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ジョアン・ミロ・イ・フェラー( / m ɪ ˈ r oʊ / mirr- OH、[ 1 ]米国でも/ m iː ˈ r oʊ / mee- ROH、[ 2 ] [ 3 ]カタルーニャ語: [ ʒuˈam miˈɾo j fəˈra ] ; 1893 年 4 月 20 日– 1983 年 12 月 25 日) はスペイン出身のカタルーニャの画家、彫刻家、陶芸家。
彼の作品を専門に展示する美術館、ジョアン・ミロ財団は、1975年に彼の故郷バルセロナに設立され、もう一つの美術館、ピラール・イ・ジョアン・ミロ財団は、1981年に彼が移住したマヨルカ島のパルマに設立された。
国際的に高い評価を得ている彼の作品は、シュルレアリスム的でありながらも独自のスタイルを持ち、時にはフォーヴィスムや表現主義にも傾倒していると解釈されている 。[ 4 ]
彼は無意識や潜在意識への関心で知られ、それは子供のような感覚を再現する作品に反映されている。分類が難しい彼の作品には、カタルーニャの誇りも表れている。
1930年代以降の数々のインタビューで、ミロはブルジョワ社会を支える手段としての従来の絵画技法を軽蔑し、確立された絵画の視覚的要素を覆すことを優先して「絵画の暗殺」を宣言した。[ 5 ]
金細工師兼時計職人のミケル・ミロ・アゼリアスと母ドロレス・フェラの家庭に生まれたミロは、バルセロナのゴシック地区で育った。 [ 6 ] [ 7 ]ミロという姓は、ユダヤ系のルーツ（キリスト教に改宗したイベリア系ユダヤ人、マラーノまたはコンベルソ）を示唆している。[ 8 ] [ 9 ]彼は7歳で中世の邸宅であるレゴミル通り13番地の私立学校で絵画の授業を受け始めた。父親の落胆をよそに、1907年にラ・リョッチャの美術アカデミーに入学した。彼はセルクル・アルティスティック・デ・サン・リュックで学び、1918年にギャラリー・ダルマウで初の個展を開催したが、彼の作品は嘲笑され、汚損された。[ 11 ] [ 12 ]バルセロナや海外で開催されたフォーヴィスムやキュビスムの展覧会に触発されたミロは、モンパルナスに集まっていた芸術家コミュニティに惹かれ、1920年にパリに移住したが、夏はカタルーニャで過ごし続けた。[ 7 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]
ミロは当初、美術学校だけでなくビジネススクールにも通っていました。10代の頃は事務員として働き始めましたが、神経衰弱を患った後、ビジネスの世界を完全に捨てて芸術の道に進みました。[ 18 ]初期の作品は、同様の影響を受けたフォーヴィスムやキュビスムの画家たちと同様に、フィンセント・ファン・ゴッホやポール・セザンヌの影響を受けています。ミロの作品が前衛芸術の中間世代の作品と似ていることから、研究者たちはこの時期を彼のカタルーニャ・フォーヴィスム時代と呼んでいます。[ 19 ]
ミロは1918年のバルセロナでの個展から数年後、[ 11 ]パリに定住し、両親の夏の別荘と農場があったモンロイグ・デル・カンプで描き始めた絵画の数々を完成させた。そのうちの1つである「農場」は、より個性的な画風とある種の民族主義的な要素への転換を示している。後にこの作品を購入したアーネスト・ヘミングウェイは、「スペインにいるときに感じるものすべてと、そこを離れて行けないときに感じるものすべてが、この作品には詰まっている。この2つの全く相反するものを描けた人は他にいない」と評した。[ 20 ]ミロは毎年モンロイグに戻り、生涯を通じて彼の特徴となる象徴主義と民族主義を発展させた。シュルレアリスムに分類されるミロの初期作品のうち、「カタルーニャの風景（狩人）」と「耕された畑」 [ 21 ]は、次の10年間の芸術を支配することになる象徴的な言語を用いている。[ 22 ]
