ファッションデザイン

ファッションデザインは、デザイン、美学、衣服の構造、自然の美しさを衣服やそのアクセサリーに適用する芸術です。文化やさまざまなトレンドの影響を受け、時代や場所によって変化してきました。「ファッションデザイナーは、ドレス、スーツ、パンツ、スカートなどの衣服や、靴やハンドバッグなどのアクセサリーを消費者のためにデザインします。彼または彼女は衣服、アクセサリー、またはジュエリーのデザインを専門とすることも、これらの複数の分野で働くこともできます。」^[1]

ファッションデザイナーは、指輪、ブレスレット、ネックレス、イヤリングなどの作品やアクセサリーをデザインする際に、さまざまな方法で作業します。衣服を市場に出すには時間がかかるため、デザイナーは消費者の欲求の変化を予測する必要があります。ファッションデザイナーは、形、色、生地、トリミングなど、個々の衣服の外観を作成する責任があります。^[2]

ファッション デザイナーは、見た目が美しいだけでなく機能的な服をデザインしようとします。デザイナーは、誰がその服を着るか、どのような状況で着られるかを考慮し、幅広い素材、色、パターン、スタイルを扱います。日常的に着用する服のほとんどは、従来のスタイルの狭い範囲に収まりますが、イブニング ウェアやパーティードレスなどの特別な機会には、通常、珍しい服が求められます。

オートクチュールやオーダーメイドの服のように、一部の服は個人向けに特別に作られます。今日では、ほとんどの服、特にカジュアルウェアや普段着は、既製服やファストファッションとして一般に知られている大衆市場向けにデザインされています。

ファッション業界のデザイナーにはさまざまな職種があります。ファッション ハウスでフルタイムで働くファッション デザイナーは「社内デザイナー」としてデザインを所有し、単独で、またはデザイン チームの一員として働くことがあります。フリーランスのデザイナーは自分でデザインをファッション ハウス、直接ショップ、または衣料品メーカーに販売します。自分のデザインを完全に管理できるレーベルを設立することを選択するファッション デザイナーも少なくありません。自営業で、個々のクライアント向けにデザインするデザイナーもいます。専門店や高級ファッション デパートに商品を提供する高級ファッション デザイナーもいます。これらのデザイナーは、確立されたファッション トレンドに沿った服だけでなく、オリジナルの服も作ります。ただし、ほとんどのファッション デザイナーはアパレル メーカーで働き、マス マーケット向けに男性、女性、子供服のデザインを作成しています。Abercrombie & Fitch、Justice、Juicyなど、ブランドとして「名前」を持つ大手デザイナー ブランドは、デザイン ディレクターの指示の下、個々のデザイナーのチームによってデザインされることが多いです。

衣服のデザインには、「色、質感、空間、線、模様、シルエット、形、比率、バランス、強調、リズム、調和」という要素が含まれます。^[3]これらすべての要素が組み合わさって、消費者の視覚的な興味を喚起する衣服のデザインが作られます。

ファッション デザイナーの作業方法はさまざまです。頭の中の構想から始めて、それを紙やコンピューターに描くデザイナーもいれば、直接ドレス フォーム (マネキンとも呼ばれる) に生地をドレープするデザイナーもいます。デザイン プロセスはデザイナーに固有のものであり、プロセスに含まれるさまざまなステップを見るのは非常に興味深いものです。衣服のデザインはパターン作成から始まります。プロセスはスローパーまたはベース パターンの作成から始まります。スローパーはデザイナーが作業しているモデルのサイズに合うようにするか、標準サイズ表を使用してベースを作成することができます。

パターンメイキングにおける3つの主要な操作には、ダーツ操作、輪郭形成、ボリュームの追加があります。^[4]ダーツ操作では、衣服のさまざまな場所でダーツを移動できますが、衣服全体のフィット感は変わりません。輪郭形成では、衣服の一部をバストや肩などの胴体の部分に近づけることができます。ボリュームの追加では、パターンの長さや幅を増やして、衣服のフレームとフィット感を変更します。ボリュームは、パターンの片側、不均等、または均等に追加できます。

