アルベルト・ブッリ

アルベルト・ブッリ
アルベルト・ブッリ、撮影：ナンダ・ランフランコ
生まれる	アルベルト・ブッリ ( 1915-03-12 )1915年3月12日[1] チッタ ディ カステッロ、ウンブリア州ペルージャ
死亡	1995年2月13日(1995-02-13)（享年79歳） ニース、フランス
休憩所	チッタ・ディ・カステッロ墓地
国籍	イタリア語
教育	インフォーマリズム
母校	ペルージャ大学
知られている	絵画、ランドアート、彫刻
注目すべき作品	クレット・ディ・ブッリ
動き	フルクサス、ヌーヴォー・レアリスム、アルテ・ポーヴェラ
配偶者	ミンサ・クレイグ ​ （ 1955年生まれ）
受賞歴	サンパウロビエンナーレにおけるユネスコ賞 (1959) ヴェネツィアビエンナーレにおける批評家賞 (1960) マルゾット賞 (1964) サンパウロビエンナーレにおけるグランプリ (1965) フェルトリネッリグラフィックアート賞 (1973) グラスゴー大学名誉学位 (1991) レジオンドヌール勲章 (1993) イタリア功労勲章 (1994)

アルベルト・ブッリ（1915年3月12日 - 1995年2月13日、イタリア語発音： [alˈbɛrto ˈburri]）は、チッタ・ディ・カステッロを拠点としたイタリアの視覚芸術家、画家、彫刻家、医師であった。彼はヨーロッパの非公式芸術運動の物質主義と関連付けられており、自身のスタイルを多物質主義者と表現した。彼はルーチョ・フォンタナの空間主義とつながりがあり、アントニ・タピエスとともに、ヨーロッパと同様にアメリカ（ロバート・ラウシェンバーグ）における戦後の組み立て芸術の復興に影響を与えた。

アメリカの美術雑誌ARTnewsが発行する「過大評価と過小評価」のコラムでは、アルベルト・ブッリの名前が頻繁に取り上げられている。例えば、キャロリン・クリストフ・バカルギエフは2005年1月号で彼について言及している。^[2]

1950年代の雑誌を見ると、ブリはアメリカの抽象表現主義者のほとんどと同じ立場にいたのに、どういうわけかほとんど忘れ去られてしまった。ブリは戦後期に非常に重要な人物であり、国際的にも影響力があった。ブリがいなかったら、スペインにアントニ・タピエスのような人物はいなかっただろうと思う。 ^[3]

— キャロリン・クリストフ・バカルギエフ、2005年

アルベルト・ブッリは1915年3月12日、ウンブリア州チッタ・ディ・カステッロで、トスカーナのワイン商ピエトロ・ブッリとウンブリアの小学校教師カロリーナ・トレッジャーニの子として生まれました。^[4] 1935年、ブッリは年金に寄宿しながらアレッツォの公立高校に入学し、学校の成績表によると、チッタ・ディ・カステッロの私立学校で古典を勉強しました。 ^[5]北アフリカから戻ると、ブッリと弟のヴィットリオはペルージャの医学部に入学し、アフリカでの冒険の後、熱帯病を専門にしたいと決心しました。^[6]ブッリは1940年に医学校を卒業し、その年の10月12日、イタリアが第二次世界大戦に参戦した2日後に、イタリア・エチオピア戦争での早熟な志願兵経験により、軍に召集され、リビアに戦闘衛生兵として送られた。^[7]陸軍の記録によると、この命令から20日以内に、ブッリは医療インターンシップを完了し、医師資格を取得するための資格を取得するために一時除隊となった。^[8]ブッリは、周囲にある芸術作品を理解したいと思ったので、美術史を学んだと主張した。^[9]彼はギリシャ語も学び、この言語に堪能になり、後年、古典ギリシャ文学を読んで楽しむことができた。^{[10] 1943年5月8日、彼が所属していた部隊は}チュニジアでイギリス軍に捕らえられ、後にアメリカ軍に引き渡されてテキサス州ヘレフォードの捕虜収容所に移送され、約3000人のイタリア人将校が収容された。 ^[11]そこで彼は絵を描き始めた。1946年に解放された後、彼はローマに移り、絵画に専念した。1947年にラ・マルゲリータ・ギャラリーで初の個展を開催した。その後、ニューヨークのマールボロ・ギャラリーとパリのギャラリー・ド・フランスで展示会を行った。