ジョセップ・ダルマウは、 1921年にギャラリー・ラ・リコルヌでミロのパリ初個展を企画した。[ 13 ] [ 23 ] [ 24 ] 1924年、ミロはシュルレアリスムのグループに加わった。ミロの作品の既に象徴的で詩的な性質、そして作品に内在する二元性と矛盾は、グループが提唱する夢のようなオートマティズムの文脈によく合致した。ミロの作品の多くは、それまで彼の作品を特徴づけていた雑然とした混沌とした焦点の欠如を失い、彼は伝統的な絵画が提供する枠組みを拒否するために、作品の中でコラージュや絵画のプロセスを実験した。絵画に対するこの敵対的な態度は、ミロが1924年に詩人の友人ミシェル・レリスへの手紙の中で自分の作品を「x」と曖昧に言及したときに現れた。[ 25 ]この時期に生まれた絵画は、最終的にミロの夢の絵画と呼ばれるようになった。
しかし、ミロは主題を完全に放棄したわけではなかった。1920年代に彼が多用したシュルレアリスムの自動描画技法にもかかわらず、スケッチを見ると、彼の作品はしばしば体系的なプロセスを経て制作されたことがわかる。ミロの作品は非具象的な表現に陥ることはほとんどなく、象徴的で図式的な言語を維持していた。これは、1924年から1925年にかけて繰り返し制作された「カタルーニャの農民の頭部」シリーズで最も顕著に表れている。1926年には、バレエ興行主セルゲイ・ディアギレフのためにマックス・エルンストと共同でデザインを手がけた。
ミロは1928年の『オランダの室内』で、より具象的な絵画の形式に戻った。ヘンドリック・マルテンスゾーン・ソルグやヤン・ステーンの作品をポストカードの複製として見て制作されたこれらの絵画は、画家がオランダを旅行した影響を示している。 [ 27 ]これらの絵画は、数年前に制作されたミニマルな夢の絵画よりも、 『耕された畑』や『ハーレクインのカーニバル』と共通点が多い。
ミロは1929年10月12日にマヨルカ島のパルマでピラール・フンコサと結婚した。娘のマリア・ドロレス・ミロは1930年7月17日に生まれた。1931年、ピエール・マティスはニューヨーク市に画廊を開設した。1989年にマティスが亡くなるまで存在したピエール・マティス画廊は、アメリカの近代美術運動において影響力のある存在となった。マティスは当初からジョアン・ミロを代表し、ニューヨークでミロの作品を頻繁に展示することで、彼の作品をアメリカ市場に紹介した。[ 28 ] [ 29 ] 1932年、ミロはバレエ・リュス・ド・モンテカルロでマシーンのバレエ「子供の遊び」の舞台美術を制作した。
スペイン内戦が勃発するまで、ミロは毎年夏にスペインに帰っていた。同時代の多くのシュルレアリストとは異なり、ミロはそれまで作品の中で露骨な政治的コメントを避けることを好んでいた。スペイン内戦が始まると、彼は帰国できなくなった。初期のシュルレアリスムの風景画や『カタルーニャの農民の頭部』にはカタルーニャ民族主義の感覚が浸透していたが、ミロの作品が政治的な意味合いを帯びるようになったのは、スペイン共和国政府が1937年のパリ万国博覧会のスペイン共和国館のために壁画『刈り取り人』の制作を依頼してからだった。 [ 30 ] 1939年、ドイツによるフランス侵攻が迫る中、ミロはノルマンディーのヴァランジュヴィルに移り住み、翌年の5月20日、ドイツ軍がパリに侵攻すると、フランシスコ・フランコが支配するスペインに辛うじて逃れた。彼はヴィシー政権の統治期間中スペインに滞在した。 [ 31 ] 1940年から1941年にかけて、ヴァランジュヴィル、パルマ、モンロワで、ミロは23点のグワッシュ作品「星座」を制作した。天体の象徴を題材とした「星座」は、アンドレ・ブルトンから賞賛を受け、17年後、ブルトンはミロの作品にちなんで名付けられ、影響を受けた一連の詩を書いた。[ 32 ]
