着用し、時には袴（ズボン）の上に着用しました。^[9]

中国の伝統的な衣服は、古墳時代に遣唐使を通じて日本に伝わり、両国間の移民や唐朝への遣唐使によって、日本の宮廷社会で中国風の服装、容姿、文化が大人気となった。^[12]日本の朝廷はすぐに中国風の衣服や服を取り入れた。^[13] 4世紀には早くも、日本の巫女や部族の長の像には、漢代の中国と似た衣服を着た人物が描かれている。^[14]正倉院に保管されている最も古い絞り染めの布のサンプルは、当時の日本の生産能力の限界により、中国起源であるという証拠がある^[15]（反物を参照）。

飛鳥時代は、日本に仏教と漢字の表記法が伝わったことから始まり、この時代、日本に対する中国の影響力はかなり強かった。^[10]

天寿国首長曼荼羅の描写から判断すると、推古天皇（593-628）の治世中、男性と女性の宮廷服は非常によく似ていた。両者とも、襟が重ならない丸首の前留めの袈裟を着用し、前面、襟、袖口は対照的な生地で縁取られており、おそらく下地であったと思われる。膝上丈の襦袢の裾には、同じ縁取りが施されていた。襦袢の下には、膝丈くらいまで伸びる、よりプリーツの入った対照的なスカート、ヒラミを着用していた。ヒラミの下には、男性は裾の縁が対照的な細い袴を着用し、女性は裾まで垂れるほど長いプリーツの裳^{を着用していた。 [9]}

高松塚古墳（ 686年頃） [ ^17]は、この時代の上流階級の服装に関する主要な情報源です。この頃には、袈裟は重なり合っており（まだ右側が左側の上にありました）、袈裟は平身に代えてプリーツのフリルで縁取られていました。冠（漆で固めた黒い紗の帽子）は男性の廷臣が着用しており、天武天皇11年（約684年）に規制されました。このファッションは21世紀まで正式な使用方法として残っています。^[9]

奈良時代の上流階級の服装は、後の様式よりもはるかにシンプルで、着用に数分もかからず、衣服自体が動きやすさを重視していた。女性の上流階級の服装は、左から右に重ねた膝上トップス（同様のアンダーローブの上に）^[10]と、巻きつけたプリーツスカート（裳）で構成されていた。^{[18] [19]}また、女性は膝上オーバーベストと細長い長方形のストールを着用することもあった。男性の上流階級の服装は、細くてプリーツのない（一枚仕立ての）袴（ズボン）の下に、ゆったりとしたマンダリンカラーのコート（袍）を着用し^[要出典]、堅く織り目の粗い黒い布（冠）で作った手の込んだ帽子をかぶっていた。衣服には細い帯を締めていた。^[18]

奈良時代の女性の服装は、唐代中国の影響を強く受けていた。女性は現代の着物の襟のように重なる垂領（たらいくび）襟を採用したが、男性は学問と関連した丸い揚首（あげくび）（高い首）のマンダリンカラーを着用し続け、垂首を採用したのは 後になってからであった。下半身の衣服（裳と袴）は、最も外側の上半身の衣服の下に着用されていたが、今や、より新しい中国の流行に従って、上半身の上に着用するようになった（これも女性によるが、男性はまだ着用していない）。

718年にヨロ族の服装規定が制定され、中国の典型的な流行に倣い、すべての衣服は前で重ねて左から右に閉じなければならないと規定された。^{[20] : 133–136}中国では、右から左に巻くのは野蛮であると考えられていた。^[10]この着用慣習は今日でも守られており、右から左に閉じるのは死者のみである。^[20]

752年、奈良の東大寺にある巨大な青銅の仏像が盛大な儀式をもって奉納された。参列者の儀式用の衣服（おそらく日本製ではなかった）は正倉院に保存されている。^{[10] [21]}そのほとんどは左上から右に閉じるが、右上から左に接したり重なり合ったりしているものもある。襟の形は細いもの、丸いもの、V字型などがある。麻（国産の靭皮繊維）で作られた職人の衣服には、長く丸い襟の外衣がある。絹で作られたより豪華な衣服は、織物や染色で人物や幾何学模様で飾られ、フレアスリーブのものがある。エプロン、袴、レギンス、靴下、靴も保存されている。^[10]

