ポピュラー音楽

ポピュラー音楽は、幅広い魅力を持つ音楽であり^{[1] [2] [3]}、通常は音楽業界を通じて多くの聴衆に配信されます。これらの形式とスタイルは、音楽の訓練をほとんどまたはまったく受けていない人でも楽しんだり演奏したりできます。^[1]一種のポピュラーアートとして、芸術音楽とは対照的です。^{[4] [5] [6]芸術音楽は歴史的に}楽譜の演奏を通じて普及しましたが、レコード産業の始まり以来、録音を通じても普及しています。初期のブルースソングや賛美歌などの伝統的な音楽形式は、口頭で、またはより小さな地元の聴衆に伝えられました。^{[4] [5] [6]}

この用語の本来の用途は、1880年代のアメリカ合衆国のティン・パン・アレー時代の音楽である。^[1]ポピュラー音楽は「ポップミュージック」と呼ばれることもあるが、この2つの用語は互換性がない。^[7]ポピュラー音楽は、人口の大部分の嗜好に訴える幅広いジャンルの音楽の総称であるが、[ ^8]ポップミュージックは通常、ポピュラー音楽内の特定の音楽ジャンルを指す。^[9]ポピュラー音楽の歌や楽曲は、一般的に歌いやすいメロディーを持っている。ポピュラー音楽の楽曲構造は、一般的にセクションの繰り返しで構成され、ヴァースとコーラスまたはリフレインが楽曲全体で繰り返され、ブリッジが楽曲内の対照的で移行的なセクションを提供する。^[10] 1960年代から2000年代半ばにかけて、アルバム時代と呼ばれる時期には、曲を集めたアルバムが英語のポピュラー音楽を録音して消費するための主流の形式であった。^[11]

2000年代には、歌や楽曲がデジタル音声ファイルとして利用できるようになり、音楽を国や地域から国へ広めることが容易になった。ポピュラー音楽の中には世界的なものもあれば、その起源の文化の中で広く受け入れられているものもある。^[12]音楽ジャンルの混合により、グローバル文化の理想を反映した新しいポピュラー音楽が生み出されている。^[13]アフリカ、インドネシア、中東の例は、西洋のポップミュージックのスタイルが地元の音楽の伝統と融合して、新しいハイブリッドスタイルを生み出す方法を示している。^{[説明が必要]}

学者たちは、さまざまな要素に基づいて音楽を「ポピュラー」に分類している。その要素には、曲や作品が主に音楽を聴くことによってリスナーに知られるようになったかどうか（多くのミュージシャンが楽譜から曲を学ぶクラシック音楽とは対照的）、多様なリスナーへのアピール、資本主義的状況における市場商品としての扱いなどがある。^[6]「録音」や楽譜の売上は1つの尺度である。ミドルトンとマニュエルは、同じ曲や作品を複数回聴いたり再生したりすることがカウントされないため、この定義には問題があると指摘している。^{[2]聴衆の規模（マスアピール）や聴衆が特定の}社会階級 であるかどうかに基づいてアピールを評価することも、ポピュラー音楽を定義する別の方法であるが、これもまた、人々の社会的カテゴリーを音楽スタイルに正確に適用できないという問題を抱えている。マニュエルは、ポピュラー音楽に対する批判の1つは、大規模なメディア複合企業によって制作され、制作された音楽を買うか拒否するかのどちらかで大衆が受動的に消費していることだ、と述べている。彼は、シナリオ内のリスナーは自分の好きな音楽を選ぶことができなかっただろうと主張し、それがポピュラー音楽のこれまでの考え方を否定している。^[15] さらに、「ポピュラー音楽の理解は時とともに変化してきた」。^[2]ミドルトンは、ポピュラー音楽の分野で研究が行われれば、社会の中に一定の安定性が生まれ、歴史的時代、音楽の分布、ポピュラー音楽のスタイルにおける影響と継続のパターンを特徴づけることができると主張している。^[16]