滝口修三は1940年にミロに関する最初のモノグラフを出版した。1948年から1949年にかけて、ミロはバルセロナに住み、ムルロー工房やアトリエ・ラクーリエールで版画技法を学ぶためにパリへ頻繁に足を運んだ。彼はフェルナン・ムルローと親密な関係を築き、その結果、1000点を超えるリトグラフ版画が制作された。1959年、アンドレ・ブルトンは、エンリケ・タバラ、サルバドール・ダリ、エウヘニオ・グラネルらとともに、ミロに「シュルレアリスムへのオマージュ」展でスペイン代表を務めるよう依頼した。ミロは、フランスのサン＝ポール＝ド＝ヴァンスにあるメグ財団の庭園のために一連の彫刻と陶器を制作し、それは1964年に完成した。
1974年、ミロはカタルーニャの芸術家ジョセップ・ロヨと共にニューヨーク市のワールドトレードセンターのためにタペストリーを制作した。当初、ミロはタペストリー制作を拒否していたが、ロヨからその技法を学び、二人の芸術家はいくつかの作品を共同制作した。彼のワールドトレードセンター・タペストリーは同ビルに展示され[ 33 ] 、 9月11日の同時多発テロで失われた最も高価な美術品の一つとなった[ 34 ] [ 35 ]。
1977年、ミロとロヨはワシントンDCの国立美術館に展示されるタペストリーを完成させた。 [ 36 ] [ 37 ] 1981年、ミロの「太陽、月、そして一つの星」 （後に「ミロのシカゴ」と改名）が公開された。この大きなミクストメディア彫刻は、シカゴのダウンタウンのループ地区の屋外にあり、別の大きな公共彫刻である「シカゴ・ピカソ」の向かいにある。ミロは1967年に「太陽、月、そして一つの星」のブロンズ模型を制作していた。この模型は現在ミルウォーキー美術館に所蔵されている。
1979年、ミロはバルセロナ大学から名誉博士号を授与された。心不全を患っていたこの芸術家は、 1983年12月25日、90歳でパルマ・デ・マヨルカの自宅で死去した。[ 38 ]その後、バルセロナのモンジュイック墓地に埋葬された。
ミロは生涯を通じて何度も鬱病を患った。[ 39 ] 18歳だった1911年に初めて鬱病を経験した。[ 40 ] : 116 [ 40 ] : 110n1ミロは、「私は意気消沈し、深刻な鬱病に苦しみました。本当に病気になり、3か月間寝たきりでした」と語った。[ 41 ] 彼は鬱病に対処する方法として絵を描き、それによって心が落ち着き、暗い考えが減ったと言われている。ミロは、「絵を描かないと、とても落ち込んで、陰鬱になり、『暗い考え』が浮かび、どうしたらいいのか分からなくなる」と語った。[ 42 ]
彼の精神状態は、絵画『ハーレクインの謝肉祭』に表れている。彼は、心の中で経験した混沌、その混沌から逃れたいという絶望、そしてそれによって生じた苦痛を描こうとした。ミロはここで梯子のシンボルを描いているが、これはこの絵以降、他の多くの絵画にも見られる。それは逃避を象徴していると考えられている。[ 40 ]： 117-8
創造性と精神疾患の関係は非常によく研究されている。[ 40 ] : 6創造的な人は躁うつ病や統合失調症にかかる可能性が高く、また遺伝的に伝染する可能性も高いと主張されている。[ 40 ] : 7ミロがエピソード性うつ病を患っていたことは分かっているが、双極性障害と呼ばれることが多い躁病エピソードも経験していたかどうかは不明である。[ 43 ]
彼の初期の近代主義作品には、『ヴィンセント・ヌビオラの肖像』（1917年）、『シウラナ（道）』、『ノール・シュッド』（1917年）、『トレドの絵画』などがある。これらの作品はセザンヌの影響を受けており、キャンバスは色彩豊かな表面と、後期の作品のほとんどに見られるようなハードエッジのスタイルよりも絵画的な扱いで満たされている。『ノール・シュッド』では、同名の文芸新聞が静物画の中に描かれている。これはキュビスムの構図によく見られる構成上の手法であると同時に、画家の文学的、前衛的な関心への言及でもある。[ 44 ]