衣服の社会的分離は、主に奈良時代（710-794年）に上流階級と下流階級の区分を通じて顕著であった。社会的地位の高い人々は、体の大部分を覆う衣服を着用していた。スヴィトラーナ・リバルコが述べているように、「地位が高いほど、他人の目にさらされる部分が少なくなる」。例えば、長襦袢は鎖骨から足までの大部分を覆い、袖は指先を隠すのに十分な長さで、女性は人目を気にしないよう扇子を持っていた。^[22]

平安時代（794-1185年）、日本は中国王朝の宮廷への使節派遣を中止した。これにより、衣服を含む中国からの輸入品が宮廷に入り、当時の日本の伝統文化の主な裁定者であり、そのような衣服を着ることが許されていた唯一の人々であった上流階級に広まるのを防いだ。その結果生じた文化の空白は、中国の流行から独立した日本文化の発展を促進した。以前は唐王朝の宮廷から取り入れられた要素は、文字通り「国民文化」または「国風文化」（国風文化）として独自に発展し、平安時代の日本文化、特に上流階級の文化を指すために使用される用語である。^[23]

衣服はますます様式化され、7世紀初頭に男女ともに着用されていた丸首で筒袖のチュンジュ上着などの一部の要素は、男性と女性の両方の廷臣によって放棄されました。一方、男性と女性が着用した前巻きのローブなどの他の要素は保持されました。女性が着用した裳スカートなどの一部の要素は、機能が縮小された状態で継続され、正式な機会にのみ着用されました。^[12]裳は幅が狭くなり、完全に巻き付けることができなくなり、台形のプリーツのトレーンになりました。^[24]正式な袴（ズボン）は脚よりも長くなり、着用者の後ろに引きずるようになりました。^[19]男性の正式な服装には、揚げ首の襟と非常に広い袖が含まれていました。^[10]

身体を隠すという概念は残り、衣服は「悪霊から身を守り、社会的地位を外に表す」役割を果たすという思想が生まれた。これは、身分が低い人々は肉体労働をしているため衣服が少ないとみなされ、当時の上流階級のように保護されていないという広く信じられていた考えを提唱した。この時期は、日本の伝統的な衣服が西洋世界に紹介された時期でもあった。^{[6] [疑わしい–議論する]}

平安時代後期には、さまざまな衣服令によって女性の着ることのできる衣服の数が制限され、室町時代（1336～1573年）には、それまで下着と考えられていた小袖が上着となりました。

小袖はもともと袴と合わせて着用されていたが、帯と呼ばれる小さなベルトで留めるようになった。^[12]小袖は現代の着物に似ていたが、この頃の袖は後ろで縫い付けられ、幅（肩の縫い目から袖口まで）は衣服の身頃よりも狭かった。戦国時代（1467–1615）/安土桃山時代（1568–1600）には、小袖の装飾がさらに発展し、より大胆なデザインと派手な原色が人気となった。^{[要出典]この頃には、}裳や袴などの下半身の衣服を別々に着用することはほとんどなくなり、^[19]全身の模様が見られるようになった。

江戸時代（1603-1867年）には、日本の文化と経済はともに大きく発展した。江戸時代の発展の特別な要因は元禄時代（1688-1704年）初期であり、この時代、「元禄文化」、すなわち贅沢な富の誇示と芸術へのパトロンの増加が、衣服を含む多くの芸術形態のさらなる発展をもたらした。元禄文化は、成長し、ますます力をつけてきた町人階級（町人）によって先導された。町人階級の増大する経済力の象徴である彼らの衣服は、鮮やかな色彩と、手描きの染色などの高価な生産技術を利用して、貴族階級や武士階級の衣服に匹敵するほどだった。緞子（ダマスク織物）もまた、この時期に着物の好まれる素材となり、それまで人気があった平織りの練りぬき絹（辻が花に使用されていた）に取って代わった。^[26]

