スコットランドの民俗音楽

スコットランドのフォークミュージック（スコットランドの伝統音楽とも呼ばれる）は、スコットランドの音楽的伝統の一部とされる形式を使用するフォークミュージックのジャンルである。中世後期のスコットランドではポピュラー音楽の文化が栄えていたという証拠があるが、この時代から残っているメロディー付きの歌は「プラーグ・ソング」だけである。宗教改革後、特にローランド地方の教会がダンスやペニー・ウェディングなどの行事を抑圧しようとしたにもかかわらず、世俗的なポピュラー音楽の伝統は続いた。ハイランドのバグパイプの使用に関する最初の明確な言及は、 1547年のピンキー・クルーの戦いでの使用について言及している。17世紀初頭のハイランド地方では、マッククリモン家、マッカーサー家、マグレガー家、マッケイ・オブ・ゲイロック家などのパイプ奏者の一族が発展した。ハイランド地方でフィドルが採用されたという証拠もある。有名なミュージシャンには、フィドル奏者のパティ・バーニーや、笛吹きのハビー・シンプソンなどがいた。この伝統は、フィドル奏者のニール とその息子のナサニエル・ゴウなどの主要人物によって、19世紀まで続いた。この時代のバラードの証拠がある。中世後期にまで遡るものもあり、13世紀まで遡ることができる出来事や人物を扱っている。それらは、18世紀に民謡として集められるまで、 口承の伝統のままであった。

世俗音楽の最も古い印刷されたコレクションは17世紀のものである。コレクションは18世紀初頭に勢いを増し始め、教会の音楽に対する反対が弱まるにつれて、アラン・ラムゼーの詩集『The Tea Table Miscellany』（1723年）やジェームズ・ジョンソンとロバート・バーンズによる『The Scots Musical Museum』（1787年 - 1803年）など、出版物が氾濫した。19世紀後半からは、より学術的かつ政治的な意図を持つ伝統音楽への関心が再燃した。スコットランドの収集家にはジェームズ・ダンカン牧師やギャビン・グレイグがいた。主要な演奏家にはジェームズ・スコット・スキナーがいた。この復興はクラシック音楽に大きな影響を与え始め、アレクサンダー・マッケンジー、ウィリアム・ウォレス、リアモント・ドライスデール、ハミッシュ・マッカン 、ジョン・マキューエンなどの作曲家による、事実上スコットランドの国立管弦楽団とオペラ音楽の流派が発達した。

第二次世界大戦後、スコットランドの伝統音楽は軽視されたが、生きた伝統として残った。これは、アラン・ロマックス、ハミッシュ・ヘンダーソン、ピーター・ケネディなどの個人による収集、出版、録音、ラジオ番組を通じて変化をもたらした。彼らが普及させた伝統歌手には、ジョン・ストラチャン、ジミー・マクビース、ジーニー・ロバートソン、フローラ・マクニールなどがいた。1960年代にはフォーククラブ文化が栄え、ユアン・マッコールが英国における復興の主導的人物として登場した。クラブには、ドナルド・ヒギンズやブレアゴーリーのスチュワートなどの伝統的演奏家のほか、ロビン・ホール、ジミー・マクレガー、ザ・コリーズ、イアン・キャンベル・フォーク・グループなどの英国の演奏家や新しいスコットランド復興主義者が集まった。ラジオやテレビの到来で恩恵を受けたスコットランドの人気音楽の一流もあった。これらは、ミュージックホールやバラエティ番組で使われるタータン柄やステレオタイプに由来するスコットランドのイメージに依存しており、その好例が1958年から1967年まで放送されたテレビ番組「ホワイト・ヘザー・クラブ」で、アンディ・スチュワートが司会を務め、モイラ・アンダーソンとケネス・マッケラーが出演していた。アメリカのさまざまなスタイルの音楽とイギリスのフォークが融合して、フォーク・バロックと呼ばれる独特のフィンガースタイル・ギター演奏が生まれ、デイビー・グラハムやバート・ヤンシュなどが先駆けとなった。ドノヴァン・アンド・ザ・インクレディブル・ストリング・バンドなど、伝統的な要素を完全に放棄したバンドもあり、彼らはサイケデリック・フォークを発展させていると見なされている。 1970 年代まで伝統的な素材を解釈し続けたアコースティック グループには、オシアン、シリー ウィザード、ザ ボーイズ オブ ザ ラフ、ナチュラル アコースティック バンド、バトルフィールド バンド、ザ クルーサ、ザ ホイッスルビンキーズなどがあります。

