アートゲーム

アートゲーム（またはアートハウスゲーム）^[2]は、インタラクティブな 新しいメディアの デジタル ソフトウェアアートの作品であり、シリアスビデオゲームの「アートゲーム」サブジャンルのメンバーです。「アートゲーム」という用語は、2002年に学術的に初めて使用され、アートを強調するように設計された、またはその構造が視聴者に何らかの反応を引き起こすことを意図したビデオゲームを説明するものとして理解されるようになりました。 ^[3]アートゲームはインタラクティブであり^[4]（通常、コンピューター、自分自身、または他のプレーヤーと競争します） ^[5] 、検討のために作品を提供する側の芸術的意図の結果です。 ^[6]また、通常、ユニークで型破りな外観を実現するために特別な努力が払われ、デザインの美的美しさや複雑さで際立つことがよくあります。^[7]この概念は、一部の芸術理論家によって、ゲームプレイのシナリオを変更したりストーリーテリングを目的とした変更とは対照的に、芸術的な展示として見られることを意図したグラフィック結果を生成するために既存の非アートゲームに変更が加えられた場合の、修正された（「改造された」）ゲームの領域にまで拡張されました。芸術的な目的で作成された改造ゲームは、「ビデオゲーム アート」 と呼ばれることもあります。

アートゲームは、ビデオゲームを芸術作品として表現する手段であると考えられることが多い。

アート ゲームの定義は、ティファニー ホームズ教授(シカゴ美術館附属美術大学) が 2003 年にメルボルン DAC カンファレンスで発表した論文「アーケード クラシックはアートを網羅しているか? アート ゲーム ジャンルの最新動向」で初めて提案されました。ホームズ教授はアート ゲームを「視覚芸術家による、通常はユーモラスなインタラクティブ作品で、文化的ステレオタイプに挑戦する、意味のある社会的または歴史的批評を提供する、斬新な方法で物語を語る、のいずれかまたは複数を行うもの」と定義しました。論文では、アート ゲームには少なくとも次の 2 つが含まれている必要があると述べられています。「[1] 精神的な挑戦で勝利または成功を経験するための明確な方法、[2] 一連のレベルを通過すること (階層的である場合もそうでない場合もある)、[3] プレーヤーを表す中心となるキャラクターまたはアイコン」^[4]この定義は、レベッカ・キャノンが2003年10月の論文で絞り込み、このジャンルの競争的で目標志向的な性質を強調し、アートゲームを「（ある程度）プレイ可能なゲーム全体から構成される...アートゲームは常にインタラクティブであり、そのインタラクティブ性は競争するプレイヤーのニーズに基づいている...アートゲームは、主に物語や文化批評を構造化する新しいモードとしてゲーム形式を探求している」と定義しました。 ^{[6] [8]} 2015年の記事で、コロンビアのビデオゲーム理論家カルロス・ディアスは、アートゲームの不可欠な側面として「リフレクション体験」を重視しました。^[9]この体験はさまざまな文化的手段に関係しますが、媒体とその構造を超えています。^[9]

アートゲームというトピックでは、さらに細分化が提案されている。2003年の論文で、ホームズは一般的なアートゲームのタイプを「フェミニストアートゲーム」（ジェンダーや型付けについて考えるきっかけとなるアートゲーム）と「レトロスタイルのアートゲーム」（低解像度のグラフィックと学術的または理論的なコンテンツを並置し、概念的な創造的課題をサポートするためにアーケードクラシックのフォーマットを創造的に覆すアートゲーム）の2つに分けた。^[4] 2005年、芸術理論家ピッパ・ツァバララ（旧姓ストーカー）は、アートゲームを「ビデオゲーム（通常はコンソールではなくPCベース）で、一般的にはビデオゲームという媒体を通じて社会的または政治的な問題を探求するものだが、それだけではない」と広く定義した。彼女は、テーマとタイプによってジャンルをさらに細分化するための2つの異なる分類体系を提案した。ストーカーはテーマ別に「美的アートゲーム」を「ゲーム媒体を使って芸術的目的を表現するゲーム」を含むものと定義し、「政治的」または「アジェンダベースのアートゲーム」を「美的目的以外に何らかの隠された動機を持つ」アートゲームと定義し、その基礎は「コンピュータゲームの媒体を使って、ある問題を一般の人々、または少なくとも芸術界の注目を集め、大義に対する支持と理解を集めること」にあるとしている。^[6]ストーカーはタイプ別に「アートモッド」、「物理的表現アートゲーム」（プレイヤーは物理的にゲームに参加し、しばしば自分の行動に対して痛みなどの物理的な結果を経験する）、「マシニマ」、および「3Dリアルタイム[アート]ゲーム」（プログラミング面と商業面の両方で、レベルベースの完全な商用ゲームのすべての特徴を示すアートゲーム）を特定した。^[6]アートモッドとマシニマをアートゲームの一種と見なすことは、これらのメディアの非インタラクティブ性と非競争性を強調するキャノンのアートモッドの定義と矛盾している。