徳川幕府は、商人階級の物質的富の増加に対応して、下層階級に対して数々の贅沢禁止令を出し、紫や赤の布、金の刺繍、複雑な染めの絞り模様の使用を禁止した。^[27]その結果、ほとんど日常的な外見を通して富を誇示することを重視する「粋」と呼ばれる美学思想の流派が生まれ、着物のデザインと着用の概念は今日まで大きな影響力を持ち続けている。

この時点から、男性用、女性用の着物の基本的な形状はほとんど変化しませんでした。^[12]小袖の袖は、特に未婚女性の間で長くなり始め、帯はより長く幅広になり、さまざまなスタイルの結び目が流行し、それを支えるより硬い織りの素材も登場しました。^[12]

江戸時代の着物市場は、反物や小物を作る職人と問屋、小売業者に分かれていた。^{[7] : 129}

1869年に身分制度が廃止され、それに伴い身分別の贅沢禁止令も廃止された。^{[7] : 113}赤や紫など、それまで制限されていた要素を取り入れた着物が人気を博し、^{[7] : 147}特にモービンなどの合成染料の登場により人気が高まった。

明治初期に日本が西洋貿易に門戸を開いた後、ウールや合成染料の使用など、さまざまな素材や技術が人気を博し、カジュアルなウールの着物は 1960 年代以前の日本では比較的一般的でした。絹の裏地 (樅として知られ、文字通り「赤い絹」) に紅花染料 (ベニバナ) を使用することも 1960 年代以前の日本では一般的であり、この時代の着物は簡単に識別できます。

明治時代、江戸時代の鎖国が解かれ、日本が西洋貿易に開かれたことで、「近代化」の象徴として洋装への流れが生まれました。明治天皇の勅令により^[要出典]、警察官、鉄道員、教師は職務上洋服を着用するようになり、日本では女性よりも男性の洋装化がはるかに進んでいました。東京婦人子供服組合などの取り組みにより、洋装を日常着として推進しました。

日本では、近代日本のファッション史は、日本の衣服が徐々に西洋化していった過程として考えることができる。日本の毛織物と梳毛織物の産業は、いずれも明治初期（1850年代から1860年代）に西洋との接触が再開された結果生まれた。1860年代以前は、日本の衣服はさまざまな種類の着物だけだった。 ^[要出典]

1860 年代に日本の港が国際貿易のために開かれると、さまざまな文化の衣服が輸出品として到着しました。この時期以前にも日本は南の港を通じてオランダと歴史的に交流していたにもかかわらず、オランダの技術や文献の研究や関心にもかかわらず、西洋の衣服は普及しませんでした。

西洋の衣服を採用した最初の日本人は、幕府の陸海軍の一部の部隊の将校と兵士であった。1850年代のある時期に、これらの男性は横浜に駐留していた英国海兵隊が着用していたウールの制服を採用した。ウールは国内で生産するのが難しく、生地は輸入しなければならなかった。軍隊以外では、西洋の衣服を早期に採用したのは主に公共部門であり、典型的には完全に男性であり、女性は家の内外で着物を着用し続け、男性は快適さのために通常家の中で着物に着替えた。^[28]

この時点から、西洋の服装スタイルは軍隊や上層部の公共部門の外に広がり、宮廷人や官僚は西洋の服装を採用するよう促され、近代的でより実用的であると宣伝された。文部省は公立の大学で西洋式の学生服を着用するよう命じた。ビジネスマン、教師、医師、銀行家、その他新しい社会の指導者たちは、仕事や大規模な社交行事にスーツを着用した。職場、学校、街中での西洋の服装は人気が高まったにもかかわらず、誰もが着たわけではなく、一部の人々からは不快で望ましくないと見なされた。ある話では、父親が娘に、洋服を着て肉を食べたらご褒美に新しい着物を買ってあげると約束したという。^[29] 1890年代までには、ファッションとしての西洋の服装への欲求はかなり冷め、着物はファッションアイテムのままであった。

西洋からさまざまなファッションが伝わり、着物の着こなしにも取り入れられました。明治後期の多くの木版画には、山高帽をかぶり洋傘をさしながら着物を着た男性が描かれています。また、日本の日本髪に似た、比較的幅広の髪型の上に大きなおだんごを乗せたギブソンガールのヘアスタイルは、日常生活でより手間のかからないヘアスタイルとして日本人女性の間で人気になりました。

