着物

着物
漢字で「着物」
日本語名
漢字	着物
転写 ローマ字 着物

きもの（ きもの、文字通り「着るもの」）^{[a]は、日本の伝統的}な衣服であり、日本の民族衣装です。着物は、四角い袖と長方形の胴体を持つ前巻きの衣服であり、着用者が亡くなっている場合を除き、左側を右側に巻き付けて着用されます。 ^[2]着物は伝統的に帯と呼ばれる幅広の帯と一緒に着用され、草履や足袋などのアクセサリーと一緒に着用されるのが一般的です。

着物には決まった作り方があり、通常は反物と呼ばれる細長い布で作られていますが、西洋風の布の反物が使われることもあります。^[3]男性用、女性用、子供用の様々なタイプの着物があり、機会、季節、着用者の年齢、そして現代ではあまり一般的ではないが着用者の婚姻状況によって異なります。着物はフォーマルで着るのが難しい衣服という評判にもかかわらず、フォーマルな機会にもカジュアルな機会にも適した種類の着物があります。人が着物を着る方法は着付けとして知られています。  

着物の歴史は平安時代（794-1185年）まで遡ります。当時、日本の貴族たちは独特の服装様式を採用していました。かつては最も一般的な日本の衣服でしたが、着物は人気がなくなり、今では普段着として着ることはめったにありません。着物は夏祭りで最もよく見られ、そこでは最もカジュアルなタイプの着物である浴衣を着る人が多くいます。よりフォーマルなタイプは、葬儀、結婚式、卒業式、その他の正式な行事で着用されます。芸者や舞妓は職業上着を着用することが義務付けられており、力士は公共の場では常に着物を着用しなければなりません。[ ^4]着物を日常的に着る人の数が少なく、複雑な衣服であるという評判にもかかわらず、着物は過去数十年間に何度も復活し、今日でも日本ではおしゃれな衣服として着用されています。

着物のような衣服が日本に初めて登場したのは、古墳時代（300～538年、大和時代前半）に遣唐使を通じて日本にもたらされた中国の伝統的な衣服で、両国間の移民や唐朝への使節を通じて、中国の服装、外見、文化が日本の宮廷社会で非常に人気を博しました。^[1]日本の朝廷はすぐに中国の服装や衣服を取り入れました。^[6]正倉院に保管されている最も古い絞り染めの布のサンプルは、当時の日本の布の生産能力の限界により、中国製であることが証明されています。^[7] 4世紀には早くも、日本の巫女や部族の長の像に、漢王朝時代の中国と同様の衣服を着た人物が描かれていました。^[8]

718年にヨロ族の服装規定が制定され、中国の典型的な流行に倣い、すべての衣服は前で重ねて左から右に閉じなければならないと規定されました。^{[9] : 133–136}この着用慣習は今日でも守られており、右から左に閉じるのは死者だけです。^[9]

上流階級の衣服は、その後の平安時代の衣服に比べて、着脱がはるかに簡単でした。^[10]袖は細いながらも指が隠れるくらいの長さで、身分を示すためには体のより広い範囲を覆う必要がありました。^{[11] [10]}

平安時代（794-1193年）、日本は中国王朝の宮廷への使節派遣を中止した。これにより、衣服を含む中国からの輸入品が宮廷に入ることができなくなった。また、当時の日本の伝統文化の主な裁定者であり、そのような衣服を着ることが許されていた上流階級への普及も妨げられた。^[12]結果として生じた文化的空白により、中国の流行から独立した日本文化の発展が促進された。以前は唐王朝の宮廷から取り入れられた要素は、文字通り「国民文化」または「国風文化」として知られるものに独自に発展した。この用語は、平安時代の日本文化、特に上流階級の文化を指すために使用される。[ ^13]

宮廷の女性の服装は、正式な十二単へとますます様式化されていき、7世紀初頭に男女ともに着用されていた丸首で筒袖の春秋上着など、一部の要素は男性と女性の両方の廷臣によって放棄されました。男性と女性が着用していた前巻きのローブなどの他の要素は保持されました。女性が着用した裳スカートなどの一部の要素は、正式な機会にのみ着用され、規模が縮小されました。^[1] 裳は幅が狭くなり、完全に巻き付けることができなくなり、台形のプリーツのトレーンになりました。^[14]袴（ズボン）は脚よりも長くなり、着用者の後ろに引きずるようになりました。^[15]

平安時代後期には、さまざまな衣服令によって女性の重ね着の数が制限され、それまで下着と考えられていた小袖が室町時代（1336-1573年）には上着となった。もともとは袴と合わせて着用されていたが、代わりに帯と呼ばれる小さなベルトで留めるようになった。^[1]小袖は現代の着物に似ていたが、この時点では袖は後ろで縫い付けられ、幅（肩の縫い目から袖口まで）が衣服の本体よりも狭かった。戦国時代（1467-1615年）と安土桃山時代（1568-1600年）には、小袖の装飾がさらに発展し、より大胆なデザインと派手な色が人気となった。この頃には、裳や袴などの下半身の衣服を別々に着用することはほとんどなくなり、^[15]全身の模様が見られるようになりました。  

江戸時代（1603-1867年）には、日本の文化と経済はともに大きく発展した。江戸時代の発展の特別な要因は元禄時代（1688-1704年）初期であり、この時代、「元禄文化」、すなわち贅沢な富の誇示と芸術へのパトロンの増加が、衣服を含む多くの芸術形態のさらなる発展をもたらした。元禄文化は、成長し、ますます力をつけていた町人階級（町人）によって牽引され、彼らの衣服は増大する経済力の象徴であり、手描きの染色などの高価な生産技術を活用した鮮やかな色の着物によって貴族階級や武士階級に匹敵していた。^[17] 緞子織りの織物である綸子も、この時期に着物の好まれる素材となり、それまで人気があった平織りの練り抜き絹（辻が花の作成に使用されていた）に取って代わった。^[18]

徳川幕府は、商人階級の物質的富の増加に対応して、下層階級の着物に関する数々の贅沢禁止令を出し、紫や赤の布、金の刺繍、複雑な染めの絞り模様の使用を禁止しました。^[19]その結果、「粋」と呼ばれる美的思想の流派が生まれました。彼らは、ほとんど平凡な外見を通して富を誇示することを重視し、着物のデザインと着用の概念は今日まで大きな影響力を持ち続けています。

この時点から、男性用、女性用の着物の基本的な形状はほとんど変化しませんでした。^[1]小袖の袖は、特に未婚女性の間で長くなり始め、帯はより長く幅広になり、さまざまなスタイルの結び目が流行し、それを支えるより硬い織りの素材も登場しました。^[1]

江戸時代の着物市場は、反物や小物を作る職人と問屋、小売業者に分かれていた。^{[20] : 129}

1869年に身分制度が廃止され、それに伴い身分別の贅沢禁止令も廃止された。^{[20] : 113}赤や紫など、それまで制限されていた要素を取り入れた着物が人気を博し、^{[20] : 147}特にモービンなどの合成染料の登場により人気が高まった。

明治初期に日本が西洋貿易に門戸を開いた後、ウールや合成染料の使用など、さまざまな素材や技法が人気を博し、カジュアルなウールの着物は 1960 年代以前の日本では比較的一般的でした。絹の裏地 (樅として知られ、文字通り「赤い絹」) に紅花染料 (紅) を使用することも 1960 年代以前の日本では一般的であり、この時代の着物は簡単に識別できます。

明治時代、江戸時代の鎖国が解かれ、日本が西洋貿易に開かれたことで、「近代化」の象徴として洋装への流れが生まれました。明治天皇の勅令により^[要出典]、警察官、鉄道員、教師は職務上洋服を着用するようになり、日本では女性よりも男性の洋装化がはるかに進んでいました。東京婦人子供服組合などの取り組みにより、洋装を日常着として推進しました。

洋装はすぐに男性の陸軍制服^[21]や男子の学校制服として標準装備となり、1920年から1930年にかけては、女子の学校制服として着物と袴に代わって服セーラー服が採用された。 ^{[1] :  140}しかし、着物は日常のファッションアイテムとして依然として人気があり、1923年の関東大震災の後、多くの人々の所有物を失った後、他の用途には適さない生糸や廃棄糸で織られた安価でインフォーマルな既製の銘仙着物が非常に人気を博した。 ^[22] 1930年までに、既製の銘仙着物は、多くがアール・デコ運動からインスピレーションを得た、明るく季節ごとに変わるデザインで非常に人気が高まった。銘仙の着物は通常、絣（かすり）染色技法を使用して染められており、経糸のどちらか、または経糸と緯糸の両方（平織り絣として知られている）^{[22] ：85を}型紙の模様を使って染めてから織っていました。 

