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ファインアート写真とは、写真家が芸術家としてのビジョンに基づいて制作する写真であり、写真という表現媒体を用いて創造的な表現を行うものです。ファインアート写真の目的は、アイデア、メッセージ、あるいは感情を表現することです。これは、特定の被写体や出来事をドキュメンタリーとして視覚的に記録し、写真家の主観的な意図ではなく客観的な現実を文字通り表現する報道写真や、製品やサービスの宣伝を主な目的とする商業写真とは対照的です。
ある写真史家は、「『ファインアート』または構図写真の初期の提唱者はジョン・エドウィン・メイオールである」と主張し、彼は1851年に主の祈りを描いたダゲレオタイプを展示した。 [ 2 ]写真 撮影の成功例は、ジュリア・マーガレット・キャメロン、チャールズ・ラトウィッジ・ドジソン、オスカー・グスタフ・レイランダーなど、ヴィクトリア朝時代の実践者に遡ることができる。米国では、 F・ホランド・デイ、アルフレッド・スティーグリッツ、エドワード・スタイケンが写真をファインアートにする上で重要な役割を果たし、特にスティーグリッツは写真を美術館のコレクションに導入したことで有名である。
1960年頃のイギリスでは、写真は美術として十分に認められていませんでした。当時、写真美術協会を設立したSD・ジョウハーは次のように述べています。「現状では、写真は一般的に工芸以上のものとして認識されていません。アメリカでは、特定の公的機関において写真が美術として公然と受け入れられています。ギャラリーや展覧会で芸術作品として展示されています。しかし、この国ではそのような認識はありません。ロンドン・サロンでは絵画的な写真が展示されますが、一般的には芸術とは理解されていません。作品に美的特質があるかどうかに関わらず、『絵画的写真』という非常に曖昧な用語で分類されます。写真家自身が自分の作品とその尊厳、そして美的価値に自信を持ち、工芸ではなく芸術として認められるよう働きかけなければなりません。」
1970年代後半まで、ヌード、肖像、自然風景（アンセル・アダムスに代表される）といったいくつかのジャンルが主流だった。1970年代から80年代にかけてブレイクした「スター」アーティスト、例えばサリー・マン、ロバート・メイプルソープ、ロバート・ファーバー、シンディ・シャーマンなどは、そうしたジャンルに大きく依存していたものの、新たな視点からそれらを捉えていた。また、スナップショット的な美学を探求したアーティストもいた。
1970年代半ば、ヨゼフ・H・ノイマンはケモグラムを開発しました[ 3 ]。ケモグラムは写真処理と印画紙へのペイントの両方を組み合わせた作品です。コンピュータの普及と画像処理ソフトウェアの使用以前は、ケモグラムの作成プロセスは、拡大処理後に元の画像を変更するアナログ後処理の初期形態とみなすことができます。デジタル後処理作品とは異なり、各ケモグラムはユニークな作品です。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]
アパーチャー財団やニューヨーク近代美術館（MoMA）などのアメリカの組織は、写真が美術の最前線にあり続けるために多大な貢献をしてきた。MoMAが1940年に写真部門を設立し、ボーモント・ニューホールを初代キュレーターに任命したことは、写真が芸術としての地位を確立したことを制度的に証明した例としてよく挙げられる。[ 8 ]
近年では、既成の「発見」を期待するのではなく、入念な演出と照明によって作品を創り上げる傾向が見られる。グレゴリー・クルードソンやジェフ・ウォールといった写真家は、その演出された作品の質の高さで知られている。さらに、デジタル写真における新たな技術革新は、紫外線、可視光線、赤外線といった波長域全体にわたるフィルターの選択を慎重に行うことで、新たな芸術的ビジョンを生み出す、フルスペクトル写真という新たな方向性を切り開いた。
1980年頃から印刷技術が向上するにつれ、写真家の作品が精巧な印刷で限定版として出版された写真集は、コレクターの間で強い関心を集めるようになった。これは、写真集は通常、高い制作水準、少ない部数、そして限られた市場規模ゆえに再版されることがほとんどないためである。個々の写真家による写真集のコレクター市場は急速に発展している。