20世紀初頭までに、西洋の服装は社会的尊厳と進歩性の象徴となったが、着物は依然としてファッションとみなされ、2つの服装スタイルは本質的に時間とともに互いに並行して成長した。西洋の服装は街着であり、よりフォーマルな流行の衣服と見なされていたため、ほとんどの日本人は自宅で、そして人目につかないときには快適な着物を着ていた。^[28]

洋装はすぐに男性の陸軍制服^[30]や男子の学校制服として標準装備となり、1920年から1930年にかけては、女子の学校制服として着物と袴に代わって服セーラー服が採用された。^{[12] :  140}しかし、着物は日常のファッションアイテムとして依然として人気があり、1923年の関東大震災の後、多くの人々の所有物を失った後、他の用途には適さない生糸や廃棄糸で織られた安価でインフォーマルな既製の銘仙着物が非常に人気を博した。 ^[31] 1930年までに、既製の銘仙着物は、多くがアール・デコ運動からインスピレーションを得た、明るく季節ごとに変わるデザインで非常に人気が高まった。銘仙の着物は通常、絣（かすり）染色技法を使用して染められており、経糸のどちらか、または経糸と緯糸の両方（平織り絣として知られている）^{[31] ：85を}型紙の模様を使って染めてから織っていました。 

大正時代には、着物や着物の種類の近代的な形式化が始まりました。明治時代には、非公式と最もフォーマルの中間に位置する着物の種類が徐々に導入され、階級の区別が廃止されたことで社交や余暇の機会が増える中、この傾向は大正時代を通じて続きました。男性の普段着として洋服が人気を博すにつれ、着物業界は女性のフォーマルとインフォーマルの独自の伝統をさらに確立しました。これにより、訪問着、女性用の留袖の区分、紋付袴が発明されました。^{[7] :  133-134}江戸時代には上流階級で珍しい習慣であったお嫁入り道具（花嫁道具）も、中流階級全体に普及しました。^{[7] : 67, 76}結婚式のための着物による花嫁衣装の伝統もこの時期に成文化され、それは武士階級の女性の花嫁衣装に似ていました。^{[7] : 82, 93, 146 この時期の}着物の基準は、平らで均一な大背負いと滑らかでしわのない帯を備えた、より形式化されたきちんとした外観へと徐々に移行し始めました。これは上流階級の女性の「適切な」着物にも似ていました。しかし、着物の基準はまだ比較的非公式であり、第二次世界大戦後まで正式なものになりませんでした。

着物はもはや男性の一般的な服装ではなくなったが、第二次世界大戦（1940-1945年）まで日本の女性にとっては日常着であり続けた。^{[7] : 17}大正時代には多くの伝統が発明されたが、着付け（着物を着ること）の基準はまだそれほど形式化されておらず、しわや不揃いなおはしょり、曲がった帯はまだ許容されていると考えられていた。^{[7] : 44-45}

1930年代まで、日本人の大多数はまだ着物を着ていて、洋服は特定の階級の人々の外出時のみ着用されていました。^[28]

戦時中、着物工場は閉鎖され、政府は人々にモンペ（ローマ字ではモンペとも）（古い着物で作られたズボン）を着用するよう奨励した。^{[7] : 131}レーヨンなどの繊維は、生産コストが安く、購入コストも安く、典型的にはプリントデザインが特徴であったため、第二次世界大戦中に普及した。^[要出典]布地の配給制は1951年まで続いたため、ほとんどの着物は再利用された布地から自宅で作られた。^{[7] : 131}