大正時代には、着物や着物の種類の近代的な形式化が始まりました。明治時代には、非公式と最もフォーマルの中間に位置する着物の種類が徐々に導入され、階級の区別が廃止されたことで社交や余暇の機会が増える中、この傾向は大正時代を通じて続きました。男性の普段着として洋服が人気を博すにつれ、着物業界は女性のフォーマルとインフォーマルの独自の伝統をさらに確立しました。これにより、訪問着、女性用の留袖の区分、紋付袴が発明されました。^{[20] :  133-134}江戸時代には上流階級で珍しい習慣であったお嫁入り道具（花嫁道具）も、中流階級全体に普及しました。^{[20] : 67, 76}結婚式のための着物による花嫁衣装の伝統もこの時期に成文化され、それは武士階級の女性の花嫁衣装に似ていました。^{[20] : 82, 93, 146 この時期の}着物の基準は、平らで均一な大背負いと滑らかでしわのない帯を備えた、より形式化されたきちんとした外観へと徐々に移行し始めました。これは上流階級の女性の「適切な」着物にも似ていました。しかし、着物の基準はまだ比較的非公式であり、第二次世界大戦後まで正式なものになりませんでした。

着物はもはや男性の一般的な服装ではなくなったが、第二次世界大戦（1940-1945年）まで日本の女性にとっては日常着であり続けた。^{[20] ：17}大正時代には多くの伝統が発明されたが、着付け（着物を着ること）の基準はまだそれほど形式化されておらず、しわや不揃いなおはしょり、曲がった帯はまだ許容されていると考えられていた。^{[20] ：44-45}

戦時中、着物工場は閉鎖され、政府は代わりに人々に古い着物から作られたズボンであるもんぺ（ローマ字ではモンペとも呼ばれる）を着用するよう奨励した。[ 20 ] ^{: 131}レーヨンなどの繊維は、生産コストが安く、購入コストも安く、典型的にはプリントデザインが特徴であったため、第二次世界大戦中に広く普及した。^[要出典]布地の配給制は1951年まで続いたため、ほとんどの着物は再利用された布地から自宅で作られた。^{[20] : 131}

20世紀後半、日本経済は好況となり^{[20] : 36}絹が安くなり^[要出典] 、一般家庭でも絹の着物を買えるようになった。^{[20] : 76}着物小売業界は、着物の種類、フォーマル度、季節に関するルールなど、着物の着こなしに関する精巧な成文化を作り上げており、戦後はそれが強化された。着物の着こなしに関するルールは以前からあったが、厳密に成文化されておらず、地域や階級によって異なっていた。^{[20] : 36}フォーマル化では、着物にシワや凹凸のない完璧さが求められ、着物を着た女性の理想はますます筒状の体型が推進された。^{[20] : 44-45}着物小売業界はまた、和服と洋服をはっきりと区別することを推進した。^{[20] : 54}例えば、大正時代には一般的だった和服に洋靴を履くことは不適切と規定されていた。^{[20] : 16}こうした適切な服装のルールは、日本語では英語の「Time, Place, and Occasion (TPO)」というフレーズで表現されることが多い。戦時下で育った日本人は男性も女性も着物を着ることが一般的ではなかったため、女性に着物の着方を教えるために商業的な着付け学校が設立された。^{[20] : 44}この時代の男性が着物を着ることはめったになく、そのため紳士服は形式化をほとんど免れた。^{[20] : 36, 133} )。

着物は冠婚葬祭に欠かせないものとして宣伝され、^{[20] : 76, 135}例えば、若い女性が成人式に着る高価な振袖は必需品とみなされました。^{[20] : 60}あらゆる種類の着物数十着を含む花嫁道具も必須と宣伝され、両親は^{[20] : 76}最高1000万円（約7万ポンド）の着物道具を結婚式に用意する義務を感じていました。 [ ^{20 ] : 262}これらの着物は透明なトラックで運ばれるなど、結婚式の一環として公開され、検査されました。^{[20] : 81}

1970年代までには、フォーマルな着物が着物販売の大部分を占めるようになった。^{[20] : 132}着物小売業者は、新品の着物の価格設定構造により、価格だけでなく着物に関する知識に対する認識においても相対的な独占状態を築き、価格を決定し、よりフォーマルな（そして高価な）購入を積極的に促進することができた。フォーマルな着物を1着販売すれば、販売者は3か月間快適に生活できるほどだった。着物業界は1975年に総売上高2.8兆円（約180億ポンド）でピークを迎えた。インフォーマルな新品の着物の売上はほとんど無視されていた。^{[20] : 135, 136}

1990年代の経済崩壊により、着物業界の多くが破産し^{[20] : 129}、多くの高価な慣習が廃止されました。^{[20] : 98}着物の着方に関するルールは業界全体に対する以前のような影響力を失い^{[20] : 36}、かつては高価な伝統であった花嫁用の着物持参金は一般に姿を消し、まだ行われていたとしても、はるかに小規模になりました。^{[20] : 98}この時期に、女性が結婚式や葬式などの冠婚葬祭に洋装で出席することが容認され、好まれるようになりました。^{[20] : 95, 263}多くの女性が自宅に数十着、あるいは数百着もの着物を持っており、そのほとんどは未使用品でした。中古の着物は、たとえ未使用品であっても約500円（3.5ポンド未満、^{[20] : 98}約5米ドル）で販売されており、新品購入価格の数パーセントでした。 1990年代から2000年代初頭にかけて、多くの中古着物店がオープンしました。^{[20] : 98}

21世紀初頭には、より安価でシンプルな浴衣が若者の間で人気となった。^{[20] : 37} 2010年頃には、男性が結婚式以外の場面で再び着物を着るようになり、^{[20] : 36, 159}着物は再び推進され、少数派によって普段着として着用されるようになった。^[20]

現在、日本人の大多数は普段着として洋服を着用しており、結婚式や葬儀などのフォーマルな場や夏の行事などで着物を着る場合がほとんどです。夏の行事では、着やすい一重の綿の浴衣が標準的な着物です。

2019年、京都市長は、職員が「着物文化」をユネスコの無形文化遺産に登録するために取り組んでいると発表した。^[23]

2020年、ヴィクトリア＆アルバート博物館は「着物：京都からキャットウォークへ」という展覧会を開催した。これは17世紀から現代までの着物の歴史に関連する「約300点の衣服、アクセサリー、絵画、版画、写真、映画クリップのコレクション」である。この展覧会の4年間の国際ツアーの最終回は、2024年にV＆Aダンディーで開催されました。 ^{[24] [25] [26]}

着物も帯も、麻、リネン、絹、縮緬（ちりめん）、緞子（りんず）など、多種多様な繊維から作られています。帯も着物も、生地は通常、反物（幅の狭い反物）として織られますが、特定の種類の帯（丸帯など）は二重幅に織られます。フォーマルな着物はほとんどの場合絹で作られ、厚手、重厚、堅い、またはマットな生地は一般にインフォーマルとみなされます。

現代の着物は、ポリエステルなど、手入れが簡単だと考えられている生地で広く販売されています。着物の裏地は通常、絹または模造絹で、繊維の種類は表地と一致することがよくありますが、カジュアルな絹の着物には、綿、ウール、または麻の裏地が使用されることもあります。

着物の生地は、製作前に手作業で装飾されることが多い。慣習的に、織り模様の着物はよりインフォーマルであると考えられているが、帯の場合はその逆で、染め模様の帯は織り模様の帯よりもフォーマルではない。織り模様の着物の生地は通常特に重くはなく軽量であるが、織り模様の帯の生地は非常に重いことが多く、フォーマルな帯の多くは厚く織られた錦織で作られている。伝統的に、織りの着物は染め模様で飾られた帯と組み合わせられ、その逆もまた同様である。しかし、最もフォーマルな着物を除いて、これは厳密なルールというよりは一般的な提案である。フォーマルな着物は通常、裾に沿ってよく見られる染め模様で飾られている。^{[27]これらの模様には、部分的に刺繍、金糸と銀糸の}織り、および/または金銀箔が特徴的である。モチーフの配置は着物の年代を表すことがあり、背中の縦の縫い目（両妻）に沿って対称的な模様は、1930 年代以前に作られた着物に典型的です。

着物のモチーフの多くは季節性があり、着物を着る季節を表していますが、季節を問わないモチーフもあり、一年中着ることができます。松、梅、竹を組み合わせたもの（冬の三友と呼ばれる）などは縁起が良いため、一年を通してフォーマルな場で着用されます。浴衣に見られるモチーフは、季節外れに着用される季節のモチーフであるのが一般的で、過ぎ去ったばかりの春を表したり、涼しい秋や冬の気温への憧れを表したりします。色も着物の季節性に影響し、秋などの季節では、一般的に明るく涼しい色よりも、暖色系で暗い色が好まれます。