ケルト ロックは、 JSD バンドやスペンサーズ フィート などのスコットランドのグループによって、イギリスのフォーク ロックの派生として発展しました。

アイルランド人とスコットランド人のメンバーを組み合わせたファイブ・ハンド・リールは、このスタイルの最も成功した代表者として登場した。1970年代後半から、新しい音楽的、社会的傾向が支配的になり始めたため、フォーククラブの参加者数と数は減少し始めた。しかし、スコットランドでは、ケイリーとフェスティバルのサーキットが伝統音楽を支えた。このダンスバンドサーキットから登場した1980年代の最も成功した2つのグループは、ランリグとカペルカイリーだった。ケルト人の離散の副産物として、世界中に大規模なコミュニティが存在し、彼らは自分たちの文化的ルーツとアイデンティティをケルト諸国に求めていた。米国からは、スコットランドのバンド、セブン・ネイションズ、プライディーン、フラットフット56がこれに該当する。カナダからは、エンター・ザ・ハギス、グレート・ビッグ・シー、ザ・リアル・マッケンジーズ、スピリット・オブ・ザ・ウェストなどのバンドが活躍している。

中世後期のスコットランドではポピュラー音楽の文化が栄えていたという証拠がある。これには、スコットランドのコンプレイント（1549年）に掲載されている長い歌のリストが含まれる。この時代の詩の多くも元々は歌であったが、その音楽の記録は残っていない。メロディーは、宗教改革後に出版された『グードとゴッドリー・バラティス』（1567年）^{[1]に別個に残っている。これはポピュラーソングの精神的な風刺で、}ジェームズ、ジョン、ロバート・ウェダーバーン兄弟によって翻案され出版された。^[2]この時代から残っているメロディー付きの歌は「プリュー・ソング」だけである。^[1]宗教改革後、特にローランド地方の教会がダンスや、曲が演奏されるペニー・ウェディングなどのイベントを抑圧しようとしたにもかかわらず、世俗的なポピュラー音楽の伝統は続いた。^[3]

ハイランド地方のバグパイプの使用に関する最初の明確な言及は、1547年のピンキー・クルーの戦いで使用されたと言及しているフランスの歴史書にあります。ジョージ・ブキャナンは、バグパイプが戦場でトランペットに取って代わったと主張しました。この時期には、戦闘曲、行進曲、集会、敬礼、哀歌など、その軍事的起源を反映したバグパイプのceòl mór（偉大な音楽）が作られました。^[4] 17世紀初頭のハイランド地方では、マッククリモンド家、マッカーサー家、マグレガー家、ゲイロックのマカイ家などのバグパイプ奏者の一族が発展しました。ハイランド地方でフィドルが採用された証拠もあり、マーティン・マーティンは著書『スコットランド西部諸島の記述』 （1703年）の中で、ルイス島だけで18人の奏者がいることを知っていると述べています。^[5]有名な音楽家には、フィドル奏者のパティ・バーニー（1635年頃 - 1721年）や、笛吹きのハビー・シンプソン（1550年 - 1620年）などがいます。^[3]この伝統は19世紀まで続き、フィドル奏者のニール（1727年 - 1807年）やその息子のナサニエル・ガウ（1763年 - 1831年）などの主要人物が、多数の無名の音楽家とともに、何百ものフィドルの曲や変奏曲を作曲しました。^[6]