20世紀後半、日本経済は好況となり、^{[7] : 36}絹が安くなり、^[要出典]一般家庭でも絹の着物が購入できるようになった。^{[7] : 76}呉服小売業界は、着物の種類、フォーマル度、季節に関するルールなど、着物の着こなしに関する精巧な成文化を作り上げており、戦後はそれが強化された。それ以前にも着物の着こなしに関するルールはあったが、厳密に成文化されておらず、地域や階級によって異なっていた。^{[7] : 36}フォーマル化では、着物にシワや凹凸のない完璧さが求められ、着物を着る女性の理想は、ますます丸みを帯びた体型が推進された。^{[7] : 44-45}呉服小売業界は、和服と洋服を厳密に区別することも推進した。^{[7] : 54}例えば、和服に洋靴を履くことは（大正時代には一般的だったが）不適切なこととされた。^{[7] : 16}日本語では、こうした適切な服装のルールは、英語の「Time, Place, and Occasion (TPO)」というフレーズで表現されることが多い。戦時下の教育を受けていた日本人は、男性も女性も着物を着ることが一般的ではなかったため、女性に着物の着方を教えるために商業的な着付け学校が設立された。^{[7] : 44}この時代の男性が着物を着ることはめったになく、そのため紳士服は形式化をほとんど免れた。^{[7] : 36, 133} )。

着物は冠婚葬祭に欠かせないものとして宣伝され、^{[7] : 76, 135}例えば、若い女性が成人式に着る高価な振袖は必需品とみなされました。^{[7] : 60}あらゆる種類の着物数十着を含む花嫁道具も必須と宣伝され、両親は^{[7] : 76}最高1000万円（約7万ポンド）の着物道具を用意する義務を感じていました。 ^{[7] : 262}これらの着物は結婚式の一部として公開され、透明なトラックで運ばれるなどして公に検査されました。^{[7] : 81}

1970年代までには、フォーマルな着物が着物販売の大部分を占めるようになった。^{[7] : 132}着物小売業者は、新品の着物の価格設定構造により、価格だけでなく着物に関する知識に対する認識においても相対的な独占状態を築き、価格を決定し、よりフォーマルな（そして高価な）購入を積極的に促進することができた。フォーマルな着物を1着販売すれば、販売者は3か月間快適に生活できるほどだった。着物業界は1975年に総売上高2.8兆円（約180億ポンド）でピークを迎えた。インフォーマルな新品の着物の売上はほとんど無視されていた。^{[7] : 135, 136}

1990年代の経済崩壊により、着物業界の多くが破産し^{[7] : 129}、多くの高価な慣習が廃止されました。^{[7] : 98}着物の着方に関するルールは業界全体に対する以前のような影響力を失い^{[7] : 36}、かつては高価な伝統であった花嫁用の着物持参金は一般に姿を消し、まだ行われていたとしても、はるかに小規模になりました。^{[7] : 98}この時期に、女性が結婚式や葬式などの冠婚葬祭に洋装で出席することが容認され、好まれるようになりました。^{[7] : 95, 263}多くの女性が自宅に数十着、あるいは数百着もの着物を持っており、そのほとんどは未使用品でした。中古の着物は、たとえ未使用品であっても約500円（3.5ポンド未満、^{[7] : 98}約5米ドル）で販売されており、新品購入価格の数パーセントでした。 1990年代から2000年代初頭にかけて、多くの中古着物店がオープンしました。^{[7] : 98}

21世紀初頭には、より安価でシンプルな浴衣が若者の間で人気を博した。^{[7] : 37} 2010年頃には、男性が結婚式以外の場面で再び着物を着るようになり、^{[7] : 36, 159}着物は再び推進され、少数派によって普段着として着用されるようになった。^[7]

現在、日本人の大多数は日常的に洋服を着用しており、結婚式や葬儀などのフォーマルな場や夏の行事などで着物を着る場合がほとんどです。夏の行事では、着やすい一重の綿の浴衣が標準的な着物です。

着物（きもの）は「日本の民族衣装」^[1]とも呼ばれ、最もよく知られている日本の伝統的な衣服です。着物は左側を右側に重ねて体に巻き付けて着用しますが、重ねて着用することもあります。必ず帯を締めて着用し、さまざまな伝統的なアクセサリーや履物と組み合わせて着用することもできます。^[32]着物は男性と女性で構造や着用方法が異なります。