季節ごとの着物のモチーフに関するガイドは数多く存在し^[28]、特に茶道のガイドなどは季節の反映に特に厳格である。^[29]モチーフは通常、日本の動植物、風景、文化を表す。その一例が桜で、これは春に着用される有名な季節のモチーフであり、実際の桜が咲き始める直前まで着用される。桜と「競争」しようとするのは不吉であると考えられている。モチーフは通常、特定の季節の公式な「始まり」の数週間前に着用され、来たる季節を先取りすることが流行であると考えられている。

男性用の着物は歴史的に、女性用の着物と同じくらい装飾や多様性に富んでいたが、現代では季節や機会の観点から見た男性用着物の主な特徴は生地である。典型的な男性用着物は落ち着いた暗い色で、黒、濃い青、緑、茶色が一般的である。生地は通常マットで、女性用着物の一部に時折見られるサテン織りとは対照的である。男性用着物の中には繊細な模様の物もあり、カジュアルな男性用着物では質感のある生地がより一般的である。カジュアルな男性用着物は、より明るい色、例えば明るい紫、緑、青などを特徴とすることもある。相撲取りは、人前に出るときに着用することが義務付けられている着物に、フクシアなどのかなり明るい色を着用することが時々知られている。

着物の生地は日本国内では2つのカテゴリーに分類される。呉服は絹の着物生地を指す用語で、絹織技術が発達した古代中国の呉の国を指す「呉」と「服」の文字から構成される。[ 20 ^{] : 115  [30} ]

呉服という用語は、日本国内、特に着物業界の文脈では着物全般を指すのにも使用されます。伝統的な呉服店は呉服店または呉服屋と呼ばれ、さらに「呉服屋」と呼ばれます。屋は「店」を意味します。^[31]

綿や麻の生地は一般に「太物」と呼ばれ、「厚い素材」を意味します。綿糸も麻糸も、織りに使われる絹糸よりもかなり太いです。綿の着物は、素材の観点から特に木綿服（もめんふく）と呼ばれ、麻の着物は日本語で「麻服」として知られています。麻の「麻」という文字は、麻、リネン、ラミーの着物生地を指すのにも広く使われています。

江戸時代末期までは呉服と太物の仕立ては分業化されており、絹の着物は呉服店、その他の繊維の着物は太物店と呼ばれていた。あらゆる生地を扱う店は呉服太物店と呼ばれていたが、明治時代以降は太物着物のみを扱う店は安価な洋装の台頭により利益率が低下し、廃業に追い込まれたため呉服店のみが残り、今日では呉服屋のみが呉服を扱うようになった。^[要出典]

着物は簡単にサイズ調整ができ、また、ほどいて反物の長さに戻すこともできる。^{[20] : 131, 147}

新しい生地に織り直す以外にも、着古した着物は歴史的に、着物の種類や本来の用途に応じて様々な方法でリサイクルされてきました。^{[20] : 131}布が擦り切れると、小物の生地として使用したり、ボロボロ（パッチワーク）着物（ファッション目的で作られることもありました^[32]）。着物の型紙が複雑な形ではなく長方形で構成されているため、衣服やその他のアイテムへの再利用が容易になっています。^[33] 刺し子は布をつなぎ合わせたり装飾したりするために使用されます。パッチワークの衣服に使用する布は、すべて同様の重さ、ドレープ、手触り でなければなりません。

高価で薄い絹の生地で作られたフォーマルな着物は、大人が使えなくなると実用服としては不向きなことが多く、子供用の着物に縫い直された。着物は短くされ、おくみをはずして襟を縫い直して羽織にしたり、腰で切って脇紐の上着にしたりした。若い女性は結婚したり、ある年齢に達すると着物の袖を短くし、余った生地は風呂敷として使ったり、腰で着物を長くしたり、胴抜きと呼ばれる継ぎはぎの下着を作ったりした。状態の良い着物は、下着として再利用したり、比翼と呼ばれる偽の下着を作ったりした。

子供たちは伝統的に、腰と背中の上部に豪華な素材で作られた着物「肩着け^{」を着ていました。 [34] : 16}

着物は伝統的に反物と呼ばれる1反の布地から作られており、女性用は長さ約11.5メートル（38フィート）、幅約36センチメートル（14インチ）^[1] 、男性用は長さ約12.5メートル（41フィート）、幅約42センチメートル（17インチ）である。1反の布地全体を使って1着の着物が作られ、男性用の反物の中には、それに合う羽織や襦袢も作れるほど長く織られるものもある。着物の裏地も同じ幅の反物から作られる。

相撲取りなど、特に背の高い人や体重の重い人のために、特注の反物が作られることもある。そのような人は、複数の反物をつなぎ合わせたり、特注の幅の生地を織ったり、標準サイズ以外の生地を使ったりして、着物を特注しなければならない。^[35] 1900年代初頭には、子供用にはもっと短い丈が使われ、着物の本体は一枚の布の幅だけ（ひとつみ）作られることもあった。^[36]衣服を絞るためにタックも使われ、両肩に外側を向いたプリーツ（片鵺揚げ）と、腰にコルポスのような折り返し（腰鵺揚げ）があり、子供が着物の上に同じ生地の袖なしのベストを着ているように見えた。これらの縫い付けられたタックは、子供が成長するにつれて広げられ、^{[34] : 15}現在では京都の芸者見習いの着物にのみ見られるが、これは、以前は見習いが幼い頃から修行を始めていたため、成長するにつれてタックを広げる必要があったためである。現在では、見習いは10代後半から修行を始めており、タックは時代錯誤としてのみ残されている。

大人の女性も腰の部分に「タック」を残しているが、これはほとんどの女性の着物の裾の長さが長かったことの名残であり、以前は歩くときに手で持ち上げたり、しごき帯でゆるく結んだりしていた。19世紀末には着物が裾を引きずって着用されることはなくなったが、ほとんどの女性の着物の余分な長さはそのまま残り、腰の折り目が現代の「おはしょり 」として形式化され、すっきりと整えられた。

着物は構造が決まっているので、衣服全体を簡単に取り外して洗浄し、縫い直すことができる。ほぼすべてのパネルの縫い代にはほつれない2つの耳が付いているので、着物を縫うときに布の織り端が残され、縫い代が大きく不均一になることが多い。西洋の衣服とは異なり、縫い代は切り詰められないので、縫い目で布がほつれることなく、着物を異なる寸法に縫い直すことができる。^[要出典]これは、袖を裏返し（肩の縫い目で擦り切れた袖口の裾を隠す）したり、背中のパネルを裏返し（ストレスのかかる中央の縫い目とストレスのかからない側面を入れ替える）することで衣服の寿命を延ばすためにも使われた。^[37]これは、ヨーロッパの習慣であるサイドからミドル、またはエンドからミドルのベッドシーツに似ている。

歴史的には、着物は洗うために完全に解体されていました。これは「洗い張り」と呼ばれる工程です。一度洗った生地は手で縫い直されます。^[1]この工程は、前世紀には必要でしたが、比較的費用がかかることから現代の日本では一般的ではありません。

手縫いは費用がかかるにもかかわらず、絹の着物やフォーマルな着物など、現代の着物の中には今でもすべて手縫いのものがあります。機械縫いの着物でも、特に衿、裾、裏地（ある場合）の仕上げに、ある程度の手縫いが必要です。手縫いの着物は通常、長さ約3〜4ミリメートル（0.16インチ）の単一のランニングステッチで縫製され、強度を高めるために衿の周りではステッチが短くなります。着物の縫い目は、完全に平らにプレスされるのではなく、各縫い目に約2ミリメートル（0.079インチ）の「縁」（キセと呼ばれる）がプレスされるようにプレスされます。これによりステッチが隠されます。手縫いの着物はしっかりと縫われていないため、完全に平らにプレスするとステッチが見えてしまいます。

着物のさまざまな部分を指すのに、いくつかの用語が使用されています。裏地のある着物はアワセ着物と呼ばれ、裏地のない着物は単着物として知られています。部分的に裏地のある着物（袖口、袖の裏、胴裏の下胸部分、八掛全体のみに裏地がある）は胴重（文字通り「胸単層」の着物） として知られています。^{[38]完全に裏地のある着物の中には、上下の裏地が別々ではなく、代わりに奥}身頃、前身頃、後身頃が無地のパネルで裏地が付けられているものもあります。