医師としての職業を禁じられたブッリは、 YMCA協会のおかげで余暇活動を選ぶ機会を得た。収容所で入手できる限られた材料を使って、彼は30歳近くで、いかなる学術的参照もなしに絵を描く活動を始めた。^[12]一方、1943年にロシア戦線で弟のヴィットリオが悲劇的に亡くなったことは、彼に強い衝撃を与えた。^[13]外界から身を隠し、濃い色の線で具象的な主題を描きながら、彼は次第に医師の職業を捨てて絵画を選びたいという願望を抱くようになった。^{[14] [a]}

1946年2月27日にブッリがイタリアに帰国すると、第二次世界大戦後の深刻な不況と両親の不満が彼の決断を阻んだ。彼は母の従兄弟でヴァイオリニスト兼作曲家のアンニバレ・ブッキの客としてローマに移り、アンニバレは彼の画家としての活動を奨励した。^[15]

ローマ滞在中に、彼は戦後の視覚芸術の新たな基盤を創り出していた、絵画に特化した数少ないが非常に活発な機関と接触する機会を得た。^[17]

彼は控えめな芸術家であり続け、最初はマルグッタ通りの小さなスタジオで休みなく制作に取り組んでいたが、頻繁に引っ越していた。実際、1954年にブッリのスタジオを訪れたアメリカ人ジャーナリストのミルトン・ゲンデルは、後に次のように報告している。「スタジオは壁が厚く、白塗りで、すっきりと禁欲的だった。彼の作品は『血と肉』で、赤く染まった破れた布は、ブッリが戦時中に受けた傷の止血と似ているようだ。」^[18]

ブッリの最初の具象芸術作品の個展は、1947年7月10日にローマのギャラリー兼書店ラ・マルゲリータで、詩人のレオナルド・シニスガリとリベロ・デ・リベロによって開催された。しかし、同年末までにブッリの芸術作品は完全に抽象的な形式へと移行し、小型のテンペラ画の使用は、ジャン・デュビュッフェやジョアン・ミロなどの芸術家の影響によるものであった。ブッリは1948年冬にパリを訪れた際に、ミロのスタジオを訪れた。^[19]

ブッリの芸術的探究は短期間で個人的なものとなり、1948年から1950年にかけて、タール、砂、亜鉛、軽石、アルミニウム粉末、ポリ塩化ビニル接着剤など、珍しい「非正統的な」材料の使用を試み始めた。この最後の材料は油絵の具と同等の重要性を持つようになった。この芸術的変遷の間、画家はイタリア抽象芸術の中心人物であるエンリコ・プランポリーニの混合メディアタイプの抽象表現に対する感受性を示した。それにもかかわらず、ブッリはカトラミ（タール）でさらに一歩進み、タールを単なるコラージュ材料としてではなく、実際の色として提示し、単色の黒のさまざまな透明と不透明の色合いによって、絵画全体に溶け込んだ。^[23]

1948 年の「Nero 1」（Black 1）は、後にアーティストによって絵画の最初のマイルストーンとして取り上げられ、黒のモノクロームの普及を確立しました。これは、1949 年から 1950 年のBianchi（Whites）シリーズ以来、白や赤とともに、彼のキャリアを通じて密接なアイデンティティとして維持されることになります。

