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A theatrical culture flourished in ancient Greece from 700 BC. At its centre was the city-state of Athens, which became a significant cultural, political, and religious place during this period, and the theatre was institutionalised there as part of a festival called the Dionysia, which honoured the god Dionysus. Tragedy (late 500 BC), comedy (490 BC), and the satyr play were the three dramaticgenres emerged there. Athens exported the festival to its numerous colonies. Modern Western theatre comes, in large measure, from the theatre of ancient Greece, from which it borrows technical terminology, classification into genres, and many of its themes, stock characters, and plot elements.
The word τραγῳδία, tragodia, from which the word "tragedy" is derived, is a compound of two Greek words: τράγος, tragos or "goat" and ᾠδή, ode meaning "song", from ἀείδειν, aeidein, 'to sing'.[1]
This etymology indicates a link with the practices of the ancient Dionysian cults. It is impossible, however, to know with certainty how these fertility rituals became the basis for tragedy and comedy.[2]
古代ギリシャ人は話し言葉の力を重んじ、それが彼らの主なコミュニケーション手段であり物語の語り方であった。バーンとバーンは、「ギリシャ人にとって話し言葉は生きたものであり、文字言語の死んだ記号よりもはるかに好ましいものであった」と述べている。ソクラテス自身も、一度何かが書き留められると、変化や成長の可能性を失うと信じていた。こうした理由などから、ギリシャでは口頭による物語の語り方が盛んになった。[ 4 ]
ギリシャ悲劇として知られるものは、紀元前532年頃、アテネでテスピスが最古の記録に残る俳優として誕生しました。アテネで開催された最初の演劇コンテストの優勝者である彼は、アッティカとその周辺、特に農村ディオニュシア祭で上演されたディテュランボスのエクサルコン、つまりリーダーでした[ 5 ]。テスピスの時代には、ディテュランボスは宗教的な起源から大きく変化していました。英雄叙事詩、ドーリア式合唱抒情詩、詩人アリオンの革新の影響を受けて、物語性のあるバラッドのようなジャンルになっていました。これらのことから、テスピスはしばしば「悲劇の発明者」と呼ばれていますが、彼の重要性については議論があり、ギリシャ悲劇作家の年代順では16番目に挙げられることもあります。例えば、政治家ソロンは、登場人物が自分の声で話す詩を創作したとされており、紀元前534年以前の祭りでは、ラプソドスによるホメロスの叙事詩の朗読が人気だった。 [ 6 ]このように、テスピスの演劇への真の貢献はせいぜい不明瞭だが、彼の名前は英語でパフォーマー、つまり「俳優」を意味する一般的な用語として長く生き続けている。
演劇はアテナイ人にとって重要だった。これは、ディオニュシア祭（または大ディオニュシア祭）で悲劇の競技会と祭典が開催されたことからも明らかである。これはおそらく、クレイステネスによって最近創設されたアッティカの部族間の忠誠心を育むために企画されたものと思われる。この祭典は紀元前508年頃に始まった。紀元前6世紀の演劇テキストは現存しないが、テスピス以外にも、コエリロス、プラティナス、フリュニコスという3人の競技者の名前が知られている。それぞれがこの分野で異なる革新を行ったとされている。
Some information is known about Phrynichus. He won his first competition between 511 BC and 508 BC. He produced tragedies on themes and subjects later exploited in the Golden Age such as the Danaids, Phoenician Women and Alcestis. He was the first poet we know of to use a historical subject – his Fall of Miletus, produced in 493–2, chronicled the fate of the town of Miletus after it was conquered by the Persians. Herodotus reports that "the Athenians made clear their deep grief for the taking of Miletus in many ways, but especially in this: when Phrynichus wrote a play entitled The Fall of Miletus and produced it, the whole theatre fell to weeping; they fined Phrynichus a thousand drachmas for bringing to mind a calamity that affected them so personally and forbade the performance of that play forever."[7] He is also thought to be the first to use female characters (though not female performers).[8]
Until the Hellenistic period, all tragedies were unique pieces written in honour of Dionysus and played only once; what is primarily extant today are the pieces that were still remembered well enough to have been repeated when the repetition of old tragedies became fashionable (the accidents of survival, as well as the subjective tastes of the Hellenistic librarians later in Greek history, also played a role in what survived from this period).