以下の用語は着物の各部分を指します。

胴裏​​​

着物の上側の裏地。

八掛（はっかけ）

着物の下の裏地。

エリ（衿）

首輪。

袘（ふき）

裾ガード。

振り​​​​​​​​ 

袖口の下に垂れ下がった袖の部分。

前身頃​​​​​​​ 

着物の前面部分で、おくみを除いた部分。右前身頃と左前身頃の2つに分かれます。

身八つ口​​

女性の着物の袖の下の開口部。

衽（おくみ）

重なり合うフロントパネル。

袖（そで）

袖全体。

袖口​​​

袖の手首開口部。

袖付（そでつけ）

着物の袖ぐり。

裾回し​​​

下の裏地。

袂（たもと）

着物の袖袋。

共衿(ともえり)​​​​ 

裏襟の上に縫い付ける衿カバー。

裏襟(うらえり)​​​​​ 

内衿。

後身頃​​​​​​​ 

背面パネル。背面パネルは「右うしろみごろ」と「左うしろみごろ」から構成されています。

着物の基本的な形は何世紀にもわたって変わっていませんが、歴史的には日本の歴史のさまざまな時代でその比率は変化してきました。平安時代後期から、下着として着用される裏地のない単衣が、男女ともに小袖として知られる主な上着となりました。宮廷にふさわしい服装は、 以前の時代と似通ったままでした 。

鎌倉時代の初めには、小袖は男女ともに足首までの長さの衣服で、小さく丸い袖が衣服の本体に縫い付けられていました。帯は比較的細いベルトで、腰のやや低い位置で、通常はシンプルな蝶結びで結ばれており、細帯として知られていました。^[39]この時期には、小袖を肩や頭に掛けたり、肩から外した一番外側の衣服として帯で留めたりして着るファッションが流行し、打掛（「かける」という動詞に由来し、帯なしで小袖の上から着る、装飾の濃い着物）が流行し、上流階級の正装として人気を博しました。^{[1] : 39} 

その後の数世紀、小袖は小さくて細い丸袖という特徴をほぼ維持し、女性の袖の長さは時とともに徐々に長くなり、最終的には肩から下では大部分が衣服の本体から離れるようになりました。男性用と女性用の両方の小袖の襟は比較的長くて広い比率を維持し、おくみの前面パネルは裾に向かって長く浅い角度を保っていました。江戸時代には、小袖はほぼ現代の着物の比率になりましたが、時代の中期から後期までは多様性がありました。^[40]男性の袖は、その長さのほとんどで着物の本体に縫い付けられ続け、裾の部分は数インチ以下で、着物の本体から大部分離れた非常に深い袖のスタイルとは異なります。男性の袖は女性の着物よりも浅く、腰の周りの細い帯の下に袖が結ばれないようにしたが、女性の着物では、袖の長くて結び付けられていない裾が幅の広い帯の上に垂れ下がっていても邪魔にならない。^[41]男性と女性の両方の袖は、体のパネルとほぼ同じ幅に比例して大きくなり、男性と女性の着物の襟は両方とも短く狭くなっていった。

現代では、男性用も女性用も着物に歴史的な特徴が残っている。例えば、女性の着物は特定の時代を通じて床に引きずり、外出時には余った部分を腰折りにして帯の下に折り込んで結ぶ「おはしょり」と呼ばれる。おはしょりは現在、長さの微調整に使用され、^[42] 7～10インチ（18～25cm）の余長を吸収する。^[41]帯の下の背中に手縫いで​​施した折り目は、大まかな調整に使用され、布が張られて破れる前に縫い目が破れるようにわざと弱く作られている。^[42]一方、男性用の着物は、着用者の体の長さに合わせて裁断され、腰の部分で細いベルトで結ばれ、着物の長さには腰の折り返しのための余分な布はない。

女性のフォーマルな着物も、以前の時代のような幅広の襟（半幅ではなく全幅の反物で作られている）を保っていますが、着用する前に必ず縦に半分に折ります。これは広襟（通常の幅の襟であるバチ襟とは対照的に、文字通り「広い襟」  ）と呼ばれるスタイルです。^[43]

女性の着物は、舞台や時代劇、芸者や舞妓など、一部の場面では今でも引きずって着られています。このような場合、着られる着物は普通の女性の着物とは構造が異なります。襟は首の後ろにより深くセットされ、袖は不均等に（前の方が後ろより深く）、胴体は長めになっています。このスタイルの着物は裾引きまたは引きずりと呼ばれています。このタイプの着物では着物の長さ、襟のスタイル、袖の構造が異なりますが、他のタイプの女性用着物の構造は一般的に同じです。襟は首の後ろによりわずかにセットされ、袖は肩のみで均等に取り付けられ（袖丈全体ではなく）、肩から裾までの着物の長さは、おはしょりを作ることができるように、着ている女性の身長全体と理想的には同じです。

着物によって袖の長さ（腕を伸ばしたときに床に向かって垂れる長さ）は異なります。

男性用、女性用の新品着物の価格は（2023年現在）約1000円（約7ドル）から150,000円（約1050ドル）の範囲です^[47]

手作りの新品着物の中には、高価なものもありますが、これは伝統的な着物作りの業界を反映しています。この業界では、最も熟練した職人が、限られた人しか知らず、習得していない、特殊で費用がかかり、時間のかかる技法を実践しています。手織りの芭蕉布や、手結びの鹿の子絞りの点染めなどの技法は、完成までに1 年以上かかることもあります。着物職人は、その仕事が認められて人間国宝に指定されることもあり、彼らが制作した着物は文化的に重要なものとみなされます。

手作りでない着物でも、新品で買うとかなり高額になります。一着だけでも、それなりのフォーマルさと見た目のアクセサリーを何着も買わなければならないからです。新品の着物がすべて職人の手によるものではなく、着物（主にカジュアル着物やセミフォーマル着物）の大量生産も行われており、大量生産された着物は呉服屋で購入するよりも安い場合がほとんどです。

職人が作った着物は、市場で最も完成度の高い織物芸術作品のひとつですが、多くの作品は、その工芸品を鑑賞するためだけに購入されるわけではありません。結婚式や葬儀など、特定の行事に着物を着るという暗黙の社会的義務により、消費者は個人的な選択、ファッションセンス、着物への愛着以外の理由で職人の作品を購入することがよくあります。

（三代目友禅染職人斉藤丈太郎氏）は、着物について何も知らない人が、結婚式用の本物の手織り着物に大金を費やし、それを着る人が一度着て、その後は二度と着ないというのは、奇妙な時代だと考えている。^{[48] : 134}

新品の着物の価格が高いのは、業界内の価格設定手法が一因となっている。新品の着物のほとんどは呉服屋で購入されるが、呉服屋では着物は反物としてのみ販売されており、価格は店の裁量に委ねられていることが多い。店は、顧客の寸法に合わせて縫製するための生地代とは別に料金を請求し、生地の洗濯代や防水加工代が別の費用として加算されることもある。顧客が着物を着ることに慣れていない場合は、着付けを手伝ってくれるサービスを雇うこともある。そのため、新品の着物の最終的な価格は、着物自体が完成して着用されるまでは不明である。^[20]

呉服屋は、不道徳かつ強引な販売方法でも悪名高いとされています。

多くの[日本の着物消費者]は、店員に囲まれ高価な着物を購入するよう圧力をかけられるという「カコイコミ」と呼ばれる手法を恐れていた[...] 店側は商品の原産地や製造者について嘘をつくことでも有名である[...] [私の着付けの先生は] [呉服屋]に入る前に私に注意深く指示を出した。「何も触ってはいけません。そして今日着物を買わなくても、どんなに小さなものでも何か買わなければなりません。」^{[20] : 115–117}

対照的に、趣味人が購入する着物は、そのような販売慣行や購入義務のない中古品店で購入されるため、より安価である可能性が高い。趣味人は、安価な合成繊維の着物（「洗える」と宣伝されている）を新品で購入することもある。愛好家の中には、着物を自分で作る人もいる。これは、適切なサイズの着物を見つけるのが難しいためか、単に個人的な好みやファッションのためかもしれない。

中古品は非常に手頃な価格とみなされており、日本国内のリサイクルショップでは100円（約0.90米ドル）^{[要出典]ほどで購入できるものもあり、京都の}西陣地区など、全国各地の歴史的な着物生産地は中古着物市場としてよく知られている。着物自体は流行遅れにならないため、ヴィンテージやアンティークでも状態によっては着用可能である。^[49]

しかし、女性用の帯は中古でもやや高価である可能性が高い。中古で手入れの行き届いた高品質の帯は、複雑な織りや刺繍、金細工、手描きの装飾が施されていることが多いため、300ドル以上することもある^{[要出典]。対照的に、男性用の}帯は幅が狭く、短く、装飾がほとんどないか全くないため、はるかに安価で販売されているが、高級男性用帯は高級女性用帯と同等の価格で販売されることもある。

