アメリカーナ音楽

アメリカーナ（アメリカンルーツミュージックとも呼ばれる）^[1]は、アメリカ合衆国の音楽精神を構成する共有された多様な伝統の合流によって形成されたアメリカ音楽の融合であり、特にアメリカ南部で歴史的に発展した音楽に重点を置いています。

「アメリカーナ音楽」という用語は、 2020年にアメリカーナ音楽協会（AMA）によって「…カントリー、フォーク、ブルース、ソウル、ブルーグラス、ゴスペル、ロックの豊かな糸が織りなすタペストリー」と定義されました。^[2]  2016年のAMAによるこのジャンルの定義にはリズムアンドブルースが含まれており、アメリカーナ音楽は「そのジャンルの純粋な形式とは別の世界に生きる、独特のルーツ志向のサウンドを生み出します。アコースティック楽器がよく使用され、重要な役割を果たしますが、アメリカーナではフルエレクトリックバンドが使用されることもよくあります」という追加のコメントが付けられています。^[3]

アメリカーナ音楽の起源は20世紀初頭にまで遡ります。当時、アメリカの田舎のミュージシャンがフォーク、ブルース、カントリーミュージックの要素を自分たちの曲に取り入れ始めました。^{[4]アメリカーナのミュージシャンは}ギター、バンジョー、フィドル、アップライトベースなどのアコースティック楽器を演奏することが多く、彼らの曲は日常生活の苦労や困難についての物語を語るものでした。^[5]

アメリカのフォーク音楽の復興は1940年代に始まり、1960年代半ばに人気がピークに達した。ニューヨーク市でのフォークリバイバルは、 1940年代にスクエアダンスやフォークダンスへの関心が再燃したことに端を発しており、マーゴット・メイヨーなどの指導者がこれを支持したことにより、ピート・シーガーなどのミュージシャンが人気を集めるようになった。^{[6] [7] [8]}フォークリバイバルがより一般的に人気があり商業的な現象となったのは、1948年11月にピート・シーガー、リー・ヘイズ、フレッド・ヘラーマン、ピープルズ・ソングスのロニー・ギルバートによって結成されたザ・ウィーバーズによる活動から始まった。シーガーはピープルズ・ソングスの社長、ヘイズの事務局長を務めていた。

西海岸出身のグループ、キングストン・トリオは、スタイルと表現においてウィーバーズから直接影響を受け、ウィーバーズの主に伝統的な楽曲をカバーした。キングストン・トリオの人気に続いてジョーン・バエズの人気が高まり、そのデビューアルバム『ジョーン・バエズ』は1960年後半にトップ10入りし、2年以上にわたってビルボードチャートに留まった。フォークミュージックのカテゴリーに、伝統的でない楽曲や、自らを「シンガーソングライター」と呼ぶ個人の演奏者によるより個人的で詩的な作品が含まれるようになるまで、それほど時間はかからなかった。知名度の高い商業フォークアーティストの経済的成功の結果、レコード会社は、フィル・オクス、トム・パクストン、エリック・フォン・シュミット、バフィー・セントマリー、デイヴ・ヴァン・ロンク、ジュディ・コリンズ、トム・ラッシュ、フレッド・ニール、ゴードン・ライトフット、ビリー・エド・ウィーラー、ジョン・デンバー、ジョン・スチュワート、アーロ・ガスリー、ハリー・チャピン、ジョン・ハートフォードなど、 新世代のフォークリバイバルやシンガーソングライターのレコードを制作し、配給し始めました。

この波の中には、家族の歌や演奏の伝統から生まれたものもあれば、そうでないものもあった。これらの歌手は、ハリー・スミスの有名なLPコンピレーション『Folkways Anthology of American Folk Music』（1951年）を聴いて発見した元の歌手のスタイルを真似て、伝統的な題材を演奏することに誇りを持っていた。このLPは、1920年代と30年代の忘れ去られた、あるいは無名の商業用78回転「レース」と「ヒルビリー」の録音を集めたものだった。これらの古い録音を作ったアーティストの多くは、まだ健在で、「再発見」されて1963年と64年のニューポート・フォーク・フェスティバルに連れてこられた。たとえば、伝統主義者のクラレンス・アシュリーは、ドック・ワトソンやスタンレー・ブラザーズなど、古い音楽を今でも積極的に演奏している友人の音楽をフォーク・リバイバル主義者に紹介した。