この時代のバラードの証拠がある。中世後期にまで遡るバラードの中には、13世紀まで遡る出来事や人物を扱ったものもある。その中には「サー・パトリック・スペンス」や「トーマス・ザ・ライマー」などがあるが、18世紀まで証拠はない。^{[7]スコットランドのバラードは独特で、スコットランドのバラード「}タム・リン」の妖精のような超自然的要素の包含に、キリスト教以前の影響が見られる。 ^{[8] 18世紀に民謡への関心が高まり、}トーマス・パーシー司教などの収集家が人気のバラード集を出版するまで、口承の伝統のままだった。 ^[8]

スコットランドで最初に印刷された世俗音楽集は、出版者のジョン・フォーブスによるもので、1662年にアバディーンにて『Songs and Fancies: to Thre, Foure, or Five Partes, both Apt for Voices and Viols』として出版されました。この本はその後20年間に3回印刷され、77曲の歌曲が収録され、そのうち25曲はスコットランド起源の歌曲でした。^[9] 18世紀の出版物には、ジョン・プレイフォードのバイオリンのためのオリジナル・スコッチ曲集（ハイランドのユーモア満載）（1700年）、マーガレット・シンクラーの音楽集（1710年）、ジェームズ・ワトソンの古代と現代の喜劇と真面目なスコットランドの詩の厳選集（1711年）などがある。教会による世俗的な音楽とダンスの抑圧は1715年から1725年の間に緩和され始め、音楽活動のレベルは、マカーの アラン・ラムゼイの詩集「ティーテーブル雑集」（1723年）、ウィリアム・トムソンの「オルフェウス・カレドニアス：または、スコットランドの歌集」 （1733年）、ジェームズ・オズワルドの「カレドニアン・ポケット・コンパニオン」 （1751年）、デイヴィッド・ハードの古代と現代の音楽集など、大判の音楽出版物や音楽集に溢れかえっていた。スコットランドの歌、英雄的バラードなど：記憶、伝統、古代の作家から集められたもの（1776年）。これらは、ジェームズ・ジョンソンとロバート・バーンズによって1787年から1803年にかけて6巻で出版された最も影響力のあるコレクションであるThe Scots Musical Museumに引用され、バーンズによる新しい歌詞も含まれていました。ジョージ・トムソンが収集し、1799年から1818年に出版されたThe Select Scottish Airsには、バーンズとウォルター・スコットの寄稿が含まれていました。^[10]スコットの初期の作品の中には、影響力のあるバラードコレクションMinstrelsy of the Scottish Border（1802–03年）がありました。^[11]

19世紀後半から、より学術的かつ政治的な意図を持つ伝統音楽への関心が再燃した。ハーバード大学教授フランシス・ジェームズ・チャイルド（1825年 - 1896年）の8巻からなるコレクション『The English and Scottish Popular Ballads』（1882年 - 1892年）は、その後の演奏者のレパートリーを定義する上で最も影響力があり、イギリスの音楽教師セシル・シャープは、フォークソングの本質を理解する上でおそらく最も重要な人物であった。^[12]スコットランドの収集家には、ジェームズ・ダンカン牧師（1848年 - 1917年）やギャビン・グレイグ（1856年 - 1914年）がおり、主にアバディーンシャーの1,000曲以上を収集した。^[13]この伝統は、故郷のバンコリーでの地元の行事から南部の都市部やバルモラルまで、さまざまな会場でバイオリンを演奏した「ストラスペイ王」として知られるジェームズ・スコット・スキナー（1843年 - 1927年）などの人物によって引き継がれた。 1923年、ワルツやカドリーユなどの大陸の社交ダンスの導入によって脅かされていた伝統的なスコットランドのダンスを保存するために、ロイヤル・スコティッシュ・カントリー・ダンス協会が設立されました。アコーディオンもハイランドの舞踏会やダンスで中心的な楽器となり始めました。^[14]