着物にはいくつかの種類があります。これらの種類は主にフォーマル度と性別に基づいており、男性用よりも女性用の着物の種類が多く存在します。

現代の着物の規範は、生地不足、日常生活で着物を着ることに馴染みのない世代、そして伝統的な着物店である呉服屋による戦後の着物販売の復活などにより、第二次世界大戦後に大まかに形式化されました。それ以前の世紀では、着物の種類はそれほど明確ではなく、年齢や社会階級などの要素が現在よりも着物の種類を決定する上で大きな役割を果たしていました。明治時代以降、明治維新と階級差別の廃止に続いて、着物の種類は日本社会の変化とともに変化し始め、新しい社会状況に合わせて新しい種類が発明されました。

着物には、非常にフォーマルなものから非常にカジュアルなものまで、さまざまなバリエーションがあります。女性の場合、フォーマルさは主に模様の配置、装飾スタイル、生地の選択、色によって決まります。男性の着物は一般的に単色ですが、フォーマルさは生地の選択と色によって決まります。男性と女性の両方において、着物と一緒に着用する アクセサリーと帯もフォーマルさを決定します。

着物のフォーマル度合いは比較的新しいもので、1868年に江戸時代の奢侈禁止令が廃止されてから、明治後期から戦後にかけて日本で発達しました。^[50]これらの法律は絶えず変化し、施行の厳しさも変化しましたが、これは新興商人階級が身分にふさわしくない服装をしたり、金銭的には貧しくても地位の高い武士階級よりも良い服装をしているように見せたりしないようにするためでした。

封建時代の奢侈禁止令では、色彩は階級によって制限されていた。例えば、藍染めの衣服はどの階級でも許されており、手染めの木綿や麻、麻の絣織物によく見られたが、赤や紫などの他の染料は、ある階級以下の人々には禁じられていた。階級によっては、模様は帯の下、振袖の袖口、裾（すそ模様）に限定されることもあったが、完全に禁止され^{[42] 、襦袢の衿[51]}や裾の内側に移され、断続的にほんのわずかに見えるだけになった。このようなさりげない見せびらかしは「いき」と呼ばれる美学となり、奢侈禁止令が施行されても存続した。^[42]しかしながら、現代の礼装のルールは、最上層の武士階級で典型的に用いられていた衣服の区別を依然として反映しています。^[42]

男性用の着物にも、この極端な「いき」が残っています。羽織の裏地や襦袢には、鮮やかな凝った装飾が施されています。襦袢は外出時にはアウターとして着用されないため、首元と袖の内側にしか見えません。女性用の襦袢は、かつては鮮やかで大胆な柄でしたが（アウターとして着るには傷みすぎた着物を再利用したことが多かった）、現在では落ち着いたパステルカラーが一般的です。^{[41] [37]}男性用の衣服の外側は、奢侈禁止令が撤廃された後も、控えめな柄や色が多く、青や黒が主流でしたが、後にデザイナーは茶色、緑、紫などの色を、より大胆な柄で使うようになりました。

一般的に、年配の人はより控えめな柄の服を着、若い人はより明るく大胆な柄の服を着ます。

着物の地域的変化と現代的アレンジ

伝統的な着物のスタイルは単一のイメージと結び付けられることが多いですが、日本各地で微妙な違いがあり、地元の文化や気候を反映しています。たとえば、京都は複雑な友禅染めの技法で知られており、自然をモチーフにした鮮やかで精緻なデザインを生み出します。対照的に、沖縄は紅型で有名です。紅型は鮮やかな色と型紙を使った伝統的な染色方法で、島の独特の環境を反映した熱帯のモチーフがよく使われます。

現代風にアレンジすることで、着物のスタイルはさらに多様化しました。現代のデザイナーは伝統的な着物の要素と西洋の影響を融合させ、短い裾丈、ゆったりとした着心地、日常のストリートファッションに合わせた着物など、ハイブリッドなスタイルを生み出しています。着物のこの現代的な解釈により、若い世代は伝統的な衣装をカジュアルウェアに取り入れ、文化遺産を維持しながら現代的な美学を取り入れることができます。

着物は生地の種類が非常に多様で、すべてが絹で作られているわけではありません。ウール、綿、リネン、麻などの特定の種類の生地は常に非公式と見なされ、そのためよりフォーマルな種類の着物には見られません。紬などの特定の種類の絹は非公式と見なされており、^[52]かつては養蚕農家だけが使用できない繭から自家用に織っていました。他のより現代的な種類、例えば銘仙は、カジュアルで安価な普段着として使用するために設計され、明るい模様の糸を使用して機械で紡がれ織られています。縮緬のいくつかの種類はフォーマルの中でも最も質が低く、その粗い質感はフォーマルな使用には不向きと考えられています。 ^{[52]滑らかな縮緬などの他の種類は、あらゆる種類のフォーマルな着物に使用されます。最もフォーマルな着物は、}羽二重のような光沢のある絹織物など、滑らかで上質な絹でのみ作られています。

生地によっては、一年のうちの特定の時期にしか着用されないものもあります。例えば、絽は、からみ織りの縞模様がある平織りの生地で、盛夏（7月と8月）にのみ着用されますが、あらゆる種類の着物や、襦袢や帯などの他の衣類にも使用されます。^{[51] [41]}ある種の縮緬など、生地によっては、特定の種類の着物にはまったく見られず、^[b]繻子（重い繻子）などの生地は、現在よりも以前の時代に人気があったため、現代の 着物や帯ではほとんど見られません。

非公式な性質にもかかわらず、多くの種類の伝統的で非公式な着物生地は、その職人技により高く評価されています。紬、絣、およびMusa basjooで織られた生地のさまざまな種類は、その伝統的な生産方法により高く評価されており、定期的に高値が付けられています。

夏の間（茶道用などの最も厳格な着物ガイドでは6月^[53]から10月^{[29]まで）、着物は裏地なし（}単）で、それ以外の時期は裏地付き（合わせ）です。これはすべての種類の着物に当てはまりますが、いくつかの注意点があります。非常にくだけた浴衣は常に裏地なしであるため、夏にのみ着用されます。対照的に、最もフォーマルな着物は夏に裏地なしで着用されることはほとんどありません。これは、多くの人は単に着るフォーマルな着物を1着しか持っていないことと、夏だけのために新しい裏地なしの着物を購入するほど頻繁にフォーマルな着物を着ないことが理由です。帯も夏の間に生地の種類が変わります。

袷と無地という二つの領域には、月によってさらに区別がある。袷の着物は、透けるまたは紗の生地（薄物）または不透明な生地で作られ、着物は真夏には紗生地に移行し、秋が始まると紗生地から離れていく。ある茶道用の着物ガイドでは、無地の季節が始まる6月には、変わり縮緬（しわになりにくい一越縮緬の一種として知られる絹の縮緬）や駒寄絽（より糸を撚った厚手の絽）などの生地を着用することが推奨されている。[ ^{53] 7月のある時期に}梅雨が始まると、生地はより薄い種類に切り替わり、越後上布などの高く評価されている麻生地が着用される。^[54] 8月に入っても、麻、絽、紗が着用され続ける。 9月でもまだ着用されていますが、 6月に着用される一越ちりめんなどの生地が再び適し、透け感のある生地よりも不透明な生地が好まれるようになりますが、天気が暑い場合は透け感のある生地も着用されることがあります。^[29]

同じ着物ガイドによると、袷の着物は10月に初めて着られ、より不透明な地味な生地から綸子などのより豊かな絹へとすぐに移行します。11月、12月になると生地の豊かさが増し、織り模様のある紋織物が適しています。1月に入ると、よりざらざらした質感の縮緬生地が適し、2月には紬^{などの生地を着用します。 [29]紋織物は、裏地のない季節が再び始まる6月まで着用され続けます。日本では、この衣服を変えるプロセスは}「衣替え」と呼ばれています。

格式は紋や家紋の数と種類によっても決まります。五つ紋は最も格式が高く、三つ紋は中格、一つ紋は最も格式が低く、茶道などの機会に用いられます。紋のついた着物（および袴などの他の衣服）は[[[:wiktionary:もんつき|紋付き]]]（「紋を帯びる」）と呼ばれます。紋の種類によっても格式が変わります。模様の輪郭が白で塗りつぶされた「日向」紋が最も格式が高い種類です。「中影」紋は中格で、紋の輪郭のみが白で見えます。影紋は最も形式にこだわらない紋で、紋の輪郭は比較的薄い。影紋は着物に刺繍されることもあり、縫い紋と呼ばれる全面刺繍の紋も見られる。^[55]