デザイナーは、すべてのアイデアを結び付けて考えを広げ、まとまりのあるデザインを作成するのに役立つ特定のアプリを使用することを選択する場合があります。デザイナーがトワル(またはモスリン) のフィット感に完全に満足したら、プロのパターン メーカーに相談します。パターン メーカーは、紙またはコンピューター プログラムを使用して、完成した実用的なバージョンのパターンを作成します。最後に、サンプルの衣服を作成し、モデルでテストして、実際に使用できることを確認します。ファッション デザインは表現力に富み、デザイナーは機能的または非機能的なアートを作成します。

テクノロジーとは、「科学的発見の実用的、特に産業的な利用に関する研究と知識」です。^[5]ファッションにおけるテクノロジーは業界を拡大し、生産プロセスの迅速化を可能にしました。

長年にわたり、ファッションデザインにおけるテクノロジーの使用が増加しており、創造性のための新しいプラットフォームを提供しています。テクノロジーは常に変化しており、業界内で革新が起こっています。3Dプリントにより、パーソナライズされた製品の領域が広がり、独創性が広がります。^{[6]オランダ人デザイナー} のイリス・ヴァン・ヘルペンは、彼女の作品「クリスタライゼーション」で初めて3Dプリントをランウェイで使用し、3Dプリントの組み込みを披露しました。^[6]この革新により、ファッション業界が再編され、創造性の新たな領域が生まれました。

アプリやソフトウェアの登場により、デザイナーがテクノロジーを使って創作する方法はますます変化しています。Adobe Creative Cloud、特にPhotoshopとIllustrator は、デザイナーにとって新しいコミュニケーション手段となり、アイデアの流れを可能にします。デザイナーには、テクニカルフラットやテクニカルパックなど、よりプロフェッショナルで業界標準の仕様を作成するためのスペースも提供されます。

Browzwear、Clo3D、Optitexなどのソフトウェアは、製品開発段階でデザイナーを支援します。バーチャルリアリティは、デザイナーが実際に見ることができる衣服のプロトタイプを作成する新しい方法を可能にしました。^[6]これにより、ライブモデルとフィッティングが不要になり、製造プロセスが短縮されます。ソフトウェア内の3Dモデリングにより、衣服が製造される前に、サプライヤーとのパートナーシップのための初期サンプル作成と開発段階が可能になります。^{[7] 3Dモデリングでのデザインの} モックアップにより、最終サンプルが作成されて製造業者に送られる前に、問題を解決できます。

テクノロジーは衣服の素材にも活用され、役立っています。素材の革新により、繊維を再考したり、新しい素材を構築したりするための新しい方法が生まれます。これは全体として、デザイナーの機能的および美的目的に役立ちます。^{[7]素材技術は、Werewool [8]}やBananatex ^[9]などのブランドで使用されています。これらのブランドは、デザイナーが衣服を構築する方法を革新し、新しい素材を提供しています。

西洋の近代ファッションデザインは、19世紀にチャールズ・フレデリック・ウォルトが、自分の作った服に自分のブランドを縫い付けた最初のデザイナーとして始まったとよく考えられています。元呉服商人がパリにメゾン・クチュール（ファッションハウス）を設立する前は、服のデザインと製作は主に無名の裁縫師によって行われていました。当時、ハイファッションは王室で一般的に着用されていたものから派生したものです。ウォルトの成功は、以前のドレスメーカーがしていたように顧客のリードに従うのではなく、顧客に何を着るべきかを指示できるほどでした。クチュリエという用語は、実際には彼を表すために最初に作られました。どの時代のすべての衣服も、学者によって衣装デザインとして研究されていますが、1858年以降に作られた衣服だけがファッションデザインと見なされています。^[10]