アナヒド・カッサビアンはポピュラー音楽を4つのカテゴリーに分類しました。

• 「大衆的」または解放と表現のニュアンスを持つ。ジャズ、ラテン音楽、リズム・アンド・ブルースを参照。^[17]
• 「フォークとしてポピュラー」、つまりその音楽が人々によって人々のために書かれたものであることを示す。カントリーミュージック、レゲエ、ゴスペルミュージックを参照。^{[18] [19]}
• 「カウンターカルチャーとして人気」、つまり国民が直面する抑圧に対抗する行動を起こす力を与えること。パンクロック、ヘビーメタル音楽、ヒップホップ音楽を参照。^[20]
• 「大衆として人気」になると、音楽は抑圧の道具となる。^[21]

社会のポピュラー音楽は、それが演奏または出版された時点での社会の理想を反映しています。^[22] デイビッド・リースマンは、ポピュラー音楽の若者の聴衆は、多数派グループまたはサブカルチャーのいずれかに当てはまると述べています。多数派グループは商業的に制作されたスタイルを聴きますが、サブカルチャーは少数派のスタイルを見つけて自分たちの価値観を伝えます。^[16]これにより、若者は自分が共感する音楽を選択でき、消費者としてポピュラー音楽市場をコントロールする力を得ることができます。^[16]

音楽評論家のロバート・クリストガウは、1970年に「セミポピュラー音楽」という用語を作り出した。これは、一般大衆の消費には受け入れられそうに見えたが、商業的には成功しなかったレコードを指している。「何か別のことが起こっていると気づいた。FMも含めて、流通システムが衰退しているように見えた」と、後にクリストガウは『クリストガウのレコードガイド：70年代のロックアルバム』 （1981年）に記し、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドやザ・ギルデッド・パレス・オブ・シン（フライング・ブリトー・ブラザーズ）などのレコードは大衆的な性質を持ちながらも、レコードチャートに影響を与えなかったと述べている。「セミクラシック音楽が高尚な好みを体系的に薄めたものであるように、セミポピュラー音楽は流行のモードの混血的濃縮物である」。^[23]彼の考えでは、「下品で、粗野で、短いものへの好みは、叙情的で概念的な洗練が称賛される一方で、音楽的な洗練、つまりジャズの技巧や古典的なデザインや前衛的な革新は専門家に任せられるという、一般的な半大衆的な傾向を強める」^[24]

アメリカのフォークシンガー、ピート・シーガーはポップミュージックを「フォークミュージックと美術音楽の両方を取り入れたプロフェッショナルな音楽」と定義した。^[25]

ポピュラー音楽の形式はほとんどの場合セクション形式であり、最も一般的なセクションはヴァース、コーラスまたはリフレイン、ブリッジです。その他の一般的な形式には、32小節形式、コーラス形式、^[2]、12小節ブルースなどがあります。ポピュラー音楽の曲は、歌詞の各節に異なる音楽を使用して作曲されることはほとんどありません（このように作曲された曲は「通し作曲」と呼ばれます）。 ^[10]

ヴァースとコーラスは主要な要素であると考えられている。各ヴァースは通常同じメロディー（多少の修正はあるものの）であるが、歌詞はほとんどのヴァースで変わる。コーラス（または「リフレイン」）は通常、メロディーフレーズと繰り返される重要な歌詞のラインから構成される。ポップソングにはイントロとコーダ（「タグ」）が含まれることがあるが、これらの要素はほとんどの曲のアイデンティティにとって不可欠ではない。ヴァースとコーラスを使用するポップソングには、曲の1つ以上のポイントでヴァースとコーラスを繋ぐセクションであるブリッジが含まれることが多い。^[10]