徳川時代（1603-1867）に四身階級制度が廃止された後、着物の象徴的な意味は社会階級の反映から自己の反映へと変わり、人々は自分の好みを取り入れて服装を個性化できるようになりました。^{[曖昧]着物を着るには、性別や場面に応じて、}帯の結び方や手順に関する詳細な知識が必要になる場合があり、女性の正式な着物は、着るのに他の人の助けが必要になることもあります。第二次世界大戦後、着物に興味のある人に着方やさまざまな結び方を教える着物学校が設立されました。^[1]

現代ではさまざまな種類の着物が着用されていますが、女性の方が男性よりも種類が豊富です。男性の着物は、生地の選択、衣服に付けられた紋の数（紋または家紋と呼ばれる）、および着用するアクセサリーによって形式が異なりますが、女性の着物は、生地の選択、装飾スタイル、構造、および紋によって形式が異なります。

• 振袖は、若い女性が成人式や花嫁衣装として着用することが多いフォーマルな着物の一種で、若い女性にとって最もフォーマルな着物と考えられています。
• 打掛は、帯を締めずに羽織る花嫁衣装としても着用されます。
• 黒留袖と色留袖は、裾のみに模様が入った正装の着物で、振袖以外では女性の着物の中で最もフォーマルなものとされています。
• 訪問着や付下げは、袖や裾の一部に模様が入った、準礼装用の女性用着物です。
• 色無地は、茶道やその他の比較的フォーマルでない行事の際に着る、格式が低い無地の着物です。
• 小紋や江戸小紋は、着物全体に同じ模様が繰り返されるカジュアルな着物です。

浴衣や喪服などの他の種類の着物は、構造と装飾が異なるだけで、男女ともに着用されます。過去数十年間、女性は20代前半から半ばに結婚するまで振袖を着なくなりましたが、現代では、女性は結婚しているかどうかに関係なく、この頃に振袖を着なくなるのが一般的です。^[32]

着物という言葉は文字通り「着るもの」と翻訳され、19世紀まで日本では男性も女性も着る主な衣服でした。^[33]

伝統的に、着物を着る技術（着付けとして知られる）は、単に着付けの仕方を学ぶこととして母から娘へと受け継がれ、現代では専門の着付け学校で教えられている。^{[32]まず、}足袋を履く。これは白い木綿の靴下である。^[33]次に、下着を着け、続いて上着と巻きスカートを着る。^[33]次に、長襦袢を着、腰紐で結ぶ。^[33]最後に、着物を着る。左側が右側を覆うようにし、1つまたは2つの腰紐で結び、伊達締めで滑らかにする。次に、帯を結んで固定する。着物は、死者が着る場合を除き、常に左上に右に着る。死者が着る場合は、右上に左に着る。^[33]着物を外で着る場合は、伝統的に草履または下駄を履く。^[33]

女性は、茶道や生け花教室などの伝統芸能に参加するときに着物を着るのが一般的です。^[28]結婚式の間、新郎新婦は衣装を何度も着替えることがよくあります。花嫁は真っ白な衣装で始まり、その後カラフルな衣装に着替えることもありますが、^[32]新郎は羽二重で作られた黒い着物を着ます。

葬儀用の着物（喪服）は男女ともに黒無地に五つ紋が入っていますが、葬儀では洋装も着られます。紋が五つ以下の黒無地の着物は喪服とはみなされません。

成人の儀式である成人の日も、着物を着る機会の一つです。^[34]この毎年のお祝いでは、女性は明るい色の振袖を着、首には毛皮のストールを巻くことが多いです。現代では、着物が伝統的に着用される他の機会としては、お正月、卒業式、3歳、5歳、7歳の子供のお祝いである七五三などが あります。

着物は季節に合わせて着られます。涼しい時期には、絹、ウール、合成繊維で作られた袷の着物を着ます。[ ^28]この時期には、より素朴な色と模様（赤褐色の葉など）の着物や、より暗い色で重ね着の着物が好まれます。^[28]春と夏の間は、男性も女性も軽量の綿の浴衣を着ます。暖かい時期には、鮮やかな色と花柄（桜など）が一般的です。^[28]