この時期に、多くのデザインハウスが、衣服のデザインをスケッチしたり、絵を描いたりするアーティストを雇い始めました。すぐに製造に入るのではなく、イメージを顧客に見せて承認を得ることで、デザイナーの時間と費用を節約しました。顧客がデザインを気に入った場合、パトロンはデザイナーに衣服を注文し、ファッションハウスで顧客のために生産されました。このデザイナーとパトロンの関係により、デザイナーは完成したデザインをモデルに着せるのではなく、作品をスケッチするようになりました。

衣料品メーカーが生産する衣料品は主に 3 つのカテゴリに分類されますが、さらにさまざまなタイプに細分化されることもあります。

1950年代まで、ファッション衣料は主にオーダーメイドまたはオートクチュール（フランス語で「高度な縫製」の意）ベースでデザイン・製造されており、それぞれの衣服は特定の顧客向けに作られていた。オートクチュールの衣服は個々の顧客のためにオーダーメイドされ、通常は高品質で高価な生地から作られ、細部と仕上げに細心の注意を払って縫製され、時間のかかる手作業の技術が使用されることが多い。見た目とフィット感は、材料費や製作時間よりも優先される。^{[11] [12]}衣服のコストが高いため、オートクチュールはファッションハウスに直接利益をもたらすことはほとんどないが、名声と宣伝のために重要である。^[13]

既製服、またはプレタポルテは、オートクチュールとマスマーケットの中間のものです。個人の顧客向けに作られているわけではありませんが、生地の選択と裁断には細心の注意が払われています。服は独占性を保証するために少量生産されるため、かなり高価です。既製服のコレクションは通常、ファッション ウィークと呼ばれる期間中に各シーズンごとにファッション ハウスによって発表されます。これは市全体で行われ、年に 2 回あります。ファッション ウィークの主なシーズンは、春/夏、秋/冬、リゾート、水着、ブライダルです。

ハーフウェイガーメントは、既製服、既製服、プレタポルテファッションの代替品です。ハーフウェイガーメントは、意図的に未完成の衣服であり、衣服の「主要なデザイナー」と、通常は受動的な「消費者」と見なされる人々との共同デザインを促進します。^[14]これは、消費者が衣服の製造と共同デザインのプロセスに参加できる点で、既製服ファッションとは異なります。Make{able}ワークショップで、ヒルシャーとニイニマキは、衣服の製造プロセスへの個人的な関与が、ユーザーにとって意味のある「物語」を生み出し、それが人と製品の愛着を確立し、最終製品の感情的価値を高めることを発見しました。^[14]

オットー・フォン・ブッシュもまた、論文「ファッショナブル、ハクティビズム、そしてエンゲージド・ファッション・デザイン」の中で、中間的な衣服とファッションの共同デザインについて探求している。^[15]

現在、ファッション業界はマスマーケットでの販売に大きく依存しています。マスマーケットは幅広い顧客層に対応し、ファッション界の有名ブランドが設定したトレンドを取り入れた既製服を生産しています。彼らは、オリジナルルックの自分たちのバージョンを生産する前に、スタイルが流行するかどうかを確かめるために、1シーズンほど待つことがよくあります。お金と時間を節約するために、彼らはより安価な生地と、機械で簡単にできるより単純な生産技術を使用しています。そのため、最終製品ははるかに安く販売できます。^{[16] [17] [18]}

「カッチ」と呼ばれるデザインの種類があります。これはドイツ語のキッチ（kitschig ）に由来し、「安っぽい」または「美的に美しくない」という意味です。 キッチュは「もはや流行していないものを身に着けたり飾ったりすること」を指すこともあります。^[19]

給与所得のあるファッションデザイナーの年間賃金の中央値は、2023年5月時点で79,290ドルで、時給約38.12ドルです。中間の50％は平均76,700ドルを稼いでいます。下位10％は37,090ドル、上位10％は160,850ドルを稼いでいます。^[20]最も多くの雇用があるのは、アパレル、反物、雑貨の卸売業者で、割合は5.4％です。雇用に基づく平均は7,820です。最も雇用が少ないのはアパレルニット工場で、業界の雇用者の0.46％で、特定の専門分野内の平均労働者数は30人です。^[20] 2016年には、米国で23,800人がファッションデザイナーとして数えられました。^[21]