ヴァースとコーラスは通常、曲全体を通して繰り返されるが、ブリッジ、イントロ、コーダ（「アウトロ」とも呼ばれる）は1回しか使用されない傾向がある。一部のポップソングにはソロセクションがある可能性があり、特にロックやブルースの影響を受けたポップではそうである。ソロセクションでは、1つまたは複数の楽器がメロディーラインを演奏するが、これは歌手が使用するメロディーである可能性があり、ブルースやジャズの影響を受けたポップでは、ソロはコード進行に基づいて即興で演奏される可能性がある。ソロは通常、1人の楽器演奏者（例：ギタリストまたはハーモニカ奏者）またはそれほど一般的ではないが、複数の楽器演奏者（例：トランペット奏者とサックス奏者）がフィーチャーされる。^[10]

32小節形式は、4つのセクション（通常はそれぞれ8小節の長さ（4×8=32））と、2つのバースまたはAセクション、対照的なBセクション（ブリッジまたは「ミドルエイト」）、そして最後の1つのAセクション（AABA）でバースが戻ってくるという構成です。^[26]バースコーラス形式またはABA形式は、複合AABA形式でAABA形式と組み合わせることもできます。a1やa2などのバリエーションも使用できます。12小節ブルースなどの単純なバース形式では、1つのコード進行の繰り返しが唯一のセクションとなる場合があります。^[10]

「18世紀後半から19世紀前半にかけて台頭してきたポピュラー音楽産業の最も重要な特徴は、商品としての楽譜にどれほど重点が置かれていたかということである」^[27] 。ポピュラーソングや器楽作品の楽譜版が安価で広く入手できるようになったことで、ポピュラー音楽を自宅で​​演奏したり歌ったりできるアマチュアの中流階級の音楽制作者の幅広い聴衆に音楽を広めることが可能になった。19世紀のアマチュア音楽制作はピアノを中心に行われることが多かった。この楽器はメロディー、コード、ベースラインを演奏できるため、ピアニストはポピュラーソングや作品を再現することができたからだ。楽譜の影響に加えて、18世紀後半から19世紀前半にかけて「遊園地やダンスホール、大衆劇場やコンサートホール」でポピュラー音楽の公演が一般向けに行われる機会が増えたことがもう1つの要因だった。^[27]

初期のポピュラー音楽の演奏家たちは、楽譜業界と手を携えてポピュラー楽譜の普及に努めた。初期のポピュラー音楽の演奏家として広く人気を博した人物の1 人は、19 世紀半ばにアメリカをツアーしたスウェーデンのオペラ歌手ジェニー・リンドである。19 世紀には、リビングルームでアマチュア音楽が演奏されていたが、この時代には、アマチュア合唱団に参加したり、ブラスバンドに参加したり、アマチュアオーケストラで演奏したりして、音楽に関わる人が増えた。^[要出典]

19世紀後半のアメリカの音楽出版産業の中心地は、ニューヨークの「ティン・パン・アレー」地区にあった。ティン・パン・アレーの音楽出版社は、楽譜を宣伝するための新しい方法、つまり新曲の絶え間ない宣伝を開発した。世紀の変わり目頃にポピュラー音楽の普及に貢献した技術革新の1つは、自動ピアノだった。自動ピアノは、熟練したピアニストのピアノ曲の演奏を録音するために使用できた。この録音された演奏は、別の自動ピアノで「再生」できた。これにより、より多くの音楽愛好家が新しいポピュラーピアノ曲を聴くことができた。^[27] 1900年代初頭までに、ポピュラー音楽の大きなトレンドは、ボードビル劇場やダンスホールの人気の高まりと、新しい発明である蓄音機プレーヤーだった。レコード産業は非常に急速に成長し、「1920年までにイギリスには約80のレコード会社があり、アメリカには約200のレコード会社があった」。^[27]レコードの普及により、より多くの人々がトップ歌手やバンドの音楽を聴くことができるようになった。^[要出典]