1920年以降、ミロは非常に精緻なスタイルを発展させ、あらゆる要素を個別に細部まで選び出し、意図的な構成で配置しました。ヤシの木のある家（1918年）、『鏡のある裸婦』（1919年）、『馬、パイプ、赤い花』（1920年）、『食卓―ウサギのある静物』 （1920年）などの作品には、キュビスムの影響がはっきりと表れていますが、それは抑制された形で、主題の一部にのみ適用されています。例えば、『農夫の妻』（1922～23年）は写実的ですが、女性の足の扱いなど、一部は様式化または変形されており、足は拡大され平らになっています。[ 45 ]
このスタイルの集大成が『農場』（1921～22年）である。描かれたカタルーニャの田園風景は、中央に配置された前衛的なフランスの新聞によってさらに強調されており、ミロがパリで触れたモダニズム理論によってこの作品が変容したと考えていることを示している。各要素を等しく重要視するという集中は、各要素に絵画的な記号を生み出すための重要な一歩であった。背景は平坦な部分やシンプルな模様で表現されており、図と地の分離を強調している。これは、彼の成熟したスタイルにおいて重要な要素となる。
ミロはこの作品を宣伝しようと何度も試みたが、シュルレアリストの仲間たちはそれを写実的すぎるとか、ありきたりすぎると感じたため、彼はすぐに、より明確にシュルレアリスム的なアプローチへと転換した。[ 46 ]
1922年、ミロは少なくとも1枚の絵画で抽象的で色彩豊かなシュルレアリスムを探求した。[ 47 ] 1923年の夏、モンロイグで、ミロは『農場』で使用された写実的な表現ではなく、抽象的な絵画的記号が支配的な一連の重要な絵画の制作を開始した。『耕された畑』、『カタルーニャの風景（狩人）』、『牧歌』（1923-24年）では、これらの平面的な形と線（ほとんどが黒または濃い色）が、時に非常に難解な形で主題を示唆している。『カタルーニャの風景（狩人） 』では、ミロは頭部を三角形、口ひげを曲線、体を角張った線で表現するなど、記号の組み合わせで狩人を表現している。この作品は非常に暗号化されているため、ミロは後に使用された記号について正確な説明を提供している。[ 48 ]
1920年代半ばにかけて、ミロは絵画的な手話表現を発展させ、それは彼のその後のキャリアを通して中心的な役割を果たすことになる。『ハーレクインの謝肉祭』 （1924～1925年）には、 『耕された畑』で始まった流れが明確に続いている。しかし、 『ブルネットを愛する幸福』（1925年）や『絵画（フラテリーニ）』 （1927年）といった後続作品では、前景の人物像ははるかに少なくなり、残っている人物像も簡略化されている。
その後まもなく、ミロは「スペインの踊り子」シリーズの制作も開始した。これらのシンプルなコラージュは、彼の絵画に対する概念的な対位法のようなものだった。「スペインの踊り子」（1928年）では、コルク、羽根、帽子ピンを白紙の紙に組み合わせている。[ 46 ]
ミロは250冊以上の挿絵入り書籍を制作した。[ 49 ]これらは「Livres d'Artiste（芸術家の本）」として知られていた。そのような作品の1つは、フランスの詩人ロベール・デノスの未亡人の勧めで1974年に出版され、 『 Les pénalités de l'enfer ou les Nouvelles Hébrides （地獄の罰、あるいはニューヘブリディーズ）』と題されていた。これは25枚のリトグラフのセットで、5枚は黒、残りはカラーだった。