地理的に見ると、ファッションデザイナーの雇用が最も多い州はニューヨークで、雇用者数は7,930人です。^[20]ニューヨークは高級デザイナーやブランドの割合が高いため、ファッションデザイナーの中心地と考えられています。

今日のファッションは世界的な産業であり、ほとんどの主要国にファッション産業があります。アメリカ、フランス、イタリア、イギリス、日本、ドイツ、ベルギーの7 か国がファッションで国際的な名声を確立しています。ファッション産業の「ビッグ 4」ファッションの中心地は、ニューヨーク、パリ、ミラノ、ロンドンです。

アメリカは、最大かつ最も裕福で、最も多様なファッション産業の本拠地です。アメリカのファッションハウスのほとんどはニューヨーク市に拠点を置いており、特にガーメント ディストリクト地区に集中しています。アメリカ西海岸では、それほどではありませんがロサンゼルスにもかなりの数のファッションハウスがあり、アメリカで製造される高級ファッション衣料品のかなりの割合が実際にロサンゼルスで作られています。マイアミも、特に水着やその他のビーチファッションに関しては、新たなファッションの中心地として浮上しています。毎年 2 月と 9 月に開催される半年ごとのイベントであるニューヨーク ファッション ウィークは、世界中で開催される4 大ファッション ウィークの中で最も古いものです。ニューヨーク市ロウアー マンハッタンのグリニッチ ビレッジ地区にあるパーソンズ ザ ニュー スクール フォー デザインは、世界でもトップクラスのファッション スクールの 1 つとされています。アメリカでは数多くのファッション雑誌が発行されており、世界中の読者に配布されています。例としては、ヴォーグ、ハーパーズ バザー、コスモポリタンなどがあります。

アメリカのファッションデザインは、人口の民族的多様性を反映して非常に多様ですが、主にクリーンカット、都会的、ヒップな美学が支配的で、郊外や都市の中流階級の運動好きで健康志向のライフスタイルを反映して、よりカジュアルなスタイルを好むことが多いです。マンハッタンで毎年開催されるメットガラは、世界で最も権威のあるオートクチュールファッションイベントとして広く知られており、ファッションデザイナーとその作品が称賛される場です。ソーシャルメディアも、ファッションが最も頻繁に発表される場所です。一部のインフルエンサーは、商品や衣料品を宣伝するために多額の報酬を受け取り、企業は多くの視聴者が広告をきっかけに商品を購入することを期待しています。Instagramは最も人気のある広告プラットフォームですが、Facebook、Snapchat、Twitterなどのプラットフォームも使用されています。^[22]ニューヨークでは、LGBTファッションデザインコミュニティがファッショントレンドの普及に大きく貢献しており、ドラッグセレブリティはニューヨークファッションウィークに大きな影響を与えています。^{[23] [24]}

著名なアメリカのブランドやデザイナーには、カルバン・クライン、ラルフ・ローレン、コーチ、ナイキ、ヴァンズ、マーク・ジェイコブス、トミー・ヒルフィガー、DKNY、トム・フォード、キャスウェル・マッセイ、マイケル・コース、リーバイ・ストラウス・アンド・カンパニー、エスティ・ローダー、レブロン、ケイト・スペード、アレキサンダー・ワン、ヴェラ・ウォン、ヴィクトリアズ・シークレット、ティファニー、コンバース、オスカー・デ・ラ・レンタ、ジョン・バルベイトス、アナ・スイ、プラバル・グルン、ビル・ブラス、ハルストン、カーハート、ブルックス・ブラザーズ、スチュアート・ワイツマン、ダイアン・フォン・ファステンバーグ、J.クルー、アメリカンイーグル・アウトフィッターズ、スティーブ・マッデン、アバクロンビー＆フィッチ、ジューシークチュール、トム・ブラウン、ゲス、シュプリームなどがあります。 、そしてティンバーランドカンパニー。