続く「ムッフェ（カビ）」シリーズは、文字通り、使用された材料の自然発生的な反応を示し、滴り落ちるものや凝固物の中で物質が「生き返る」ことを可能にして、本物のカビの効果と外観を再現した。同時期に制作された「ゴッビ（せむし男たち）」と名付けられたいくつかの作品では、ブリは絵画の空間的相互作用に焦点を当て、キャンバスの裏側に木の枝を組み込むことで二次元性を三次元空間へと押し上げるという独創的な成果を達成した。^[24]

1949年、評論家のクリスチャン・ゼルヴォスは、有名な雑誌『カイエ・ダール』に、前年パリで展示されたカトラメの写真を掲載した。^[24]

ブッリはアンフォルメル派に親しみ、エットーレ・コッラと親交があったため、アルベルトはグルッポ・オリジネ（コッラ自身、マリオ・バロッコ、ジュゼッペ・カポグロッシによって1951年に設立され、解散）と親交を深めたが、画家の芸術的探求はますます孤独で独立したものになっていった。^[25]

1952年以降、ブッリは、マーシャル・プランによって広く配布された黄麻布から直接作られた作品であるサッキ（袋）によって、強い個性的な特徴を実現しました。色彩はほぼ完全に消え、表面の素材に空間が残され、絵画は完全に自立してその素材と一致し、絵画の表面とその形状の間に分離がなくなりました。^[26]

気泡、クレーター、裂け目、重なり合う色彩層、さまざまな形態によって得られる形式的な芸術的優雅さと空間的バランスは、注意深い考察と正確な計算に基づいたブリの芸術を、同時期のアクション・ペインティングを特徴づける衝動的なジェスチャーと区別するものである。^[27]

ブリは1949年にSZ1 （ Sacco di Zucchero 1の頭文字で砂糖袋1を意味する）でこれらの特異な要素についての最初の見解を示した。作品にアメリカ国旗の一部が含まれていることから、ポップアートで同じ主題が使われることが予期された。しかしブリの場合、社会的または象徴的な意味合いはなく、絵画の形式と色彩のバランスだけが真の焦点であった。^[28]

ブッリのサッキは一般の理解を得られず、むしろ芸術の概念からかけ離れているとみなされた。1952年、彼が初めてヴェネツィア・ビエンナーレ展に参加した年、 「Lo Strappo（裂け目）」と「Rattoppo （継ぎはぎ）」と題されたサッキは却下された。^[29]

1959年、イタリア議会は議事進行を命じ、ローマの国立近代美術館からこの画家の作品の一つを撤去するよう求めた。^[25]

1953年、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館館長のジェームズ・ジョンソン・スウィーニーがローマのオベリスコ・ギャラリーでブリの作品を発見し、ヨーロッパの新しい芸術的傾向を代表する集団展でブリの作品を米国に紹介したとき、ブリの作品は違った肯定的な評価を受けた。^[30]この出会いはその後スウィーニーとの生涯にわたる友情につながり、スウィーニーは米国の主要美術館でブリの芸術の積極的な支持者となり、1955年にはブリに関する最初のモノグラフを執筆した。同年、ロバート・ラウシェンバーグは画家のスタジオを2度訪問している。2人の芸術家の間には言語の違いがあり会話はできなかったが、ラウシェンバーグの訪問は彼のコンバイン・ペインティングの創作に多大な影響を与えた。^{[31] [32] [33]}

ブリとアメリカの強い関係は、アメリカのバレエダンサー（マーサ・グラハムの弟子）で振付師のミンサ・クレイグ（1928年 - 2003年）と出会い、1955年5月15日にコネチカット州ウェストポートで結婚したときに公式なものとなった。彼らはその後も、良い時も悪い時も共に歩み続けた。^[34]

数回の散発的な試みの後、1953年から54年にかけて、ブッリは紙の上で小さな燃焼を起こすという、綿密に計画された火の実験を行い、エミリオ・ヴィラの詩集の挿絵として使用した。^[35]詩人は、画家の革命的な芸術的可能性を理解した最初の一人であり、1951年以来それについて書き、画家と共同で画集を制作した。^[36]彼は後に、油田への共通の訪問（1955年の雑誌「Civiltà delle Macchine」のルポタージュのため）が、画家の火の使用への関心に強い影響を与えたと回想している。^[37]