アートゲームをジャンルとして説明する際には、従来のビデオゲームのジャンル（プラットフォームや一人称シューティングゲームなど）とは区別されます。ゲームを表面的に説明するのではなく、芸術的な意図やゲームプレイの実行と実装に焦点を当てています。たとえば、ベセスダが2008年にリリースしたFallout 3は、一人称シューティングゲームの要素を持つロールプレイングゲームであると考えられていますが、アートゲームと一致する要素を持っているとも考えられます^[10] 。つまり、プレイヤーの感情や思考を刺激することだけを目的として、道徳的なプレイヤーの選択を実装しているのです。^{[10]最近では、} Braid やUndertaleなど、同様にアートゲームの特徴を備えたビデオゲームの例がいくつかあります。これらのゲームは、必ずしも「アートゲーム」という分類で作成または販売されているわけではありませんが、それぞれの構造を超えた芸術的な目的で作成されています。ビデオゲーム業界の発展に伴い、この媒体の可能性と限界がますます発見されており、それがアートゲームの要素が最近人気を集めている理由です。少なくとも、このジャンルはメディアを概念的な限界まで押し上げる手段と見ることができる。^[9]

これらの初期の定義が開発されて以来、芸術理論家は（作者またはキュレーターの）芸術的意図 ^{[6]の役割を強調しており[11]}、芸術界とビデオゲーム界の両方から、「アートゲーム」とその前身である「ビデオゲームアート」を明確に区別するさらなる定義が登場しています。^[12]問題の核心は、アートとビデオゲームの交差点にあります。インタラクティブではない兄弟芸術形式であるビデオゲームアートや、芸術的意図に関係なく芸術形式としてのビデオゲームの概念と簡単に混同されますが、ビデオゲームとの関係におけるアートゲームの位置付けは、映画との関係におけるアート映画の位置付けに類似しています。^[6] ACM SIGGRAPHは2014年3月にオンライン展示会「ゲームプレイの美学」を開き、ノミネートプロセスで選ばれた45の独立開発ゲームを特集しました。これらのゲームプレイのメカニズムは、ゲームのビジュアルとオーディオに部分的に結びついています。この展覧会のキュレーターであるグレッグ・ガーベイは、この作品を他の芸術形式を包含しようとする総合芸術の概念と比較したが、ガーベイのコメントによれば、「インタラクションと美学の融合」がこれらのゲームをこの概念の域を超えさせている。^[13]

グラフィック機能（およびゲーム アート デザインのその他の側面）が同時に向上し、ゲームがアートとして認識される傾向が高まり、ビデオ ゲーム アートの制作とアート ゲームのリリースが増加したため、これらのトピックに関する議論は密接に絡み合うことが多くなりました。これにより、「アート ゲーム」とさまざまな種類の「ゲーム アート」の間には、いくつかの重要な違いが生まれました。

芸術的なイメージを持つゲームとアートゲームを区別するにあたって、評論家たちはアートを彫刻に例え、アートゲームの創作における芸術的意図の概念を強調してきた。この違いは、 JoystiqのJustin McElroyによって「彫刻と建物の違いと同じである。建物やゲームは美的に美しいかもしれないが、アートゲームや彫刻はその構造そのものを使って何らかの反応を生み出している」と説明されている。^[7]この同じ比較は、アートゲームと、芸術的なゲーマーコミュニティにおける非ゲームの重要性について議論したインタビューでJenova Chenによっても使用されている。^{[14] 2010 年に}SparkのNora Youngとのインタビューで、アートゲームを建築と比較できるという概念を拡張するとともに、Jim Munroe は、一般にアートの領域内で「アートゲーム」などのビデオゲームが「高尚な芸術」の方向にシフトしているのに対し、伝統的にビデオゲームは「文化の溝」（「低級な芸術」を構成する）の位置を占めてきたと述べた。^[15]