After the Achaemenid destruction of Athens in 480 BC, the town and acropolis were rebuilt, and theatre became formalized and an even greater part of Athenian culture and civic pride. This century is normally regarded as the Golden Age of Greek drama. The centrepiece of the annual Dionysia, which took place once in winter and once in spring, was a competition between three tragic playwrights at the Theatre of Dionysus. Each submitted three tragedies, plus a satyr play (a comic, burlesque version of a mythological subject). Beginning in a first competition in 486 BC each playwright submitted a comedy.[9]Aristotle claimed that Aeschylus added the second actor (deuteragonist), and that Sophocles introduced the third (tritagonist). Based on what is known about Greek theatre, the Greek playwrights never used more than three actors.[10]
悲劇と喜劇は完全に別々のジャンルとみなされており、両者の要素を融合させた劇は存在しなかった。サテュロス劇は悲劇の神話的題材を扱っていたが、純粋に喜劇的な手法で表現されていた。
ペロポネソス戦争でスパルタに敗れた後、アテネの国力は衰退した。それ以降、劇場では再び古い悲劇が上演されるようになった。演劇の伝統は活力を失ったように見えるものの、ギリシャ演劇はヘレニズム時代（紀元前4世紀のアレクサンドロス大王の征服後の時代）まで続いた。
ヘレニズム時代の主要な演劇形式は悲劇ではなく、一般市民の生活を題材にした喜劇である新喜劇であった。この時代に現存する唯一の劇作家はメナンドロスである。新喜劇の最も重要な貢献の一つは、ローマ喜劇への影響であり、その影響はプラウトゥスやテレンティウスの現存作品に見ることができる。
古代ギリシャの都市のほとんどは丘の上または丘の近くに位置していたため、座席は一般的に丘の斜面に作られ、テアトロン（文字通り「見る場所」）として知られる自然な観覧エリアが作られました。適切な丘のない都市では、土塁が積み上げられました。[ 11 ]丘の麓には、平均直径が78フィート（24メートル）の平らな円形のパフォーマンススペースがあり、オーケストラ（文字通り「踊る場所」）として知られていました。 [ 11 ]そこでは、通常12人から15人のコーラス[ 12 ]が音楽に合わせて詩劇を上演しました。俳優やコーラスのメンバーがオーケストラに出入りするための、パロドイまたはエイソドイと呼ばれる高いアーチ型の入口がよくありました。劇場によっては、オーケストラの後ろにスケネーとして知られる背景幕または舞台壁がありました。
「劇場」という用語は、最終的に劇場、オーケストラ、スケネーといった領域全体を意味するようになった。
テアトロンは観客席であり、丘に埋め込まれて自然な観覧空間が作られていた。ギリシャ劇場の最初の座席（地面に座る以外）は木製だったが、紀元前499年頃になると、丘の斜面に石のブロックを埋め込んで恒久的で安定した座席を作る方法が一般的になった。これらはプロヘドラと呼ばれ、神官やごく少数の最も尊敬される市民のために確保されていた。ディアゾマは上層階と下層階の観客席を隔てていた。
紀元前465年以降、劇作家たちは舞台背景幕または舞台壁（スケネー、 sceneという言葉の語源）を使い始めました。これはオーケストラの後ろに吊るしたり立てたりして、俳優が衣装を着替える場所としても機能しました。紀元前425年以降、パラスケニアと呼ばれる石造りの舞台壁がスケネーの一般的な補助物となりました。パラスケニアは側面が突き出た長い壁で、出入り口があったかもしれません。パラスケニアのすぐ後ろにはプロスケニオン（「舞台の前」）があり、これは現代のプロセニアムに似ています。上階はエピスケニオンと呼ばれました。劇場によっては、オーケストラの上にロゲイオンと呼ばれる一段高い演説台もありました。紀元前5世紀末、ペロポネソス戦争の頃には、スケネーは2階建てになっていました。