1920年代初めに始まったラジオ音楽放送は、ポピュラーソングを膨大な聴衆に広めるのに役立ち、プロの歌手や音楽アンサンブルの歌を、以前はコンサートチケットを買うことができなかった低所得層の人々を含む、はるかに多くの人口が聞くことができるようになった。ラジオ放送は、作詞家、歌手、バンドリーダーが全国的に知られるようになる可能性を高めた。ポピュラー音楽の普及に貢献したもう1つの要因は、1920年代後半に導入された「トーキー」 、つまり音声付き映画で、これには音楽と歌も含まれていた。1920年代後半から1930年代にかけて、レコード業界では統合の動きが起こり、いくつかの大手企業がレコード業界を独占するようになった。^[27]

1950年代から1960年代にかけて、テレビという新しい発明が、新しいポピュラー音楽の普及においてますます重要な役割を果たし始めた。バラエティ番組では、人気の歌手やバンドが定期的に紹介された。1960年代には、マルチトラックレコーダーなどの録音の新技術の発達により、サウンドエンジニアやレコードプロデューサーがポピュラー音楽においてますます重要な役割を果たすようになった。マルチトラック録音技術を使用することで、サウンドエンジニアは、歌手が自分でバックボーカルを演奏したり、リードギタリストがギターソロの後ろでリズムギターを演奏したりするなど、従来の「ライブ^」録音技術では不可能だった新しいサウンドや効果音を作り出すことができた。次の10年間は​​、ロバート・クリストガウが『クリストガウのレコードガイド：70年代のロックアルバム』（1981年） で述べているように、こうした感性から離れていく動きが見られた。

「ポピュラー音楽において、70年代を受け入れるということは、乱雑なコンサートやカウンターカルチャーのシーンからエリートが撤退し、 FMラジオやアルバムロックの最低共通分母を不当に追求することを意味した... 70年代には権力者が主導権を握り、ロック産業家たちは国民の気分を利用して強力な音楽をしばしば反動的な娯楽の一種に貶め、ロックの人気基盤を聴衆から市場へと変容させた。」^[28]

1970年代、レコード業界の統合の傾向は続き、「…支配権は5つの巨大な多国籍企業の手に渡り、そのうち3つは米国企業（WEA、RCA、CBS）で、2つは欧州企業（EMI、ポリグラム）だった」^[2] 。 1990年代、統合の傾向は新たな方向、すなわちメディア間の統合へと向かった。この傾向では、音楽レコード会社が映画、テレビ、雑誌、その他のメディア企業と統合され、子会社間のクロスマーケティングプロモーションが促進された。例えば、レコード会社の歌手は、そのコングロマリットのテレビトークショーや雑誌部門でクロスプロモーションされる可能性がある。^[27]

1980年代の「デジタル機器（ミキシングデスク、シンセサイザー、サンプラー、シーケンサー）の導入」は、グローブ音楽辞典が「新しい音の世界」の創造と呼んだものをもたらし、アマチュアミュージシャンや「小さな独立系レコードレーベル」によるDIY音楽制作を促進しました。^[27] 1990年代には、録音ソフトウェアとエフェクトユニットソフトウェアが利用可能になったため、アマチュアのインディーズバンドは、ラップトップと高品質のマイクだけでアルバムを録音できるようになりました。これは、以前の数十年間は設備の整ったレコーディングスタジオが必要でした。 ^[要出典]とはいえ、現代のレコーディングスタジオのオーディオ品質は、アマチュアが制作できるものをまだ上回っています。^[29]

世界には300を超える多くの音楽ジャンルがあります。世界中で最も人気のあるジャンルのトップはポップミュージックです。米国などの国では、ロック、ラップ、ヒップホップ、ブルース、R&Bが長い間トップの座を占めてきました。^[30]

最も人気のある音楽ジャンルの順位は、世界中で異なります。しかし、非常にニッチな音楽ジャンルも存在します。たとえば、カナダで最も人気のあるニッチな音楽ジャンルは、ビデオゲームのサウンドトラックです。スウェーデンでは、ブラックメタルがニッチな音楽ジャンルです。南インドでは、カルナーティック音楽が人々が好んで聴くニッチな音楽ジャンルです。