この復興はクラシック音楽に大きな影響を与え始め、スコットランドで事実上、管弦楽とオペラの国立流派が発達した。主な作曲家には、アレクサンダー・マッケンジー（1847–1935）、ウィリアム・ウォレス（1860–1940）、リアモント・ドライズデール（1866–1909）、ハミッシュ・マックカン（1868–1916）、ジョン・マキューアン（1868–1948）がいる。^[15]ドイツとイタリアで学び、スコットランドのテーマとドイツ・ロマン主義を融合させたマッケンジー^[16]は、 3つのスコットランド狂詩曲（1879–80、1911）、ヴァイオリンと管弦楽のためのピブロック（1889）、ピアノのためのスコットランド協奏曲（1897）で最もよく知られている。これらはすべて、スコットランドのテーマと民謡を取り入れている。^[15]ウォレスの作品には序曲『スコットランド詩賛歌』（1894年）がある。^[17]ドライズデールの作品はスコットランドのテーマを多く扱っており、序曲『タム・オ・シャンター』（1890年）やカンタータ『ケルピー』（1891年）などがある。^[18]マカンの序曲『山と洪水の国』（1887年）、『6つのスコットランドの踊り』（1896年）、オペラ『ジーニー・ディーン』 （1894年）と『デイアミッド』（1897年）、スコットランドを題材にした合唱作品^{[15]は、IGCハッチソンによって、}スコットランドの男爵家の城であるアボッツフォード城とバルモラル城の音楽版と評されている。^[19]同様に、マキューアンの『ピブローチ』（1889年）、『ボーダー・バラッド』（1908年）、『ソルウェイ交響曲』（1911年）には、伝統的なスコットランドの民謡が取り入れられている。^[20]

第二次世界大戦後、スコットランドの伝統音楽は疎外されたが、イングランドとは異なり、1950年代初頭まで農村部にケイリー・ハウスが存在し、若い世代が現代的なスタイルの音楽を好む傾向にあったとしても、古い世代によって伝統的な素材が演奏されるなど、その力ははるかに強かった。この衰退は、アメリカの音楽学者アラン・ロマックスなどの個人の行動によって変化した。ロマックスは、 1955年頃にコロンビア・レコードから発行されたスコットランドの歌曲を多数収集した。ロマックス、ハミッシュ・ヘンダーソン、ピーター・ケネディ（1922年 - 2006年）によるラジオ放送も、伝統の認知度を高める上で重要であり、特にケネディの『As I Roved Out』は、スコットランドとアイルランドの音楽を中心にしたものであった。 1951年、エディンバラ大学にスコットランド研究学院が設立され、ヘンダーソンが研究員となり、カルム・マクリーン（1915年 - 1960年）が歌曲集の収集を開始した。^[21]人気を博したアーティストには、 ジョン・ストラチャン（1875–1958）、ジミー・マクビース（1894–1972）、ジーニー・ロバートソン（1908–1975）、フローラ・マクニール（1928–2015）などがいた。^[22]エディンバラ・ピープルズ・フェスティバル（1951–1953）やアバディーン・フォーク・フェスティバル（1963年–）など、多くのフェスティバルでもこの​​音楽が人気を博した。 ^[21] 1960年代にはフォーククラブ文化が栄えた。最初のフォーククラブはロンドンでユアン・マッコール（1915–1989）によって設立され、マッコールはイギリスにおけるフォーク復興のリーダー的存在として登場し、 Scottish Popular Ballads（1956）などの影響力のあるレコードを録音した。 ^[23]スコットランドのフォーククラブは、急速に全イングランドのフォークソング方針に移行したイングランドのクラブほど教条的ではなく、スコットランド、アイルランド、イングランド、アメリカの素材の混合を奨励し続けた。初期には、ドナルド・ヒギンズやブレアゴーリーのスチュワートなどの伝統的な演奏家を迎え入れたほか、イングランドの演奏家やロビン・ホール（1936年 - 1998年）、ジミー・マクレガー（1930年生まれ）、ザ・コリーズなどの新しいスコットランドの復興主義者も出演した。イアン・キャンベル・フォーク・グループを含むこれらの新しい演奏家の多くは、スキッフル運動から生まれた。^[21]