登場人物の死は常にスケネーの後ろで聞こえた。観客の目の前で殺人を描写するのは不適切だと考えられていたからである。逆に、ギリシャ悲劇における死が舞台外で描かれたのは、主に劇的な考慮によるものであり、観客の潔癖さや感受性によるものではないという学術的な議論もある。[ 13 ]
近くの神殿、特に画面右側の神殿は、ほぼ常にギリシャ劇場複合施設の一部である。これは、転置として、後期の固められた石の場面におけるペディメントの繰り返しを正当化する可能性がある。 [ 14 ]
オーケストラは、合唱隊と俳優が演技する劇場の底にある円形の地面でした。この言葉は「踊る空間」を意味し、初期の時代には合唱隊も踊っていました。[ 15 ]元々は平らな舞台でしたが、後に見やすくするために一段高い舞台が取り入れられました。この慣習は、個々の登場人物の劇的な描写を取り入れた「新喜劇」の出現後に一般的になりました。コリュパイオスは合唱隊のリーダーであり、劇の登場人物と交流できる登場人物として物語に登場できました。劇はしばしば朝に始まり、夜まで続きました。
これらの劇場は、舞台上と観客席に最大1万4千人もの出演者を収容できるよう、大規模に建設されました。物理学と数学はこれらの劇場の建設において重要な役割を果たしました。設計者は、最上段の座席を含め、劇場全体に俳優の声が聞こえるように音響効果を作り出す必要があったからです。古代ギリシャ人の音響に関する知識は、現代の最先端技術と比べても遜色ありません。
ギリシャ演劇では、いくつかの舞台装置が一般的に用いられていた。
仮面を表す古代ギリシア語はプロソポン（文字通り「顔」）[ 16 ]で、アテネのディオニュソス崇拝において重要な要素であり、儀式や祝祭で用いられたと考えられています。多くの仮面はより高次の力、すなわち神々を崇拝するものであり、仮面は宗教においても非常に重要なものでした。証拠のほとんどは、紀元前5世紀のわずかな壺絵から得られており、例えば、装飾されたローブが下に垂れ下がった木から吊るされた神の仮面と踊る様子を描いたものや、サテュロス劇の準備をする俳優たちを描いたプロノモス壺[ 17 ]などがあります。[ 18 ]仮面は有機素材で作られており、恒久的な物とはみなされていなかったため、現存する物的証拠はありません。最終的には、公演後にディオニュソスの祭壇に奉納されました。しかしながら、仮面はアイスキュロスの時代から使用されていたことが知られており、古典ギリシア演劇の象徴的な慣習の一つと考えられています。[ 19 ]
劇中の出来事に何らかの役割を果たし、巻き込まれた事件について解説する合唱隊のメンバーのためにも仮面が作られた。悲劇の合唱隊は12人か15人いるが、全員が同じ仮面を着用する。なぜなら、彼らは一人の登場人物を象徴していると考えられているからである。
古代ギリシャ演劇に起源を持つとされる様式化された喜劇や悲劇の仮面は、広く舞台芸術全般の象徴となっている。[ 20 ]
5世紀の演劇用マスクの図解には、ヘルメットのようなマスクが描かれており、顔と頭全体を覆い、目の部分に穴が開いていて、口の部分に小さな開口部があり、かつらが一体化している。これらの絵画には、実際に演技中の俳優がマスクを着用している様子は描かれていない。多くの場合、俳優が演技の前後でマスクを手にしている様子が描かれている。これは、マスクが顔に「溶け込み」、俳優が役柄に溶け込むことができるようにする方法を示している。[ 22 ]事実上、マスクは台詞の暗記と同じくらい俳優を変容させた。したがって、古代ギリシャの演劇では、マスクをつけた俳優と演劇上の登場人物を区別することはなかった。
仮面製作者はスケウオポイオス、つまり「小道具製作者」と呼ばれており、その役割が複数の職務や作業を包含していたことを示唆している。仮面は、おそらく硬化リネン、革、木、コルクなどの軽量の有機素材で作られ、かつらは人間の毛または動物の毛でできていた。[ 23 ]これらの仮面によって視覚的な制約が課せられるため、俳優は方向感覚とバランスを保つために音を聞くことが不可欠であった。そのため、耳はヘルメット型の仮面自体ではなく、かなりの量の毛で覆われていたと考えられている。口の開口部は比較的小さく、公演中に口が見えるのを防いでいた。バーベインとワイルズは、この小さなサイズは、1960年代に最初に提示されたように、仮面がメガホンとして機能していたという考えを否定するものであると主張している。[ 18 ]ギリシャの仮面製作者タノス・ヴォヴォリスは、仮面は頭部の共鳴器として機能し、声の音響を高め、その質を変えると示唆している。これによりエネルギーと存在感が増し、俳優が役柄に完全に変身することが可能になる。[ 24 ]