アートマーケットトレンド2004によると、2004年にオークション会場で販売された写真は7,000点に上り、1994年から2004年にかけて平均で年間7.6 %の価格上昇を記録した。 [ 9 ]オークション販売は個人販売全体のほんの一部に過ぎないが、約80%は米国で販売された。現在、コレクター市場は活況を呈しており、最も人気のあるアート写真家は、厳選された限定版で高品質のアーカイブプリントを制作している。オンラインのアート小売業者が絵画のプリントと並んで一般向けに優れた写真を販売しようとする試みは、結果がまちまちで、アンセル・アダムスなどの伝統的な主要写真家からのみ好調な売上が上がっている。
加工、フィルタリング、解像度変更といった「デジタル化の流れ」に加え、一部の美術家は「自然主義」を意図的に追求し、「自然光」そのものを価値あるものと捉えている。ゲルハルト・リヒターの作品のように、写真画像の上に油絵具で彩色を施したり、画像そのもの以上の政治的・歴史的な意味合いを込めた作品もある。「写真投影絵画」の登場により、従来絶対的であった絵画と写真の境界線は曖昧になりつつある。
美術写真の主なジャンルは絵画から受け継がれたもので、風景、肖像、ヌード、静物などがある。[ 10 ]これらのジャンルのいくつかは、商業的または実用的な対応物があり、美術の実践は慣習的にそれらと区別されているが、個々の作品はしばしばカテゴリー間を行き来する。[ 11 ]カテゴリーは相互に排他的ではない。例えば、ベルントとヒラ・ベッヒャーの類型グリッドは、都市景観とコンセプチュアル写真の両方として受け入れられている。[ 12 ]
風景写真は美術写真における最も古い主題の一つであり、その美的意図と制度的な受容において商業写真や調査写真とは区別される。風景写真は自然環境と人工環境の両方を包含する。[ 13 ]
美術的な自然風景写真は、19世紀のアメリカの測量作業、特にティモシー・H・オサリバンが政府測量（1867～1879年）のために撮影した写真に由来しており、その大判プリントは後に美術作品として認められた。[ 13 ] [ 14 ] 20世紀には、グループf/64（1932年設立）や、アンセル・アダムスによるヨセミテとシエラネバダの写真によって認知され、これらがアメリカの美術的な風景写真の基準となった。[ 15 ]
美術写真家は19世紀後半から建築環境を題材にしてきた。ウジェーヌ・アジェのパリの記録（1890年代～1927年）はシュルレアリストやベレニス・アボットの『変化するニューヨーク』（1935～1939年）を通して美術として受け入れられた。[ 13 ] 1959年からは、ベルントとヒラ・ベッヒャーの無表情な類型グリッドがコンセプチュアル・アートに受け入れられた。ベッヒャー夫妻は、アンドレアス・グルスキー、トーマス・シュトルート、カンディダ・ヘーファー、トーマス・ルフを含むデュッセルドルフ派を教え、彼らの作品は主要な美術館のコレクションに収蔵された。 [ 12 ] 1975年にジョージ・イーストマン・ハウスで開催された「ニュー・トポグラフィックス」展は、人間が改変した風景を批判的な美的立場として美術館にもたらした。[ 16 ] [ 17 ]
写真という媒体が発明されて以来、肖像写真は美術の実践において継続的に中心的なテーマとなってきた。美術肖像写真は、記録や実用的な用途のための似姿を作成するのではなく、美的、心理的、概念的な内容を強調する。[ 18 ]肖像写真家のジュリア・マーガレット・キャメロンは、自身の目的を「写真を高め、それをハイアートの特性と用途に確保すること」と述べており、これは同時代のフェリックス・ナダールも共有していた、この媒体の美術的な位置づけである。[ 19 ]アウグスト・ザンダーの『20世紀の人々』は新即物主義写真の基礎となる作品となり、[ 20 ]リチャード・アヴェドンのミニマルな白い背景の肖像写真は、2002年にメトロポリタン美術館で回顧展の対象となった。[ 21 ]