ラジオやテレビの登場で恩恵を受けたスコットランドの人気音楽の一流もあった。これらは、ミュージックホールやバラエティ番組で使われるタータン柄やステレオタイプに由来するスコットランドのイメージに依存していた。その支持者には、 1958年から1967年までスコットランドで毎週放送されていた番組「ザ・ホワイト・ヒース・クラブ」のアンディ・スチュワート（1933年 - 1993年）などがいた。モイラ・アンダーソン（1938年 - ）やケネス・マッケラー（1927年 - 2010年）などが頻繁にゲストとして出演し、彼ら自身の番組を楽しんでいた。^[24]番組とその音楽は非常に人気があったが、彼らのスコットランド音楽とアイデンティティは多くのモダニストに軽蔑された。^[25]

アメリカの様々なスタイルの音楽とイギリスのフォークが融合して、フォーク・バロックと呼ばれる独特なフィンガースタイルのギター演奏が生まれた。これはデイビー・グラハムやバート・ヤンシュらが開拓した。 ^[12]これは部分的にイギリスのプログレッシブ・フォーク音楽の発展につながった。プログレッシブ・フォーク音楽は、より優れた音楽家としての才能、つまり作曲や編曲のスキルによってフォーク音楽を高めようとした。^[12]多くのプログレッシブ・フォーク演奏家は、自分たちの音楽に伝統的な要素を残し続けた。 1967年にペンタングルというバンドのメンバーとなったヤンシュもその一人である。 ^[12]音楽の伝統的な要素をほぼ放棄した者もいる。特に重要なのはドノヴァン（ボブ・ディランなどアメリカの新進気鋭のプログレッシブ・フォーク音楽家から最も影響を受けた）とインクレディブル・ストリング・バンドで、彼らは1967年以降、中世や東洋音楽を含むさまざまな影響を自分たちの作品に取り入れ、サイケデリック・フォークの発展につながった。サイケデリック・フォークは、プログレッシブ・ロックやサイケデリック・ロックに多大な影響を与えた。^[26] 1970年代まで伝統的な素材を解釈し続けたアコースティックグループには、オシアンやシリーウィザードなどがある。^[27]ボーイズ・オブ・ザ・ラフ・アンド・バトルフィールド・バンドは、グラスゴーのフォークシーンの繁栄から生まれた。^[21]また、このシーンからは、2人のフィドル奏者を擁し、後にパイパーのジミー・アンダーソンが加わった非常に影響力のあるザ・クルーサや、クララサッハ（ケルトのハープ）などの伝統的な楽器に頼った、非常に器楽的な形式を追求したザ・ホイッスルビンキーズも生まれた。^{[23]これらのグループの多くは主にローランド地方を起源とする音楽を演奏していたが、後に成功したバンドはハイランド地方のゲール語の音を好む傾向があった。フォーク界ではかなり人気があったが、これらのグループのどれも、}ザ・チーフタンズやザ・ダブリナーズなどのアイルランドのグループほどの成功は収めなかった。これらのバンドの中には、シリー・ウィザードのアンディ・M・スチュワート、バトルフィールド・バンドのブライアン・マクニール、タナヒル・ウィーバーズのダギー・マクリーンなど、著名なソロアーティストを輩出したものもある。マクリーンはおそらく、スコットランドで最も愛されている歌の 1 つである「カレドニア」を作曲した、最も有名なアーティストだろう。

ケルトフュージョンのアーティストほど人気はないかもしれませんが、伝統的なスコットランドのアーティストは今でも音楽を作り続けています。ヘブリディーズ諸島の歌手ジュリー・フォウリス、ゲール語スーパーグループのダイム、ラウなどがその例です。オールド・ブラインド・ドッグスも、出身地アバディーンシャーのドリス・スコットランド方言で歌うことで成功を収めています。アルバナックは、独特のパイプとドラムの組み合わせで知られています。

ケルト・ロックはイギリスのフォーク・ロックの派生として発展し、伝統的なスコットランドのフォーク音楽をロックの楽器で演奏し、 1969年からフェアポート・コンベンションとそのメンバーによって発展した。ドノヴァンは1970年のアルバム『オープン・ロード』で作ったフォーク・ロックを説明するのに「ケルト・ロック」という言葉を使った。そのアルバムには「ケルト・ロック」というタイトルの曲があった。^[28]スコットランドの伝統音楽に大きく影響を受けたイギリスのフォーク・ロックの採用により、JSDバンドのナチュラル・アコースティック・バンド（1970年）やスペンサーズ・フィートなどのグループが生まれた。1974年の後者の残骸から、ギタリストのディック・ゴーガンは、アイルランド人とスコットランド人を組み合わせたこのジャンルでおそらく最も成功したバンド、ファイヴ・ハンド・リールを結成し、その後影響力のあるソロ活動に乗り出した。^[29]