1950年代から1960年代にかけて、フォークリバイバル音楽は進化し、ロックンロールやその他のポピュラー音楽の要素を取り入れるようになりました。ボブ・ディランやバーズなどのアーティストは、伝統的なフォークやカントリーミュージックをエレキギターやドラムと融合させ、フォークロックとして知られるようになった新しいサウンドを生み出しました。^[4]

1965年1月20日、バーズはハリウッドのコロンビア・スタジオに入り、ボブ・ディランのアコースティック曲「ミスター・タンバリン・マン」をレコーディングし、コロンビアでのデビュー・シングルとしてリリースした。バーズとプロデューサーのテリー・メルチャーがこの曲に施した完全なエレクトリック・ロック・バンドの手法は、事実上、フォーク・ロックという音楽のサブジャンルのテンプレートを作り出した。^{[9] [10]}マッギンのメロディアスでジャラジャラした12弦リッケンバッカー・ギターの演奏は、非常に明るく持続的な音を出すために強く圧縮されており、即座に影響力を持ち、それは今日まで続いている。このシングルにはバンドのサウンドのもう一つの大きな特徴である、マッギンとクラークがユニゾンで歌い、クロスビーが高音のハーモニーを担当する、明確なハーモニーも収録されている。^[11]さらに、リッチー・ウンターバーガーは、この曲の抽象的な歌詞がロックとポップスの作詞作曲を新たな高みに引き上げたと述べている。これほど知的で文学的な言葉遊びが、ポピュラー音楽グループによるロックの楽器演奏と組み合わされたことはかつてなかった。^[12]

3か月以内に「ミスター・タンバリン・マン」はフォークロック界初の大ヒットとなり、^{[13]米国の}ビルボード・ホット100チャートと英国のシングルチャートの両方で1位を獲得した。^{[14] [15]} このシングルの成功は1965年と1966年のフォークロックブームの始まりとなり、その間にバーズに影響を受けた多くのバンドがアメリカとイギリスのチャートでヒットを飛ばした。^[12]「フォークロック」という言葉自体は、1965年6月にアメリカの音楽プレスがバンドのサウンドを表現するために作った造語であり、「ミスター・タンバリン・マン」が米国で1位を獲得したのとほぼ同じ時期である^{[16] [17]}

バーズによるディランの「ミスター・タンバリン・マン」のカバーと同名のデビューアルバム の商業的成功、およびディラン自身のロック楽器によるレコーディング（アルバム『ブリンギング・イット・オール・バック・ホーム』（1965年）、『追憶のハイウェイ61』（1965年）、『ブロンド・オン・ブロンド』 （1966年））は、サイモン&ガーファンクルなどの他のフォークバンドがレコードでエレクトリック・バックを使用するよう促し、バッファロー・スプリングフィールドなどの新しいグループが結成されるきっかけとなった。1965年7月25日、ディランがエレクトリック・バンドをバックに出演して物議を醸したことも、このジャンルの発展における重要な瞬間であった。

1990年代には、オルタナティブ・ロックと並んでオルタナティブ・カントリーという言葉が、主流のカントリーミュージックの伝統や業界の外で活動する多様なミュージシャンや歌手を表すのに使われるようになった。ナッシュビル中心の業界のますます洗練された制作価値やポップな感性を避け、よりローファイなサウンド、しばしば強いパンクやロックンロールの美学が吹き込まれたサウンドを好む人が多くいた。オルタナティブ・カントリーは、ウディ・ガスリー、ハンク・ウィリアムズ、カーター・ファミリーなどの実践者によって守られ称賛されてきた労働者階級の音楽である伝統的なアメリカのカントリーミュージックを参考にしており、彼らはしばしば大きな影響を受けた人物として挙げられる。^[18]もうひとつの大きな影響を受けたのはカントリーロックで、カントリーミュージックとロックンロールのサウンドが融合した結果生まれた。カントリーロックの創始者として最もよく知られているのはグラム・パーソンズ（彼は自分のサウンドを「コズミック・アメリカン・ミュージック」と呼んだ）だが、マイケル・ネスミス、スティーブ・アール^[19]、ジーン・クラークも重要な革新者として挙げられることが多い。^[20] 3番目の要因はパンクロックであり、エネルギーとDIY精神をもたらしました。^[19]