1957年頃には、燃焼に採用された手法は紙から、キャンバスやその他の支持体に固定された薄い木のベニヤ板を使用するレグニ（森）へと移行しました。 ^[38]

同じ時期に、ブッリは、要素の全体的なバランスを狙って、金属板を切断し、バーナーで溶接した作品であるフェッリ（アイロン）にも取り組んでいました。この手法の最もよく知られた応用は、 60年代のプラスティケ（プラスチック）で達成されました。この頃、イタリアでも徐々にブッリの芸術に対する批評家たちの寛容さが見られ始めました。

バーナーは、表面上は破壊的な装置に過ぎなかった。実際、セロファン、黒、赤、透明のプラスチック、または透明プラスチックを白または黒の支持体に置いたビアンキ・プラスティカ（白いプラスチック）シリーズに炎で作られたクレーターは、画家の吹き付けによって軽く方向づけられていた。このようにして、一方では炎のランダム性に対する一種の「反抗」として、他方ではブッリの哲学に固有の「偶然性を支配する」一種の試みとして、物質のバランスが再び強調された。^[39]

1963年以降、ブリと妻は冬をロサンゼルスで過ごすようになった。ブリは次第にロサンゼルスの芸術界から離れ、自身の作品に深く集中するようになった。^[40]デスバレー国立公園への度重なる旅行中に、ブリは砂漠の自然なひび割れに視覚的な刺激を見出し、1973年以降、1940年代の作品で使用したひび割れたペイント効果を発展させた「クレッティ（ひび割れ）」を制作し始めた。^[41]

画家はカオリン、樹脂、顔料の特別な混合物を使用し、オーブンの熱で表面を乾燥させた。ブリはPVA接着剤層を使用して加熱プロセスを必要なタイミングで停止させ、ひび割れ効果の増減を実現したが、画家の化学に関する豊富な知識により、常にバランスが取れていた。^[42]

ブッリは、黒または白のクレッティに使用された手法を彫刻でも再現し、カリフォルニア大学ロサンゼルス校とナポリ校（カポディモンテ美術館）の大規模な拡張部分である焼成粘土のグランディクレッティ（大きな亀裂）（両方とも49 x 16）と、最も重要なものとして、1968年の地震で破壊された古い小さなシチリアの町の廃墟の上に建てられたジベッリーナのクレッティディブッリ^{の広大なセメントの覆いに使用しました。 [43]} 1984年に始まり1989年に中断されたこの作品は、アーティストの生誕100周年である2015年に完成しました。これはこれまでに実現した芸術作品の中でも最大級のもので、約85,000平方メートルの面積に広がっています。その白いコンクリートの覆いは町の上に広がり、長い幹線道路と回廊の古い街路地図に沿って歩いて行くことができ、荒廃した町を象徴的に復活させています。

1970 年代、ブリの芸術は徐々に幅広い次元へと移行し、回顧展が世界中で次々と開催されました。1977 年から 1978 年にかけてアメリカ全土で開催され、ニューヨークのソロモン R. グッゲンハイム美術館で終了した大規模な個展はその一例です。

1979年の一連の絵画作品「旅」では、ブッリは10の記念碑的な作品を通して、自身の芸術作品の重要な瞬間を再現した。^[44]

この段階で優先的に使用された素材はセロテックス（著者は名前にlを加えた）で、木材生産の廃材と接着剤の工業用混合物であり、断熱ボードの製造によく使用されます。 ^[45]それまで、画家は1950年代初頭からアセテートやアクリルの作品の支持体としてこの素材を以前の作品に使用していました。^[46]