フォーマル度は、アクセサリーの種類や色によっても決まります。女性の場合、帯締めの織り方や帯揚げのスタイルがこれに当たります。^{[要出典]男性の場合、}羽織を着るとよりフォーマルになり、羽織と袴を着るとさらにフォーマルになります。これらの上着の素材、色、模様によってもフォーマル度は異なります。^[52]羽織が長いほどフォーマル度も高くなります。

男性用、女性用の着物はどちらも袖が比較的短いとされており、男性の袖は女性よりも短いです。長さは数センチの差がありますが、これらの長さは非公式に標準化されています。

男性の着物の袖の長さは一種類だけであり、女性の袖は、ほとんどすべての種類の着物に適した短い袖か、若い女性のフォーマルな着物の一種にのみ使用される長い袖に限られています。現代では、女性の着物に着用される袖の長さは、床にほぼ届く振袖丈と、その他のすべての種類の女性用着物に使用される短い袖の 2 種類です。

第二次世界大戦前、女性の着物の袖の長さは様々で、女性が年を取るにつれて袖は徐々に短くなっていきました。第二次世界大戦中は生地不足のため、女性の着物の袖の「短い」長さが標準化され、第二次世界大戦後は、長い袖の領域は振袖の領域のみに狭く制限され、若い女性や少女のフォーマルな着物に限定されました。それ以前は、フォーマルとインフォーマルの両方の他の種類のドレスで長い袖が見られました。第二次世界大戦前の女性の着物は、振袖ほどの長さではありませんが、今日のほとんどの女性の着物の袖よりも長い長い袖で認識されています。

若い女性は振袖だけを着るわけではなく、正式な機会以外では、袖が短い他のすべてのタイプの女性用着物を着ることができます。

襦袢は長襦袢とも呼ばれ、男女ともに着る下着です。襦袢の構造は着物に似ていますが、いくつか重要な違いがあります。袖は通常、袖口側全体にわたって開いており、通常の着物の袖口が終了する場所に、両側を縫い合わせるステッチが数本だけあります。袖は外縁に曲線が縫い付けられておらず、正方形です。襦袢は通常、着用時の着物の長さより少し短く、女性の着物でおはしょりに膨らませるための余分な長さはありません。前面には重ね合わせたパネル (おくみ)がないか、薄いパネルのみがあり、衿は通常の着物よりも低い角度に設定されています。襦袢は着物の下着として必須のアイテムと考えられており、浴衣を除くすべてのタイプの着物と一緒に着用されます。

襦袢は一般的に軽量素材で作られており、多くはシルクです。女性用の襦袢は柄入りのものや無地のものがあり、現代の女性用の襦袢は白色のものが多いです。

男性用の襦袢は濃い色に染められていることが多く、着物の反物（反物）の中にはこれを収容できる長さで織られているものもあるため、表地の着物と同じ素材で作られることもあります。男性用の襦袢は女性用のものよりも装飾的なことが多く、背中上部に源氏物語の場面などの絵画的な場面が染められていることが多いです。

19世紀後半から20世紀初頭にかけて、女性の襦袢は主に赤地に白の大胆な模様から、白や淡いパステルカラーへと移行しました。これを実現するために以前使用されていた染色技法である紅板締めは流行遅れとなり、知識もなくなり、2010年に再発見されました。^{[56] : 1}

肌襦袢は、伝統的に長襦袢の下に着用される着物用の下着の一種です。肌襦袢は、長襦袢よりも着物とは構造が異なり、 2つの部分（前を巻き付けるトップスとスカート）から成り、襟がなく、筒袖または袖なしです。

長襦袢とは異なり、肌襦袢は着物の下着として必須のものではないと考えられており、代わりに T シャツとショートパンツが使われることが多いです。

浴衣は男女ともに着用されるカジュアルな夏用の木綿着物です。浴衣はもともと非常にシンプルな藍と白の木綿の着物で、家の中や近所を少し歩くときに着るバスローブ程度のものでした。また、旅館の客も浴衣を着用し、浴衣のデザインで宿泊先の旅館の雰囲気が伝わりました。1980年代半ば頃から、夏祭りに着られるようなカジュアルな着物を求める声に応えて、より多様な色やデザインのものが生産されるようになり、それ以来、以前のバスローブという地位からよりフォーマルなものとなり、高級で色彩の少ない浴衣が小紋の代わりとなることも。

現代の浴衣は、色鮮やかで、様々な季節の大きなモチーフが描かれているものが多くなっています。女性の場合、浴衣には半幅帯か兵児帯を合わせ、色鮮やかな髪飾りを合わせることが多いです。男性の場合、浴衣には角帯か兵児帯を合わせます。子供は一般的に浴衣に兵児帯を合わせます。

浴衣は裏地が付いていないことが多いため、女性の場合は、カジュアルな名古屋帯を高級で落ち着いた雰囲気の浴衣に合わせ、その下に襦袢を着ることもできます。高級な男性用浴衣も同様に着こなすことができます。

浴衣は伝統的に、一枚で着るか、肌襦袢（長襦袢の下に着る、簡素な構造の下着）の上に着る。浴衣はTシャツとショートパンツの上に着ることもある。この点が、浴衣をよりフォーマルな小紋と区別する点である。小紋の場合は、下に長襦袢（単に襦袢とも呼ばれ、下着に似たもの）を着用し、襟元に2枚目の襟を見せる。しかし、現代の浴衣の中には、カジュアルな外食などの機会に、麻、綿、絽の襟付き綿襦袢と一緒に着るものがある。 ^{[41] [37]}

紬は男女ともに着用される普段着の絹の着物です。紬の着物は伝統的に短繊維あるシルクノイルで平織りされた着物を指しますが、現在では表面染色ではなく織りで模様が表現される様々なタイプの普段着の絹の着物が含まれます。^[57]紬の絣で染められることが多いです。^[58]

小紋（小紋は文字通り「小さな模様」ですが、模様は実際には大きいこともあります） は、カジュアルな女性用の着物です。戦前の日本で女性の日常着として最もよく着用されていたタイプです。カジュアルではありますが、より小さくて密集した模様の小紋は、より大きくて大胆な模様の 小紋よりも少しフォーマルであると考えられています

小紋にはほとんど家紋がなく、袖はかなり短い。繰り返し模様で作られているが、繰り返しの長さはかなり長い場合がある。模様は、織り模様、プリント、交互に方向を変えたステンシル模様、手描き（友禅）または絞り模様（絞り）など、あらゆる方法で作ることができる。伝統的に、布の方向は隣接するパネルで交互になっており（肩の縫い目がないため必要）、そのため模様は一般的にリバーシブルであった。模様が各パネルで同じ方向を向いている場合、小紋はよりフォーマルで、付け下げレベルのフォーマルさに近い。 ^[要出典]

織り込まれた幾何学模様（縞模様など）には季節はありませんが、季節全般を表す図柄もあります。織り込まれた非幾何学模様（絣）もよく見られます。小さくて密な模様がよく使われますが、細かい模様は汚れが目立たないので実用的です。

小紋は、紬、綿、麻、苧麻、麻などの非公式な素材で作られています。現代では、合成繊維の混紡や合成繊維も使用され、レーヨン（塵芥）やポリエステルが一般的です。

着物は一般的には非公式の衣服として着用されないため、小紋はフォーマルな着物ほど頻繁に着用されることはありませんが、より幅広い用途に適しています。江戸小紋は最もフォーマルなタイプの小紋で、1つから3つの紋があり、遠くから見ると単色のように見える小さくて細かい模様があり、よりフォーマルな色無地と似ています。

江戸小紋は、女性が着用する小紋の一種で、非常に小さな繰り返し模様が特徴で、通常は色地に白で描かれている。江戸小紋の染色技法は、平安時代後期（12世紀中頃）に始まったと言われることもあり、小桜と呼ばれる白い点の背景に小さな様式化された桜の花が描かれたモチーフがある。江戸時代（1603–1867）には、武士階級が裃の正装として着用し、特定の模様が特定の家と結びつくようになった。江戸時代末期の1800年代初頭には、庶民も着用し始めた。 ^[59] 江戸小紋は色無地と同等の格式で、家紋が1つだけの江戸小紋は格式が低い訪問着として着用できるため、通常の小紋とは異なり、常に絹で作られている。