1980年代後半から1990年代初頭にかけて、ベルギーのファッションデザイナーたちは、東洋と西洋を融合した新しいファッションイメージと、非常に個性的で個人的なファッションビジョンをもたらした。よく知られているベルギーのデザイナーには、アン・ドゥムルメステール、ドリス・ヴァン・ノッテン、ダーク・ビッケンバーグ、ダーク・ヴァン・サーヌ、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンク、マリーナ・イーの「アントワープ6人」や、マルタン・マルジェラ、ラフ・シモンズ、クリス・ヴァン・アッシュ、ブルーノ・ピータース、アンソニー・ヴァカレロなどがいる。^[25]

ロンドンは長い間イギリスのファッション産業の中心地であり、現代のイギリスのスタイルと融合した幅広い外国のデザインがあります。典型的なイギリスのデザインはスマートかつ革新的ですが、最近では伝統的なスタイルと現代の技術を融合し、ますます型破りになってきています。ヴィンテージ スタイルはイギリスのファッションとスタイリング業界で重要な役割を果たしています。スタイリストは定期的に古いものと新しいものを「ミックス アンド マッチ」し、それがイギリスのスタイルにユニークでボヘミアンな美的感覚を与えています。アイルランドのファッション (デザインとスタイリングの両方) もイギリスのファッション トレンドに大きく影響されています。有名なイギリス人デザイナーには、トーマス バーバリー、アルフレッド ダンヒル、ポール スミス、ヴィヴィアン ウエストウッド、ステラ マッカートニー、ジミー チュウ、ジョン ガリアーノ、ジョン リッチモンド、アレキサンダー マックイーン、マシュー ウィリアムソン、ガレス ピュー、フセイン チャラヤン、ニール バレットなどがいます。

フランスのファッションハウスのほとんどは、フランスファッションの首都であるパリにあります。伝統的に、フランスのファッションはシックでスタイリッシュであり、その洗練さ、カット、スマートなアクセサリーによって定義されます。フランスのファッションは国際的に高く評価されています。

マドリードとバルセロナはスペインの主要なファッションの中心地です。スペインのファッションは他のファッション文化に比べて保守的で伝統的であることが多いですが、より「時代を超越した」ものでもあります。スペイン人は服装に関して大きなリスクを冒さないことで知られています。^{[26] [27]}それにもかかわらず、スペイン出身のファッションブランドやデザイナーの多くは、

最も有名な高級ブランドはロエベとバレンシアガです。有名なデザイナーには、マノロ ブラニク、エリオ ベルハニエル、クリストバル バレンシアガ、パコ ラバンヌ、アドルフォ ドミンゲス、マヌエル ペルテガス、ヘスス デル ポソ、フェリペ バレラ、アガタ ルイス デ ラ プラダが含まれます。

スペインには、ザラ、マッシモ・ドゥッティ、ベルシュカ、プル＆ベア、マンゴー、デシグアル、ペペ・ジーンズ、カンペールなどの大手ファッションブランドの本拠地もあります。

ベルリンはドイツのファッションの中心地であり（ベルリンファッションウィークでよく知られています）、デュッセルドルフではイゲドが主催するヨーロッパ最大のファッション見本市が開催されます。その他の重要な中心地はミュンヘン、ハンブルク、ケルンです。ドイツのファッションは、エレガントなラインと型破りな若々しいデザイン、そして多様なスタイルで知られています。

インドのファッションハウスのほとんどはムンバイにあり、ラクメファッションウィークはインド有数のファッションイベントの一つと考えられている。^[28] ラクメファッションウィークは年に2回、人口の多い都市ムンバイで開催される。最初のショーは4月に開催され、夏コレクションが紹介される。2回目のショーは8月に開催され、冬コレクションが披露される。インドの女性向け化粧品ブランドのラクメがイベントを主催する。このファッションウィークは1999年に始まり、当初はインドファッションデザイン評議会（FDCI）と提携していたが、後にラクメとのスポンサー契約に切り替えられた。^[28]