その後、セロテックスは、極端に薄い傷のついた陰影や、Orsanmichele（1981）のような滑らかな部分と粗い部分の並置を通して、支配的で明確な幾何学的構造の上に多翼祭壇画として考えられた周期的なシリーズ、またはAnnottarsi （Up to Nite、1985）のような黒いモノクロームのバリエーション、そしてSestante（Sextant、1983）のような多色形式、または最後のNero e Oro （黒と金）シリーズにおけるラヴェンナのモザイクの金へのオマージュに使用された。^[47]

ブッリの芸術作品全体は、絵画と彫刻の両方において、形と空間の不可分な全体として作者によって考え出されていた。一例を挙げると、アーキボルトの反復モチーフは、絵画では単純な形で、鉄の彫刻『テアトロ・スクルトゥーラ』（1984年ヴェネツィア・ビエンナーレで発表された作品）や、1972年の陶芸の『オギーヴ』シリーズでは遠近法で表現されている。^[48]

ブッリの彫刻作品と絵画作品の強い連続性は、ロサンゼルスのUCLAとナポリのカポディモンテの陶器「グランディ・クレッティ」（長年の協力者である陶芸家マッシモ・バルデッリの協力による）や、 1980年にブッリとヨーゼフ・ボイスが会った際にペルージャで展示された「グランデ・フェッロ（大きな鉄）」にも見ることができます。^[49]

ジベッリーナのラージ・クレットは、ランドアートの範疇には正確には入らないが、建築、彫刻、空間を組み合わせた特徴を持っている。他の鉄の彫刻は、チッタ・ディ・カステッロ美術館、ラヴェンナ、チェッレ（ピストイア）、ペルージャ、ミラノに常設されている。ミラノでは、テアトロ・コンティヌオ（連続劇場）の回転翼が、スフォルツァ城の公園を自然の背景として利用した、実際の風景空間と彫刻の両方である。^[50]

演劇はブッリの芸術作品において特別な役割を果たした。散文、バレエ、オペラの分野でも散文作品に散りばめられた作品は散文作品とは無関係であった。1963年、ブッリはミラノのスカラ座で上演されたモートン・グールドのバレエ『スピリチュアル』の舞台装置をデザインした。この画家の塑像は、1969年にサン・ミニアート（ピサ）で上演されたイグナツィオ・シローネの舞台化作品『トリスタンとイゾルデ』や、1975年にトリノのレッジョ劇場で上演された『トリスタンとイゾルデ』などの劇の劇的な力を強調した。

1973年、ブッリは妻のミンサ・クレイグの発案で武満徹の音楽がついた『ノヴェンバー・ステップス』の舞台装置と衣装をデザインした。このバレエは、クレッティが徐々に誕生した様子を 描いた映画クリップによって、視覚芸術の初期の事例と相互作用していた。

ブッリは、グラフィックアートを絵画の二の次と考えたことは一度もありませんでした。彼は、1965 年の「コンブスティオーニ」の複製(ヴァルターとエレオノーラ ロッシ夫妻が紙の上で燃える効果を完璧に再現) や、同じプリンターで制作した不規則なクレッティの空洞 (1971) など、新しい印刷技術の実験に熱心に取り組みました。

さらなる革新的な展開としては、ブッリの旧友であり協力者でもあるヌヴォロの協力を得て制作したシルクスクリーンの「セスタンテ」 （1987-89年）や、ロサンゼルスの版画工房「ミクソグラフィア」と共同制作した大理石の粉と砂を使って、一定の質感の三次元効果を持つ印刷面を作った「ミクソブラック」シリーズ（1988年）などがあげられる。^[51]

1973年にアカデミア・デイ・リンチェイからグラフィックス部門のフェルトリネッリ賞を授与されたブッリは、その賞金を、チッタ・ディ・カステッロにあるブッリの別荘からわずか数キロ離れたサン・クレシェンティーノの小さな礼拝堂にあるルカ・シニョレッリのフレスコ画の修復を促進し支援するために使ったという事実は、ブッリの芸術において近代と現代がいかに精神的に近いかを示すさらなる例である。^[52]