色無地（いろむじ、文字通り「無地」） は単色で装飾のない女性用の着物で、主に茶道で着用される。単色の外観は茶道自体の邪魔にならないと考えられているからである。色無地は単色であるにもかかわらず、織り模様を特徴とすることがあり、秋に適した色無地は綸子緞子で作られることが多い。信じられないほど細かい模様のある江戸小紋も、離れて見ると色無地と視覚的に似ているため、茶道に適していると考えられている。色無地には家紋が1つある場合もあるが、おそらくそれ以上ではなく、常に絹でできている。着用目的が茶道である場合、帯揚げなどの絞りのアクセサリーは色無地と一緒に着用されることはない代わりに、平らでテクスチャのない絹がアクセサリーとして選ばれる。

付け下げは女性の低位の礼装で、訪問着より一段下の位置づけであるが、この2つは似ているか区別がつかないように見えることもある。付け下げの模様は訪問着と同様に、後ろ右肩と後ろ右袖、前左肩と前左袖、裾に描かれており、左の方が右よりも高い位置にある。しかし訪問着と異なり、通常は着物のパネルの縫い目をまたぐことはないが、紛らわしいことにそうしているものもある。古い例では、模様は裾に沿って対称的に配置され、スカートの模様は背中中央の縫い目に対称的になっていることもある。 ^[42]

付下げと訪問着の類似性はしばしば混乱を招き、付下げの中には訪問着と区別がつかないものもある。付下げと訪問着の区別は、使用されているモチーフの大きさによってのみ可能であることが多く、一般的に小さく流動性の低いモチーフは付下げとみなされ、大きく流動性の高いモチーフは訪問着とみなされる。^[60]

付け下げには1 〜 3 つの家紋が付けられ、パーティーには着用できますが、儀式や非常にフォーマルな行事には着用できません。

訪問着（ ほんもんぎ）は、女性のフォーマルな着物で、付け下げと同じ模様の配置ですが、一般的には縫い目全体で模様が一致しています。必ず絹で作られ、付け下げよりもフォーマルであると考えられています。

訪問着はまず大まかに縫い上げられ、デザインが生地に下絵付けされた後、解体されて再び染められる。訪問着に近い「付け下げ」は、縫い上げる前に反物の柄を染める。この製造方法では、訪問着の模様が縫い目上で滑らかに交差するのに対し、付け下げではそうならないため、通常は両者を区別することができる。 ^[60]しかし、時には両者の区別がほとんどつかないこともある。

訪問着は既婚女性も未婚女性も着用できます。花嫁の友人が結婚式（親族以外）や披露宴に訪問着を着ることがよくあります。フォーマルなパーティーにも着用できます。

色留袖（いろとめそで、文字通り「色の短い袖」） は、色付きの背景に裾に沿って模様が入ったフォーマルな女性用の着物です。黒地にほぼ同じ模様が描かれた黒留袖よりも、ややフォーマルではありません。色留袖はフォーマルな行事に着用されますが、黒留袖では着こなしが過剰に見えてしまう場合に選ばれることがあります。色留袖の模様の配置は黒留袖とほぼ同じですが、吹きやおくみの模様が後ろの裾に少し流れ込むことがあります。五つ家紋のある色留袖は、黒留袖と同じフォーマルな着物です。色留袖は綸子などの紋様のある絹で作られることもあります。

色紋付は男性 用の正装着物である。色紋付は色地に肩に紋章が描かれており、袖のカット以外は腰から上は色留袖と同じように見えるため、袴の下に着ると紋様が判別できない。 ^[52]男性の正装には袴^{が必須であるため[52]}、裾に凝った模様のある正装着物は着用しない。裾に模様が隠れてしまうからである。 ^[61]

黒留袖（ くろとめそで、文字通り「黒い短い袖」）は、黒の背景に裾に沿って模様が入ったフォーマルな女性用の着物です。最もフォーマルな女性用の着物で、結婚式や結婚披露宴などのフォーマルなイベントに着用されます。模様は裾に沿ってのみあり、この模様が体の上の方に届くほど、着用者は若くみなされますが、非常に若い女性の場合は色留袖が選ばれることもあり、黒留袖の方がいくぶん成熟していると考えられます。模様は、着物の吹返しとおくみの部分に左右対称に配置されるか、裾全体に沿って左右非対称に配置され、左側の方が右側よりも模様が大きく高く配置されます。ヴィンテージの着物は後者よりも前者の模様の配置である可能性が高いですが、これは厳格なルールではありません。

黒留袖は必ず絹で作られ、比翼（偽の裏地層）が付いている場合があり、裾にわずかにパッドが入っていることもあります。黒留袖には通常3つから5つの紋があり、紋の数に関係なく、5つ未満の色留袖よりも紋の数が上になります。黒留袖は正装ですが、着物自体を装飾する色のデザインにもかかわらず、黒は喪の色であるため、宮廷では許可されていません^{。 [出典が必要]}宮廷以外では、黒留袖に関するこの区別は存在しません。黒留袖は綸子などの派手な絹で作られることはなく、むしろ質感の少ないマットな生地で作られることが多いです。

黒留袖は通常、衿に沿った小さな白い装飾的な刺しで ある飾り仕付けが特徴です。

黒紋付は最もフォーマルな男性用着物であり、袖のカット以外は腰から上は黒留袖と全く同じに見え、男性の正装に必要な袴^{の下に着用しても柄の区別がつかない。 [52]}

喪服は、男性と女性の両方が着用する、喪に服すのに適した着物と和装小物の一種です。喪服の着物、帯、小物は、無地で黒一色の外観が特徴です。喪服の着物は、五つ紋のある黒無地の絹で、白の下着と白の足袋を着用します。男性は、同じ種類の着物を着用し、落ち着いた色の帯と、黒と白または黒とグレーの縞模様の袴を着用し、黒または白の草履を着用します。

女性の喪服は、黒無地の帯、黒帯締め、黒帯揚げと、すべて黒一色の服装で、通常は故人に最も近い人が着る。故人から遠い人は、紋の数が少ない黒無地の着物ではなく、暗くて落ち着いた色の着物を着る。着物がより頻繁に着用されていた時代には、故人に最も近い人は、死後数週間かけて徐々に色のついた着物を着始め、帯締めは最後に色付きの着物に替えられた。^[1]

打ち掛けは、花嫁や舞台でのみ着用される、非常にフォーマルな女性の着物です。打ち掛けという名前は、日本語の動詞「かける」に由来し、およそ16世紀に当時の支配階級の間で、ベルトなしで着物（当時は小袖と呼ばれていました）を他の衣服の肩にかけるという流行に由来しています。[1] : 34 打ち掛けは、20世紀のある時期に花嫁衣装として採用される前^に、武家の女性が着る着物の上に着るようになりました。  

打掛は、帯を締めた着物一式の上から着用するようにデザインされており、ベルトを締めて着用するようにはデザインされていません。16 世紀のものと異なり、現代の打掛は、重厚で非常にフォーマルな装飾が施されていることが多く、裾だけでなく全体にパッドが入っていることもあるため、通常の着物として着用することはできません。床に沿って垂れるようにデザインされており、裾に厚くパッドが入っているのが、この目的を達成するのに役立ちます。

花嫁用の打掛は、一般的には赤や白で、縁起の良いモチーフで装飾されていることが多いです。帯を締めて着用するものではないため、デザインは背中全体を覆います。

白無垢（しろむく、文字通り「白い純潔」）は、 日本の伝統的な 神道の 結婚式で花嫁が着用する純白の婚礼着物です。打掛に似ていて、白い打掛と呼ばれることもある白無垢は、結婚式の際に着用され、結婚する花嫁の純潔を象徴します。花嫁は、式の後、幸運を象徴するため 赤い打掛に着替えることもあります。

白無垢は、花嫁用のかつら、それに合うかんざし（通常はべっ甲）、着物に挟んだ扇子など、お揃いのアクセサリーとともに花嫁衣装の一部となります。伝統的な花嫁衣装は高価なため、新品の白無垢を購入する人はほとんどいません。特別な機会に着物をレンタルすることは珍しくなく、神社が伝統的な結婚式用に白無垢を保管して貸し出していることが知られています。すでに白無垢を持っている人は、親しい家族から受け継いだ可能性が高いです。

裾引（引きずりとも呼ばれる）は、衿が深く間隔が広く、裾を引きずって着られるように特殊な構造になっている女性の着物です。裾引は、芸者、舞妓、歌舞伎役者、日本舞踊を踊る人々が着る非常に長い着物です。裾引の長さは最大 230 cm（91 インチ）で、肩から裾までの長さは一般に 200 cm（79 インチ）以上です。これは、着物が床に沿って引きずられるようにするためです。  

裾引は着用方法により、通常の着物とは縫製が異なります。 ^[62]裾引の襟は首筋のさらに奥深くに縫い付けられているため、着物の前がめくれ上がることなく、より低く下げることができます。袖は体に対して不均等にセットされており、後ろの方が前よりも短くなっているため、襟を下げたときに脇の下が見えません。