2006年、これらのリトグラフを収録した書籍は、ベロビーチ美術館で開催された「ジョアン・ミロ、挿絵入り書籍展」で展示された。ある評論家は、「豊かなイメージだけでなく、書籍制作の背景にある物語においても、非常に力強い作品集だ。リトグラフは縦長で細長く、ミロ特有の形を用いながらも、質感に独特の重点が置かれている」と評した。批評家は続けてこう述べた。「私はこれらの4枚の版画にたちまち魅了されました。ミロの作品の多くに見られる冷たい表面とは対照的な、感情の豊かさに心を奪われたのです。これらの版画がどのようにして生まれたのかを知ると、その切なさはさらに増すと思います。ミロは1925年に、おそらく最も愛され、最も影響力のあるシュルレアリスト作家であるデノスと出会い、友人になりました。そして間もなく、彼らはアーティストブックを共同制作する計画を立てました。しかし、スペイン内戦と第二次世界大戦のために、その計画は中断されました。デノスは第二次世界大戦を大胆に批判したため、強制収容所（アウシュヴィッツ）に収容され、1945年に釈放された直後、45歳で亡くなりました。」
「それから約30年後、デスノスの未亡人の提案で、ミロは詩人の原稿の挿絵を描くことに着手した。これは彼の最初の散文作品で、1922年にモロッコで書かれたが、この死後の共同作業まで未発表のままだった。」[ 50 ]
パリで詩人や作家の影響を受け、彼は独自のスタイルを発展させた。それは、鋭い線で描かれた有機的な形態と平面的な画面である。自動記述への関心と性的なシンボル（例えば、波線が伸びる卵形）の使用から、一般的にはシュルレアリストと考えられているが、ミロのスタイルはシュルレアリスムとダダの影響を様々な程度で受けており、[ 18 ]彼は戦間期のヨーロッパのどの芸術運動にも所属することを拒否した。アンドレ・ブルトンは彼を「我々の中で最もシュルレアリスト」と評した。ミロは、最も有名な作品の1つである『アルルカンの謝肉祭』を同様の状況下で制作したことを告白している。
絵や絵画のアイデアはどうやって思いついたのかって？ パリのブロメ通りにあるアトリエに夜帰宅して、ベッドに入って、時には夕食も食べないこともありました。目にしたものをノートに書き留めました。天井に形が見えたり… [ 51 ]
ミロのシュルレアリスムの起源は、他のスペインのシュルレアリスムやマジックリアリズムの作品と同様に「抑圧」から生まれたものであり、特にフランコ政権による特別な迫害を受けていたカタルーニャ人としての彼の民族性がその要因となっている。彼は、自身が「常に観察していた」と主張するシウレルなどのカタルーニャの民俗芸術から影響を受けた。 [ 52 ]また、ジョアン・ミロは、カリブ海に亡命中に出会ったハイチのブードゥー教の芸術やキューバのサンテリア宗教からも影響を受けた。これらの運動が彼の絵画スタイルを形成した。[ 53 ] [ 54 ]
ジョアン・ミロは、絵画における従来の確立された技法を覆す方法として自動描画を開発した最初の芸術家の一人であり、アンドレ・マッソンとともに、芸術運動としてのシュルレアリスムの始まりを象徴する存在でした。しかし、ミロはグループ内での自分の立場を損なうことなく他の芸術スタイルを自由に実験できるように、シュルレアリストの正式なメンバーになることを選びませんでした。彼は、自動描画やシュルレアリスムから、表現主義、叙情的抽象、カラーフィールド絵画に至るまで、芸術界における自身の関心を追求しました。ミロが提唱した4次元絵画は、絵画が2次元性、さらには彫刻の3次元性をも超越する理論的な絵画のタイプでした。[ 55 ]
ミロが絵画の暗殺に関心を示したことはよく知られているが、それはブルジョワ芸術への嫌悪感から来ており、彼はそれが富裕層の間でプロパガンダや文化的アイデンティティを促進する手段として利用されていると信じていた。具体的には、ミロはキュビスムに対してそのような反応を示した。キュビスムは彼が発言した時点でフランスで確立された芸術形式となっていた。彼はピカソの絵画を指して「私は彼らのギターを壊す」と言ったと伝えられており、ピカソの芸術の人気と政治による利用を攻撃する意図があった。[ 56 ]