アートゲームと芸術的イメージを伴うゲーム（そして実際、芸術としてみなされるすべてのゲーム）の間にあるもう 1 つの重要な区別は、アートゲームは最初から芸術的創作物として意図されているのに対し、伝統的なゲームは商業的動機があり、遊びを重視することが多いという点です。^[6]したがって、「ゲームアート」の「ゲーム」部分は、芸術的な目的を達成するための手段にすぎません。これは、一部のコメンテーターによって、キュレーターと元のクリエイターの芸術的意図を含むように拡張されています。 ^[11]この区別は、「シリアスプレイ」という概念にも焦点を当てています。サウサンプトンソレント大学のグラハムとノーサンプトン大学のエリザベスコールタースミスは、シリアスプレイを「道具的ではなく、言語モデルに過度に重点を置いたコミュニケーションモードではない」と定義しています。 ^[16]言語などの抽象的なものではなく、参加者の具体的な行動を伴うコミュニケーション媒体です。これは、ますます共感的で具体的な手段を通じて意味の伝達を促進するため、芸術媒体にとって重要な意味を持ちます。他のメディアとは異なり、ゲームのプレイヤーは時間だけでなく、問題解決や時間制限のある反射神経の応用といった形で努力も費やす必要があります。この参加型要素は、芸術作品に努力という要素を加えることで、感情的な投資度が高まり、その結果、参加者に対する芸術的意図の潜在的影響が高まることを示しています。

アートゲームとビデオゲームアートを区別する際には、インタラクティブ性と競争（または目標）の要素が強調されることが多い。アートゲームはゲームであり、ゲームはインタラクティブであるため、アートゲームの定義にはインタラクティブ性が求められる傾向があるが、ビデオゲームアートはインタラクティブでも非インタラクティブでもかまわない。 ^{[4] [5] [6]}さらに、競争、ルール、目標がゲームに内在するかどうか、アートゲームの文脈で「遊び」がどの程度定義できるかという疑問は、チェスのようなゲームをシムシティのようなゲームと比較したり、ウーメラからの脱出のようなゲームの遊び心に疑問を呈したりする批評家にとって厄介な問題を引き起こす。^[6]多くの評論家は、ビデオゲームアートと区別するために、アートゲームの定義の一部として競争の概念を含めている。 ^[5]このような定義の例は、ジョン・シャープ教授によって提供されています。「アートゲームとは、ルール、ゲームの仕組み、目標など、ビデオゲームの経験的および形式的な特徴を、他のアーティストが絵画、映画、文学を使用するのと同じように表現形式として維持するという形式的な意味でのゲームです。」^[12]したがって、ゲームアート作品は、キャンバスまたは芸術的な媒体として伝統的な（非芸術的な）ゲームを使用しているのに対し、アートゲームはゲームの形式的な性質を芸術的な媒体として使用していると考えられます。^[17]

アート ゲームと既存のゲームへの芸術的改変を区別するという考え方は、レベッカ キャノンやマッテオ ビタンティ^[8]を含む複数の評論家が、関連するトピックをさらに議論する上で有用であるとしている。ティファニー ホームズによる「アート ゲーム」の元の定義を出発点として、キャノンは、アート ゲームは「常に (ある程度) プレイ可能なゲーム全体から構成され」、ゼロから作られることもあるが、アート モッドは定義上「常に既存のコンピュータ ゲームを改変または再利用するが、報酬システムが含まれることはまれであり、含まれるとしてもテーマに関連する場合のみである」と強調した。同様に、インタラクティブ性とプレイアビリティはアート ゲームを定義する特性であるが、アート モッドにとってはあまり重要ではないことが多い。^[18]