アルベルト・ブリは、生活の便宜と肺気腫のた​​めに移住したフランスのリビエラ地方のニースで、1995年2月13日に子供を残さずに亡くなった。^[53]

死の直前、画家はレジオンドヌール勲章とイタリア共和国功労勲章を授与され、アメリカ芸術文学アカデミーの名誉会員にも選ばれた。彼のグラフィックシリーズ「Oro e Nero （金と黒）」は、1994年にフィレンツェのウフィツィ美術館に他の作品とともに寄贈されたが、その頃には彼はすでに「現代」の芸術家というよりは「古典」の芸術家と見なされ始めていた。^[54]

アルベルト・ブッリの芸術は、ルーチョ・フォンターナ、ジョルジョ・モランディ、ヤニス・クネリス、ミケランジェロ・ピストレット、アンゼルム・キーファーなど、多くの同時代の芸術家の関心を集め、彼らはブッリの偉大さ、そして場合によってはその影響力を何度も認めた。^{[55] [56] [57] [58]}

画家の遺言に従い、1978年にチッタ・ディ・カステッロにアルビッツィーニ・パラッツォ財団が設立され、ブッリ自身の作品の著作権が保護された。1981年に開館した最初の美術館コレクションは、アルビッツィーニ・ルネッサンス様式のアパートメント内にある。ラファエロの『聖母の結婚』のパトロンが所有していた15世紀の貴族の邸宅は、ブッリ自身の計画に従って建築家アルベルト・ザンマッティとティツィアーノ・サルテアネージによって改装された。^{[59] [60]}

2つ目のコレクションは、チッタ・ディ・カステッロのタバコ乾燥小屋のコレクションです。これは、1960年代に徐々に放棄され、1990年にオープンした産業構造物で、面積は11,500平方メートルにまで拡大しました。現在、この構造物には、アーティストの大規模な絵画シリーズ、記念碑的な彫刻、そして2017年3月からは画家のグラフィック作品全体が展示されています。^[60]

この建物の黒い外装と特別な空間の改造は、形式と心理のバランスという彼が常に追求してきた理念の継続性を保ちながら、総合的な芸術作品を創り出すためのブッリの最後の試みを表している。^[59]

アルベルト・ブッリは、アルテ・ポーヴェラ、ネオ・ダダ、ヌーヴォー・レアリスム、ポストミニマリズム、プロセス・アートなどの芸術運動によって見出された解決策の先駆者として、20世紀後半の急進的な革新者として認められており、彼の作品には多くの批評的解釈と方法論的解釈が残されている。^{[61] [62]}

チェーザレ・ブランディは1963年のモノグラフで、ブッリの絵画の本質と、装飾的な細部と歴史的な前衛芸術（例えば未来派）の挑発の両方を拒否し、「塗装されていない絵画」という概念による新しいアプローチを支持していることを強調した。^[63]

一方、エンリコ・クリスポルティは、ジェームズ・ジョンソン・スウィーニーが1955年に出版したブリに関する最初のモノグラフで同様に解釈したように、戦後の倫理的傾向に対する批判を暗示して、ブリの素材の使用を実存的な観点から解釈した。

ピエール・レスタニーは彼をミニマリズムの歴史における「特別な例」とみなし、「記念碑的なアウトサイダーであると同時に、温厚な先駆者」であったと考えた。^[64]マウリツィオ・カルヴェージは、精神分析的な解釈を長年にわたって採用し、彼の芸術に「倫理的価値」を見出し、同時にブッリの故郷のルネッサンスの起源を特定した。ピエロ・デッラ・フランチェスカはブッリに空間感覚と大衆の荘厳さを触発し、画家はそれを燃えた木や使い古した袋に移した。^[65]

最近では、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館でエミリー・ブラウンが企画した2015年の大回顧展「アルベルト・ブッリ：絵画のトラウマ」と、現財団会長ブルーノ・コラが編集した2016年のグループ展「ブッリ、ヨーロッパとアメリカの物質空間」によって、ブッリの立場が再評価されている。これらのグループ展では、ブッリがもたらした伝統的な西洋絵画と現代のコラージュの急進的な変化が前面に押し出され、同時に古典絵画の形式的バランスを生き生きと「心理的に」回復したことにも焦点が当てられた。^[66]