ミラノはイタリアのファッションの中心地です。イタリアの老舗クチュリエのほとんどはローマにいます。しかし、ミラノとフィレンツェはイタリアのファッションの中心地であり、彼らのコレクションの展示会場となっています。イタリアのファッションはカジュアルで華やかなエレガンスが特徴です。イタリアでは、ミラノ ファッション ウィークが年に 2 回、2 月と 9 月に開催されます。ミラノ ファッション ウィークではファッションにスポットライトが当てられ、ミラノの中心部でファッション愛好家、バイヤー、メディアが集まりファッションを祝います。

日本のファッションハウスのほとんどは、アジア最大のファッションウィークである東京ファッションウィークの開催地である東京にあります。日本のスタイルはゆったりとしていて構造化されておらず（複雑な裁断から生じることが多い）、色は落ち着いた繊細なもの、生地は質感が豊かです。有名な日本のデザイナーには、高田賢三、三宅一生、山本耀司、川久保玲などがいます。

中国の衣料品は歴史的に、中国内外で品質が低いとみなされ、中国ブランドに対する汚名を着せられてきた。政府の検閲により、中国国民がファッション雑誌にアクセスできたのは1990年代になってからであった。^[29]しかし、世界のトップファッションスクールから入学する中国人デザイナーが増えるにつれ、Shushu/TongやRui Zhouなどの中国人デザイナーが世界のトップファッションウィークに進出し、上海は中国のファッションの中心地となった。^{[30] [29]} 2020年代初頭、Z世代の買い物客は、中国の歴史と文化の側面を取り入れた国産デザイナーを好むトレンドである国潮（中国語：国潮、ピンイン：Guó cháo）ムーブメントの先駆者となった。^[30]香港の衣料品ブランド、上海灘のデザインコンセプトは中国の衣料品にインスピレーションを受けており、21世紀の現代的なひねりと明るい色使いで1920年代と30年代の中国のファッションを活性化させることを目指しています。^[31]さらに、伝統的な漢服への関心の復活は、特に旧正月の時期に、歴史的な中国のディテールを備えたオートクチュールの衣服への関心につながっています。^[32]

ソ連のファッションは、西側諸国の一般的なトレンドにほぼ従っていました。しかし、国家の社会主義イデオロギーは、これらのトレンドを常に抑制し、影響を与えていました。さらに、消費財の不足により、一般大衆は既製のファッションに簡単にアクセスできませんでした。

スイスのファッションハウスのほとんどはチューリッヒにあります。^[33] スイスのスタイルはカジュアルでエレガント、そして少し風変わりな高級感があります。さらに、ダンスクラブシーンの影響も大きく受けています。

メキシコ先住民族の衣服の発展において、その製作方法は特定の地域で入手可能な材料や資源によって決まり、「人々の衣服の生地、形、構造」に影響を与えた。^[34]綿やアガベなどの植物繊維から織物が作られた。身分によって着用する生地が異なっていた。メキシコの衣服は、シルエットを作るために幾何学的な形状の影響を受けていた。ウィピルは「2枚または3枚の布を縦に縫い合わせて作ったゆったりとした袖なしのチュニック」^[34]が特徴のブラウスで、今日でもよく見られる重要な歴史的衣服である。スペインによる征服後、伝統的なメキシコの衣服はスペイン風に変化していった。

メキシコの先住民族は、特定の刺繍や色彩によって互いに区別しています。^[35]

メキシカンピンクは、メキシコの芸術やデザイン、そして一般的な精神のアイデンティティにとって重要な色です。ラモン・バルディオセラが述べた「ロサ・メキシカーノ」という用語は、ドロレス・デル・リオやニューヨークのデザイナー、ラモン・バルなどの著名人によって確立されました。^[35]