パンクとカントリーを融合させる試みは、ナッシュビルのジェイソン・アンド・ザ・スコーチャーズや、1980年代の南カリフォルニアのカウパンク界のロング・ライダーズ^[21]やX ^[22]、ミネアポリスを拠点とするバンド、ジェイホークスによって開拓されていた。Xは1982年に大手レーベルのエレクトラと契約し、 『アンダー・ザ・ビッグ・ブラック・サン』をリリースしたが、これは彼らのトレードマークのサウンドからの転換点となった。依然として速くて騒々しく、生々しいパンクギターが鳴り響くこのアルバムは、進化するカントリーへの傾倒を示した。スコーチャーズは1982年にインディーズレーベルのプラクシスからデビューDIY EP 『レックレス・カントリー・ソウル』をリリースした。しかし、これらのスタイルはアンクル・テューペロの1990年のLP『ノー・ディプレッション』で完全に融合し、これが最初の「オルタナティブ・カントリー」アルバムであると広く認められ、このムーブメントの基盤となったオンライン掲示板、そして最終的には雑誌にその名前が付けられた。

1990年代から2000年代にかけて、新世代のアーティストが伝統的なアメリカ音楽の要素を自分たちの曲に取り入れ始めたため、アメリカーナ音楽の人気が再燃した。ウィルコ、ルシンダ・ウィリアムズ、ジリアン・ウェルチなどのアーティストは、ロック、フォーク、カントリー、ブルースの要素を融合した新しいスタイルのアメリカーナ音楽の普及に貢献した。^{[23] [24]}

ローリングストーン誌は次のように指摘している。

「アメリカーナ」という言葉が音楽用語として流行したのは1990年代半ば、ナッシュビル、カリフォルニア、テキサスに散らばったラジオのプロモーターや業界のアウトサイダーのグループが、ガイ・クラーク、ダレル・スコット、ジム・ローダーデールといった伝統的な考えを持つソングライターの波のために独自の市場を開拓しようとしたときだった。彼らの作品は、ガース・ブルックスやシャナイア・トゥエインにうつつを抜かしていたカントリーミュージック業界ではもはや受け入れられていなかった。^[25]

この新しいスタイルの音楽は、伝統的なアメリカの音楽形式への新たな関心を反映しており、アメリカーナ音楽を独自の重要なジャンルとして確立するのに役立ちました。

アメリカーナ音楽協会は、世界中でアメリカンルーツミュージックを推進する非営利の業界団体で、1999年に設立されました。 ^[26] アメリカーナアーティスト、ラジオ局、レコードレーベル、出版社などのネットワークであり、知名度と経済的実現可能性を高めるインフラの開発を目指しています。

2010年代には、アメリカーナ音楽に関連するいくつかの音楽グループがビルボードチャートに登場しました。マムフォード・アンド・サンズ、ザ・ルミニアーズ、ザ・アヴェット・ブラザーズなどのバンドは、現代アメリカーナをこれまで以上に多くの人々に届けるのに貢献しました。アーティストとしての彼らの人気により、このジャンル（カントリーやロックの影に隠れてニッチな存在だった）が主流になりました。^[27]

2011年にこのジャンルはメリアム・ウェブスター辞書に正式に掲載されました。^[28]

現代では、アメリカーナ音楽は進化と拡大を続けており、新世代のアーティストたちはアメリカの豊かな歴史と文化的伝統からインスピレーションを得続けています。アメリカーナ音楽の楽器は、アコースティック ギター、フィドル、バンジョー、マンドリン、ハーモニカ、エレキ ギター、ドラムが引き続き特徴となっています。このジャンルはアメリカの文化的、社会的風景に深く根ざしており、アメリカ人の多様な経験と視点を反映し続けています。

近年、このジャンルは、これまで常に目立っていたカントリーやフォークの要素に加えて、ブルース、R&B、ソウルからの影響をさらに取り入れるようになりました。2017年にローリングストーン誌は、アメリカーナが「アイデンティティ危機」に陥っていると主張する記事を掲載し、ジャンルの定義を変え、民族的多様性を促進する取り組みに焦点を当てました。