写真家は、写真の黎明期から、絵画や彫刻におけるヌードの絵画的伝統に基づき、ヌードを美術の主題として扱ってきました。美術的な扱いでは、商業的なエロティック写真やポルノ写真とは対照的に、身体の形式的および概念的な特性が強調されます。[ 22 ]ヌードは、写真という媒体が発明されて間もなく、画家や彫刻家の教育補助として写真に取り入れられました。20世紀初頭には、F・ホランド・デイのピクトリアリズム作品や、グループf/64のエドワード・ウェストンとイモージェン・カニンガムのモダニズムヌードにおいて、美術の実践の中心的な主題となりました。[ 22 ]後期の美術ヌード写真家には、ビル・ブラント、ロバート・メイプルソープ、サリー・マン、ジョン・コプランズなどがいます。[ 22 ]
静物画は1840年代から写真における美術ジャンルとして確立されてきた。デイヴィッド・カンパニーによれば、美術と商業写真の結びつきは静物画において最も顕著であり、静物画が風景画や肖像画と同等の地位に上り詰めたのは商品文化の台頭に続くものであった。[ 23 ]美術の実践において、静物画は17世紀の絵画におけるヴァニタスの伝統に基づき、象徴的または形式的な意味を伝えるために意図的に物を配置することによって機能する。[ 24 ]ウィリアム・ヘンリー・フォックス・タルボットなどの先駆者たちは、文書、美的構成、そして初期の広告として同時に機能する静物画を制作した。[ 23 ] 1920年代には、アルベルト・レンガー＝パッチュやエドワード・ウェストンなどのモダニストが美術の静物画と商業広告の間で活動し、[ 23 ]カール・ブロスフェルトの植物研究は1928年の『Urformen der Kunst』の出版後、新即物主義運動に取り入れられた。[ 20 ]
報道写真とは異なり、ストリートフォトグラフィーは芸術的な意図でファインアートのジャンルとして発展した。[ 25 ]アンリ・カルティエ＝ブレッソンの1952年の著書『決定的瞬間』は決定的瞬間の概念を明確にし、このジャンルの基礎となるものとして広く認識されている。[ 26 ]ジョン・サルコウスキーの1967年のニューヨーク近代美術館での展覧会「ニュー・ドキュメンツ」では、ダイアン・アーバス、リー・フリードランダー、ギャリー・ウィノグランドの作品がドキュメンタリー写真の方向性を「より個人的な目的」へと転換させたと説明されている。[ 26 ]
1960年代半ばから、コンセプチュアル・アート運動は、写真を自律的なイメージとしてではなく、アイデア、パフォーマンスの記録、マルチメディア・インスタレーションの媒体として使用しました。このアイデアベースのモードで活動した写真家やアーティストには、ジョン・バルデッサリ、ソル・ルウィット、ブルース・ナウマン、エド・ルシェなどがいます。シカゴ美術館の2011年の「ライト・イヤーズ」展は、この時期が写真を「現代美術の主流に決定的に導いた」と評価しました。[ 27 ]ベルントとヒラ・ベッヒャーの類型グリッドも、コンセプチュアル写真として受け入れられました。[ 12 ] 1970年代後半からは、写真家が見つけた被写体を記録するのではなく、シーンを構築するファインアートのモードとして、演出された写真タブローが発展しました。シンディ・シャーマンの『Untitled Film Stills』（1977-80年）は、商業や大衆文化のイメージを取り入れたもので、 1981年にニューヨーク・タイムズ紙で写真のポストモダンの転換の典型例として批評された。[ 28 ]
抽象写真は、国際的な概観展や批評的なアンソロジーを通じて美術界で流通している。[ 29 ]イタリアの未来派は、アントン・ジュリオ・ブラガリアの1912年の『Fotodinamismo futurista 』 [ 30 ]で前衛的な写真理論を開拓し、バウハウスでは、ラースロー・モホリ＝ナジの『New Vision』（Neues Sehen）が、予期せぬフレーミングやアングルを用いて、習慣的な見方に挑戦した。[ 31 ]現代のカメラレス写真やダイレクトプロセス写真の実践者には、ヴォルフガング・ティルマンス（ 2003年に始まったFreischwimmerシリーズ）、マルコ・ブロイヤー、ワリード・ベシュティ、ジェームズ・ウェリングなどがいる。[ 29 ]