音楽ジャンルの人気は、時間とともに大きく変化します。これは、現在のトレンドや歴史的出来事など、さまざまな要因によって左右されます。19世紀と20世紀には、クラシック音楽は現代よりもはるかに人気がありました。これは、テクノロジーの台頭など、さまざまな変化に起因する可能性があります。1980年代のアメリカでは、ロック音楽が絶頂期にあり、その後、ポップミュージックがチャートを上り始めると、徐々にトップの座を失っていきました。2000年代初頭以降、ポップミュージックはアメリカの音楽チャートで1位を獲得してきましたが、2017年以降、RnBとヒップホップがその座を奪っています。^[31]

使用される特定のサウンドやテクノロジーの多くの変化に加えて、1960年代以降、ポピュラー音楽の内容と主要な要素にも変化がありました。 1つの大きな変化は、ポピュラー音楽がより遅くなったことです。1960年代の人気曲の平均BPMは116でしたが、 2000年代の平均は100BPMでした。^[32]さらに、1960年代にラジオでプレイされた曲は、平均して約3分しかありませんでした。^{[33]対照的に、2018年の}ビルボードトップ5の曲のほとんどは、3分21秒から3分40秒の長さでした。^{[34]また、1960年代以降、メジャー}キーの使用は減少し、マイナーキーの使用が増加しています。その10年間は​​曲の85％がメジャーキーでしたが、現在では約40％の曲だけがメジャーキーです。^[35]ポピュラー音楽の主題や歌詞も大きな変化を遂げ、1960年代以降、より悲しいものになり^{[36] [37] 、より反社会的で自己中心的になりました。 [35]}また、歌の感情的な内容、キー、テンポが一般的な連想に従わない傾向も高まっています。たとえば、速い曲は悲しい主題や短調、遅い曲は幸せな内容や長調です。^[35]

こうした変化の多くには、複数の説明が考えられる。過去に曲が短かった理由の1つは、レコードの物理的な容量だった。ラジオでよく流されていたビニールレコードのシングルには、約3分の音楽しか収録できなかったため、ポピュラーソングの長さが物理的に制限されていた。^{[33] 1982年に}CDが発明され、さらに最近ではストリーミングが登場したことで、音楽は作者とリスナーの両方が望むだけ長くも短くもできる。しかし、ストリーミングの普及もあって、曲は再び短くなっている。2018年の曲の平均長さは3分30秒で、2014年の平均より20秒短くなった。^[38]この最も可能性の高い原因は、アーティストが個々のストリームごとに報酬を受け取るようになり、曲が長くなればストリーム数が減る可能性があることだ。曲の主題や感情的な内容の違いについては、1960年代後半以降のポピュラー音楽は、社会変革や政治課題を促進するためにますます使われるようになっている。それ以来、アーティストたちはしばしば、現在の世代に関連する時事問題や主題に音楽の焦点を当ててきました。別の説としては、グローバル化によって聴衆の嗜好がより多様化しているため、音楽のさまざまなアイデアが人気を得るチャンスがあるというものがあります。^[35]

西洋のポピュラー音楽とは対照的に、西洋以外で生まれた音楽のジャンルは、しばしばワールドミュージックとして分類される。このラベルは、そうでなければポピュラーなスタイルの音楽をエキゾチックで未知のカテゴリーに変えてしまう。西洋の「ワールドミュージック」という概念は、西洋の聴衆にとってわかりやすい1つの用語で、さまざまなポピュラー音楽のジャンルを均質化している。^[21]新しいメディア技術により、都市の音楽スタイルは世界中の遠く離れた田舎に浸透している。田舎は、新しい音楽スタイルについて都市中心部にフィードバックすることができる。^[16]都市化、近代化、外国の音楽やマスメディアへの露出は、ハイブリッドな都市ポップスタイルに貢献している。ハイブリッドスタイルは、自国の文化の表現を通じて、西洋のポピュラー音楽の中にも居場所を見つけた。^[15]受容文化はホスト文化から要素を借用し、ホスト文化に見られる意味と文脈を変える。多くの西洋スタイルは、今度は多国籍のレコーディングスタジオを通じて国際的なスタイルになっている。^[15]