多くの歴史的解釈の中で、ジュリオ・カルロ・アルガンの評価（1960年のヴェネツィア・ビエンナーレのカタログに書かれた）は象徴的なものである。「ブッリにとって、私たちはひっくり返されたトロンプ・ルイユを語らなければならない。なぜなら、もはや現実をシミュレートするための絵画ではなく、絵画をシミュレートするための現実だからである。」^[67]

ブッリのキャリアは、1947年にイレーネ・ブリンが経営するラ・マルゲリータ書店で行われた最初の個展でローマで始まり、翌年、最初の抽象画を発表しました。ブリンと夫のガスペロ・デル・コルソは、戦後ローマで最初にオープンしたアートギャラリー、オベリスコギャラリーを設立し、1952年に個展「Muffe e Neri（カビと黒）」、1957年に最初の「Combustions」を開催しました。ブッリとサッキ兄弟の最初の展覧会は、1952年に詩人のエミリオ・ヴィラによってオリジン財団で開催され、ブッリのますます独創的な作品を確認するものでした。「Ferri（鉄）」の展覧会はミラノのガレリア・ブルーで開催されました。

1953 年以降、ブリは米国で定期的に作品を展示し、アラン・フラムキン・ギャラリー(シカゴ)、ステイブル・ギャラリー、ニューヨークのマーサ・ジャクソン・ギャラリーなどで作品を展示しました。同年、グッゲンハイム美術館の館長兼キュレーターのジェームズ・ジョンソン・スウィーニーは、画期的な展覧会「若手ヨーロッパ画家: セレクション」にブリを出品し、国際社会でブリの作品に注目を集めることになりました。

当初は不安定だったブッリとヴェネツィア・ビエンナーレの関係は、1960年にジュリオ・カルロ・アルガンから初の個展のオファーを受けたことで転機を迎えた。1962年にはチェーザレ・ブランディがローマのマールボロ美術館でプラスティケ展を開催した。この頃とその後の10年間に、パリの国立近代美術館（1972年）やフランシスコ・ディ・アッシジ修道院（1975年）での個展、そしてロサンゼルスのカリフォルニア大学ロサンゼルス校（ UCLA ）のフレデリック・S・ワイト・ギャラリーを皮切りにサンアントニオ（テキサス州）のマリオン・クーグラー・マクネイ美術館を巡回し、1978年にソロモン・R・グッゲンハイム美術館で終了した大規模な巡回展など、最初の回顧展が開催された。

1979年以降、セロテックスに描いた一連の絵画が、ブッリのその後の作品群の主流を占めるようになった。これらの作品群は、大聖堂（1981年にフィレンツェで制作した「Gli Orti 」という作品群など）や、かつての工業団地（ヴェネツィアのジュデッカ島の旧造船所で制作した色彩豊かなシリーズ「Sestante」など）などの大きな空間を舞台に考案された。1994年、ブッリはジュリアーノ・セルファフィーニが企画した展覧会で「ブッリのアテネ多翼祭壇画。サボテンのある建築」と題する作品群を発表し、その後、マドリードのイタリア文化会館（1995年）でも展示した。

1996年にローマのパラッツォ・デッレ・エスポジツィオーニで行われた死後アンソロジー展は、レンバッハハウス美術館（ミュンヘン）とブリュッセル美術センターでも再開催され、成功を収めた。2015年から2016年にかけて、エミリー・ブラウンが企画した大規模な回顧展「絵画のトラウマ」がニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館（後に2016年にデュッセルドルフのノルトライン＝ヴェストファーレン州立美術館）で開催され、この画家の芸術は国際的に大きな注目を集めた。