空の壮観に圧倒される。広大な空に三日月や太陽を見ると、私は圧倒される。私の絵の中には、広大な空虚の中に小さな形が浮かんでいる。空虚な空間、空虚な地平線、空虚な平原――何もない空間、それらすべてが、常に私に強い印象を与えてきた。――ジョアン・ミロ、1958年、『20世紀の芸術家が語る芸術』より引用
伝記作家ウォルター・エルベンとのインタビューで、ミロは美術評論家に対する嫌悪感を表明し、「彼らは何よりも哲学者であることに興味がある。彼らは先入観を持ってから芸術作品を見る。絵画は、彼らの痩せこけた哲学体系を包み込むための外套に過ぎない」と述べた。[ 52 ]
ミロは晩年、様々な媒体での制作活動を加速させ、パリのユネスコ本部にある「月の壁」や「太陽の壁」をはじめとする数百点の陶器作品を制作した。また、展覧会のためにガラスに一時的な窓絵も制作した。晩年には、ガス彫刻や四次元絵画の可能性を探求するなど、最も斬新で知られていないアイデアを書き記した。
1960年代を通して、ミロはメグ財団が主催する多くのサロン展で注目のアーティストとして取り上げられ、そこにはマルク・シャガール、ジャコメッティ、ブラッチ、セザール、ウバック、タル＝コートなどの作品も含まれていた。
晩年にニューヨーク（1972年）、ロンドン（1972年）、サン＝ポール＝ド＝ヴァンス（1973年）、パリ（1974年）などで開催されたミロの大規模な回顧展は、過去半世紀にわたって着実に高まってきた国際的な評価を示す好例であった。さらに、彼の死後にも大規模な回顧展が開催された。1978年には、母国スペインの政治情勢の変化を受けて、マドリードのソフィア王妃芸術センターで、彼の絵画と版画作品を初めて包括的に紹介する展覧会が開催された。
1993年、彼の生誕100周年の年には、いくつかの展覧会が開催され、中でもバルセロナのジョアン・ミロ財団、ニューヨーク近代美術館、マドリードのソフィア王妃芸術センター、パリのルロン画廊で開催された展覧会が最も有名だった。[ 57 ]
2010年、メトロポリタン美術館はミロ：オランダの室内画展を開催し、ミロの絵画3点と、それらに影響を与えたオランダ黄金時代の作品を紹介した。[ 58 ]
2011年には、テート・モダン[ 59 ]で別の回顧展「ジョアン・ミロ：脱出の梯子」が開催され、その後、ジョアン・ミロ財団とワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー[ 60 ]を巡回した。カタログはマルコ・ダニエルとマシュー・ゲイルによって編集された。ISBN 978-0500093672
ジョアン・ミロの版画展は、ジョアン・ミロ財団で2013年に開催されました。2014年には、アルベルティーナ美術館で「ミロ：大地から空へ」 、国立新美術館（東京）で「チューリッヒ美術館所蔵傑作展」が開催されました。
ジョアン・ミロ：本能と想像力、そして「ミロ：見るという体験」と題された展覧会が、それぞれ2015年3月22日から6月28日までデンバー美術館で、 2015年9月30日から2016年1月10日までマクネイ美術館で開催され、マドリードのソフィア王妃芸術センター国立美術館から貸し出された、1963年から1981年までのミロの作品が展示された。[ 61 ] [ 62 ] [ 63 ] [ 64 ] [ 65 ] 2018年には、ラトビアのリガにある装飾芸術デザイン博物館で、アンリ・マティス、ル・コルビュジエ、レイモン・アン、エリック・サンディヨンらとともに展示された。[ 66 ] [ 67 ] [ 68 ] [ 69 ]「ゴブランの色彩：フランスの国立家具コレクションからの現代ゴブラン」と題されたこの展覧会は、第6回リガ織物芸術展の期間中に開催されました。[ 66 ] [ 67 ] [ 68 ] [ 69 ]