アフリカのポピュラー音楽のスタイルは、結婚式、出産、葬儀などの特定の伝統的儀式で使用されていた音楽から発展したものではなく、伝統的なエンターテインメントのジャンルから派生したものです。^[15]アフリカのポピュラー音楽は全体として、ヨーロッパ諸国、アフリカ系アメリカ人やアフロラテン音楽、そしてより幅広い層の人々に人気となった地域特有のスタイルの影響を受けています。伝統的なアフリカ音楽における文化的重要性と強い地位のため、アフリカのポピュラー音楽は伝統的なアフリカのポピュラー音楽のルーツにとどまる傾向があります。^{[39] [15]}音楽ジャンルであるマスクンダは、その発祥の文化である南アフリカで人気があります。マスクンダは定義上は伝統的な音楽ジャンルですが、それを聴く人々が音楽に表れる理想に影響を与えます。^[40]人気のマスカンディアーティストであるプゼケミシは、公共の場で活躍するために、自分の音楽の政治的影響を弱める必要がありました。彼の音楽プロデューサーであるウェスト・ンコシは、政治的論争を起こすよりも、プゼケミシの音楽の商業的成功を求めていました。^[40]

政治歌は、多くの社会においてアフリカのポピュラー音楽の重要なカテゴリーとなっている。大陸が植民地支配に抵抗していた時代、民族主義的な歌は市民の士気を高めた。これらの歌は西洋の行進曲や賛美歌に基づいており、初期の民族主義指導者が育ったヨーロッパの教育制度を反映している。アフリカの政治歌のすべてが西洋のスタイルに基づいているわけではない。例えば、南アフリカでは、反アパルトヘイト運動中の政治歌は、伝統的な部族のスタイルと輸入されたジャンルのハイブリッド形式に基づいていた。^[15]活動家は抗議歌や自由歌を使って、個人が行動を起こし、闘争について学び、他の人に政治意識を持たせるよう説得した。^[41]これらの歌は、解放闘争に関与したさまざまな階級間のニュアンスを反映していた。^[15]

アフリカの人々が政治的表現に使うジャンルの一つがヒップホップである。^[42]アフリカのヒップホップは北米のテンプレートをベースにしているが、アフリカの若者にとって新しい意味を生み出すように作り直されている。これにより、このジャンルは地域的にも世界的にも影響力を持つことができる。^[42]アフリカの若者は、急速に成長しているジャンルのコミュニケーション、教育、エンパワーメント、エンターテインメントの能力によって形作られている。^{[42]マスクンダのような伝統的な音楽ジャンルからスタートしたアーティストは、より強力なキャリアパスを提供するためにヒップホップアーティストになった。これらのラッパーは、より大きな社会の内部ダイナミクスを反映する役割を担っていた}グリオや口承の語り手などの伝統的なアーティストと自分たちを比較している。^[42]

現代のアメリカでは、最も人気のある音楽形態の一つはラップです。^[43] DJクール・ハークは、1970年代にヒップホップを生み出したことで有名です。^[44] 2枚の同じレコードをミックスする際に彼が編み出したテクニックによって、独特なサウンドを生み出すことができ、それが後にラップを生み出しました。現代では、ラップは人種差別や性差別などの問題に対する意識を高めるために使われています。^[45]音楽に関する文化の中でコミュニティを発展させました。

インドネシアのポピュラー音楽は、西洋のロックとインドネシア発祥の土着スタイルのジャンルのハイブリッド形式として分類されることが多い。^[15]音楽ジャンルダンドゥットはインドネシア特有のポピュラー音楽のジャンルである。ダンドゥットは、インドポップとアンダーグラウンドミュージックという2つのポピュラー音楽ジャンルから形成され^[46]、新しい融合ジャンルを生み出した。ダンドゥットはアンダーグラウンドミュージックの騒々しい楽器を採用しているが、インドポップのように聴きやすくなっている。ダンドゥットは、ロック、ポップ、伝統音楽など多くのポピュラー音楽ジャンルを形成し、消費者の嗜好に合った新しいサウンドを生み出そうとしている。^[47]このジャンルは、衣服、若者文化、イスラム教の復活、資本主義の娯楽産業を含む、より大きな社会運動にまで発展した。^[15]