1970年代後半から、パンク・ロック、ニューウェイヴ、エレクトロニック・ミュージックなどの新しい音楽的・社会的トレンドが主流になり始めると、フォーク・クラブの参加者数と数は減少し始めた。しかし、スコットランドでは、ケイリーやフェスティバルのサーキットが伝統音楽を支えた。^[12] 1980年代に最も成功した2つのグループは、このダンス・バンド・サーキットから生まれた。1978年にオリジナル・アルバムをリリースし始めたときから、ランリグは高度に洗練されたスコットランドのフォーク・ロックを制作し、その中には1978年に全ゲール語の Play Gaelicで初めて商業的に成功したアルバムも含まれている。 ^[30] 1980年代から、カペルカイリーはスコットランドのフォーク・ミュージック、エレクトリック楽器、そして心に残るボーカルを組み合わせてかなりの成功を収めた。^{[31]バグパイプはスコットランドのフォーク・バンドに欠かせない要素となっていたが、フォーク・ロックのバンドでバグパイプが使われることはかなり稀だったが、ハイランド・ミュージックとロックの組み合わせに焦点を当てた}ウルフストーンが1989年からバグパイプをうまく自分たちのサウンドに取り入れた。^[32]最近では、マンランやタイド・ラインズなどのバンドもケルト音楽とポップ・ロックの組み合わせに焦点を当てています。さらに、シューグレニフティやピートボッグ・フェアリーズなどのグループは、伝統的なハイランド音楽とダブステップのリズムなどのより現代的なサウンドをミックスし、「アシッド・クロフト」と呼ばれるジャンルを生み出しました。ナイトワークスは前述の2つのバンドにインスピレーションを与え、マーティン・ベネットの電子サンプリングは、ゲール語のエレクトロニック音楽をさらに発展させ、ケルト音楽はゲール語のエレクトロニカ^[33]とケルト語のエレクトロニカの両方として説明されています。

グラスゴー出身のシンプル・マインズやダンファームリン出身のビッグ・カントリーなど、スコットランドのスタジアム・ロックバンドは、多くの曲に伝統的なケルト音楽を取り入れている。シンプル・マインズはヒット曲「ベルファスト・チャイルド」を伝統的なアイルランドの歌「シー・ムーヴド・スルー・ザ・フェア」に基づいて作曲し、アコーディオンをラインナップに取り入れた。一方、ビッグ・カントリーの初期アルバムのギターとドラムの音は、特に「イン・ア・ビッグ・カントリー」や「フィールズ・オブ・ファイア」などの曲で、スコットランドのパイプバンドの影響を強く受けている。ビッグ・カントリーはロバート・バーンズの「キリークランキー」 もカバーしている。

ケルト系移民の副産物として、世界中にケルト諸国に文化的ルーツとアイデンティティを求める大規模なコミュニティが存在した。こうしたコミュニティ出身の若いミュージシャンは、フォークカルチャーとロックやポップなどの主流の音楽のどちらかを選択するのが通例のようだが、ケルトパンクの出現後、ケルトロックを標榜するバンドが比較的多く登場し始めた。これは、アイルランド系やスコットランド系移民の子孫が多い米国やカナダで特に顕著である。米国では、セブン・ネイションズ、プライデイン、フラットフット56などがこれにあたる。カナダでは、エンター・ザ・ハギス、グレート・ビッグ・シー、ザ・リアル・マッケンジーズ、スピリット・オブ・ザ・ウェストなどのバンドが知られている。これらのグループはアメリカの音楽の影響を受けており、ケルト系の血を引かないメンバーもおり、英語で歌うことも多い。^[34]

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