15世紀まで、ほとんどの人が着ていた着物の大部分は麻やリネンで作られており、複数の素材を重ねて作られていました。^[35]今日、着物は絹、絹錦、絹縮緬（ちりめんなど）、繻子織り（綸子など）で作られます。^[35]現代の着物は、レーヨン、綿繻子、綿、ポリエステル、その他の合成繊維など、安価で手入れが簡単な生地で作られており、現在では日本でより広く着用されています。^[35]しかし、よりフォーマルな着物には依然として絹が理想的な生地と考えられています。^[28]

着物は通常、長さ39～43インチ（990～1,090 mm）で、幅14～15インチ（360～380 mm）のピースが8つ付いています。^[36]これらのピースを縫い合わせて、基本的なT字型を作ります。着物は伝統的に手縫いで​​作られており、この技法は和裁と呼ばれています。^[36]しかし、機械で作られた着物でも、かなりの手縫いが必要です。

着物は伝統的に反物と呼ばれる1本の布地から作られています。^[28] 反物には標準寸法があり、1本の反物全体を使って1着の着物を作ります。^[28]完成した着物は4つの主要な布地のストリップ（体を覆う2つのパネルと袖を形成する2つのパネル）と、狭い前面のパネルと襟を形成する追加の小さなストリップで構成されています。^[36]着物の生地は手作りで装飾されていることがよくあります。

着物は帯と呼ばれる帯と一緒に着用されますが、帯にはいくつかの種類があります。数世紀前は、帯は比較的しなやかで柔らかく、文字通り着物を閉じていました。現代の帯は一般的に硬く、着物は実際には組紐などの一連の平らなリボンを体に巻き付けて閉じた状態になっています。女性用の帯の最も一般的な2種類は、最もカジュアルな着物以外であれば何にでも合わせられる袋帯と、着用しやすいように片側が狭くなっている 名古屋帯です。

浴衣は春夏に着るカジュアルな着物で、伝統的な着物よりも一般的に安価です。暖かい季節に作られているため、浴衣はほとんどの着物生地よりも軽くて明るい色の綿で作られています。祭りや花見の儀式で着用されます。^[37]

長くて幅の広いプリーツスカートに似た袴は、一般的に着物の上に着用され、フォーマルな服装とみなされます。伝統的には、あらゆる職業（職人、農民、武士など）の男性が着用するために作られましたが、現在では女性が着用することも社会的に認められています。

帯はベルトに似ており、着物の外側に巻き付けてすべての層をまとめるのに役立ちますが、実際に締めるわけではありません。帯は通常、長くて長方形のベルトで、さまざまな方法で装飾および着色でき、さまざまな生地で作られています。現代の帯は通常、硬くはないにしてもパリッとした織りの生地で作られており、比較的厚く、しなやかではありません。

草履は着物に合わせて履くサンダルの一種で、デザインはビーチサンダルに似ているが、底が丈夫で、かかとが緩やかに傾斜しているものもある。草履は木、革、ビニールで作られ、よりフォーマルなものには金糸や銀糸で刺繍や織りが施された装飾されたストラップ（鼻緒と呼ばれる）が付いている。これらの靴は通常、着物の裾で覆われる白い靴下を履く。下駄は草履に似たサンダルで、雪や泥の中で履くように作られており、靴の下に木の柱が付いているのが特徴である。^[37]

1881年から、日本の男性は歌にちなんで名付けられた下着の一種であるステテコを着用していた 。ジャパンタイムズの庄司かおりは、ステテコは「ゆったりとした薄いクレープコットンのロングジョンズ版と表現するのが一番だろう」と書いている。[38] 当初、男性は着物の下にステテコを^着用していた。2012年までにステテコの新たなバリエーションが登場した。庄司は、2012年でもステテコには恥ずかしさを感じさせる要素があったものの、感情的には依然として夏を象徴するものだったと述べ、1990年代まではより一般的だったと述べている。^[38]