インドネシアで人気のあるもう一つの音楽シーンはパンクロックです。このジャンルは、より大きな世界的なパンク運動に対するメディアの現地での解釈によってインドネシアで形成されました。^[46]ジェレミー・ウォラックは、グリーン・デイは「パンクの終焉」と見なされていましたが、インドネシアでは彼らはより大きなパンク運動のきっかけと見なされていたと主張しています。^[46]インドネシアのパンクは、英語圏にパンクサブカルチャーの世界的な宗派を受け入れ、国境を越えたジャンルに対して心を開くよう呼びかけています。 ^[46]

2015年に上海の若い学生を対象に行われた調査では、若者は中国音楽、他のアジア諸国の音楽、そして英米のポピュラー音楽の両方を聴くのが好きだと答えた。中国の若者が世界の音楽にアクセスできたのは、3つの方法がある。 ^[22]最初の理由は、1970年代後半からの政策変更で、国は自給自足から世界に向けて開放された。これにより、中国人が母国以外の人々と交流し、よりグローバル化された文化を創造する機会が増えた。2番目の理由は、1980年代以降、中国のテレビ・音楽業界が近隣のアジア社会や西洋のテレビ番組を放送してきたことである。3番目の理由は、インターネットとスマートフォンがストリーミング音楽のアクセシビリティに与えた影響である。^[22]

2015年、中国の学生は中国のインターネット人口の30.2%を占め、インターネットの3番目と5番目に人気のある用途は、それぞれインターネット音楽とインターネットビデオの使用でした。若者は、中国の音楽の感情と言語に共感できると述べましたが、英米音楽のメロディーも楽しんでいました。学生たちはまた、英語の音楽を聴くことで英語力が向上すると信じていました。^[22]

アラブ世界の音楽の近代化には、トルコ音楽と西洋の音楽スタイルからのインスピレーションの借用が含まれていました。^[48]故エジプトの歌手ウンム・クルスームは次のように述べています。

「私たちは自分自身と自分たちの芸術を尊重しなければなりません。インド人は私たちにとって良い模範を示してくれました。彼らは自分自身と自分たちの芸術に大きな敬意を示しています。どこにいても彼らは民族衣装を着ており、彼らの音楽は世界中に知られています。これが正しいやり方です。」

彼女は、エジプトやアラブ世界が、近代化の中で失われないよう、自らの文化に由来するポピュラー音楽のスタイルに誇りを持つ必要がある理由を説明するために、このことを論じた。^[48]地元のミュージシャンは、母国語や土着の音楽的特徴を含む独自のポピュラー音楽スタイルを作り出すために、西洋の楽器スタイルを学んだ。^[48]アラブ世界全体のコミュニティは、近隣諸国やマスメディアからの新しい音楽スタイルに同化しながらも、土着の音楽的アイデンティティを高く評価している。^[48] 1980年代から1990年代にかけて、ポピュラー音楽は、音楽内の非宗教的な意味と、ダンスやヘッドバンギングの身体的な動きのために、イラン政府にとって問題視されてきた。 ^[49]この時期、メタルは中東で人気のアンダーグラウンド・サブカルチャーとなった。西洋のメタルファンと同様に、中東のメタルファンは疎外感を表現した。しかし、彼らの考えは、戦争と若者に対する社会的制約から来ていた。^[50]