2019年春、ニューヨーク近代美術館は「ジョアン・ミロ：世界の誕生」展を開催した。[ 70 ] 2019年7月まで開催されたこの展覧会では、ミロのキャリア初期から第一次世界大戦と第二次世界大戦の影響までを含む60点の作品が展示された。展覧会では、60フィートのキャンバス作品から8フィートの小さな絵画までが展示され、キュビスムから抽象まで、さまざまな影響が見られた。[ 71 ]
2018年から2019年にかけて、フィラデルフィア美術館はジョアン・ミロ展で彼の作品を展示し、彼の絵画と「反絵画」を紹介した。[ 72 ]
2025年10月10日から2026年2月22日まで、ジョアン・ミロ財団は「ミロとアメリカ合衆国」展を開催し、「ジョアン・ミロと20世紀の著名なアメリカ人アーティストとの世代を超えた芸術的対話を深く掘り下げた」。[ 73 ] この展覧会はジョアン・ミロ財団とフィリップス・コレクションによって企画された（2026年3月21日～7月5日開催）。[ 74 ] カタログはマシュー・ゲイルが編集した（ISBN 978-8-416-41183-2)
ミロは20世紀後半の美術、特にマザーウェル、カルダー、ゴーキー、ポロック、マッタ、ロスコなどのアメリカの抽象表現主義の画家たちに大きな影響を与えており、彼の叙情的な抽象画[ 75 ]やカラーフィールド絵画は、ヘレン・フランケンターラー、オリツキ、ルイスなどの画家による同様式の先駆けとなった[ 76 ] 。彼の作品は、ポール・ランド[ 77 ]やルシエンヌ・デイ[ 78 ] などの現代デザイナーにも影響を与え、ジュリアン・ハットン[ 79 ]などの近年の画家にも影響を与えている。
マン・レイが1930年代に撮影した写真作品の一つである「ロープを持つミロ」は、壁にピンで留められたロープを背景に画家ミロを写したもので、単発のシュルレアリスム作品『ミノトール』に掲載された。
2002年、アメリカのパーカッショニスト兼作曲家ボビー・プリヴィットは、ツァディク・レコードからアルバム『ジョアン・ミロの23の星座』をリリースした。ミロの「星座」シリーズに触発されたプリヴィットは、ミロの絵画の小ささに合うように、一連の短い曲（どれも約3分以内）を作曲した。最大10人のミュージシャンによるアンサンブルのためのプリヴィットの作品は、批評家から「型破りなほど軽やかで、幻想的で、夢のような」と評された。[ 80 ]
1954年にヴェネツィア・ビエンナーレ版画賞を受賞し、1958年にはグッゲンハイム国際賞を受賞した。[ 18 ] [ 81 ]
1981年、パルマ市議会（マヨルカ島）は、ミロがこの目的のために寄贈した4つのスタジオを拠点として、ピラール・イ・ジョアン・ミロ財団マヨルカを設立した。[ 82 ]
2018年10月、パリのグラン・パレで、このアーティストに捧げられた当時最大規模の回顧展が開催された。展覧会には約150点の作品が展示され、ジャン・ルイ・プラがキュレーションを担当した。[ 83 ]
今日、ミロの絵画は25万ドルから2600万ドルの間で売買されている。 2008年5月6日、アメリカのオークションで『星の愛撫 』（1938年）が1700万ドルで落札され、当時、彼の作品としては最高額となった。[ 84 ] 2012年には、クリスティーズ・ロンドンで『絵画詩（「私の茶色の体、緑の葉で覆われた猫のように、私はそれを愛している」） （1925年）が2660万ドルで落札された。[ 85 ]同年後半、ロンドンのサザビーズで『絵画（青い星）』（1927年）が手数料込みで2360万ポンド近くで落札され、2007年にパリのオークションで落札された価格の2倍以上となり、オークションにおけるミロの最高価格となった。[ 86 ] [ 87 ] 2017年6月21日、彼の「星座」シリーズの1つである作品「女性と鳥」（1940年）が、ロンドンのサザビーズで24,571,250ポンドで落札された。[ 88 ]
絵画同士が歌い合っている…