アテネのディオニュソス劇場のような大きな野外劇場では、古典的な仮面は観客に恐怖感を抱かせ、特に顔の特徴や表情が極端に誇張されていたため、大規模なパニックを引き起こすことができた。[ 24 ]仮面によって俳優は複数の異なる役で登場したり再登場したりすることができ、観客が俳優を特定のキャラクターと結びつけることができなかった。仮面のバリエーションは、性別、年齢、社会的地位を区別するのに役立ち、さらに、例えばオイディプスが自ら目を潰した後のように、特定のキャラクターの外見の変化を明らかにするのにも役立った。[ 25 ]また、アイスキュロスの『エウメニデス』の復讐の女神や、エウリピデスの『バッカイ』のペンテウスとカドモスのように、劇中の特定のキャラクターや出来事のために独自の仮面が作られた。合唱団が着用するマスクは、一体感と統一感を生み出すとともに、複数の声を持つ人格、あるいは単一の生命体を表現し、同時にグループ内の各メンバー間の相互依存と感受性の高まりを促した。舞台上には一度に2～3人の俳優しか立つことができず、マスクによって役柄の切り替えが迅速に行われた。出演者は男性のみであったが、マスクのおかげで男性も女性役を演じることができた。
The modern method to interpret a role by switching between a few simple characters goes back to changing masks in the theatre of ancient Greece.[26]
The actors in these plays that had tragic roles wore boots called cothurnus (buskin), that elevated them above the other actors. The actors with comedic roles only wore a thin-soled shoe called a soccus or sock. For this reason, dramatic art is sometimes called "sock and buskin."
Male actors playing female roles would wear a wooden structure on their chests (posterneda) to imitate the look of breasts and another structure on their stomachs (progastreda) to make them appear softer and more lady like. They would also wear white body stockings under their costumes to make their skin appear fairer.
Most costuming detail comes from pottery paintings from that time as costumes and masks were fabricated out of disposable material, so there are little to no remains of any costume from that time. The biggest source of information is the Pronomos Vase where actors are painted at a show's after party.
Costuming would give off a sense of character, as in gender, age, social status, and class. For example, characters of higher class would be dressed in nicer clothing, although everyone was dressed fairly nicely. Contrary to popular belief, they did not dress in only rags and sandals, as they wanted to impress. Some examples of Greek theatre costuming include long robes called chiton that reached the floor for actors playing gods, heroes, and old men. Actors playing goddesses and women characters that held a lot of power wore purple and gold. Actors playing queens and princesses wore long cloaks that dragged on the ground and were decorated with gold stars and other jewels, and warriors were dressed in a variety of armor and wore helmets adorned with plumes. Costumes were supposed to be colourful and obvious to be easily seen by every seat in the audience.