1990年から2004年にかけてのイランの若者へのインタビューでは、若者は総じて、政府によって禁止されていたにもかかわらず、西洋のポピュラー音楽を好んでいた。^[49]イランのアンダーグラウンド ロック バンドは、若く、都会的で、教養があり、比較的裕福で、グローバルな人々で構成されており、イランのロックは、これらのバンド メンバーが持つ特徴によって説明される。^[49]中東のアンダーグラウンド ミュージックに参加する若者は、自国の社会的制約を認識しているが、社会の変化については楽観的ではない。^[50]イランのロック バンドは、自国の政府の言説に対する反抗を表現するために、国際主義的な立場をとってきた。^[49]

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^[1]

44. HeadphonesAddict. 「20以上の音楽ジャンルの統計：最も人気のある音楽ジャンル（2022年）」。HeadphonesAddict、2022年7月8日、https://headphonesaddict.com/music-genre-statistics/。

• TWアドルノ、G.シンプソン共著「ポピュラー音楽について」『哲学と社会科学の研究』、ix（1941）、17-48
• D. ブラケット:ポピュラー音楽の解釈(ケンブリッジ、1995 年)
• ブロヴィッヒ・ハンセン、ラグンヒルド、ダニエルセン、アン (2016)。 デジタル署名: ポピュラー音楽サウンドに対するデジタル化の影響。 MITプレス。ISBN 9780262034142 
• ラリー・フリーマン: 『メロディーは鳴り続ける: ポピュラーソングの 50 年』 (ニューヨーク州ワトキンスグレン:センチュリーハウス、1951 年)。212 ページ。注: 193 ～ 215 ページに年表「ヒット曲の 50 年」が掲載されています。
• P. ギャモンド:オックスフォード・ポピュラー音楽入門(オックスフォード、1991)
• ハディックス、チャック。ラグからビバップまで：カンザスシティの音楽の音、1890-1945。[テキスト] チャック・ハディックス（カンザスシティ、ミズーリ州：ミズーリ大学カンザスシティ校、大学図書館、マーサウンドアーカイブ、1991年）。ISBNなし
• P. ハーディと D. レイン: 20 世紀ポピュラー音楽のフェイバー・コンパニオン(ロンドン、1990/R)
• R. イワシュキン:ポピュラー音楽: リファレンス ガイド(ニューヨーク、1986 年)
• J. コタルバ、B. メリル、JP ウィリアムズ、P. ヴァンニーニ『ポピュラー音楽を通して社会を理解する』 NY:Routledge、2013 年（第 2 版）ISBN 9780415 641951 
• ラーキン、コリン。ポピュラー音楽百科事典。オックスフォード大学出版局、2006年ISBN 9780195313734（全10巻） 
• R. ミドルトン:ポピュラー音楽の研究(ミルトン キーンズ、1990 年)
• ムーア、アラン F.編『ポピュラー音楽の分析』ケンブリッジ大学出版局、2003年。
• M. ソルチェ・ケラー：「他の手段によるオペラの継続：海外イタリア移民の間でのオペラ、ナポリの歌、ポピュラー音楽」、フォーラム・イタリクム、第 49 巻（2015 年）、第 3 号、1-20 ページ。

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Scholia にはポピュラー音楽のトピックプロファイルがあります。

• ポピュラー音楽のジャンル - インタラクティブな関係図
• 有名なミュージック ビデオ - ミュージック ビデオ データベース - YouTube、Google Video、MySpace TV、MetaCafe、DailyMotion、Veoh、Current.com、ClipFish.de、MyVideo.de、Break.com、EyeSpot
• 1950 年代から 2000 年代までの週ごと - この数十年間のポップ ミュージック、アルバム、ラジオ、音楽ニュースを紹介します。
• ポップカルチャーマッドネス 1920年代から今日までで最もリクエストの多いポップソングを特集
• デイリーボールトの音楽レビュー
• イェール大学音楽図書館のポップミュージック研究ガイド
• [1] ポピュラー音楽の研究に特化したフランスの学術雑誌
• ポピュラー音楽研究を専門とするフランスの出版社Éditions Mélanie Seteun! は、PMS のフランス雑誌Volume!を発行しています。
• 死ぬ前に聴くべきアルバム 1001 枚