美術写真と他の多くの写真ジャンルは重なり合うことがあるが、ファッション写真やフォトジャーナリズムとの重なりは特に注目に値する。ニューヨーク近代美術館が2004年に開催した展覧会「1990年以降の写真におけるフィクションの形成」のカタログでは、これらのカテゴリー間の関係を「美術写真と商業写真の交流における特に実り多い瞬間」と表現している。[ 32 ]
1996年には、特にファッションの分野で「商業的なイラストレーション写真とファインアート写真の境界線が最近曖昧になっている」と述べられた。[ 33 ]ファインアート写真とファッション写真の重複を示す証拠としては、講演[ 34 ]、展覧会[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] 、アート・バーゼル・マイアミ・ビーチなどの見本市[ 38 ] 、書籍[ 33 ] [ 39 ]などがある。リチャード・アヴェドン、アーヴィング・ペン、セシル・ビートン、マン・レイなどのファッション写真家は、ファインアート写真の展覧会やコレクションに広く含まれている。[ 11 ]
報道写真と美術写真が重なり合うようになったのは、「1960年代後半から1970年代にかけて、報道写真家が美術写真や絵画との繋がりを築き始めた頃」である。[ 40 ] 1974年には国際写真センターが開設され、「人道報道写真」と「美術写真」の両方に重点が置かれた。[ 40 ] 1987年までには、「雑誌や新聞の依頼で撮影された写真が、額装されて美術館やギャラリーの壁に定期的に展示されるようになった」。[ 41 ]
1950年代半ばまでは、ギャラリーの展覧会で写真を額装することは、下品で気取った行為だと広く考えられていました。プリントは通常、ブロックボードや合板に貼り付けるか、暗室で白い縁取りを施し、展示ボードの角をピンで留めるだけでした。こうして、プリントはガラスの反射で隠されることなく展示されました。スタイケンの有名な「ファミリー・オブ・マン」展は額装されず、写真はパネルに貼り付けられていました。1966年のビル・ブラントのMoMA展でさえ、額装されず、薄い合板にシンプルなプリントが貼り付けられていました。1950年代半ばから2000年頃までは、ほとんどのギャラリーの展覧会でプリントはガラス越しに展示されていました。2000年頃からは、現代のギャラリープリントを再びボードに貼り付け、ガラスなしで展示する傾向が顕著になっています。さらに、20世紀を通じて、プリントのサイズは著しく大きくなりました。
ファインアート写真は、主にアーティストのビジョンを表現するために制作されますが、副産物として、特定の活動を推進する上でも重要な役割を果たしてきました。ヨセミテとイエローストーンにおけるアンセル・アダムスの作品はその一例です。アダムスは20世紀で最も広く知られたファインアート写真家の一人であり、熱心な自然保護活動家でもありました。彼の主な関心は芸術としての写真にありましたが、彼の作品の中には、シエラネバダ山脈の美しさに対する人々の意識を高め、その保護に対する政治的な支持を築くのに貢献したものもありました。
こうした写真は、裸体を扱っていることから、検閲法や表現の自由といった分野にも影響を与えてきた。
芸術家や作家たちの反応は、写真が美術として認識される上で大きく貢献してきた。著名な画家たちは、写真という媒体への関心を表明してきた。
私は昔から写真に強い興味を持っていました。絵画よりもずっと多くの写真を見てきました。なぜなら、写真の持つリアリティは、現実そのものよりも強いからです。
同様に、著名な作家たちも写真の芸術的可能性に反応を示している。
…私には、キャパがカメラは冷たい機械装置である必要はないということを疑いの余地なく証明したように思える。ペンと同じように、カメラはそれを使う人の腕次第で良くなる。それは精神と心の延長となり得るのだ…。
以下に、「アート写真」「芸術写真」「ファインアート写真」といった関連用語の定義を一覧で示します。
参考書に記載されている定義には以下のようなものがある。
学術論文に見られる定義には以下のようなものがある。
ワールドワイドウェブ上で見つけることができる定義には、以下のようなものがある。
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