2014年、伝統的なカントリーミュージシャンのデール・ワトソンは、ホンキートンク、アウトロー、ウエスタンスウィング、ロカビリーのジャンルに焦点を当てたアメリポリタン・ミュージック・アワードを創設した。これは、これらのジャンルはもはやカントリーやアメリカーナとして適切に分類できないという前提に基づいており、そのため「アメリポリタン」という新しい用語を作成する必要があると考えたためである。

アメリカーナのラジオ形式の起源を最も強く主張しているのは、カリフォルニア州ギルロイのKFATで、1975年半ばから1983年1月まで活動していたと、 2016年にギルバート・クラインが著し、MainFramePress.comが出版した「Fat Chance ^」 [ ^29]に記されている。KFATの後継局は、カリフォルニア州ホリスターのKHIP、カリフォルニア州フリーダムのKPIG、カリフォルニア州レイトンビルのFat 99 KPHT-LPである。ラジオ形式としてのアメリカーナは、1984年にカリフォルニア州ノースリッジのKCSN（「カレッジラジオ」）で始まったと言う^人もいる^が、それはKFATの後、ギルロイが売却され形式が変更されたときに放送が中止された後のことである。

カントリー/フォーク雑誌『フレット』の寄稿者マーク・ハンフリーは、「ホンキー・トンク・アムネシア」という週刊ラジオ番組を主催し、「カントリー、フォーク、ホンキー・トンク、ケイジャン、ドッグ、ブルース、オールドタイム・ミュージック」を流していた。カントリー・ミュージック局KCSNは、この組み合わせを「アメリカーナ」として宣伝していた。^[30]この形式は、1990年代半ばに、ラジオのプロモーターや音楽業界関係者が、伝統志向の作詞家や演奏家を表すために使う表現として定着した。

アメリカーナタイプのラジオ番組は、さまざまな非営利ラジオ局で聴くことができます。

• アコースティックギター

アコースティックギターは、おそらくアメリカーナ音楽において最も重要な楽器です。歌のリズムの基盤を提供するだけでなく、ボーカルや他の楽器の伴奏としてもよく使用されます。^[31]アメリカーナ音楽では、アコースティックギターはフィンガースタイルで演奏されることが多く、このジャンルの素朴でルーツ的な雰囲気にぴったりの暖かくオーガニックなサウンドを生み出します。^[32]

• バンジョー

バンジョーはアメリカーナ音楽において特徴的で欠かせない楽器です。^[33]その明るく鼻歌のような音はすぐに認識でき、アパラチア音楽やブルーグラス音楽と関連付けられることも多いです。バンジョーは、爪の裏で弦を叩く、クローハマーと呼ばれる技法で演奏されることが多いです。 ^[34]バンジョーはアメリカーナ音楽に独特の質感を加え、その複雑でテンポの速い演奏は、曲を前進させる推進力のあるリズムを生み出すことができます。

• マンドリン

マンドリンは、フォークやブルーグラス音楽でよく使われる小型の弦楽器です。明るく高音の音はアメリカーナ音楽に独特の風味を加え、速くて複雑な演奏は生き生きとした明るい雰囲気を醸し出します。マンドリンはトレモロと呼ばれる技法で演奏されることが多く、弦を素早く弾いて持続的で揺らめく音を作ります。^[35]

• フィドル

フィドルは伝統的な弦楽器で、アメリカーナ音楽でよく使われます。^[36]その多彩な音色は、ゆっくりとした悲しげなメロディーと、速くて生き生きとしたリズムの両方を作り出すことができます。フィドルは、弓を弦の上で素早く前後に動かして力強いリズムを生み出す「ソーイング」と呼ばれる技法で演奏されることが多いです。 ^[37]フィドルはアメリカーナ音楽に忘れられない雰囲気を加え、郷愁や憧れの感覚を生み出すことができます。

このジャンルの最も一般的な名前にもかかわらず、このジャンルはアメリカのアーティストだけが実践しているわけではなく、カナダの多くのアーティストもこのジャンルで有名である。^[38]このジャンルのカナダのバンドは、カナダのメディアではアメリカーナではなくカナディアーナと呼ばれることがあるが、 ^{[39]これは他の地域では広く認識されている同義語ではない。ノルウェーのシーンはしばしば}ノルディカーナと呼ばれる。^[40]

• アメリカーナ音楽協会
• アメリカーナラジオエアプレイチャート
• トワング・ネイション – アメリカーナとルーツミュージックのブログ
• アメリカーナミュージックショーポッドキャスト