エル・インパルシアルやエル・ムンド・イルストラドなどの新聞や雑誌がメキシコで流通すると、メキシコシティなどの大都市にヨーロッパのファッションを知らせる重要な運動となった。これによりデパートの設立が促進され、ファッションの既存のペースが変わった。^[36]ヨーロッパのファッションや衣服にアクセスできるため、社会的地位の高い人々はそれらの要素を取り入れて他の人々と差別化を図った。フアナ・カタリーナ・ロメロは成功した起業家であり、この運動の先駆者であった。

• ファッション デザイナーは、衣服のライン、比率、色、質感の組み合わせを考えます。裁縫やパターン作成のスキルは役に立ちますが、ファッション デザインを成功させるのに必須ではありません。ほとんどのファッション デザイナーは、正式な訓練を受けているか、見習いとして働いています。
• テクニカル デザイナーは、デザイン チームや海外の工場と連携して、衣服の正しい構造、適切な生地の選択、フィット感の良さを確保します。テクニカル デザイナーは、フィット モデルに衣服のサンプルをフィットさせ、衣服を大量生産する前に、フィット感と構造にどのような変更を加えるかを決定します。
• パターンメーカー(パターン マスターまたはパターン カッターとも呼ばれる ) は、衣服のピースの形状とサイズを作成します。これは、紙と測定ツールを使用して手動で行うことも、CAD コンピューター ソフトウェア プログラムを使用して行うこともできます。別の方法としては、生地をドレス フォームに直接ドレープする方法があります。結果として得られるパターン ピースは、衣服の意図したデザインと必要なサイズを作成するために作成できます。パターン マーカーとして働くには、通常、正式なトレーニングが必要です。
• 仕立て屋は、顧客の寸法に合わせてカスタムデザインの衣服、特にスーツ（コートとズボン、ジャケットとスカートなど）を作ります。仕立て屋は通常、見習いまたはその他の正式な訓練を受けます。
• テキスタイルデザイナーは、衣服や家具に使用する布地の織り方やプリントをデザインします。テキスタイル デザイナーのほとんどは、見習いや学校で正式な訓練を受けています。
• スタイリストは、ファッション写真やキャットウォークのプレゼンテーションで使用する衣服、ジュエリー、アクセサリーをコーディネートします。また、個々のクライアントと協力して、コーディネートされた衣服のワードローブをデザインすることもあります。多くのスタイリストは、ファッション デザイン、ファッションの歴史、歴史的な衣装の訓練を受けており、現在のファッション市場と将来の市場動向に関する高度な専門知識を持っています。ただし、中には、素晴らしいルックスをまとめる優れた美的感覚を持っている人もいます。
• ファッションバイヤーは、小売店、デパート、チェーン店で販売されているさまざまな衣料品を選択して購入します。ほとんどのファッションバイヤーは、ビジネスやファッションの研究の訓練を受けています。
• 裁縫師は、衣料品店または工場のミシンオペレーターとして、既製服や大量生産された服を手縫いまたはミシンで縫います。裁縫師には、衣服を製作（デザインおよび裁断）したり、モデルにフィットさせるスキルがない場合があります。
• ドレスメーカーは、デイドレス、カクテルドレス、イブニングドレス、ビジネスウェアやスーツ、嫁入り道具一式、スポーツウェア、ランジェリーなど、オーダーメイドの女性服を専門に扱っています。
• ファッション予測者は、衣服が店頭に並ぶ前に、どのような色、スタイル、形が人気になるか（「流行」するか）を予測します。
• モデルはファッションショーや写真で衣服を着用して展示します。
• フィットモデルは、デザインや製造前の段階で服を着てフィット感についてコメントすることで、ファッションデザイナーを支援します。この目的のために、フィットモデルは特定のサイズである必要があります。
• ファッションジャーナリストは、雑誌や新聞に掲載される衣服やファッショントレンドを説明するファッション記事を書きます。
• ファッション写真家は、雑誌や広告代理店のために、モデルやスタイリストとともに衣服やその他のファッションアイテムに関する写真を制作します。^[37]

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