裾引きは着るときの結び方も異なります。普通の着物はおはしょりが見えるように結び、脇の縫い目はまっすぐにしますが、裾引きはやや斜めに引き上げてヒップを強調し、着物が床にきれいにたなびくようにします。おはしょりは小さく、後ろの方が前よりも大きいですが、もみ（文字通り「赤い絹」の意）で体に巻き付け、帯で覆うので、おはしょりは見えません。 ^[c] 

裾引きは、その特殊な構造以外にも、装飾、生地の種類、色、袖の長さなど、他の多くのタイプの女性用着物と類似しています。芸者やその弟子が着用する裾引きは、婚約の際に着用する正式な着物であるため、常に上質な絹で作られており、模様の配置や背景色は 訪問着以上の格式の着物に似ています。

歌舞伎役者が着る裾引きは役柄によって異なり、江戸時代の商人の娘の質素な服装や、武士の女性の上質な絹の衣装のように見えることもあります。これらの衣装はポリエステル、絹、非公式の絹織物、綿、麻、麻で作られることがあります。柄の配置、色、デザインは役柄によって異なり、多くの役柄では前世紀から衣装のデザインが保存されています。

日本の伝統舞踊を踊る人が着る裾引きは、舞台から目立つように、通常、大胆なブロック色のデザインが特徴です。グループで踊る演者は全員同じ着物を着用し、大胆なデザインが演者間の視覚的な統一感を生み出します。

着物は日本の民族衣装ですが、日本中で着られている唯一の衣服ではありませんでした。西洋の衣服が日本に導入される前から、アイヌの人々のアットゥスや琉球の人々のリュウソウなど、さまざまなスタイルの衣服が着用されていました。着物に似ていますが、これらの衣服は独自の文化的遺産によって区別され、労働者階級の人々が着用する衣服のように、着物の単なる「バリエーション」とは見なされていません。

現在でも着用されている関連衣服の中には、以前の時代の現代的な衣服であったものが、特定の人々によって特定の機会にのみ着用され、公式および/または儀式的な役割で生き残ってきたものもあります。

着物に合わせるアクセサリーは数多くあり、場面や用途によって異なります。儀式用や特別な機会にのみ着用されるものもあれば、着物を着る際に着用され、より実用的な意味で使用されるものもあります。

芸者と舞妓はどちらも、普段着には見られないような一般的なアクセサリーを身に着けています。これを発展させて、日本の伝統舞踊を踊る人の多くは、芸者や舞妓と似た着物やアクセサリーを身に着けています。

伝統的な祝日や行事では、特定の種類の着物用アクセサリーを着用します。たとえば、おこぼ（ポックリとも呼ばれます）は、女の子が七五三のときに、鮮やかな色の振袖と一緒に着用します。おこぼは、若い女性が成人の日（成人の日）に着用することもあります。

戦前、着物は重ね着が一般的で、下着の上に着る重ね着の標準枚数は3枚だった。下に重ねた着物は胴抜き（どうぬき）と呼ばれ、古くなった着物や着られなくなった着物を生地ごとにバラバラにしてパッチワークにしたものが多かった。特別にデザインされたフォーマルな重ね着物のペアセットは大突き（おつい）と呼ばれ、一般的には同じデザインで、白（一番内側）、赤（中間層）、黒（一番外側）など異なる背景色で表現されていた。^{[22] : 42}一番内側の層は下着（したぎ）と呼ばれ、通常は染色のみなどの最もシンプルな装飾技法が特徴で、それに続く外側の層には刺繍や金糸の刺しゅうなどの技法が用いられ、一番外側の層（上着（うわぎ）と呼ばれる）には最も広範囲な装飾が施されていた。^{[22] : 45}これらのペアセットは一緒にデザインされ、一般的には結婚式の花嫁衣装の一部として作成された。現存する大着物の完全なセットは、特に状態の良いものを見つけるのが難しく、一番内側の着物は損傷していて状態が悪いことが多い。^{[22] : 46}

現代の日本では、着物を着る際、少なくとも 1 枚は肌に直接着るのが一般的です。伝統的には、これは肌着または肌襦袢で、筒袖で前を包んだ衣服で下着と考えられていましたが、現代では通常の下着を代わりに着用することがあり、伝統的な肌襦袢は必ずしも必要ではないと考えられています。肌襦袢は通常、綿、麻、リネン、または合成繊維など、シルクよりも洗濯しやすい素材で作られています。

浴衣以外の着物（小紋として着飾った高級浴衣を除く）では、下着の上に長襦袢（じゅばん）を着用する。襦袢は着物に似ており、軽くて薄い生地で作られており、前面におくみがないことも珍しくなく、衿には半襟と呼ばれる衿カバーが縫い付けられていることが多い。半襟は着物の下に着用したときに襟元から見え、必要に応じて交換したり洗ったりできるようになっている。^[41] 

現代の日本では、重ね着は古典舞踊や歌舞伎の舞台でのみ見られるのが一般的です。この見た目を実現するために、完全に別の着物ではなく、比翼と呼ばれる偽の 2 番目の層が取り付けられることがあります。比翼は着物の裏地の下半分に似ており、背中に沿って水平に着物に縫い付けられます。比翼には偽の襟が取り付けられている場合もあれば、着物に別に縫い付けられた一致する偽の襟があり、ネックラインで重ね着の着物のような錯覚を生み出します。この効果を生み出すために、着物に別の偽の袖口が縫い付けられることもあります。

比翼をあしらった着物は、藤娘などの歌舞伎の演目に見られ、着物のおくみを帯の下に少し折り返して、比翼の模様を露出させて着る。また、一部の花嫁着物にも比翼が見られる。

昔は、着物は洗濯するために完全に解体され、着用するために再び縫い直されることが多かった。^[27]この伝統的な洗濯方法は、着物を解体して各部分を洗う（「とき洗い」）、そして洗って糊付けした着物の各部分を板の上に伸ばして乾かす（「洗い張り」）という2つのステップからなる。^[64]洗濯するためには縫い目を外さなければならないため、伝統的な着物は手縫いでなければならない。着物を伝統的に洗うプロセスは非常に高価で困難であり、着物の人気低下の原因の1つである^[要出典]。現代の生地や洗浄方法はこの必要性をなくすように開発されているが、特に高級衣料品については、着物の伝統的な洗濯が今でも行われている。

新品のオーダーメイド着物は、通常、外側の縁に長く緩い仮縫いが施された状態で顧客に届けられます。これらの縫い目は「襦袢糸」と呼ばれます（黒留袖の衿に施される小さな白い刺し縫いである「飾り地付け」と混同しないでください）。保管のために縫い直されることもあります。これにより、よれたり、折れ曲がったり、しわになったりすることがなくなり、着物の層が揃った状態を保つことができます。

他の多くの日本の伝統的な衣服と同様に、着物にも特定の折り方があります。これらの方法は、衣服を保存し、保管時にしわが寄らないようにするのに役立ちます。着物は、たとう紙と呼ばれる無酸性の紙の封筒に包まれて保管されることがよくあります。

着物は少なくとも季節ごとに、また着用の前後には風通しを良くする必要があります。多くの人は着物をドライクリーニングすることを好みます。これは非常に高価になる場合がありますが、着物を分解してクリーニングする従来の方法よりも一般的に安価です。ただし、特定の生地や染料では不可能な場合があります。

着物は日本各地で生産されています。着物の製造で知られる産地は、しばしば「産地」と呼ばれます。これらの地域的なバリエーションの多くは現在でも残っており、その産地の名物 として知られています。

着物は日本国外でも様々な場面で着用されている。ブラジルのパラナ州クリチバでは、日系ブラジル人少女が神道の儀式に着物を着ることもある。^{[要出典] [67]}

着物は日系アメリカ人や、フィリピンの日系フィリピン人（フィリピンの日本人を参照）など海外に住む日本人も着用している。

外国人の中には、日本の愛好家と同じように着物を収集する人もおり、「Kimono de Jack」などのイベントで着ることもある。^{[20] [要ページ]}

• 十二単
• 日本で伝統的に着用されるアイテムのリスト
• 束帯
• 日本の伝統工芸品一覧

銀座もとじによる現代の着物職人と産地に関する記事

カナダ文明博物館 – 展覧会「久保田一竹の風景着物」アーカイブ

• 京都風俗博物館 – 日本の衣装の歴史
• 不滅の芸者フォーラムへのアーカイブリンク。着物の知識と文化に関する総合的なリソース
• V&Aコレクションの着物に関する記事
• 着物に関する記事