キャノンにとって、作品の改変という性質は、その作品がアートゲームなのかアートMODなのかという問題を決定する唯一の要素ではない。彼女の定義によれば、MODであるにもかかわらず、いくつかの改変は「アートゲーム」である。この点で混乱が生じる可能性について、彼女は最も基本的なレベルで「アートゲームは主に物語や文化批評を構造化する新しいモードとしてゲーム形式を探求し、アートMODはゲームメディアの属性を広範な芸術的表現に利用する」と述べている。したがって、アートゲームはゲーム形式を探求し、アートMODはゲームメディアを探求し、アートMODは常に既存のゲームを活用するが、アートゲームはそれらを置き換えることが多い。^[18] フルクサスの学者セリア・ピアースは、アートMODまたは「パッチ」を「介入戦略」と表現し、^[19]ダダイズムの概念に言及している。彼女は、アートMODはビデオゲームの文化的文脈内での破壊と反映を伴うこの疑似破壊行為の例であると主張している。^[19]

ピッパ・ツァバララを含む他の芸術理論家は、「アートゲーム」のこの狭い定義を拒否し、代わりに、ゲームの概念は作者がルールと目標を作成したシステムに限定されず、観察者がプレイ体験を自ら制限するたびにゲームが出現するという理論に基づく広い定義を採用しました。したがって、ジョディアートMOD、SOD （ Wolfenstein 3Dの改造）を体験している観察者は、次のレベルに進むことを目標にすると決めるとすぐに、それをアートゲームとして体験することができます。^[6]

アートゲームというジャンルは、商業文化（特に商業用ビデオゲーム）と現代のデジタルアートの交差点から最も直接的に生まれました。^[6]しかし、このジャンルの最も古い起源を突き止めようとしたティファニー・ホームズやグレッグ・コスティキアンなどの芸術理論家は、その最も古いルーツをダダと、 1920年代のシュルレアリスム芸術家による共同描画ゲームに特定しました。 ^[6]他の人は、19世紀と20世紀の文学で作者が読者のために発明した文学ゲームとのさらに広いつながりを引き出しました。^[20]ゲームを芸術的有用性のトピックとして扱うことにより、これらの初期の芸術運動は、ゲームの概念を芸術的に探求可能な形式として、そして単なる娯楽以上のものとして正当化しました。^[6]

ジョージア州アトランタで開催されたゲームの美術史に関する会議で、セリア・ピアース教授はさらに、1960年代のフルクサス運動とマルセル・デュシャンの芸術作品以来、手続き性が特定の芸術形式で中心的な位置を占めるようになったと指摘した。芸術的な動機から芸術作品の創作に関する厳格なルールを課すこと（この場合は、作者によるビデオゲームの形式や媒体への制限）により、ビデオゲームと芸術が衝突し、最初の真のアートゲームが生まれた。^[21]コンウェイのゼロプレイヤー ゲーム「ライフゲーム」（1970年）などの初期のゲームのようなプログラムは、後のアートゲームの基礎となったが、^{[22]ピアースは、最も初期の真のアートゲームは、}バーニー・デコーヴェンとジャロン・ラニアーの「エイリアン・ガーデン」 （1982年）などのゲームとともに、1980年代初頭の小さな波から始まったとしている。^[21]この時期の他の初期のアートゲームには、ジェーン・ヴィーダーのウォーピットアウト（1982年）、^[23]ラニアーのムーンダスト（1983年）、[ ^24]リン・ハーシュマン・リーソンのレーザーディスクゲーム LORNA（1983年）とディープコンタクト（1984年）などがあります。^[25]この活動期間の後、アートゲームの制作は1990年代の終わりまで停滞しました。

ビデオゲームが美術館で初めて展示されたのは1980年代で、コーコラン美術館の「ARTcade」（1983年）^[26]や、映像博物館の「Hot Circuits: A Video Arcade」（1989年）などの回顧展でのことだった。^{[6] [27]}しかし、アートゲームの制作と同様に、この慣行は1990年代後半から2000年代初頭にかけてより一般的になった。ウォーカーアートセンターの「Beyond Interface」（1998年）^[28] 、オンラインの「Synreal」（1998年）^[12]、「Cracking the Maze - Game Plug-Ins as Hacker Art」（1999年）^[21] 、 shift eVの「RELOAD」（1999年）^[12] 、 UCI Beall Centreの「Shift-Ctrl」（2000年）^{[6] 、および2001年のその他のいくつかの展示会は、この概念を}普及させたビデオゲーム展示会の第一波でした。^[28]これは、2000年代初頭にMASS MoCAの「GameShow」（2001年）^[12]サンフランシスコMOMAの「010101：テクノロジカルタイムズのアート」（2001年）、ホイットニー美術館の「ビットストリーム」（2001年）、ニューヨーク映像博物館の「<ALT>デジタルメディア」（2003年）などのショーで、アートゲームコンテンツを重点的に取り上げた、または独占的に展示するまでに拡大しました。^[28]