多くのデザイナーが着物を現在のデザインの基盤として活用し、その文化的、美的側面に影響を受け、それを衣服に取り入れています。

イッセイミヤケは、ファッションの境界を越え、衣服の形を改革しながら、同時に文化の伝統的な特質を作品に取り入れることで最もよく知られています。彼はデザインにおいてさまざまなテクニックを探求し、「服」とは何かという議論を引き起こしました。彼はまた、伝統的な価値観に繰り返し対峙していることから、「ファッション界のピカソ」と呼ばれています。三宅はダンサーと協力して、彼らと彼らのエアロビック運動に最も適した衣服を作ることに興味を持ち、最終的にはダンサーのために最初に働いていたモデルを置き換え、あらゆる分類の人々に役立つ衣服を生産することを望んでいました。^[5]プリーツとポリエステルジャージーの使用は、実用的な快適さと伸縮性により、現代のファッションを反映しています。1998年にパリで開催された「イッセイミヤケ：ものづくり」展では、10年以上にわたる三宅の作品が紹介されました。彼の最も人気のある2つのシリーズは、「プリーツ、プリーズ」と「A-POC（一枚の布）」と題されていました。

山本耀司と川久保玲は、デザインやスタイルのテイストが似ている日本のファッションデザイナーで、彼らの作品は一般の人々から区別が難しいとよく考えられています。彼らの作品が開花し、戦後の日本の影響を受けたように、彼らは社会的な葛藤の影響を受けていました。彼らは、暗い色、特に黒を主に使用している点で、三宅や他のファッションデザイナーとは異なります。当時の伝統的な衣服にはさまざまな色が含まれていることが多く、彼らの「色の不在」の使用は、多くの批評家から意見を表明し、彼らの作品の信憑性を批判するきっかけとなりました。1983年4月のアメリカ版ヴォーグは、この2人を「前衛的なデザイナー」と称し、最終的に彼らの成功と人気につながりました。^[5]

日本人は、伝統的な芸術と、シンプルさを創造的なデザインに変える能力でよく知られています。ヴァレリー・フォーリーは、「扇形は波になり、波は山に変身します。シンプルな結び目は鳥の羽です。ぐらぐらする半円は、平安時代の半分水に沈んだ馬車の車輪を意味します」と述べています。^[39]これらの芸術形態は布地に転写され、衣服に成形されます。伝統的な衣服では、金属のアップリケ、絹の刺繍、糊付けなど、特定の技術が使用され、それに従います。衣服の製造に使用される布地の種類は、多くの場合、人の社会階級を示しています。裕福な人は、より高品質の布地で作られた衣服を買う余裕があったからです。縫製技術と色の融合も、富裕層と庶民を区別し、権力の高い人は、より華やかで明るい服を着る傾向がありました。^[40]

日本のストリートファッションは1990年代に登場し、ファッションデザイナーではなく一般大衆、特にティーンエイジャーによって始められ、普及したという点で伝統的なファッションとは異なっていました。^{[41]原宿の}ロリィタ、渋谷の小悪魔アゲハ、ギャルのサブカルチャーファッションスタイル など、東京のさまざまな場所でさまざまな形のストリートファッションが登場しました。

ロリータファッションは2000年代半ばに人気を博した。その特徴は「ペチコートをはいたベル型の膝丈スカートまたはドレス、ブラウス、ニーハイソックスまたはストッキング、ヘッドドレスを着用」することである。^[41]ロリータのさまざまなサブスタイルには、カジュアル、スイート、ゴシック、ブラック、姫（「プリンセス」）などがあります。^[42] コギャルまたはコギャルは、渋谷のクラブホステスの外観に基づいたもう1つの日本のストリートファッションです。このスタイルの女性は、体と顔を濃い茶色に日焼けし、顔の暗さと褐色を強調するために薄い口紅をよく使用します。コギャルのトレンドは渋谷と原宿の両方で見られ、「女子高生」の外観の影響を受けており、参加者は短いスカート、特大のニーハイソックス、キラキラしたアクセサリーを身に着けていることが多い。^[43]

• 日本の文化
• 琉装– 沖縄の伝統衣装
• 漢服– 中国の伝統的な衣服
• 韓服– 韓国の伝統衣装
• ベトナムの衣服– 伝統的なベトナムの衣服

ウィキメディア・コモンズには、日本の衣服に関連するメディアがあります。

• 日本の伝統衣装に関するビデオ