アルベルト・ブッリ生誕100周年を記念して、ブルーノ・コラがキュレーターを務めた「ブッリ ヨーロッパとアメリカの物質空間」と題された展覧会では、20世紀の物質芸術の先駆者たちの比較が行われた。この展覧会はチッタ・ディ・カステッロの、2017年以来画家のグラフィック・コレクションを収蔵している、かつてのタバコ乾燥小屋の展示スペースで開催された。^[68]

2011年、ロンドンのサザビーズで開催された北イタリアの個人コレクションからの作品のオークションで、ブッリの「Combustione legno」（1957年）が320万ポンドで落札された。 ^[69] 2014年2月11日、クリスティーズは「Combustione Plastica」でこのアーティストの最高落札額を467万4500ポンド（推定落札価格60万ポンドから80万ポンド）で達成した。この作品（裏面に署名と日付入り）はプラスチック、アクリル、燃焼（4フィート×5フィート）で作られ、1960年から1961年の間に制作された。^[70]

このアーティストの記録は2016年にロンドンで樹立され、サザビーズが1959年の現代美術「サッコ・エ・ロッソ」を記念した夜にこの作品が900万ポンド以上で落札され、以前の記録の2倍となった。^[71]

アルベルト・ブッリの芸術は多くのイタリア人監督にインスピレーションを与えてきたが、その中にはミケランジェロ・アントニオーニもおり、アントニオーニは1964年の映画『赤い砂漠』でこの画家の素材研究からインスピレーションを得た。^[72]

作曲家サルヴァトーレ・シャリーノは、 1995年にチッタ・ディ・カステッロのナツィオーニ音楽祭の依頼を受け、画家の死を悼むオマージュを作曲した。同音楽祭では、 2002年にアルヴィン・カランによる作曲の舞台として、かつてのタバコ乾燥小屋が使用された。^[73]

ジベッリーナのラージ・クレットは、オレスティアーディ音楽祭の舞台装置として、また2015年にはジャンカルロ・ネリとロバート・デル・ナジャ（マッシヴ・アタック）の公演の舞台装置として何度も使用された。1973年のバレエ『ノヴェンバー・ステップス』は、ブッリの装置と衣装を使用して、2015年にニューヨークのグッゲンハイム美術館によって再提案された。2016年には振付師ヴィルジリオ・シエニがウンブリアの巨匠に触発されて作品『クインテッティ・スル・ネロ』 [ ^{74]を創作した。2017年には}ジョン・デンズモア（ドアーズ）が、ロサンゼルスのカリフォルニア大学ロサンゼルス校（UCLA）で開催されたイベント『ブッリ・プロメテイア』でグランデ・ネロ・クレット（ラージ・ブラック・クレット）の前でパフォーマンスを披露した。^[75]

長年にわたり、ファッションデザイナーたちは、ロベルト・カプッチの1969年の衣服「Omaggio a Burri」でクレッティ効果を再現した非対称の特徴を持ち、ローラ・ビアジョッティの（最後の）2017年コレクションに至るまで、ブッリからインスピレーションを得てきました。

1987年、ブッリは1990年FIFAワールドカップの公式ポスターを制作しました。ウンブリア・ジャズ・フェスティバルは、アーティストの生誕100周年を記念して、2015年版ポスターに セスタンテシリーズを使用しました。

ウィキメディア・コモンズには、アルベルト・ブッリに関連するメディアがあります。

• アルビッツィーニ宮殿財団「コレツィオーネ ブッリ」、作品の写真付き
• ソロモン・R・グッゲンハイム美術館 ニューヨーク アルベルト・ブッリ「絵画のトラウマ」展のページ（2015～16年） 2021年10月25日アーカイブウェイバックマシン
• 予告編 アルベルト・ブッリとピエロ・デッラ・フランチェスカ：ルカ・セヴェリによる2つの革命ドキュメンタリー (2015)
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• 美術評論家兼キュレーターのアラン・チヴィロ博士が制作した、ジベッリーナのグランデ・クレットに捧げられたビデオドキュメンタリー（2023年）