1970年代のニューゲームズムーブメントの近代的伝統を引き継いで、ゲームのプレイがパフォーマンスアートの一形態とみなされるようになり、フランク・ランツの『パックマンハッタン』^{[21] 、} ブラスト・セオリーの『Can You See Me Now?』  ^[29]、そして同様のパフォーマンスアートとアートゲームのハイブリッドである『Painstation』（2001年）、『Go Fish』（2001年）、『Vagamundo』（2002年）などのアート作品が、アートゲーム制作の近代初期に登場した。急成長を遂げたビデオゲームアート運動も、アートゲーム開発、特にアートMODの制作に直接的なインスピレーションを与えた。芸術理論家のレベッカ・キャノンは、意図的なアートMODの最も古い例として、飯村隆彦の1993年のAIUEOUNN Six Features（ソニーの「System G」の改造）を挙げている。^{[6] [18]ただし、} Castle Smurfenstein （1983）のようなMODの越境性は、アートゲーム制作の初期段階ですでに認識されていた。^[30] Jodi.orgやオーストラリアのSelectParksなどのオンラインアーティスト集団は、すぐにスタジオ環境でのアートゲームの制作を開始し、インタラクティブなアートMODを使用して古いゲームを再利用した。^[6]

アートゲーム内でのMODの使用は、伝統的に男性中心のゲームに女性キャラクターを追加するなど、メッセージ性のあるゲームを設計したり、観客におなじみの作品を別の観点から再検討させたりするために、アートゲームクリエイターにとって主要なツールの1つになりました。^[21]その結果、アートゲームの初期の歴史は、商業ビデオゲームの歴史やビデオゲームコンベンションの確立と密接に関連しており、ビデオゲームの歴史における重要なイベントは、アートゲームにも対応する重要性を持っています。 これは、アートゲームの本質を構成する技術的進歩のレベルという点でも、アートゲームが参照として^[6]またはオマージュの対象として使用する可能性のある文化的試金石（古典的なアーケードゲームや1990年代のDoomやMystなどの大ヒットタイトルなど）を提供するという点でも当てはまります。^{[4]この種のアートゲームは、理論家によって「アーティストゲーム」 [31]、つまり}ゲーム開発者ではなく非開発者の現代アーティストによって作成されたアートゲームと定義されています。 「アーティスト ゲーム」は、ゲーム シーン自体から生まれたアート ゲームよりも低予算で、技術的 (コーディング) 知識も少なく制作されることが一般的ですが、芸術的な野心に関してはより明確であり、1980 年代の古典的なアーケード ゲームをベースにしていることが多いため、「改造とオリジナル ゲームの間のグレー ゾーン」を占めるのが一般的です。^[31]この種のゲームの初期の例としては、トンプソンとクレイグヘッドのTrigger Happy (1998)、Esc to Begin のFont Asteroids (1999)、ナタリー ブックチンのThe Intruder (1999) などがあります。^[4]

2000年代を通じてビデオゲームがメディアとしてますます一般的になるにつれ、^[32]メディアのゲーム部分を軽視したビデオゲーム（シリアスゲーム、非ゲーム、アートゲームなど）の制作が増加しました。これにより、ゲームは単なる娯楽ではなく、アイデアの媒体として認識されるようになりました。「アートゲーム」という用語は、ティファニー・ホームズ教授が2002年に発表した論文「アートゲームとブレイクアウト：新しいメディアとアメリカのアーケードの出会い」で学術的な場で初めて使用されました。^{[6] [33]}ホームズはこの論文をフィンランドのタンペレで開催されたコンピュータゲームとデジタル文化会議とSIGGRAPH 2002で発表し、後に2003年にメルボルンDACカンファレンスの論文でこの用語を定義して拡張しました。^[4]理論家レベッカ・キャノンは2003年後半の論文「芸術的なコンピュータゲームの変更入門」で定義をさらに洗練させました。^[6]

2000年代前半から中頃にかけて、Samorost（2003）^[11]やThe Endless Forest（2005）^{[34]などのゲームが登場し、アートゲームと}インディーゲームの間には大きな重なりが生じました。このアートゲーム運動とインディーゲーム運動の出会いにより、アートゲームはビデオゲーム文化全体で注目されるようになり、 ^[21]ビデオゲームが芸術作品として公平にみなされるかどうかについて大きな議論が巻き起こり、この用語の使用に対する反発も起こりました。これらの議論は、今度は「アートゲーム」という用語が使用される前の多くの古い商用ビデオゲームが遡及的にアートゲームであると判断されることにつながりました。 2000年代後半（特に2008年以降）にインディーズアートゲームの制作が劇的に増加するにつれ、Jenova Chen、Molleindustria、Jason Nelson、Jason Rohrer、Tale of Talesなどのインディーズゲーム開発者が定着し、「アーティストゲーム」は比較的一般的ではなくなりました。

アートゲームの商業的実現可能性に関する議論は、商業ビデオゲーム業界が「プレステージゲーム」（商業的に成功する可能性は低いが、芸術的ビジョンによってメディアの発展にとって重要であるとされるゲーム）の開発に資金を提供する可能性についての憶測につながった。これらの検討は一般的に時期尚早とみなされている。なぜなら「プレステージ」の概念は、新興業界の開発者ほどパブリッシャーには定着していないからである。その結果、パブリッシャーは、大手映画スタジオ（アートハウス部門を持つことが多い）が名声を高める可能性のあるアート映画を引き受けるのと同じように、商業的にリスクの高いハイコンセプトのゲームを引き受けることを一般的に望まない。^[35]高品質のアートゲームを制作するために十分な資金が必要であることは、Florent Deloison や Mark Essen などのアートゲームクリエイターによって認識されており、2011 年にデザイナーゲーム会社に加わり、アートパトロンが高額で贅沢品として個別のアートゲームを注文できるようにした。^[36]

「アートゲーム」という用語の使用が増えている一方で、ビデオゲーム文化の多くのメンバーがその使用に否定的な反応を示している。批評家は、この用語は、ゲームが芸術作品になり得るという考えを拒否し、「アートゲーム」をエリート主義的なゲームと同一視するゲーマー人口の特定の層を遠ざけるものだと指摘している。この種の反応により、一部のゲーム開発者は、ゲームを説明するためにこの用語を使用することを拒否し、代わりに^{「ゲームではない」、 「}ゲームではない」などの用語を使用したり、単に自分の作品にカテゴリラベルを付けることを拒否したりしている [ 要出典 ]。この用語に対する一般的な批判には、次のものがある。

• ゲームコミュニティの一部の人々は、ゲームをアートゲームと表現することは、気取ったものであり、面白くないことを意味すると考えています。^{[37] [38]}
• アートゲームをプレイして楽しむ人々（「アートゲーマー」と呼ばれる）はスノッブであり、模倣すべきではないという見解。 ^[39]
• 「アートゲーム」という用語は、ビデオゲームにおいてこれまで存在しなかった高芸術と低芸術の区別を不必要に導入しているという見解。 ^[40]
• 「アートゲーム」という用語は広義であり、「インディーゲーム」と同義語として誤って使用されているため、イノベーション自体はアートではないのに、イノベーションの概念を不適切に利用しているという見解。^{[41] [42]}
• 「アートゲーム」という用語は、ビデオゲームという媒体内での芸術性に対する排他的な主張を意味し、アートゲームは他の形式よりも優れているという考え。^[37]
• 今日「アートゲーム」とラベル付けされた作品のアイデアは、ゲーム^{[43]またはアート[44]}と呼ぶにふさわしい正式な特性を欠いています。

• アート映画
• 作家理論
• コンピュータアート
• ゲーム研究
• グリッチアート
• 芸術としてのビデオゲーム
• ビデオゲームアート

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